Superorganism estrena el sencillo, “On & On”

La banda presenta un sencillo reflexivo, lleno de texturas dulces y pegajosas.

Superorganism sigue con los lanzamientos previos al estreno de World Wide Pop, su segundo álbum de estudio, el cual está previsto a ser lanzado el próximo 15 de julio. Ahora, la banda londinense nos presenta “On & On”, quinto sencillo promocional del álbum, y el que recorre más los sonidos pop del material.

Este sencillo presenta ritmo de electro pop desde el inicio, con sonidos electrónicos o de interferencia a lo largo de todo el track, con diversos efectos que afectan y acompañan a la voz de Orono , mientras interpreta una letra que explora el tema de lo rutinario, crecer y repetir ciclos como si no pudiéramos escapar de esto. Este track es otra prueba de la genialidad de esta banda, al proponer letras existenciales y profundas con ritmos dulces que te hacen pensar en otro tipo de temas más alivianados.

El sencillo llega acompañado de un video animado por AEVA, artista que ha colaborado para los videos de lanzamientos anteriores del álbum. El video nos presenta una animación interesante, fusionada con tomas live-action de la banda, sobre escenarios animados, además nos comparte el concepto de la falsa nostalgia que aparece al pensar en el pasado y que nos hace pensar en los “viejos tiempos”, que realmente no fueron tan buenos.

Con este álbum, Superorganism nos esta invitando a reflexionar a cada sencillo que liberan, sin caer en mensajes pesados o de magnitudes gigantescas, sino que la reflexión se orienta más a la cotidianidad, que algunas veces tendemos a olvidar. Espera el lanzamiento del álbum el próximo 15 de julio y recuerda que ya puedes pre-ordenarlo.

 

Regresa 'From the Basement' con IDLES, Warpaint y más

Nigel Godrich presentará una nueva temporada llena de nuevo talento e intimidad como en el formato clásico.

Las sesiones From the Basement son legendarias por tener una gran calidad de talento dentro de sus temporadas pasadas. Con actos como Radiohead, White Stripes, Sonic Youth, Queens Of The Stone Age, el programa se posicionó como un escenario en el que tu proyecto debía aparecer para confirmar el éxito siguiendo un formato que marcó tendencia dentro de su época, nada de presentadores ni audiencia, solamente el artista y su música.

Ahora, después de una década desde la última temporada, Nigel Godrich anunció el relanzamiento de la serie musical, con una lista de sesiones que muestran grandes nombres como IDLES, Caribou, Warpaint y Sons of Kemet, confirmando que la serie regresa con la misma energía de siempre y con la intención de entregar un espacio controlado idóneo para que las bandas expongan su talento. Mira el tráiler de la próxima temporada a continuación:

¡Es un placer hacer esto otra vez! Yo solo soy un fan, me sigue emocionando tener la oportunidad de grabar a todos estos grandes artistas, y amo crear todos estos nuevos shows. Se siente como el momento adecuado para reconectar con la idea… y de alguna manera traerlo al presente, pero aplicando las mismas reglas del pasado…que se escuche y se vea increíble”.

IDLES será la banda con la que regresará el formato el próximo 1 de junio, y podemos estar tranquilos, ya que disfrutaremos de más sesiones hasta el mes de octubre de este mismo año. Te avisamos que podrás disfrutar de estos shows por medio del canal oficial de From  the Basement, el cual te dejamos aquí, y también tendrás acceso a más contenido si eres suscriptor de la plataforma WeTransfer, la cual estará lanzando tracks exclusivos de las sesiones.  Honestamente, podemos decir que estamos contentos con el regreso de esta mítica serie y no podemos esperar por escuchar todas las nuevas presentaciones que el sótano de Nigel Godrich tiene para nosotros.

Conéctate al IG Live con Cecilia Velasco

Entérate de todos los detalles acerca del Festival Marvin Gateway 2022.

No te pierdas el IG que preparamos con Cecilia Velasco, directora del Festival Marvin Gateway el 26 de marzo en punto de las 14:00 H a través de Instagram de Indie Rocks! y entérate de todos los detalles acerca del festival.

A tan solo unas horas del inicio de las presentaciones musicales en la edición Gateway del festival, la directora se tomará un momento para platicar con Maria Letona y contestar las preguntas del público acerca de las sorpresas que esperan en el Marvin.

Festival Marvin Gateway ya abrió sus portales, para hacer de este y los siguientes dos días (26 y 27 de mayo), fechas memorables con su selección de actividades híbridas en las que la música se acompaña de conferencias, talleres, gaming, charlas y más.

No te pierdas de esta conexión, así como tampoco puedes perderte del gran cierre presencial de festival en House of Vans con un espectáculo del que estaremos charlando  con su directora.

Festival-Marvin-2022

MUNA comparte “Home By Now”

"El hubiera no existe"; MUNA explora el sentimiento de arrepentimiento en este emocional sencillo.

Luego de haber firmado con Saddest Factory Records, MUNA prepara su tercer álbum de estudio homónimo, que lanzará este 24 de junio y que ya se encuentra disponible para pre-ordenar.

Como adelanto de esta nueva producción, el día de hoy estrenan “Home By Now” que le sigue a Anything But Me y “Kind Of Girl”, sus dos sencillos previos; está canción electro pop presenta los sentimientos de un corazón roto mediante la voz emocional y profunda de Katie Gavin.

 

 

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Esta melodía se acerca demasiado al sonido inicial de la banda y juega con los contrastes del ritmo y la intención real de la letra que está compuesta de una forma honesta, bella y cruda.

De acuerdo a Katie, la letrista y vocalista principal, "Home By Now" es una canción de ruptura que habla sobre el arrepentimiento y las dudas que quedan luego de reconocer el dolor de haber perdido una relación en la que tal vez estabas destinadx a estar.

El ritmo de este track parece seguir la línea de “Anything but me”, una canción pegadiza perfecta para bailar, pero con mas similitud a About U, su primer álbum completo.

“Home By Now” está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, además la banda lanzó un video lyric con el concepto visual de la canción, a cargo de Rena Johnson.

 

 

Steven Tyler vuelve a rehabilitación

Después de 10 años de sobriedad, Steven Tyler recae en su adicción a las drogas y decide rehabilitarse por voluntad propia.

El pasado martes la banda de rock estadounidense Aerosmith, comunicó a través de su cuenta de Instagram que el vocalista Steven Tyler sufrió una recaída. Tras una operación de pie y con la intención de controlar el dolor después de la misma, el cantante abandonó la sobriedad después de 10 años de abstinencia.

 

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Lamentamos mucho informar a nuestros fanáticos y amigos que debemos cancelar nuestro primer conjunto de fechas de residencia en Las Vegas este junio y julio mientras él se enfoca en su bienestar”, compartió la banda. “Continuaremos con nuestras fechas de 2022 a partir de septiembre y le informaremos cualquier actualización tan pronto como podamos. Estamos devastados por haber causado molestias a tantos de ustedes, especialmente a nuestros fanáticos más leales que a menudo viajan grandes distancias para experimentar nuestros espectáculos”.

Steven ha lidiado con su adicción desde la década de los 60, cuando comenzó a consumir marihuana de adolescente. Con el paso del tiempo su adicción empeoró y Tyler llegó a consumir heroína, cocaína, Valium, según declaraciones del artista para una entrevista con GQ en 2009.

En la década de los 60 a Steven Tyler y a Joe Perry, guitarrista de la banda, se les conocía como “los gemelos tóxicos” por su adicción a las drogas.

Puedes saber exactamente lo que nos pasó escuchando los discos... Puedes escuchar que la música se nubla. Escucha Draw the Line: el enfoque de Rocks se ha ido por completo”, comentó Joe a Rolling Stone en 1990.

Sigue pendiente de Indie Rocks! para más información.

Pehuenche — Vida Ventura

Una introspección llena de matices cinematográficos y texturas históricas mexicanas.

Rafael Mesa Zamudio, la mente detrás del proyecto Pehuenche, nos entrega Vida Ventura, su primer álbum de larga duración que explora diversos temas, los cuales tocarán fibras sensibles en varios de los que escuchen el material. Amor, desamor, seguir avanzando pese a cualquier cosa, dolor y felicidad, son algunos de los tópicos mencionados en cada uno de los 13 tracks que conforman el material, presentando una composición lírica de primer nivel.

A lo anterior, se le suma una gran propuesta musical con la exploración de diferentes géneros que sonaban en las décadas de los 60 y 70 en nuestro país, mientras se crea una fusión de folk, algo de pop, jazz y géneros regionales mexicanos, como el son jarocho.  Esta propuesta ecléctica podrá parecer caótica o sin relación, pero realmente Rafael logra una unidad fantástica entre toda su experimentación y siempre manteniendo un equilibrio con su potencial vocal.

El álbum nos da la bienvenida con los dos tracks más pop del álbum con “Dos amantes” y “Brillando” (el último presentando una colaboración con Carlos Sadness), pero con algunas texturas de lo que descubrirás mientras más avances en el álbum. “La Flor en Tu Puerta” es la primera canción dominada por el folk, presentando unas guitarras que marcan el ritmo de principio a fin, acumulando una energía que explota en la recta final del track con una trompeta sabrosa y que sorprende de buena manera a tus oídos, a partir de aquí el álbum se vuelve todo un popurrí de géneros y calidad musical mexicana.

“Mi soledad” nos remonta a un sonido clásico del bolero mexicano, sin sentirse viejo u obsoleto, sino que genera una sensación contraria, logrando un sonido icónico y nostálgico para los mamantes del género. “Agua Bendita” nos hace dar un gran salto hacia un ritmo más movido y épico, mientras se siguen utilizando sonidos clásicos como el de la música psicodélica de los 60, y con una gran presentación de sonidos western, dignos de aparecer en cualquier soundtrack de Ennio Morricone.

El álbum entrega cambios de ritmo entre cada uno de los tracks, lo que hace la escucha del material más dinámica. De esta manera llegamos a “Pasado y Olvido”, track que presenta texturas de la música cosmopolita brasileña de los 70 con el uso de coros sutiles desde el inicio del track y trompetas que se añaden durante el camino, como un buen bossa-nova, hibridado con balada mexicana.  “Secretos de ti” nos da un momento para bajar de ritmo y disfrutar de la voz de Rafael, acompañada de sonidos playeros y vintage como de los primeros días de las guitarras eléctricas.

“Lo sagrado” y “Por ella” nos regala dos canciones románticas que podrán tocar fibras sensibles en varios de los que escuchen el álbum, mientras expone letras poéticas y lindas que pueden ayudar a expresar los sentimientos más confusos o difíciles de externar del sentir personal. De esta manera llegamos a la recta final del álbum y con “Pensándonos” podemos hacer una recapitulación de lo mostrado anteriormente, explorando una gran parte de los géneros presentados y utilizando detalles de los demás tracks, entregando el sencillo más ecléctico del Vive Ventura.

“Eso” y “Temblor de Luna Llena”  nos terminan de zambullir en los ritmos clásicos y románticos de la historia musical mexicana, con un gran manejo de cada uno de los instrumentos utilizados para el desarrollo musical de los sencillos, las trompetas que senos presentan en “Eso” nos permiten entrar en un mood de ensueño y nostálgico, mientras que en “Temblor de Luna Llena” el arreglo de las guitarras y las técnicas vocales de Rafael nos guían hacia una propuesta más regional del son jarocho y creando uno de nuestros tracks favoritos del álbum.

Para finalizar tenemos “Vida Ventura” track que da nombre al álbum y que regresa a la propuesta de folk dominado por unas suaves guitarras y en el que la voz de Rafael tiene un espacio para lucirse. Siguiendo una narrativa positiva y alentadora sobre el cambio y los procesos humanos, el sencillo nos presenta una estética más épica y cinematográfica, cerrando con un buen son jarocho que repite “canto porque soy alegre”, coronando un gran debut para Pehuenche. Escucha el álbum completo aquí.

 

A 40 años del 'Pornography' de The Cure

El año cero del rock gótico.

Hace cuatro décadas, el mundo era otro: la guerra fría entre la entonces Unión Soviética y los Estados Unidos se encontraba en su fase más álgida; mientras que el 18 de mayo de 1980, la ciudad de Manchester se sacudía con el anuncio de la muerte de Ian Curtis, cantante de Joy Disivion; un año después, en junio de 1981, se reconoce al sida como una epidemia de enormes proporciones.

Es en este contexto que Pornography, el cuarto álbum de estudio de The Cure vio la luz. Fue un disco que en su momento no tuvo una buena aceptación por parte de la prensa ni de sus fanáticos, pero que al paso del tiempo ha sido revalorado en su totalidad, al grado de ser considerado un parteaguas a distintos niveles, en específico en la escena gótica mundial, catalogado como pieza clave en la génesis de dicho movimiento.

Pornography fue lanzado el 4 de mayo de 1982 en Reino Unido bajo la disquera, Fiction Records, producido por Phil Thornalley.

Luego de poco más de cuarenta años de trayectoria, es casi imposible encasillar a The Cure en un género musical, lo mismo han incursionado en el post-punk, que en el llamado rock alternativo, sin embargo, algunos sectores de la prensa especializada consideran que con Pornography dio inicio el año cero del llamado rock gótico por sus letras plagadas de pasajes lúgubres, sus atmosferas densas y sus acordes de guitarra etéreos.

Desde el diseño de portada realizado por Ben Kelly, es posible vislumbrar lo que nos depara el álbum en sus ocho tracks que lo integran. La fotografía muestra al entonces trió compuesto por Robert Smith, Simon Gallup y Laurence Tolhurst como una suerte de seres espectrales, envueltos en llamas, en un fondo completamente negro.

Pornography fue grabado durante tres semanas en los estudios RAK en la ciudad de Londres entre enero y febrero de 1982, en jornadas de trabajo caóticas rodeadas de drogas y alcohol, con un Robert Smith introspectivo, interesado en explorar su lado más oscuro, elementos que en definitiva funcionaron como catalizador para que The Cure creara una de sus obras más profundas y conmovedoras, cambiando para siempre el rumbo de la entonces música underground que se estaba produciendo a principios de esa década. “No tengo buenos recuerdos de Pornography, pero creo que es de lo mejor que hemos hecho, y nunca se habría hecho si no nos hubiéramos tomado las cosas en exceso. A menudo, la gente ha dicho: ‘Nada de lo que has hecho después ha tenido el mismo tipo de intensidad o pasión’. Pero no creo que puedas hacer demasiados álbumes así, porque no seguirías vivo”, afirma Robert Smith en entrevista.

En Pornography el sonido de la banda da un salto cuántico en comparación con sus tres discos anteriores, la voz de Robert Smith alcanza tonalidades que hasta entonces no le conocíamos, lo mismo que su ejecución en la guitarra; el bajo de Simon Gallup suena más potente que nunca, cobrando protagonismo desde el primero hasta el último tema; lo mismo que la avasallante  batería y los teclados de Laurence Tolhurst que le imprimen ese sonido oscuro y melancólico muy característico del rock gótico, que tanto influiría en cientos de bandas hasta nuestros días.

Previo al lanzamiento del álbum fue publicado el sencillo “Charlotte Sometimes”, sin embargo, debido a que no logró el éxito esperado, decidieron al final no integrarlo en Pornography. “The Hanging Garden” fue el único track que se desprendió del disco, lanzado en un vinilo de 7 pulgadas que incluía una versión en vivo de “Killing an Arab” en su cara B, el disco alcanzó el sitio 34 en las listas británicas de sencillos.

A la distancia, cuatro décadas después de su publicación, Pornography es catalogado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock mundial, reconocimiento más que merecido para una obra que cierra uno de los ciclos más emocionantes de The Cure.

Lykke Li — EYEYE

EYEYE o el carrusel de las obsesiones amorosas.

Después de un desencuentro amoroso el tiempo parece extenderse, los minutos se vuelven horas y las horas días, pero las sensaciones no cambian. De manera casi inevitable, aparece el bucle tortuoso de la soledad. La lejanía nos envuelve en un carrusel doloroso en el que vemos nuestra historia repitiéndose infinitamente. EYEYE se regodea en la obsesión y oscuridad del desamor, desnuda el dolor, y lo instala en nuestros sentidos en forma de film noir.

Con su nuevo álbum, que además de otorgarnos una experiencia auditiva única también lleva las sensaciones al campo de lo visual, Lykke Li ha entrado a una nueva faceta de su carrera. Después de su último álbum so sad so sexy, donde escuchamos a una Lykke Li mucho más ligera, interesada en adentrarse en los terrenos del trap, llega EYEYE con una vibra mucho más densa.

Con un total de 8 canciones, acompañadas por una serie de videos de un minuto de duración cada uno, el nuevo LP se encarga de llevarnos a un viaje oscuro y monótono por las profundidades del sufrimiento humano. Como salidos de una historia de Instagram, efímera y en bucle, los magníficos cortos de EYEYE, filmados en formato de 16mm por Edu Grau y dirigidos por Theo Lindquist, forman en conjunto una película noir en la que podemos ver la actuación de Li, pasando por un accidente automovilístico en “HIGHWAY TO YOUR HEART”, una danza eterna y sublime en “CAROUSEL”, hasta llegar al encuentro de los amantes que llegan y se van en “OVER” y “ü&i”.

El título del álbum es un palíndromo que busca exaltar la ausencia de principio y de final. Al igual que el nombre, el mismo álbum también puede ser escuchado como un palíndromo, de principio a fin y de fin a principio. Con la firme intención de exaltar la bella y melancólica interpretación de Lykke, sintetizadores suaves y embriagadores la acompañan a la par, a la vez que crean atmósferas fulminantes y etéreas por sí mismos como en el cierre instrumental de “CAROUSEL”.

Así, las letras de EYEYE se manifiestan como los lamentos de un corazón roto. “Doesn't go away/ Every night I wait/ Doesn't go away/ You don't go away…” se escucha en “YOU DON'T GO AWAY” el segundo tema del álbum que le sigue a “NO HOTEL”. Llegamos a “HAPPY HURTS” donde la artista nos cuenta la historia de un recuerdo tormentoso. En seguida tenemos a “CAROUSEL”, que sería el tema que más somatiza la naturaleza monótona del álbum: “Spin my heart around and 'round/ Flying and I can't come down/ Yeah, I'm high as hell/ And I can't let go…

EYEYE queda como una experiencia inmersiva, casi lynchiana, que más allá de su calidad estética tanto en lo musical como en lo cinematográfico, nos deja el placer de la compañía empática y auténtica que solo puede darse a través del arte, sobre todo, en momentos tan necesarios como el duelo y la soledad. Lykke Li toca fibras de la experiencia amorosa de una manera profunda y sincera, lo cual le da un valor extra a su trabajo, sobre todo en tiempos donde lo frívolo y superficial están a la orden del día.

Entrevista con Asger Techau

Un hombre normal haciendo música normal.

Se suele escuchar mucho cuando los artistas pasan por un proceso de bloqueo creativo. En el caso de los músicos, que ahora tienen que sacar material de manera más frecuente, es algo que suele ocurrir en aras de mostrar un material que impacte a todos, buscando contar lo que nadie ha dicho. Asger Techau sabe que a veces no hay que ir más lejos: su más reciente disco Levels, habla de cosas tan simples y complejas como la felicidad, la tristeza, el amor. Sentimientos que podrían estar más que vistos, pero que nunca pasan de moda.

La música deber ser un espacio para poder expresar tus sentimientos dejando las redes sociales y toda la información que constantemente está tocando a nuestra puerta. A veces solo necesitas algo que te pegue directo y vaya hasta lo más profundo de tu ser, tome tu atención y haga algo de tu persona”.

Su tercer disco (que salió el año pasado), continua con la construcción de paredes de sonido, pero en esta ocasión la electrónica queda en segundo plano y las guitarras regresan con fuerza. El trabajo ha logrado una vez más los elogios de la critica, pero también de nuevo y viejo público. El productor se sorprende de la manera en la que su trabajo ha logrado conectar con la gente, en especifico la audiencia joven, por que a pesar de hablar de cosas por las que todo mundo puede pasar, son los años y las experiencias los que dan nuevos matices y una visión diferente, que muchas veces impacta en el otro… aunque en el fondo se hable de lo mismo.

“Ya tuve mis 20 y fue algo muy divertido, estaba trabajando en esa época, tocando mi música, pero aprendí mucho de mi mismo; pero me di cuenta hasta mucho después, 10 años para ser exactos. Toma tiempo procesar todo lo que has aprendido en la vida y cuando eres joven no piensas en eso, pero algunas veces, hablando de música, algunas realidades te llegan directo y tienes que enfrentarlas”.

Para este trabajo, Asger se reunió de nueva cuenta con Casper Hesselager, quien estuvo a cargo de la co-producción de su anterior trabajo Desedence (Four Leave Clover, 2019) así como de varios EPs que han salido durante este lapso de tiempo. Así este nuevo trabajo busca hacer canciones que vayan al centro del sonido, en un proceso que se define como ir de lo general a lo particular; para ello cada una de las canciones tuvieron en un inicio miles de capas de sonido y voz y poco a poco se fueron “desnudando” para dejar paso a lo que conoces cómo el trabajo final, mucho de ello inspirado en trabajo de artistas como Elliot Smith.

“Me gusta ser tan directo como se pueda, creo que es muy importante dejarte llevar por la música y el arte tanto como se pueda, la gente en estos días tiene una atención muy corta, si haces algo muy complejo puedes perder su atención, de hecho, creo que algunas de las cosas que hago son así; no solo en cuestión de letras sino también de sonido y pueden ser muy difíciles de escuchar. Pero hay algunas canciones que pueden ser muy claras y directas, que espero se puedan meter en tu mente”.

Asger se presentará en la edición de este año del Festival Marvin Getaway, para ello ha creado un set de temas que van de alguna manera conectados en sonido e intención, además de claro, repasar algunos tracks de su catálogo para los fans más conocedores. El compositor esta siempre trabajando y nos puede adelantar que nueva música está en camino, no sabe cómo ni cuándo, pero espera que la inspiración regrese pronto, mientras se dedica a pasar tiempo con su familia y sobre todo a vivir.

“Estamos en una vida llena de distracciones todo el tiempo y te puede llegar a perder muchas cosas: una chica sonriéndote, madre e hijo interactuando… Muchas veces solo necesitas mirar y ver a tus alrededores, porque algo bonito podría estar pasando frente a ti”.

Conoce la música caótica de Vómito Garage

Una banda con ideas y sonidos frenéticos que te motivarán a romper todo.

Algunas veces el destino nos entrega oportunidades y éxitos que no esperábamos conseguir, pero cuando el talento se une a la constancia y a un buen grupo de amigos, los resultados comienzan a aparecer frente a nosotros. En el caso de Vómito Garage, esto sucedió cuando avanzaron a las fases finales del Vans Musicians Wanted en su edición de 2021.

Primero lo primero, ¿Quiénes son Vómito Garage? Esta es una banda nacida al sur de la Ciudad de México, formada entre los cerros, árboles y botargas de rata de la Magdalena Contreras, que presenta dentro de su alineación a Tenoch (vocalista y guitarra), Janath (bajo) y a Alfonso (guitarra); tres mentes con ideas alocadas, que desde 2019, buscan su estilo musical único y desenfrenado.

La banda presenta un sonido muy interesante, el cual fusiona géneros como el punk, el garage y el surf, estableciendo una gran triada de estilos como base para la creación de ruido desenfrenado y caótico que te invita a mover el cuerpo de maneras en las que ni uno mismo sabe que puede hacerlo. Su carácter independiente y personalidad de do it yourself, solo aporta puntos positivos a la propuesta de la banda, unificando un sonido lleno de efectos lisérgicos, reverberaciones y distorsión al por mayor.

Por el momento, Vómito Garage cuenta con un EP llamado No Estamos Vivos (2022) en el que encontramos cuatro sencillos cargados de una energía destructiva y en los que se exploran todos los géneros que influencian el trabajo de los chilangos. Comenzando el frenesí con “Wake up”, sencillo en el que podemos encontrar una letra sencilla (como nos gustan para aprenderlas rápido) y una voz cargada de efectos que hacen de esta una experiencia insana, que se mantendrá durante los otros tres sencillos.

Sin duda, uno de los momentos más importantes en la joven carrera de la agrupación, fue cuando quedaron en el top 10 del concurso internacional Vans Musicians Wanted en su edición de 2021, logró del cual deben sentirse más que orgullosos, por el gran número de participantes en este concurso. Estaremos atentos a lo nuevo que presente la banda. Recuerda seguirlos en todas sus redes sociales y aquí te dejamos su EP completo para que los descubras por tu cuenta.