Sia está trabajando con FKA Twigs

Sia está escribiendo canciones con FKA Twigs y Beyoncé, aunque no sabemos para qué disco serán.

La carrera de Sia empezó con la formación del grupo Zero 7, lanzando su debut Simple Things en 2001. A partir de ahí, la carrera de Sia se desempeño en solitario y cómo colaboradora creativa constante de artistas cómo Christina Aguilera, Beyoncé y muchos artistas en la escena pop.

A la par de sus propios discos, Sia desarrolló esta habilidad para estar detrás de la producción de artistas monumentales, hasta que decidió demostrar de lo que esta hecha en 1000 Forms of Fear, su sexto álbum como solista.

Entre el periodo de su inicio en Zero 7 y sus 6 discos en solitario, escribió canciones para varios artistas y muchas fueron rechazadas por los mismos. Encontrando que muchas de esas canciones pudieron haber sido grandes y que solo estaban guardadas y olvidadas, Sia busca reciclarlas, adaptándolas a artistas nuevos o a la estructura musical de ella misma . El primer single de su nuevo LP This is Acting fue lanzado ayer. Se trata de "Alive", que originalmente fue pensando para Adele.

Sia

 

Esto lo sabemos gracias a su reciente entrevista con Zane Lowe para Beats 1, donde contó que consideraba a dicho track como un éxito, pero Adele no sintió que fuera para ella.

Reveló también que, aunque esta no fue aceptada por Adele, su nuevo disco si tiene una colaboración con ella. También comentó de su nueva colaboración con Beyoncé, sin dar detalles del cuándo, dónde, o para qué.

En la misma entrevista, Sia menciona a FKA Twigs como otra persona con la que está trabajando. "Necesita apoderarse del planeta. Tiene algo muy único e increíble. Es una artista muy interesante para colaborar", comentó en la entrevista, aunque tampoco reveló más detalles al respecto. Recordemos que FKA Twigs le hizo un cover "Elastic Heart", original de Sia en BBC Radio 1 Live Lounge.

Esperamos su nuevo LP This is Acting para 2016. Escucha el primer single, "Alive"

 

 

Entrevista con Clemente Castillo

Los nuevos aires de Clemente Castillo.

Fotografía: Adriana Ortiz

Desde finales de la década de los noventa, Clemente Castillo ha estado presente en nuestras vidas siendo el vocalista de Jumbo y regalándonos grandes canciones como: “Fotografías”, “Siento que” y “Cada vez que me voy”. Ahora, el regiomontano ha decidido aprovechar un breve descanso de su banda para poder lanzar su primer disco como solista, un reto que lo sacó de su zona de confort y lo llevó a explorar nuevos rumbos, nuevos horizontes, dando como resultado Eureka, un trabajo fresco alejado de lo que hace con su banda pero con la misma calidad vocal y lírica que lo ha caracterizado siempre.

“Este proyecto es algo totalmente nuevo, una faceta en paralelo a Jumbo, tomándome la libertad de experimentar con este sonido y salirme de este universo del rock & roll que venimos haciendo por diecisiete años”, comentó en entrevista para Indie Rocks!

La idea de lanzar un disco fuera de su banda nació hace poco más de un año, el día de su cumpleaños, cuando se le ocurrió la idea de grabar una canción con un amigo, lo que lo llevó a explorar caminos desconocidos para él, experimentando con géneros que van más allá del rock que normalmente toca.

“El verano pasado, en mayo, estaba cumpliendo años y platicando con un colega de Perú, que terminó siendo el productor de Eureka, nos decidimos juntar para armar una canción, que es el tercer track 'Todavía no', y quedé muy satisfecho. No podía creer que hubiera llegado a un punto tan profesional a todos niveles, sonoro, producción y arreglos. Todo fue tan bueno que le propuse, un par de meses después, la posibilidad de hacer un disco completo. Le empecé a enseñar canciones y vimos que había suficiente material”, comentó.

“Lo único que queríamos era alejarnos los más posible del rock y adentrarme en estos mundos. Como melómano enfermizo, siempre he tratado de ser menos purista, intento ser abierto a todas las recomendaciones que me dan amigos, fans y otros músicos y también ser un buen receptor a la hora de escuchar ya sea reggae, soul, blues, funk, etc. Trato de verlo no como 'me gusta el rock y soy rockero', más bien creo que la música es universal y se puede comunicar de muchas maneras tratando de ser inteligente y sensible”, agregó.

El disco cuenta con la colaboración de varios de sus colegas y amigos, músicos que, junto a Clemente, han ayudado a moldear el sonido del rock mexicano. Chetes, Pato Machete y Meme se encuentran entre los invitados del disco, algo que no es casualidad.

“Creo que el tema de las colaboraciones en un disco se tiene que dictar a partir de lo que la canción requiera. Cuando hablábamos de una canción como '¿Dónde están?', en la que participa Pato Machete, que tiene un arreglo de reggae, nos dimos cuenta de que estaba fuera de mi zona de confort y nos planteamos dejar un espacio en blanco en el segundo verso y que ahí entrara un rapero y la primera persona en la que pensé fue en mi vecino de infancia, le dije: Pato te quiero invitar al proyecto e inmediatamente me dijo que sí, le cayó un par de días después al estudio y se armó una muy buena sesión”, explicó.

El primer sencillo, “Fantasmas” es una canción oscura, que muestra un lado de Clemente poco conocido, pero esto no es nuevo, pues llevaba trabajando en ella por cinco años.

“La canción originalmente fue escrita en 2010, era muy larga y mucho más oscura y sangrienta. Cuando llegamos a la selección de rolas para Eureka, empezamos a hacerla cada vez más breve y nos quedamos con el mensaje central desde un punto de vista sicológico y depurando toda la parte más gráfica y gris. Al final quedó una canción más liviana pero con el mensaje central de cuestionarnos: ¿quiero, como ser humano, seguir caminando con este peso y estos fantasmas? Alguien alguna vez me preguntó: ¿los fantasmas se quedan o se van? Creo que hay que borrarlos y dejarlos como ese espejismo que al fin de cuentas son”, contó.

Otra canción que resalta de Eureka es “Calaveras y Diablitos”, original de Los Fabulosos Cadillacs y que grabó a lado de Celso Piña. La elección de esta melodía nos es coincidencia pues ya la había interpretado a lado de Carla Morrison en un acto sorpresa del Vive Latino, pero esa no es la única razón por la que la eligió.

“Elegí ‘Calaveras y Diablitos’ porque se me hizo una canción muy mexicana, la visualizo como una canción de Día de Muertos. También por la frase de Flavio: ‘la vida es para vivirla mejor’ que da a entender que hay que cuestionarnos pero hay que tomar la vida a la ligera y verla con optimismo”, explicó.

Clemente espera que éste sea el primer capítulo de una historia que llevara en paralelo a la que ya tiene escrita con Jumbo, así que no se preocupen, ya que como el regio nos dijo: "Jumbo sigue, creo que es saludable tratar de esperar un tiempo para que cada quien se enfoque en sus proyectos”. Por lo pronto toca disfrutar de esta nueva faceta que promete y promete mucho.

Clemente te enseña cómo tocar "Fantasmas", en lo que llega su disco Eureka el próximo 6 de noviembre. ¡Espéralo!

Entrevista con Sexy Zebras

Sexy Zebras, los más eufóricos de España, regresarán en noviembre a tierras mexicanas

A días del lanzamiento de su disco Hola, somos los putos Sexy Zebras en México, entrevistamos a la banda española que nos dio su perspectiva acerca de Latinoamerica y platicó de su preparación para tocar nuestro país nuevamente, habiendo acabado de grabar su último video.

La banda surgió en 2005 como una agrupación de amigos haciendo música. Fue hasta 2009 que deciden grabar un LP recopilando las mejores canciones que grabaron durante esos 4 años. El resultado fue Nada Más Lejos de la Realidad, lanzado en 2011. Desde ese momento, Sexy Zebras se caracterizó por ser una ráfaga de energía en el escenario y estudio, reflejándose en su personalidad e ideaología, acompañada de la elocuencia en su relación con aspectos visuales (videos) y la música misma. Su meta principal: hacernos sudar.

Platicamos con José Luna, guitarrista de la banda, quien nos contó del punto alcanzado por la banda trás una larga carrera empezada en su natal España que, aunque reconoce encontrar una escena que disfruta muchísimo de su música, contrasta notablemente con el público latinoamericano que parece estar más interesado en divertirse.

"Nuestras expectativas son altas acerca de nuestras próximas fechas en México; la gente va más hacia nuestra onda, les gusta descamisarse, sudar, divertirse". En España existe la escena garage que cada vez recibe más atención y apoyo por festivales como Osa do Mar. Los asistentes definitivamente saben a lo que van; absorber música y disfrutarla, pero no deja de ser una escena emergente. En México nos sentimos mucho más confiados del standard de locura y energía, nos sentimos mas identificados".  Basta recordar el éxito de la banda en el Festival Marvin de 2014 para entender de dónde viene el amor hacia el público mexicano.

José aclara su humildad ante el éxito en nuestro continente, reconociendo que antes de iniciar giras por Sudamérica, "pretendemos conquistar el mercado musical mexicano. Lo consideramos la cabeza del mercado musical en Latinoamerica".

En cuanto a su presencia a nivel internacional, José menciona que se encuentran en "una posición donde podemos ubicarnos en festivales mainstream sin caer en indie. Parece que la gente empieza a entender nuestro rock y empieza a demandarlo también. Han aprendido a digerirlo como en la escena en la cual podría decir que nacimos, en el underground o garage . Eso nos da la diversidad de estar presentes en varios festivales y nos encanta".

Sexy Zebras

 

Otro aspecto interesante de la banda es la estética visual lograda en sus videos. El director y amigo Ismael Souissi, a quien José considera "un miembro más de la banda" es el que se ha encargado de lograr esa apariencia, ubicando referencias desde Black Sabbath, hasta la actualidad.

"Desde Visitantes, arrancamos nuestro propio sello y tomamos las riendas de nuestro proyecto. A partir de ahí empezamos a trabajar con Ismael cuando buscamos transmitir la energía de la banda de alguna manera. La mayoría de los casos experimentamos con efectos visuales, narrativas y mezcla de ideas. A partir de ahí, las manipulábamos hasta lograr la conexión entre la sonido e imagen.

El último single "Bandido" también contó con la dirección de Ismael y fue en el que habían estado trabajado las últimas semanas.

SEXY ZEBRAS

Nos damos cuenta que los integrantes de Sexy Zebras han llegado a un punto en el cual se sienten confiados sin ser arrogantes; han logrado definir completamente quienes son, les ayudó a perder la cordura creativa y les dio pauta a una infinita capacidad de calidad en su trabajo.

Estaremos esperando a la banda para noviembre en su gira por México. Definitivamente esperamos sudor en nuestro escenarios durante sus presentaciones.

Te dejamos su último video, "El Fugitivo"

Arcade Fire estrena cinco canciones

Arcade Fire estrenó cinco canciones inéditas y las puedes escuchar aquí.

En las ultimas semanas hemos estado hablando mucho sobre Arcade Fire, y es que pese a que teníamos la idea de que se tomarían un año sabático en alguna playa de Haití, la banda canadiense sorprendió a sus fans con varios proyectos.

Win Butler lanzó su propia marca de café, mientras que su hermano Will, se puso creativo y estrenó su primer disco en solitario.

En el inter, Arcade Fire anunció el estreno de su película  The Reflektor Tapes, que de la mano de Kahlil Joseph mostraría el lado B de la banda, con todas esas imágenes de lo que ocurre sobre y debajo del escenario, en el cuarto de ensayo, cuando están de gira y cuando planeaban lo que sucedería con su disco Reflektor.

Esta cinta se estrenará en algunas salas de cine alrededor del mundo esta misma semana – esperamos que pronto se anuncie en México- y por tiempo limitado.

Arcade Fire

Aunado a este súper debut en la pantalla grande, Arcade Fire anunció la reedición de Reflektor, donde se incluirán tracks inéditos que quizá sonaron en algunos de sus shows, pero que ahora podrán ser escuchados de forma oficial.

Se trata de los tracks “Apocrypha”, “Women of a Certain Age”, “Soft Power”, “Get Right” y “Crucified Again”, así como un remix a “Flashbulb Eyes” de Dennis Bovell. “Get Right” y “Crucified Again” serán editadas además en un vinil de 7” de edición limitada, y por si fuera poco, estos seis tracks inéditos también estarán disponibles en formato de cassette con el nombre The Reflektor Tapes a partir del 16 de octubre.

Mientras llega la fecha, escucha estos nuevos temas, en la versión digital y extendida de Reflektor.

Tracklist de The Reflektor Tapes :

  1. Apocrypha
  2. Women of a Certain Age
  3. Flashbulb Eyes (Dennis Bovell remix ft. Linton Kwesi Johnson)
  4. Soft Power
  5. Get Right
  6. Crucified Again

Sam Smith estrena el tema para James Bond

Sam Smith presenta "Writing on the Wall", la canción que compuso para la película Spectre, de James Bond.

Sam Smith está a punto de romper el Internet, compartiendo su canción para la última película de James Bond, Spectre. Producida por Jimmy Napes y Disclosure (nada que ver con "Latch" y "Omen"), es una canción melancólica y de alguna manera obscura cómo lo fueron "The World Is Not Enough" de Garbage y "You Only Live Twice" de Nancy Sinatra en su momento.

Con esta composición, Sam Smith se vuelve en el primer cantante británico en crear un tema para alguna película desde Tom Jones, que grabó "Thunderball" en 1965, para la cuarta entrega de la franquicia que lleva el mismo nombre.

Se espera el lanzamiento de la película para el 26 de octubre en Irlanda, mientras que el lanzamiento global será para el 6 de noviembre. Spectre tendrá en el papel protagónico a Daniel Craig como el agente 007, con la posibilidad de que también sea su la última vez en la taquillera franquicia.

Ralph Fiennes (nuevo M), Naomie Harris (Moneypenny), Ben Whishaw (Q) y Rory Kinnear (Tannner) se unen al elenco de la película como lo han hecho en las más recientes. Christoph Waltz se suma al elenco como el antagonista principal Oberhause, junto a Monica Bellucci (Lucia Sciarra), Andrew Scott (Denbigh), Dave Bautista (Mr. Hinx) y Léa Seydoux (Madeleina Swann). La dirección corre a manos de Sam Mendes.

La película narrará cómo Bond se pone en contra de SPECTRE, una organización criminal... Mejor ve el trailer

A horas del lanzamiento, ya existen miles de comentarios al respecto, habiendo comparaciones con la canción de Michael Jackson "The Earth Song" (1995), mientras que otros consideran que instantáneamente se volvió en un tema clásico de Bond.

Sam Smith comentó en cuanto a la creación que "Nunca se había tardado tan poco en escribir una canción". Solo le tomó 20 min, a lo que ya hay respuestas negativas en vez de pensar en que el proceso creativo de alguna manera se estimula con la emoción.

Sam Mendes opina que la canción cumple con "el factor de mantener a Bond en un papel con poder, mas allá de ser debilitado". Saca tu propia conclusión del tema, escúchalo aquí:

 

 

Disclosure estrena Caracal

La dupla británica por fin estrenó su disco Caracal, y lo puedes escuchar aquí.

Por fin llegó el día esperado por los fieles seguidores de los hermanos Howard y Guy Lawrence, el estreno de Caracal, su segundo trabajo discográfico. En los primeros meses del año nos enteramos que Disclosure ya estaba en el estudio de grabaciones trabajando en un nuevo material, en el que prometían no sólo nuevos sonidos, sino una reunión de invitados especiales. Poco después, su disquera, Island Records, confirmó los rumores y así, poco a poco, se fueron dando a conocer las primeras pistas.

Disclosure

De Caracal ya hemos escuchado algunos adelantos como Bang That y Holding On, cuyos videos fueron grabados en la ciudad de México, como parte de una secuencias de imágenes que acompañarían el concepto del álbum. Más tarde, Disclosure estrenó Omen, con la brillante voz de Sam Smith que, una vez más, acompañaba a los hermanos Lawrence en sus aventuras llenas de beats después del éxito que ambos lograron con el track “Latch”. Justamente esta semana, la dupla británica nos dio otro adelanto de su esperada colaboración con Lorde, a través de un track que lleva por nombre “Magnets” y que estrenaron en el programa de Radio 1 de la BBC. Después de una irresistible espera y tras varios adelantos, Disclosure nos presenta el día de hoy el disco completo, en el que también se incluyen las colaboraciones de The Weeknd, Gregory Porter, Lion Babe, Kwabs, Nao, Miguel y Jordan Rakei.

Tracklist de Caracal:

  1. “Nocturnal” [ft. The Weeknd]
  2.  “Omen” [ft. Sam Smith]
  3. “Holding On” [ft. Gregory Porter]
  4. “Hourglass” [ft. Lion Babe]
  5. “Willing & Able” [ft. Kwabs]
  6. “Magnets” [ft. Lorde]
  7. “Jaded”
  8. “Good Intentions” [ft. Miguel]
  9.  “Superego” [ft. Nao]
  10. “Echoes”
  11. “Masterpiece” [ft. Jordan Rakei]
  12.  “Molecules”
  13. “Moving Mountains” [ft. Brendan Riley]
  14. “Bang That”
  15. “Afterthought”

The Libertines - Anthems for Doomed Youth

The Libertines regresan cantando a los condenados.

Escuchar al cuarteto de londinense más irreverente de nuestros tiempos, siempre es un agasajo. Mejor aún es saber que The Libertines arregló sus diferencias y pronto estará en nuestro país para subir al escenario del festival Corona Capital 2015.

La banda liderada por el excéntrico Carl Barât y Pete Doherty está de regreso con su tercer material, el cual consta de 16 himnos (versión deluxe) que rápidamente se convierten en tus favoritos. Retomando la poesía bélica de Wilfred Owen, la controversial banda londinense bautizó a su tercer álbum de estudio: Anthems for Doomed Youth.

Entre toques de nostalgia y esperanza, el disco inicia con “Barbarians”, un tema donde la voz de Doherty es perfectamente vestida con baterías, rasgueos y coros que te hacen subir el volumen del estéreo.  El ritmo baja para el segundo tema, pero la emoción aumenta con la llegada de un pegajoso coro.

La decadencia de una guerra y la esperanza de una tierra prometida la escuchamos en el tema que dio el nombre al disco. Este melancólico y revolucionario track que te invita a soñar, es apenas el comienzo de lo que será una travesía inolvidable junto a estos músicos y poetas locos.

“You are my Waterloo” es una balada romántica perfecta para una tarde lluviosa, que sorprendentemente, data del año 1999. Bailar, cantar y disfrutar es todo lo que puedes hacer cuando escuchas la demencia británica en tan simples, pero potentes acordes.

Con “Heart of The Matter” recordamos viejos tiempos al escuchar de fondo las guitarras de “Dont Look Back in to the Sun”. El descaro con más tintes punk llega con “Fury Of Chonburi”. Esta furia es interrumpida por “The Milkman’s Horse”, en donde el amor y el desamor resuenan a cada instante. Sin embargo, la rebeldía revolucionaria regresa con “Glasgow Coma Scale Blues”El piano anuncia el final con “Dead For Love”, en donde la obscura narrativa te envuelve en una desgarradora adicción, en la que sufrir es la única manera amar, y morir una forma de vivir.

La edición especial sube los ánimos más al estilo rock and roll con “Love On the Dole”. En seguida, “Bucket Shop” y “Lust of The Libertines” nos dan más de esa esencia irreverente y despreocupada de la banda, demostrando que tomarse la vida menos en serio, no siempre viene mal.  Finalmente, un sonido acústico es el que cierra esta larga entrega con “Seven Deadly Sins”, demostrando que a pesar de las dificultades ocasionadas por los excesos, Barât y Doherty, siguen siendo la pareja ideal del rock.

New Order - Music Complete

Un nuevo disco de New Order siempre es una buena noticia.

Ya sé, muchos dirán que sin Peter Hook, New Order no es lo mismo y que la banda no tiene opciones de regresar a su calidad original. Bueno, lo mismo dijeron cuando Ian Curtis murió. Pero Joy Divsion reencarnó y se convirtió en una de las agrupaciones más influyentes de la década de los 80 y parte de los 90.

Diez años han pasado desde que los originarios de Manchester lanzaron su último material Wating for the Sirens’ Call. La expectativa es grande, no solo por el tiempo transcurrido sino por el hecho que es una banda legendaria y los reflectores siempre estarán sobre sus integrantes, y más, cuando uno de sus fundadores ha abandonado el barco y decidió abordar el propio, para navegar por mares distintos.

“Restless”, canción ya conocida por todos abre el disco, dándole un toque rockero que recuerda al sonido de su ciudad natal así como a bandas actuales que a su vez se vieron influenciadas por ellos. Digamos que el círculo se completa.

“Singularity” engaña al oído, por un momento suena a Joy Division, con atmósferas y un bajo dominante. Todo esto se acaba al explotar la canción pues se convierte en un techno clásico de la banda, nada especial.

Lo especial llega con el tercer track, “Plastic” que, a pesar de mantener la misma tónica que el anterior incluye un par de detalles que la hacen resaltar. El primero es el agregado en la voz de Elly Jackson (La Roux) que sirve de segunda voz y hace un bello contraste con los graves de Bernard Sumner. El segundo es la letra, que critica a las personas superficiales siguiendo un discurso punk: “You’re so special, So iconic”. La participación de Elly continúa durante dos canciones más aunque ninguna de ellas resalta tanto como la primera.

Otro invitado es Iggy Pop, que hace de narrador durante “Stray Dog”. Es un giro a un disco que hasta ese momento está dominado por los sintetizadores y los beats bailables.

Para el resto del disco regresan al sonido inicial, obvio con matices. Desde “Nothing But a Fool” que suena más new wave, hasta “Unieran This Hatred”, que te lleva a las pistas de baile de las “discos” ochenteras. “Academic” y “The Game” navegan entre una y otra.

Para cerrar guardaron lo más comercial. “Superheated” cierra el círculo regresando al sonido de “Restless” pero agregando a Brandon Flowers, lo que le da, aún más, el toque moderno a la canción y logra conectar un par de generaciones encontrando un punto medio entre ambas.

Music Complete tiene puntos buenos y malos. Lo bueno es que la banda intenta algo nuevo, sin dejar de lado sus viejos beats. Lo malo es que en el intento hay tracks que parecen repetirse. Digamos que tuvieron algunas ideas pero desarrollaron varias melodías alrededor de un mismo sonido sin terminar de arriesgarse del todo, como si no tuvieran la soltura necesaria. Aún así, es un buen disco que no decepcionará a sus fieles seguidores.

30 años de lealtad a la música

Rock In Rio fue idea y sueño de Roberto Medina, un empresario brasileño que pensó que a Brasil le hacía falta tener a las más grandes estrellas del rock y el pop en un solo evento. Así, en 1985, llevó a AC/DC, Queen, Iron Maiden, Rod Stewart, Yes, The B52’s, Gilberto Gil, Scorpions y Os Paralamas Do Sucesso, entre otros, a tocar a la ya emblemática extensión de tierra de 250,000 m2: la Cidade do Rock. Más de 1.4 millones de personas asistieron a los 10 días que duró.

En Brasil, el festival repetiría en 1991, 2001, 2011 y 2013, con réplicas exitosas en Lisboa (2004, 2006, 2008, 2010, 2012 y 2014), Madrid (2008, 2010 y 2012) y una confirmación en Las Vegas para este 2015.

Nosotros nos lanzamos a vivir la experiencia el fin de semana pasado, de la mano de Bacardí, uno de los patrocinadores más importantes de Rock In Rio, que generó una experiencia increíble: el Untameable Studio.

Y justo el primer día, lo primero que hicimos fue dirigirnos a este recinto de grabación, donde con tan solo registrarte y con la promesa de tener un proyecto innovador, Bacardí pone a disposición músicos, microfonía, backline y a los mejores ingenieros y productores, para que, si no tienes cómo, puedas grabar un demo en el marco del festival.

“Esta experiencia ha sido increíble, porque como productor me ha permitido escuchar a gente que realmente tiene talento, y si no fuera por el Untameable Studio, no habría forma de conocerlos; es importante saber que hay más allá de los headliners tradicionales, e impulsar la música desde otras plataformas”, dijo Julian Conde, productor jefe de Untameable Studio, y nada más y nada menos que mastermind detrás de la música de la diva brasileña María Rita.

“Para Bacardí es importante relacionarse con la música, y qué mejor manera de hacerlo que ayudando a músicos amateur a cumplir su sueño de grabar algo”, añadió Bruno Macario, gerente de marketing de Bacardí Brasil.

Y vaya que la gente lo aprovechó, pues no hubo uno de los tres días que duró el festival en que no estuviera repleto de personajes de todo tipo: cantantes solistas, bandas completas y uno que otro despistado que entendió que lo suyo, lo suyo, no es tener una banda.

Después de conocer esta iniciativa, recorrimos los escenarios, todavía vacíos, de la Ciudad del Rock, un recinto impresionante en cuanto a magnitud, con tres escenarios principales: Palco Mundo, Palco Sunset y Electrónica, además de dos callejones dedicados a proyectos más pequeños, entre cada uno de los grandes escenarios.

Vale la pena observar cuando la gente entra al festival, con el jingle del mismo sonando en los sistemas, cada que alguien cruza la puerta, cual jugador de futbol, toca el piso y parece que reza una corta plegaria. El fanatismo es impresionante. La gente viene en en todas sus presentaciones; desde señores de 70 años hasta bebés en carreola, parejas, familias enteras.

El día uno, el Palco Mundo recibió a la gente con una serie de fuegos artificiales que arrancó suspiros de todos. Más tarde nos enteraríamos que así inicia la música dicho escenario todos los días. Un grupo de músicos brasileños que incluyó a Os Paralamas do Sucesso, Erasmo Carlos, Samuel Rosa e Haroldo Ferretti (Skank), Frejat, Jota Quest, Andreas Kisser (Sepultura), entre otros, tocó canciones emblemáticas que han sido escuchadas a lo largo de 30 años del festival. Un comienzo increíble.

A ellos les siguió la banda irlandesa The Script, que sorprendió con un rock pop de altura y agradeció a los más de 50 mil asistentes por su primera gran experiencia en Brasil. Luego, One Republic hizo saltar a miles de jovencitas que coreaban todas y cada una de sus canciones, pero lo más esperado de la noche cerraría con broche de oro ese 18 de septiembre: Queen con Adam Lambert volcaron una serie de éxitos que nos hicieron darnos cuenta de que no importan la edad, mientras mantengas la calidad. A estas alturas, más de 100 mil personas coreaban al unísono “Radio GaGa”, “Crazy Little Thing Called Love”, "We Will Rock You”, “Bohemian Rhapsody” y “We Are The Champions”. Pero faltaba más.

A diferencia del día anterior, el 19 de septiembre tuvo un cambio radical: el público que previo era mucho más diverso, ahora se componía solamente de personajes vestidos de negro, choppers y uno que otro emo perdido. La mayoría de la gente con playeras de Metallica, el gran cerrador.

La afluencia fue baja para ver a las primeras bandas. Angra, Dee Snider y Doro Pesch (a quien por cierto nos encontramos en el aeropuerto a nuestra llegada) no recibieron a tantos miles como se esperaba. Pero a eso de las 6 de la tarde, cuando Ministry se apoderó del Palco Sunset, todos salieron de las cuevas y abarrotaron el venue. Esos mismos y otros miles más cambiaron después al Mundo para ver a Gojira, y poca antes de que los franceses terminaran la gente ya caminaba de regreso al Sunset para recibir a Korn con todo.

Pero lo mejor estaba por venir: Mötley Crüe llamó la atención de todos los que creen que Rock In Rio será su última presentación en Brasil (será que ahora sí cumplen). Su Final Tour empezó con más de 80 mil personas en la plancha, y tras una jornada intensa de energía, fuego y muchos visuales, dieron paso a Metallica, que con más de media hora de retraso abarrotó el Palco Mundo.

Silencio sepulcral para ver el clásico corto antes del concierto, algunos afortunados fans sobre el escenario y toda la Ciudad del Rock pendiente a la rola inicial. Como siempre, Hetfield y compañía mantuvieron a todos al borde, durante más de una hora el piso de Rio se cimbró, hasta que le final llegó con “Enter Sandman”.

El último día del primer fin de semana de Rock In Rio 2015 estuvo abarrotado desde entrada la tarde. La gente aprovechó cada momento, para jurarse amor eterno en la capilla (sí, hay personas que se casan en el festival), subir a la montaña rusa (que está justo al lado del Palco Sunset), cantar en las activaciones de las marcas o asegurar su lugar en la tirolesa para ver más de cerca de los headliners en el Palco Mundo.

Magic! Desató la locura en el Sunset, pero no más que la legendaria banda brasileña Os Paralamas Do Sucesso, son los Tacvbos cariocas, absolutamente todos los brasileños se saben sus canciones y adoran a los músicos, un espectáculo tremendo que, una vez más dio inicio con pirotecnia.

Después de tan emotivo comienzo, John Legend dio un esperado pero muy romántico show que no despertó la energía al 100% de la gente. De vuelta al Mundo, Seal aportó gran voz, pero la energía aún no llegaba a su tope, lo que sí sucedió con Sir Elton John. He de decir que, a pesar de su presencia juangabrielesca y su gran sentido del humor, Elton resulta tedioso hacia el final del concierto. Algunas personas dejaron de aplaudir y otros iban por bebidas; sin embargo, un deleite escuchar al inglés.

Pero el gran rey de la noche y de todo el fin de semana, fue Rod Stewart. No pudo haber mejor cerrador. Coristas, cuerdas, trajes excéntricos y fuerza descomunal, uno de los más esperados por los brasileños lo dio todo en el escenario. Incluso dominó balones y los lanzó después al público. Desde el cover “Have You Ever Seen The Rain” (original de Creedence Clearwater Revival) hasta “Da Ya Think I’m Sexy”, los vitoreos no pararon. Cuando el show finalizó con “Sailing”, los fuego artificiales aparecieron de nuevo, anunciando el fin de estos primeros tres días, pero invitando a todos a regresar la siguiente semana.

Duran Duran - Paper Gods

Disparejo retorno de Duran Duran, dioses del new wave, a la pista del baile.

La adorada banda británica regresa a nuestros oídos con su décimo cuarto álbum que cuenta una vez más con el talentoso Mark Ronson como productor. El resultado es una mezcla de sonidos que trata de mantener a Duran Duran vigente en la diversa escena musical de hoy, sin perder parte de la esencia que los ha caracterizado en su trayectoria de más de 30 años.

Sin embargo, el esfuerzo es algo tibio, ya que se queda en una zona de confort, sobretodo, después de lo que lograron en su material anterior: All You Need Is Now (2011), en donde combinaron perfectamente sus raíces con lo contemporáneo. Paper Gods termina siendo una agradable colección de baladas y piezas movidas, en donde no todas mantienen la misma calidad y energía.

El disco abre bien con su tema homónimo que incluye vocales de Mr. Hudson, que se mezclan hipnóticamente con los pasajes del cantante Simon Le Bon. Sigue Last Night In the City que incluye la participación de Kiesza, quien aunque imprime calidez con sus corros, la pieza se vuelve monótona rápidamente.

Llega You Kill Me With Silence, pieza suave con unas distorsiones de guitarra interesantes, que arañará la nostalgia a más de un fan ya que lo hará recordar piezas clásicas de los noventa de la banda como “Ordinary World” y “Come Undone”. What Are The Chances y “The Universe Alone” son otras baladas emocionales del álbum con arreglos evocativos y cuidados, que se puede decir son altamente ‘Duranescas’.

Continúa la que posiblemente es la mejor pieza del disco: “Pressure Off”. Desde los primeros acordes de esta canción se nota el sello de Ronson, produciendo una pieza pegajosa y bailable, que rescata lo mejor del rock pop de los ochenta pero lo envuelve con un ritmo fresco y actualizado. No por nada es el primer sencillo del disco.

Desafortunadamente, algunas canciones muy enfocadas al pop como “Face For Today”, “Sunset Garage” y “Butterfly Girl”,  pasan desapercibidas por no tener un distintivo y se olvidan muy pronto. Cosa que no sucede con “Danceophobia” que muestra una clara tendencia disco con unos sintetizadores y bajo marcados que perduran hasta el final.

Por último, cabe destacar “Change The Skyline” con la participación de Jonas Bjerre, frontman de Mew, cuya voz juguetona surca ascendentemente a lo largo de la canción, creando una sinergia única y memorable con Le Bon. Muy recomendable y de lo mejor de Paper Gods.