Entrevista con Japandroids

Japandroids y la visión moderna de ver el rock.

Fotografías: Ignacio Miranda para Indie Rocks!

La forma de percibir la música ha ido cambiando paulatinamente, las redes sociales llevan existiendo ya mucho tiempo, pero ahora es cuando la inmediatez, su consumo y demanda es mucho más normal para sus usuarios. Por el otro lado, tenemos a Japandroids, una banda canadiense que acaba de regresar de un breve descanso y nos encontramos con ellos en su camino a presentarse en el Caradura hace algunos días, para platicar de esto y aquello.

Hoy día Brian King y David Prowse llevan 10 años formando parte de este proyecto, bastante tiempo para una banda en estos días: “Nunca creímos durar tanto, especialmente cuando muchas de nuestras bandas favoritas han vivido poco tiempo. The Beatles estuvieron juntos por solo ocho años”, anuncia Brian. En tiempos modernos las bandas permanecen juntas mucho menos. Es muy común encontrarse bandas con solo dos años de tiempo de vida: “Hemos tocado con miles de bandas en Vancouver y quizás solo un par de todas ellas siguen existiendo”, recuerda David. Este par de músicos creen que la vida es muy injusta y misteriosa porque muchas bandas con muy buena pinta duran muy poco, quizás por la falta de fama, pero por otro lado hay muchas otras que tienen sonidos horrendos, toda una facha espantosa y muy poco ingenio, que siguen existiendo.

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Estos canadienses parecen ser muy honestos musicalmente y tratan de ser muy orgánicos, ya que recuerdan que todo esto empezó por el simple amor a la música. Quizás en algún momento pensaron en éxito, pero nunca tuvieron expectativas muy profundas o específicas. “Todas las cosas que hemos logrado están más allá de lo imaginable, poder tocar en todas partes del mundo y que canten tus canciones, sigue siendo un poco surreal”, comparte David después de recordar los inicios de la banda.

Su primer disco (Post-Nothing) fue lanzado en 2009, el sofomoro No Singles en 2010 y después vino Celebration Rock para el 2012, todos editados con Polyvinyl Records. Un período de largas giras e intervenciones en programas de entrevistas, radio, televisión, y publicaciones en internet los atacó, y terminaron tan exhaustos que decidieron tomarse un descanso para recuperarse emocional y físicamente. “Estábamos muy cansados, después de tantos conciertos terminamos fritos, solo nos dimos unos cuantos meses de descanso y nos pusimos a trabajar en el nuevo disco”, cuenta David. Pero durante esa etapa surgió la inmediatez en las redes sociales. Todo lo que se sube a internet tiene un tiempo de vida mucho más corto, ellos estuvieron muy activos en ese mundo hace unos años y ahora regresan después de aislarse de todo medio de comunicación.

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“Fue más fácil para nosotros trabajar el nuevo material de esa manera, con menos presión de la gente esperando el nuevo disco a que si lo hubiéramos anunciado previamente en Twitter. Decidimos regresar de la nada y esperar que aún sepan quienes somos”.

A pesar de la facilidad de contacto que tienen las redes sociales con el artista, esto tiene sus pros y sus contras. Por un lado conoces más de cerca a tus celebridades viendo fotos de sus desayunos en Instagram o leyendo lo que piensan en Twitter, pero a la vez le quita el lado místico y se vuelve algo más desgastante porque la gente pide más y así recuerda el dúo canadiense las palabras de Laura Gane Grace de Against Me!: “Si hubiera pasado demasiado tiempo frente a una computadora probablemente no hubiera disfrutado estar en una banda cuando era joven”, porque tendrías que estar buscando qué subir, qué compartir, qué publicar, responder correos electrónicos y comentarios en Facebook, “entonces es cuando la música ya no es lo que de verdad importa y de eso se trata el rock, de la música y no de lo que pasa en las redes sociales”, concluye Brian.

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Checa en este link la reseña y galería de su concierto en Caradura. ¡Una locura total!

St. Vincent musicaliza corto de Kristen Stewart

St. Vincent estuvo trabajando en nueva música para Come Swim, el cortometraje de Kristen Stewart.

Parece que la actriz californiana ha sido el centro de los reflectores desde hace varias semanas. Primero con el anuncio de que ella y la cantante St. Vincent están en una relación, después aparece en un sensacional video para lo nuevo de The Rolling Stones, y ahora debutará como directora en un filme que se estrenará en el festival Sundance. Además este contará con la ayuda de su pareja, pues fue la encargada de componer la música.

St Vincent Kristen Stewart

El cortometraje lleva el nombre de Come Swim, fue escrito y dirigido por Kristen Stewart; está inspirado en una pintura que hizo la actriz después de escribir un poema sobre el momento en que se despierta de un sueño y llegan los pensamientos subsecuentes. En 17 minutos narra de manera surrealista el día común de la vida de un hombre.

Por su parte, St. Vincent no lanzaba nuevo material desde que salió la canción “Teenage Talk”, pero podemos esperar buenas cosas ya que su último disco fue considerado el mejor del año por varios medios. Además, la cantante también se estrenará como cineasta, pues a principios de este año se anunció que ella se ocuparía de uno de los segmentos de la antología de horror y ciencia ficción XX.

Poster image of Come Swim by Kristen Stewart, an official selection of the Shorts Programs at the 2017 Sundance Film Festival. © 2016 Sundance Institute.

El cortometraje de la reciente novia de Stewart, formará parte del Shatterbox Anthology de Refinery29, un grupo que se enfoca en trabajos hechos por mujeres, como Chloë Sevigny y Gabourey Sidibe.

Sotomayor necesita tu ayuda

Los preparativos para el segundo material de Sotomayor ya empezaron.

Hace poco más de un año, el proyecto mexicano de música electrónica Sotomayor, debutó con su excelente disco Salvaje a través de los sellos Tropic-all y New Hispanic.

La dupla integrada por los hermanos Raúl y Paulina Sotomayor ha sido tan exitosa, que se han presentado en diversos festivales nacionales como foráneos, entre los que destacan Vive Latino, SXSW, Carnaval de Bahidorá, Festival WACO, entre otros, así como el Recovery Sunday de nuestra Semana IR!

Ahora, Sotomayor está listo para trabajar en su segundo material discográfico el cual ya empezaron a grabar en Inglaterra el año pasado, pero planear finalizar la placa en México. Sin embargo, necesitan de recursos para poder sustentar los procesos de grabación, mezcla, master y maquila del álbum.

Para obtener fondos, Sotomayor ha iniciado un Kickstarter en el cual, según la cantidad económica que aportes, será la recompensa que podrás recibir, que va desde el nuevo disco en formato digital, una invitación a la fiesta de lanzamiento hasta un show live de la banda desde la comodidad de tu casa.

Actualmente, la cuenta va en $100,000 y tenemos hasta el 15 de diciembre para que Raúl y a Paulina lleguen a la meta de $160,000. Conoce aquí todos los detalles de las aportaciones y recompensas, y no dudes en ayudar a realizar este proyecto.

PREMIERE: Cardiel estrena video para “Sheriff Hernandez”

No te pierdas el estreno, en exclusiva, del nuevo video de Cardiel para el sencillo “Sheriff Hernandez”.

Una banda venezolana radicada en México, que tiene una intensa agenda de trabajo durante el año debido a su gran ejecución de instrumentos sobre el escenario y que pronto estarán en el SXSW 2017.

El dúo, conformado por Samantha Ambrosio en la batería y Miguel Fraino en la guitarra/voz, deja al público el video del quinto track de Local Solo (2014), último video de este disco dirigido por León Rechy y declaran, satanizado por Esteban Azuela.

Cardiel_banda

La banda afirma que “Sheriff Hernández” habla acerca de un mal viaje acido, generado a partir de esta historia de alguien tratando de cruzar legalmente la frontera, encontrándose con la pérdida de raíces, valores, acentos y lenguaje al mudarse a otras tierras. Básicamente, la lucha con un tal Sheriff Hernández, que no puede ocultar su raza, negándose a hablar su lengua materna para generar conflicto y quedar bien con su patrón. Todo esto bajo el efecto de un coctel de alteración de la consciencia. En este caso utilizamos las habilidades malditas de Esteban Azuela que mediante síntesis analógica logró ese efecto visual.

Y es cierto, ver el video realmente te altera los sentidos en todos los aspectos. Es impactante, tanto por la historia, como por el arte en la imagen así como por el firme track, lleno de guitarrazos y redobles stoner que estos chicos arrojan.

Sigue el Facebook oficial de Cardiel para más información.

Telefon Tel Aviv – Fahrenheit Fair Enough

Regresar en el tiempo a lugares insospechables, a futuros que hoy son presente.

Este dos de diciembre, Telefon Tel Aviv subió a plataformas digitales la reedición de Fahrenheit Fair Enough, su primer disco, el cual a sus quince otoños, no ha envejecido; suena bastante fresco.

El release cuenta con dos discos, el primero es la remasterización del mencionado Fahrenheit Fair Enough, y, el segundo son primeras grabaciones del dúo, las cuales fueron realizadas en el último año del siglo pasado, de las que destaca Reak What, primer track producido por Telefon Tel Aviv.

Fahrenheit Fair Enough no tuvo tanta aceptación por la crítica especializada en 2001; sin embargo, el tiempo lo ha dejado en el lugar preciso. Pues sin loar demasiado, el disco tiene íntimos sonidos que forman parte de la memoria sonora actual y sirven como referencia al sonido indie, sin olvidar que es pionero del IDM americano.

Charles Cooper(†) y Joshua Eustis empezaron en la producción sonora acompañados de Trent Renzor, en algunas producciones para A Perfect Circle, NIN y Eminem; lo cual en 2001 fue razón para recriminarles, al tratar de encasillar al dúo, ya que se esperaba algo más pesado para su primer producción, y esta tiene cualidades tenues, oscuras, reflexivas, de avanzada para lo que se producía en América, por lo que Fahrenheit dio la pauta al potencial de la música electrónica en América al generar una cierta esperanza.

Fahrenheit en sus inicios fue pensado como una especie de “hard club record”, pero terminó en ser una pieza delicada de electrónica, un disco que contiene sensibles movimientos de Rhodes, guitarras enredadas en una reverberación fuerte y una mezcla suave de R&B, cut up, y ritmos programados; los tracks son esculturas envolventes, que con el tiempo se van tallando así mismas para  llegar a la perfección.

Los “early records” que contiene el segundo disco de este release son material de calidad suprema, droga de lujo para cualquier  “junkie” de auriculares;  ya que al escuchar aquellas disecciones de “glitch” en las percusiones y los geniales muestreos procesados, generan en directo una catarsis al crear reflexión sobre la evolución de los DAWS y el sonido de la electrónica como parte del aura generacional del sonido. La gradación de  temperatura anglosajona  justa y necesaria.

Un disco para gozar en la armonía de cualquier espacio vacío, un museo, o en el metro con tus auriculares. Simplemente la diégesis se hará presente. Es un disco que se disfruta mejor al terminar el día, o en búsqueda de inspiración, pues de inmediato lleva a la contemplación y calma, por medio de las ondas sonoras que emite, al plasmar entidades en el etéreo que se desvanecen.

Los ritmos que acompañan muestras y locuciones de espacio binaural van descubriendo cada una de las capas, melodías que causan un regreso melancólico a: la sincronía, fealdad, error electrónico, belleza, fenómenos acústicos de síntesis digital, muy parecidos a los que Retina generaba el mismo año  en Italia, y han marcado el sonido de nuestros días.

A través de su vibra contemplativa, el track “Fahrenheit Fair Enough” hace que se ericen los folículos pilares, sumergidos en la inmensidad del rhodes y beat de hi hats, los cuales crean una confortable sensación, seguida por ese  e-piano procesado. La obertura de "TTV", conjunto del malfuncionamiento algorítmico de percusión y un solo de flauta agrega una sentimental elegancia; la progresión de "Lotus above Water" logra un track lleno de desfases de onda, guitarras pulcras con efectos, los cuales destellan al estilo de texturas tal vez heredadas por Herbert, y un ritmo raw house producido por el bombo en plena atmósfera cargada de vapor, el cual se derrama en guitarras hipnóticas y progresión psicodélica cual Gilmour de los 80 en "John Thomas on the Inside Is Nothing but Foam". Quizás hay ahí un poco el estereotipo de guitarras post rock, las cuales dejan a la deriva para llegar a un bajo supremo y unos agudos de un gran piano, para alistar el letargo de "Life Is All about Taking Things in and Putting Things Out". Aquí es donde Telefon Tel Aviv muestra su grado de distinción, al llevar al clímax y entrelazar con "Your Face Reminds Me of When I Was Old", la cual comienza como una escultura de  malfuncionamiento sonoro y muestreo de instrumentos reales,  donde la tarola coagula los sentidos al formar un cristal y reventarlo con el piano en el gate de “What’s the Use of Feet If You Haven’t Got Legs?”, y finalmente tropezar en guitarras llenas de delay y cámara de eco en “Introductory Nomenclature” para dejar la travesía llena de nostalgia con un hyper jazzy beat en “Fahrenheit Far Away”.

Visita el Facebook de Telefon Tel Aviv para seguir todas sus noticias.

Ryan Adams confirma nuevo disco

Ryan Adams confirma nuevo álbum de estudio y revela el primer sencillo, "Do You Still Love Me?".

El último material que sacó el cantante estadounidense fue un polémico álbum de covers del disco 1989 de Taylor Swift, pero durante este año hizo diversas declaraciones en las que anunciaba que ya tenía las canciones para un nuevo trabajo discográfico. Ahora el músico revela los detalles del que será su 17º álbum de estudio.

Este llevará el nombre de Prisoner y será estrenado el 17 de febrero del próximo año a través de PAX AM, su propio sello discográfico y con el que ha lanzado todos sus proyectos desde 2004 después de su salida de The Cardinals. En el disco abordará temas como la muerte, las rupturas y la absolución. Debemos recordar que Ryan Adams pasó momentos difíciles por su separación con la actriz y cantante Mandi Moore, a quien muchos recuerdan por ser la voz de Rapunzel en la película animada de Disney.

Ryan Adams prisioner

El cantautor dio hace días declaraciones sobre el proceso de creación de este disco: “Empecé a escribir este disco mientras pasaba por un divorcio muy público, lo cual es una cosa humillante y simplemente horrible, sin importar quién seas. Pasar por eso en la forma en que lo hice fue destructiva en un nivel que no puedo explicar. Así que un montón de trabajo extra sirvió para que mantuviera la frente en alto, recordar lo que hice y lo que me encantaba de quién era”.

Además Ryan Adams lanzó el primer sencillo de su nuevo material discográfico, este se titula “Do You Still Love Me?”. Un tema enérgico, lleno del estilo del compositor que nos remonta a viejas producciones pero con un giro más agresivo.

Tracklist de Prisoner:

  1. Do You Still Love Me?
  2. Prisoner
  3. Doomsday
  4. Haunted House
  5. Shiver and Shake
  6. To Be Without You
  7. Anything I Say To You Now
  8. Breakdown
  9. Outbound Train
  10. Broken Anyway
  11. Tightrope
  12. We Disappear

FKA twigs comparte su Baltimore Dance Project

FKA twigs muestra su taller de baile en Baltimore.

El pasado 18 de julio, la productora y cantante FKA twigs, realizó un llamado a residentes de Baltimore para que se unieran a ella en un proyecto de baile especial que tomaría lugar al día siguiente, con cerca de 400 bailarines congregados en el Lithuanian Hall.

El visual fue dirigido por el director Nick Waller en colaboración con WeTransfer. El filme muestra a los coreógrafos Ramon Baynes, Kash Powell y Dominic Lawrence mientras lideran al grupo de bailarines en una serie de diferentes rutinas, donde incluso se animó a los participantes a sacar sus propios movimientos.

“Soy una bailarina. ¿Qué voy a hacer? No voy a bailar sola o a pararme a ver. Quiero hacerlo con gente y aprendí de los que estaban ahí ese día”, explica FKA twigs, quien también se unió a la coreografía.

“Durante los últimos años, Baltimore siempre ha aparecido en las noticias por canciones realmente tristes y trágicas”, dice la también compositora inglesa sobre la locación. “Cuando estaba pensando en hacer este proyecto, los lugares obvios habrían sido Los Ángeles o Nueva York pensé ¿por qué no ir a un lugar que claramente tiene mucha alma y energía? Podrás conectarte con ellos mejor que cualquier otro artista que está pasando por ahí”

Mira el Baltimore Dance Project a través de WeTransfer.

Nothing en Caradura

Nothing: transformando lo etéreo y profundo del ruido.

Wird y Raymonstock fueron los encargados de presentar a Nothing por primera vez en la Ciudad de México, junto a No Somos Marineros y Railrod en un Caradura que lució un poco vacío, pero lleno de buena actitud y mucho rock. Los primeros en presentarse fueron Railrod, con un sonido entre rock y heavy que no logró causar efecto en la gente, ya que durante toda su presentación los ignoraron y prefirieron seguir platicando y tomando cerveza, tal vez por su actitud pretenciosa o por un sonido demás conocido. No Somos Marineros continuó con un sonido más propositivo, creando armonías llenas de ruido, acompañadas de la potente voz de su vocalista y una increíble fuerza que logró inundar todo el lugar. Sus fans no dejaron de corear sus canciones y alabarlos, sin duda son una de las mejores propuestas de rock mexicano.

Con el telón aún puesto, el melancólico piano que da comienzo a “Tired of Tomorrow” comenzó a sonar, pero en cuanto se abrió el telón la destrucción comenzó, dando paso a “Fever Queen” y “Vertigo Flowers”. Los cuatro integrantes de la banda: Domenic Palermo, Brandon Setta, Kyle Kimball y Nick Bassett; lucieron felices de estar por primera vez en la ciudad, aunque su actitud siempre fue algo tímida, el público respondió de la misma forma diciéndoles que los amaban, el slam se hizo presente, todos íbamos de un lado a otro con canciones como “Eaten by Worms” y “The Dead are Dumb”, pertenecientes a su disco Tired of Tomorrow. La lluvia de riffs y golpes de batería no cesaban, la poderosa forma de la banda de interpretar en vivo provocó que los cables dejaran de funcionar, por lo que tuvieron que cambiarlos.

Después de la pausa, vinieron temas de su primer su primer disco Guilty of Everything como “Dig” y “Get Well”, y la euforia aumentó, todo era empujones, sudor y cabelleras volando. El público y la banda lograron conectarse en un viaje lleno de distorsión y letras dispersas; debido a su estado alcohólico. La adrenalina llegó a un punto en que un fan se aventó sobre las personas que estaban enfrente, las cuales se golpearon contra la bocina y ésta aplastó los pedales del bajista.

A pesar de tener un sonido shoegaze con algo de alt-pop, en vivo suenan más pesados, tal vez porque los integrantes han estado en bandas como Deafheaven, Horror Show y Whirr. “A.C.D. (Abcessive Compulsive Disorder)” fue uno de sus mejores momentos, recordándonos a My Bloody Valentine. Tristemente se olvidaron de canciones como “Nineteen Ninety Heaven”, “Tired of Tomorrow” y “Tic Tac Toe”, llenas de nostalgia noventera y romanticismo. Nothing logró demostrarnos muy a su manera, que el shoegaze no ha muerto.

#BestiaAural2016: Cine concierto: ciclo Georges Méliès

Para el cine concierto como alianza del Bestia/Aural, se eligió el ciclo Georges Méliès.

Para cerrar con broche de oro su edición 2016, los Festivales Bestia y Aural unen sus esfuerzos para organizar en el Auditorio Blackberry un cine-concierto muy especial, con una selección de cortometrajes del precursor del cine de ficción, Georges Méliès.

Pionero en el uso de los efectos especiales como parte de la narrativa cinematográfica, Méliès fue también el primero en incursionar a través de este arte en géneros como la comedia, el terror, la fantasía y la ciencia-ficción, quedando sus exploraciones plasmadas en más de 500 producciones realizadas entre 1896 y 1913, algunas de las cuales son obras esenciales en la historia y desarrollo del séptimo arte.

Para esta ocasión, se eligieron ocho de sus trabajos para ser musicalizados en vivo por una agrupación excepcional compuesta por Lee Ranaldo (ex guitarrista de Sonic Youth, y esporádico miembro de la banda Text of Light); John Medeski (organista y músico reconocido y respetado en la escena jazz de Nueva York, integrante del grupo Medeski, Martin & Wood); Kenny Grohowsky (baterista de Abraxas y Secret Chiefs 3 fundada por Trey Spruance de Faith No More) y Mike Rivard (compositor y bajista que ha tocado con Morphine, Hassan Hakmoun, John Medeski & Billy Martin (MMW), Either/Orchestra, Jonatha Brooke, Aimee Mann, Shawn Colvin, Paula Cole, y muchos otros).

El evento sería dividido en dos sesiones. En la primera se proyectarían cinco películas filmadas en blanco y negro, tras lo cual se haría un breve intermedio para dar paso a la segunda sesión con dos producciones a color (coloreadas a mano por el mismo Méliès, cuadro por cuadro), así como su obra más icónica: Viaje a la luna (Le Voyage dans la Lune, Francia, 1902).

Veinte minutos después de la hora anunciada, iniciaría la primera sesión conformada por El hombre de la cabeza de goma (L'homme à la tête de caoutchouc, Francia, 1901); El melómano (Le Mélomane, Francia, 1903); El deshollinador (Jack le ramoneur, Francia, 1906); Alucinaciones farmacéuticas (Hallucinations pharmaceutiques ou le Truc du Cotard, Francia, 1908) y Fausto en los infiernos (Faust aux Enders, Francia, 1903).

El cuarteto ejecutante optó porque sus números empatasen musicalmente con el ánimo de cada una de estas cintas. Así por ejemplo, mientras interpretaban un rock alternativo juguetón y humoroso para acompañar el tono fársico de El deshollinador, por otro lado enfatizaron el tono pesadillesco y aterrador de Fausto en los infiernos,  a través de un metal brutal, contando con la actuación especial de Nick Shellenberger de Cleric, cuyos feroces alaridos potenciarían este tema.

Tras la breve pausa programada, el cuarteto continuaría con la misma tónica, acentuando armónicamente las imágenes en pantalla. Así, mientras en El reino de las hadas se echaría mano de toda serie de instrumentaciones para crear una sensación de exotismo y extravagancia, con el Viaje a la luna se acentuaría su atmósfera onírica y alucinante a través de complejas texturas sonoras, conduciendo a un catártico crescendo que hizo justicia al clímax del filme.

De esta forma, y con una audiencia gratificada al 100%, el cine-concierto llegaría a su fin, así como la edición 2016, del Bestia/Aural Festival. Una para recordarse por muchos años, gracias tanto a sus invitados de primer nivel con propuestas únicas y vanguardistas, como a la perseverancia de sus organizadores por acercar al público mexicano a dichas propuestas.

Bonobo estrena "Break Apart"

Escucha la nueva canción de Bonobo con Rhye.

El DJ y productor, Simon Green, mejor conocido como Bonobo, estrenó a principios de Noviembre Kerela, el primer sencillo y video extraído de su próximo álbum de estudio, Migration, que llegará a las tiendas el 13 de enero de 2017 vía Ninja Tune.

Ahora, Bonobo presenta el segundo corte titulado “Break Apart” en colaboración con Michael Milosh de Rhye. Este tema, ilustra la naturaleza transitoria del disco y las aptitudes de Bonobo como compositor. La secuencia de los acordes fue bosquejada por Green en un avión, mientras que Milosh grabó sus versos en Berlín.

“Estoy muy feliz de que Simon me haya pedido trabajar en esta canción con él. Desde el momento que escuché la versión instrumental, me habló más de lo que puedo expresar en palabras”, comenta el cantante de Rhye. Escucha la melodía a continuación.

Migration también tendrá colaboraciones de artistas como Nick Murphy, nombre original de Chet Faker, Nicole Miglis de Hundred Waters y de la banda marroquí, Innov Gwana.

El pasado fin de semana, Bonobo se presentó en Acapulco como parte del festival Trópico, donde compartió escenario con actos como Mylko, Mount Kimbie y Lindstrøm. No olvides checar aquí la reseña.