Entrevista con Mcklopedia

McKlopedia y una vida sin límites.

Cuando no se pierde el andar y las raíces que lo vieron crecer, se llega a un estado de satisfacción indescriptible. Los aplausos del camino hacen la música que siempre se desea escuchar. Es por ello que después de una espléndida presentación en el pasado Festival Vive Latino, Mcklopedia ha logrado motivar su pasión por no dejar de lado aquello que lo vio nacer como MC.

En una acogedora charla bajo un sol perturbador, Ramsés Meneses, conocido como Mcklopedia, nos introduce a su presente envuelto en un mundo de esfuerzos, trabajo y pasión. Para el músico, el género del rap siempre le prendió fuego y no dejó pasar ese calor. Aunque sus últimos temas han tocado una mezcla más encendida entre un soul y funk, sus raíces del rap siempre las llevará.

“Desde siempre he hecho rap purista. Tiempo después hicimos el primer disco en el que me junté con otros seis músicos y armamos el concepto de Mcklopedia, donde me nutrieron musicalmente para llegar hacia ese rumbo, más soul, funk o rock. Sinceramente no era una influencia tan personal, siempre estuve más en el pedo del rap. Aún así, me fascina”, mencionó el MC venezolano al iniciar la charla.

En la trayectoria de Mcklopedia se encuentran un conjunto de exposiciones musicales que han dejado ver a un rapero dinámico, mezclando letras con giros sociales, como con Séptima Raza –un concepto de rap industrial y sencillo– hasta canciones con ritmos noventeros incorporados a través de distintos géneros, incluyendo letras más sentimentales. Sin embargo, nada de esto ha detenido al intérprete para disfrutar cada rama de su trayectoria.

“Todo son etapas. Primero, hacía canciones con contenidos sociales y contestatarios porque era lo que ocurría, luego hice las románticas porque viví eso en ese momento, y aunque pude haberlas escrito antes, me hubiese sentido un tanto desleal conmigo mismo al componer cosas que no había vivido en ese presente. Lo importante es que me siento cómodo en ambas facetas, aunque no debo negar que lo más representativo para mí siempre será la dirección social; el problema con eso es que algunas personas no prestan la atención que merece”, aclara el músico.

“Hay un pedo con la música cuando se trata de ser un medio de comunicación. En la mayoría de los casos uno no quiere escuchar música para reflexionar si la vida es un pedo o algo está jodido, más bien la música es un medio de entretenimiento, la gente desea escapar dentro de ella: no salir de un pedo para meterte en otro. Me sería difícil si tuviese que elegir de alguna de las dos, se necesita de ambas para sentirme leal conmigo mismo”, defendió el MC.

El pasado 23 y 24 de abril se realizó el Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino, en donde Mcklopedia fue parte del cartel. Para él, su llegada a un escenario de esa fiesta fue una gran bendición…

“Fue una experiencia bien sorpresiva, no pensaba que nos fuera a ir tan bien. No tenía claro cuánta gente iba a ver el show. De hecho, la banda que salió antes que nosotros no logró tanta convocatoria y había poquitica gente. Cuando empezó la prueba de sonido y salí, ver a la gente ahí fue una conmoción para mí. Dentro de mis 13 años de trabajo con la música no había sentido un bando generado por mí mismo tan grande como el del Vive, en ningún país de los que he tocado, ni siquiera en mi país natal. En lugares así se siente la energía de la gente que en realidad son la razón de ser de los músicos o, por lo menos, son la razón de ser de mi trabajo. Eso es un verdadero estimulo”, describió el rapero.

McKlopedia 3

Después de su increíble gira Frontera en distintos países de América Latina y su bendecida visita en el Vive Latino, Mcklopedia ha lanzado su más reciente sencillo con un videoclip agregado: “Adoro”, una canción elaborada en Sonic Ranch bajo la batuta del productor Jason Perry. Una melodía llena de emoción, vibra potente y una gran muestra del rap actualizado.

“Nuestra gente nos conectó con Sonic y al mismo tiempo ellos nos enlazaron con Jason Perry, un productor que ganó el Grammy por Agua Bendita. Y pues nada, comenzamos a grabar con relaciones muy breves. Nosotros no lo conocíamos, y ahí en el estudio ¡pum, pum!, a trabajar, y aunque el tiempo estuvo contado, fue una experiencia sumamente divertida. Es una persona bien open-mind y es entretenido interactuar con él. Nosotros somos venezolanos y ellos ingleses… Una onda bien diferente para socializar: los choques culturales, nuestro aspecto caribeño y bien confianzudo y ellos más reservados. Pero agarraron el rol rápido, ¡y se armó la locura!"

Durante los años que lleva Mcklopedia en la música y en la vida del rap, la mezcla de públicos y actuaciones han logrado variar a tal punto de dividirse. Por una parte su pasión y entrega en las Batallas de Gallos en las que ha participado y, por otra, la gente que lo ha conocido en festivales interpretando temas pegajosos con letras más sentimentales. Ambas partes llegan a ser importantes para él.

“Para mí las Batallas de Gallos son para mantenerme presente en este nicho de público y mi gente, porque me es necesario demostrar que soy capaz de mantenerme en todas las ramas que puedas ocupar. En mi caso, por ejemplo, de nada me sirve hacer este asunto alternativo y que la gente diga que me fui a otro pedo y perder vigencia en eso que también significa rap. Como músicos no tenemos límites. Gracias a mi trabajo todavía tengo la libertad de hacer lo que quiera. No tengo sello disquero, no tengo manager, no tengo absolutamente a nadie que me diga como tengo que vestir, como tiene que ser mi música, que no puedas hacer esto o aquello… Es mi momento y lo aprovecho: funk, rock, rap, todo lo puedo”, demostró en músico.

Para Mcklopedia le espera un año 2016 cargado de proyectos, esfuerzo y dedicación: tal vez no sea un empleado que genere 10 o 12 horas de trabajo con una hora de comida, pero sí es un músico que está dando lo que tiene que dar.

“Estoy preparando un material de hip hop en homenaje a Maro Romero producido por Noreste, y asimismo tenemos presentaciones. Estas semanas se viene gira de medios y después se define la fila de presentaciones en el año. Y bueno, ya para finales de mayo entrar a estudio y darle con todo al disco, aunque es breve, como un EP para las redes sociales y luego tener los dos promos y un tercer disco como Mcklopedia, ya formal. Todo en estos tiempos es en corto ¡fum, fum! Porque si no uno se queda atrás en este mundo de contenido activo. Nuestros planes es que para antes de acabar el disco ya estén dos discos en difusión: un disco de rap en la calle y además uno para el otro año 2017, ¡saltar con un bombazo! Esto es lo que toca, darle duro. Hay que trabajarle porque estas nuevas generaciones consumen la música muy rápido y uno siempre tiene que estar centrado en su público más joven”, concluyó el MC.

Sulk – No Illusions

SULK regresa con una fina combinación de texturas musicales.

Ésta es apenas la segunda producción discográfica de la banda originaria de Inglaterra que, en una era en la que es difícil mantener una propuesta original, buscan tener un estilo propio al inspirarse en bandas de diferentes géneros de los setenta y ochenta. Un sólida base de psicodelia, con una pizca de britrock y un guiño de shoegaze nos brindan un placentero cóctel llamado No Illusions (2016).

SULK trata de no caer en la monotonía a lo largo de las 10 canciones que componen el álbum, a veces sorprendiéndonos con pequeños detalles en la producción y cambios en el ritmo conforme avanzamos. Tal es el caso en piezas como “The Onlye Faith is Love”, cuya intención de recordarnos a la era hippie es clara con la citara del inicio y con su mensaje de amor, o como “Past Paradise”, que se vuelca al rock con densos riffs y una pesada bassline.  

La mayoría de las canciones mantienen una misma tonalidad generando una estética cohesionada, como queda marcado desde el principio con el trackBlack Infinity (Updise Down)” y sus hermosos arpegios. Pero, por otro lado, se pierde la oportunidad para brindar diferentes emociones con el material. Solo “The Tape Of You” nos desgarra con cierta melancolía y acordes tristes, así como unas agradables distorsiones en la segunda guitarra.

Cabe destacar que el disco tiene dos geniales piezas, de esas que una vez que escuchas no dejarás de visitar una y otra vez por días. Estas son “Drifting”, que aunque cuenta con una estructura muy sencilla, tiene un coro sumamente pegajoso. La otra es “One Day”, con una melodía que acaricia nuestros oídos como una brisa fresca por la mañana. Además, en este par de composiciones es en donde el vocal Jon Sutcliffe mejor se expresa.

Dentro de la añoranza y clara inspiración de los británicos, llega a percibirse un poco de The Stone Roses o incluso My Bloody Valentine, haciendo este disco un poco nostálgico para aquellos que gusten de estas agrupaciones. Sin embargo, el material de SULK dista mucho de lo alcanzado por estas icónicas bandas. Queda esperar cómo este grupo de ingleses evolucionará en su tercer disco, ver si consolidan su sonido.

Marissa Nadler comparte "Katie I Know"

"Katie I Know" es el tercer sencillo de Strangers, nuevo disco de Marissa Nadler.

Marissa Nadler, cantautora, guitarrista y pintora de Boston, Massachusetts, ya es reconocida por salir de las convenciones y  de las cajas de géneros musicales, pues es imposible acuñarle una descripción más específica que folk a su sonido. Con seis materiales de larga duración, Nadler ha alcanzado las más altas puntuaciones en reseñas y ha recibido los mejores comentarios sobre su voz, calificada como onírica.

Su último disco fue July, lanzado en 2014. Este año marca una nueva entrega de la compositora con el lanzamiento el 20 de mayo de su nuevo álbum Strangers, que saldrá a través del sello Sacred Bones. Este esfuerzo cuenta con once tracks que crean un escenario surreal y apocalíptico que estuvo bajo la producción de Randall Dunn -colaborador de Sunn O)))-.

De Strangers se han podido escuchar los sencillos "Janie in Love""All the Colors of The Dark". Ahora es el turno de "Katie I Know", tema que cuenta con una letra igual de desgarradora que las demás canciones de la artista y un intro de cuerdas obra de Eyvind Kang, integrante de Sunn O))).

Tracklist de Strangers:

1. Divers of The Dust

2. Katie I Know

3. Skyscraper

4. Hungery Is The Ghost

5. All The Colors of The Dark

6. Strangers

7. Janie In Love

8. Waking

9. Shadow Show Diane

10. Nothing Feels The Same

11. Dissolve

Catfish and the Bottlemen comparte "7"

McCan dirige el video de "7", segundo sencillo del nuevo álbum de Catfish and the Bottlemen.

A principios de este año, la banda británica de rock Catfish and the Bottlemen anunció su regreso a dos años del lanzamiento de su álbum debut The Balcony. La nueva producción llevará por nombre The Ride y tiene programada como fecha de lanzamiento el próximo 27 de mayo a través del sello Island Records.

Previamente, Catfish compartió el primer sencillo de esta placa, titulado "Soundcheck", tema que trajo de vuelta las guitarras sucias que acompañan a la voz de Van McCan. Ahora, la banda estrena video para su segundo sencillo.

"7" es la primera canción de The Ride, un rock sencillo pero contundente, más accesible y pegajoso que su trabajo previo. Este track podría convertirse en una de las canciones más coreadas en los conciertos de Catfish con el memorable coro, que dice "I'd love you but I need another year alone". Su video fue dirigido por el mismo McCan y es una edición en blanco y negro de shots de la banda en pleno proceso creativo, ensayando en un auditorio vacío.

Catfish and the Bottlemen se encuentra de gira por el Reino Unido y Estados Unidos. Dentro de sus próximas presentaciones se encuentran los festivales T in the Park y el Governors Ball.

Ty Segall anuncia nuevo disco de su proyecto GØGGS

Ty Segall comparte detalles del debut de su proyecto GØGGS, también comparte segundo sencillo.

Después de Emotional Mugger, octavo álbum de estudio de este exitoso músico de garaje rock, Ty Segall está preparando un lanzamiento bajo el nombre de su nueva banda: GØGGS.

El trío de garaje punk formado por Charles Moothart de FUZZ, Chris Shaw de Ex-CultTy Garrett Segall ha revelado detalles acerca de su próximo debut homónimo, programado para el primero de julio a través de In The Red Records.

La placa está formada por diez canciones, incluida “She Got Harder”, publicada a finales del año pasado, además de “Glendale Junkyard”, tema que fue compartido junto al anuncio del nuevo álbum próximo a estrenarse.

Casi puedes sentir cómo te raspan la piel las cuerdas de las guitarra mientras escuchas la característica voz de Chris Shaw.

Aquí te dejamos “Glendale Junkyard”, la nueva canción de GØGGS, y más abajo puedes ver la portada y lista de canciones de su nuevo disco.

goggs

GØGGS Tracklist:

01. Falling In
02. Shotgun Shooter
03. She Got Harder
04. Smoke The Würm
05. Gøggs
06. Assassinate the Doctor
07. Needle Trade Off
08. Future Nothing
09. Final Notice
10. Glendale Junkyard

Baio estrena "Don't Fight Fate"

Una canción de amor para el final del verano escrita por Baio.

El álbum debut como solista de Cris Baio –o solo Baio– titulado The Names vio la luz el año pasado. Sin causar mucho revuelo, tuvo críticas positivas de los medios y de los escuchas, quienes se mostraron sorprendidos de que Baio hubiera logrado separarse por completo del sonido de Vampire Weekend, banda en la que ejecutó el bajo.

De su debut se desprendieron los sencillos "The Names""Sister of Pearl". Ahora, Baio dio a conocer una canción nueva titulada "Don't Fight Fate", que realizó para Songs of Summer, una playlist que Amazon Music organizó y donde participan The Mountain GoatsSurfer BloodPassenger, entre otros.

Al parecer "Don't Fight Fate" es el cierre del ciclo que representa The Names, pues su sonido está más acorde a este álbum que a su próximo disco, el cual ya se encuentra en camino. "Supongo que es mi manera de decirle adiós a mi primer disco", dijo Baio en un comunicado. Además, mencionó que siempre le ha parecido que el final del verano es la época más romántica del año, y el coro de esta canción evoca ese momento.

Y así es. El coro dice "don't fight fate, if now's our time, take my hand and walk the land" y el ritmo de la canción suena a playa, a la despreocupación de un verano lleno de experiencias, risas y hasta un amor pasajero.

Tegan and Sara comparte el video "U-Turn"

Recorre las calles de Los Ángeles muy al estilo de Tegan and Sara.

En diciembre de 2015, las hermanas Tegan Rain Quin y Sara Kiersten Quin confirmaron el lanzamiento de un nuevo disco para este año. Desde ese entonces, nos han dado a conocer algunos detalles como la fecha de lanzamiento, el tracklist y el primer sencillo titulado "Boyfriend" acompañado de su propio video musical. En esta ocasión nos presentan el video para "U-Turn", su segundo single.

tegan and sara

En el videoclip podemos ver a las hermanas Quin conduciendo un auto deportivo de color amarillo hecho con cartón, mientras dan un paseo por las calles llenas de animaciones y texturas que parecen haber salido de un universo paralelo. La dirección estuvo a cargo de Seth Bogart, frontman de la banda Hunx and His Punx.

El octavo disco de Tegan and Sara, Love You To Death, contará con la producción de Greg Kurstin -Adele, SiaLily Allen- y tiene fecha de salida para el próximo 3 de junio a través del sello Warner Bros.

Aquí abajo te dejamos el video para "U-Turn" y el tracklist:

Tracklist de Love You To Death:

  1. That Girl
  2. Faint of Heart
  3. Boyfriend
  4. Dying to Know
  5. Stop Desire
  6. White Knuckles
  7. 100x
  8. BWU
  9. U-turn
  10. Hang on to the Night

Virgin Mobile presenta: Entrevista con Mariaxibit

El disco Homónimo, los nacionalismos y la diversión dentro del coche en el tráfico.

Después de unos minutos de pensar cómo pronunciar correctamente el nombre, desde “mariacsibit”, “mariashibit” y “maria-Xzibit” (sí, como el de Pimp My Ride!), llegué a la conclusión de que “mariachibit” era lo correcto, y no solo por ser una mezcla entre el mariachi y el beat: esto va más allá.

“Realmente nosotros lo pronunciamos así porque nos damos la licencia de hacerlo, y queríamos que desde el nombre fuera algo que identificaran con México, y que vieran que son rolas originales, y sí, con ciertos toques como las trompetas, el cencerro, las cuerdas y percusiones, pero no que la gente pensara que eran canciones de mariachi con electrónica”, comentó Mariaxibit.

Con un look de barbita y lentes, Jordi y Ricardo platicaron con Indie Rocks! dentro de la estación de Metro Zapata, donde Mariaxibit dio un pequeño show presentado por Virgin Mobile en el pasillo de transborde entre la línea 3 y la línea 12, después de haberse presentado en Caradura y en Bajo Circuito el 23 de abril.

“La verdad es que fue un día difícil porque estaba el Vive Latino, estaba The Prodigy en El Plaza, y todo se atrasó. Tocamos un poco tarde y antes de ahí estuvimos en Caradura y estuvo muy bien, ¡fue barra libre! Pero tocar dos veces en una noche es pesado”, dijo Ricardo.

El concierto de Bajo Circuito fue un after del Vive Latino junto a Funker y La Chiva Gantiva, mientras que en Caradura compartieron escenario con Sikiti Boom, y en ambas esta dupla, orgullosamente, presentó su disco Homónimo. No, no se llama Mariaxibit, se llama Homónimo.

“Se iba a llamar Mariaxibit el disco, pero cada vez que nos entrevistaban nos decían ‘ah, ¿es homónimo?’, y ya llegó un momento en el que dijimos pues ya hay que ponerle así. Lo empezamos por ahí del 2013 pero estuvo realmente terminado a principios de 2014. Sacamos el primer sencillo, y el disco salió todavía un año después, así que lleva circulando unos 7 meses”, dijo Jordi.

Estos mexicanos cuentan con la ventaja de tener un estudio propio por lo que siempre se encuentran haciendo música nueva. Hasta ahora llevan ya la mitad del segundo disco, pero al mismo tiempo pueden hacer canciones comisionadas, como la vez que les pidieron una rola que formaría parte de un disco para el equipo de los Tigres de Monterrey.

Mariaxibit es un dúo que integra los talentos por separado de sus miembros, quienes están conscientes de que la música que crean solos nunca suena a Mariaxibit. “Por eso sé que él nunca se va poder robar el proyecto, porque no sonaría a lo mismo”, bromeó Jordi.

Se formaron como músicos profesionales de manera muy distinta: Jordi aprendió en casa pues nació en una familia de músicos, mientras que Ricardo comenzó tocando la guitarra y descargando tablaturas en Internet, y ahora tienen habilidades que se complementan para crear el sonido de Mariaxibit.

Ambos saben que, a pesar de tener más oportunidades para darse a conocer en esta época digital, es muy difícil que te pongan atención si no eres alguien con una carrera establecida, por lo que no descartan conseguir el éxito fuera de su propio país con la ayuda de las plataformas musicales cibernéticas, como muchas bandas y solistas han hecho a lo largo de sus carreras, aunque nunca está de más recibir algo de apoyo de la gente que los rodea, así que puedes escucharlos en Soundcloud o Spotify, y si quieres contactarlos en sus redes sociales serán ellos mismos los que te respondan.

Clemente Castillo - Eureka

No todo es Jumbo en la carrera de Clemente Castillo.

A través de los años, Jumbo, una banda de Monterrey que llegó con fuerza al rock mexicano a finales de los 90, poco a poco se fue estancando en un sonido, que si bien le funcionó en sus primeros años, con el paso del tiempo provocó que no cosechara nuevos fans y que algunos de sus viejos seguidores los mantuvieran relegados ante la salida de nuevas propuestas. No es que se volvieran malos, más bien les faltaba el ingrediente clave que debe tener cualquier agrupación que quiera trascender: frescura. Eureka tiene esa frescura que necesita Jumbo. Desgraciadamente el disco solo tiene el crédito de su vocalista, Clemente Castillo.

El álbum podría dividirse en dos partes. La primera serían las canciones que parecen haber quedado relegadas por los regiomontanos -el vocalista debería de agradecer a sus compañeros si este es el caso-. En esta lista podemos incluir tracks como “Fantasmas”, primer sencillo, alegre musicalmente y con letra motivacional; “Cápsula”, en la que comparte la voz con su amigo Chetes; y “¿Ves o No Ves?” así como “Cosas Infinitas”, que complementan la mitad jumbesca del disco.

La segunda parte se aleja del sonido tradicional de Clemente. En ella podemos encontrar reggae (“¿Dónde Están?”, con un rap de Pato Machete) o pop alegre (“Todavía No”). “Guarida” y “¿Qué Nos Trajo Aquí?” representan tranquilidad. La primera es un rock tranquilo, mientras que la segunda es una balada pop que cuenta con la participación de Daniela Spalla.

Existen dos canciones que hay que mencionar aparte. Una es la versión de “Calaveras y Diablitos”, original de Los Fabulosos Cadillacs, en la que colabora Celso Piña con su voz y acordeón. El cover le sale bien, adaptándola del reggae a una especie de bolero moderno. Aunque no es la mejor interpretación de este tema, es buena y queda muy bien con el concepto del disco.

La otra que merece una atención especial es “Dum Dum”, último track del disco, que resalta por ser instrumental y por usa el tarareo para llevar la melodía.

Clemente Castillo ha demostrado que todavía tiene música para dar. Ojalá sus colegas de Jumbo se den cuenta de eso y refresquen su sonido. Y si no, pues tenemos Clemente para rato.

John Carpenter – Lost Themes II

John Carpenter no solo hace cine. Acá la reseña de la segunda parte de su Lost Themes.

El aclamado director de cine John Carpenter, conocido en los 70 y 80 por aquellas películas de terror de dudosa calidad en la producción, pero chidísimos pósters promocionales, ha regresado para seguir desarrollando su faceta como compositor. No es un simple capricho. Más de cuatro décadas de composición de soundtracks lo avalan, prácticamente compuso la música entera para la mayoría de sus largometrajes. Y cuando no lo hacía, dejaba la tarea a manos expertas, como a un tal Ennio Morricone en The Thing de 1982.

Los soundtracks para películas de terror influenciados por Carpenter están de regreso, con ominosas piezas en el sintetizador puntualizando sutilmente las escenas climáticas dentro del género, pero no esperen encontrar eso en Lost Themes II. En este nuevo álbum, Carpenter parece que se ha tragado a Yanni y le ha dado unos mordiscos a Vangelis. Desde el primer número, “Distant Dream”, Carpenter se deshace de la sutileza y la insinuación para atacar a su escucha con sonidos electrónicos agresivos, una batería esquizofrénica y un bajo -ecualizado al estilo grunge/nü-metal- muy insistente.

“White Pulse” empieza con la musicalización que le conocemos, un piano nervioso que indica que algo no anda bien a nuestros alrededores, antes de que se aparezca un tipo que se cree Neil Peart para pegarle duro a la batería eléctrica. De todos modos, el buen gusto nunca ha sido precisamente uno de los mejores atributos de Carpenter.

Muy a su -nueva- manera, el compositor entrega piezas musicales que sí inspiran, tal como la emocionante “Angel’s Asylum” y la épica “Utopian Facade”, aparte de que, para nuestro deleite, Carpenter utiliza el truco de poner dos canciones seguidas muy similares: “Virtual Survivor” parece el reflejo de la rola anterior, “Dark Blues”, algo parecido a lo que hicieron los Smashing Pumpkins con “Where Boys Fear To Tread” y “Bodies” en el Mellon Collie , creando un leve pero dulce sentimiento de déjà-vu en el escucha.

Sobreproducido, aunque con algunos destellos musicales épicos, Lost Themes II no es de las mejores secuelas de John Carpenter.