Entrevista con Cloves #CC16

“No me arrepiento de nada, aunque ha sido estresante" – Cloves

Ella cantaba, pero tenía miedo de no sonar lo suficientemente bien. A pesar de eso, a los 12 años se aventuró a escribir su primera canción. Al poco tiempo comenzó a buscar oportunidades en bares locales de Melbourne, Australia, su ciudad natal. Kaity Dunstan no sabía que a los 19 años sería conocida con el nombre de Cloves y que estaría girando por el mundo.

La australiana debutó en 2015 con su EP XIII bajo el sello de Universal Music. Un año más tarde, formaría parte de la banda sonora del filme Yo Antes de Ti (2016), con el tema “Don’t Forget About Me”.

A pocos días de su primera presentación en México, como parte del lineup del Corona Capital 2016, Indie Rocks! platicó con Cloves sobre sus inicios, su voz y los proyectos que tiene bajo el brazo.

Desde Londres, Cloves atendió el teléfono y conversó sobre sus inquietudes como artista, miedos y nuevos retos. Desde niña Dunstan amaba cantar. Dijo que lo mejor de haber sido niña era que no se preocupaba demasiado por la ejecución, sino que simplemente se dejaba llevar por el impulso. “Cuando era niña no me importaba demasiado como sonaba, pero conforme empecé a crecer, comencé a ser más insegura al respecto. Actualmente me sigo poniendo muy nerviosa”, compartió la cantante.

Entre sus influencias, la joven compositora nombra a Amy Winehouse, Arctic Monkeys, Alabama Shakes y Fiona Apple. Estos virtuosos son algunos de los artistas que Dunstan más admira y que, sin duda, la motivaron a hacer a un lado el prejuicio sobre sus propias composiciones. “Creo que tenía 12 años cuando escribí mi primera canción para una competencia escolar. Fue una canción muy mala”, comentó Cloves al ser cuestionada sobre sus primeras creaciones.

cloves xiii

A sus 20, y con apenas un año de su primer lanzamiento, la de Melbourne ya cuenta con una experiencia de siete años cautivando la atención de distintas audiencias: “Desde los 13, mi hermana y yo empezamos a tocar en bares con bandas de covers. Mi papá siempre me apoyó y alentó a luchar por mi sueño”. Así que Cloves no es ninguna novata, pues a pesar de sus inseguridades ha tenido el valor de enfrentarse a diferentes públicos.

“Soy insegura acerca de mi voz, pero no creo que eso me detenga de hacer lo que me gusta. Lo que me ha motivado es que siempre he querido hacer un disco del que pueda sentirme segura y saber que estoy transmitiendo algo. Eso es genial”, expresó.

Burlándose de la suerte y jugando con las supersticiones de su abuela, Cloves tituló al EP que la lanzaría a la fama: XIII. “Ha sido una experiencia y trabajo largo. Crecí cantando en diferentes bandas y bares, hasta que fui encontrando mi camino. No me arrepiento de nada de lo que he vivido, porque cada experiencia me ha llevado a donde estoy ahora. Aunque ha sido estresante”, comentó la compositora.

En algunos días Cloves dará un adelanto de lo que será su primer LP. Y aunque no quiso ahondar en el tema, dijo que el nuevo disco seguirá por la misma línea melódica con lírica cargada de sentimiento.

El próximo 19 de noviembre, el escenario Levi’s Tent contará con la presencia de una artista emergente que, a pesar de ser comparada con Adele, lucha por crear un nicho propio en el que los melómanos disfruten del romanticismo y fuerza de sus temas.

“Siempre ha sido un sueño ir a México. Amo la comida mexicana. Estoy muy feliz porque será mi primera visita. Creo que será un show genial”, dijo Dunstan sobre su primer concierto en nuestro país.

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Radiohead sube "rarezas" a Spotify

Escucha estos sencillos de 2009 de Radiohead.

El fin de semana pasado, la banda de rock de Inglaterra Radiohead, hizo disponibles a través de la plataforma de streaming Spotify, los sencillos “Harry Patch (In Memory Of)” y “These Are My Twisted Words” lanzados originalmente durante el año 2009, no incluidos en ningún disco.

“Harry Patch (In Memory Of)” fue escrita especialmente como un tributo para el último soldado sobreviviente que luchó en las trincheras de la Primera Guerra Mundial. La canción fue lanzada en el sitio de la alineación como descarga por 1 libra esterlina, y todas las ganancias recabadas fueron donadas a la Legión Británica Real.

“These Are My Twisted Words” fue inicialmente filtrada a través de BitTorrent el 12 de agosto de 2009. Se especuló en ese entonces que la melodía había sido compartida por la misma agrupación después del poco convencional lanzamiento de In Rainbows en 2007, en el que la gente pagaba lo que consideraba por dicho álbum.

En los meses pasados, Radiohead también hizo In Rainbows y su disco bonus disponible a través de Spotify y Apple Music.

Escucha aquí abajo estos temas de Thom Yorke y compañía.

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Entrevista con Wild Beasts #CC16

Wild Beasts, la banda que siempre quisieron ser.

Existen pocas bandas en el mundo tan infravaloradas como Wild Beasts, el cuarteto originario de Kendal, Inglaterra, que a mediados de este año lanzó su quinto álbum. Durante sus cinco trabajos, la banda ha mostrado sonidos y conceptos muy propios y de gran calidad –incluso, hasta cierto punto teatrales–, además de una evolución muy notoria en sus trabajos, especialmente en el más reciente: el sorprendente Boy King. Sin embargo, tristemente nunca se les ha hecho justicia por parte de los medios ni del público.

Estos ingleses se presentarán en el Corona Capital 2016 en la que será su tercera vez en la Ciudad de México –Corona Capital 2012 y El Plaza en el 2014–. Con este pretexto, Tom Flemming –segunda voz, guitarrista y tecladista– platicó con Indie Rocks! sobre este tema y su nuevo disco.

Boy King salió al mercado y fue una gran sorpresa para medios y público, atrás quedaron los temas suaves, ritmos cadenciosos y melodías elípticas que caracterizaban a la banda; este álbum tiene una personalidad agresiva, hipermasculina e hipersexual –como de macho de chaqueta de piel y motocicleta– bastante definida que musicalmente lo lleva a recurrir de sobremanera a arreglos electrónicos casi industriales y fuertes líneas de bajo, sobre esto, Tom comentó: “Me alegra que estés sorprendido. Quisimos hacer algo más agresivo, más oscuro. Es más como un disco sin guitarras, tienes que hacer algo diferente para seguir interesado en ello”. Esta transformación sónica se dio en el estudio, en el proceso mismo de la grabación: “Dejamos de preocuparnos mucho sobre qué estábamos haciendo, dejamos que pasara y así es como llegaron estos sonidos electrónicos”.

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Hayden Thorpe –vocalista principal– mencionó que si querían hacer un disco con muchos huevos tenían que ir a Texas; la esencia del personaje y la “potencia sexual” de Boy King seguramente no hubiera sido la misma de no haber sido grabado en ese estado con John Congleton como productor: “Sí, definitivamente había que ir a Texas. Ahí encontramos algo que no encontraríamos en ningún otro lado. Eso fue una oportunidad de hacer algo diferente, encontramos diferentes sonidos”.

La música del disco no tendría el impacto que tiene de no ser por las letras, el concepto del álbum y esta actitud; en este, el protagonista es un Boy King, un personaje hipermasculino que prácticamente vive para el sexo. La banda buscó con este material y estos temas hacer un manual sobre “Qué no hacer en el 2016” a través de este personaje: “Boy King es un personaje de ficción, es como una sátira”.

En el boletín de prensa del disco, ellos mismos se presentaron como la banda que siempre quisieron ser, y eso es algo que se puede ver y escuchar. En una entrevista con The Guardian, Thorpe comentó que “estár en una banda es un ‘jódete’ a la adultez”, y efectivamente, esa actitud rebelde y juvenil se siente en el nuevo Wild Beasts, a lo que Tom claramente dijo: “Creo que eso está presente en muchos sentidos en el disco”.

Aunque Boy King es un personaje de ficción creado para dar un statement sobre la hipermasculinazión y la hipersexualidad, para hablar de algo hay que tener cierto conocimiento o cierta experiencia propia, así que esto es lo que Tom piensa del sexo actualmente: “Debo decir que el disco no es para seguirse, para mi el sexo es algo serio, es algo sobre constancia”. De igual manera advierte: “Creo que es un disco sexy, pero en realidad es un disco horrible, no hay canciones de amor, todo es sobre sexo, sobre hacer las cosas a tu modo, ciertamente no es un disco placentero”.

Finalmente, previo a su próxima visita a México, Tom nos contó su opinión sobre el país: “Amamos tocar en México, sé que todos lo dicen pero lo digo en serio”, además recordó su participación en el Corona Capital 2012:  “No lo podía creer, fue maravilloso, es un festival muy espectacular, había un sol hermoso”.

Y así se despidió Tom, al que seguramente veremos el próximo fin de semana con una de las mejores bandas del Corona Capital 2016.

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Giorgio Moroder estrena "Good For Me"

Giorgio Moroder regresa con nuevo sencillo.

Después de poco más de dos décadas, el DJ italiano Giorgio Moroder, lanzó su más reciente álbum de estudio, Déjà Vu , en junio del año pasado, con artistas invitados como Kylie Minogue, Sia, Kelis, Charlie XCX, entre otros. En pocas palabras, un buen regreso para esta leyenda de la música electrónica.

Ahora, el productor de 76 años de edad, acaba de lanzar una nuevo sencillo titulado “Good For Me” con la cantante inglesa Karen Harding.

Esta melodía, tiene un toque pop house más actual en comparación con el marca disco que caracteriza a Giorgio Moroder en sus mejores producciones. Recordemos que él ha estado detrás de los grandes éxitos de aquella época con artistas como Donna Summer, David Bowie, Janet Jackson y Gloria Gaynor.

“Cuando conocí por primera vez a Karen, no podía creer lo joven y talentosa que es. Ella es muy emocionante. El ambiente en el estudio era muy divertido”, comentó Giorgio Moroder para Entertainment Weekly. “Cuando escuché su voz y la vi en persona supe que sería perfecto. Es una chica talentosa, radiantemente hermosa por dentro y por fuera”. Escucha abajo la canción.

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Kate Nash estrena "My Little Alien"

Kate Nash nos enseña lo importante que es amar a tu mascota.

La cantante, escritora y músico Kate Nash, lanzó su más reciente disco Girl Talk en marzo de 2013. Desde entonces solo hemos podido escuchar su más reciente tema "Good Summer".

Ahora Kate Nash nos sorprende a todos con “My Little Alien”, una nueva melodía acompañada por un video musical dirigido por Tyler Monsein.

En este clip grabado en el desierto de California, podemos ver a su mascota, Stella, la cual fue rescata por Kate, además tiene un bonito mensaje en el cual nos recuerda que es mejor adoptar en vez de comprar.

Esta melodía fue escrita después de una aventura en Nevada donde, en palabras de la cantante, vio por primera vez un OVNI. “Llevé a mi cachorro al viaje y me di cuenta de que es mi mejor amiga y aunque nunca he visto uno, ella es como un pequeño alien. Cuando la rescaté de un hombre que quería 20 dólares para sus drogas, ella me salvo en el momento en que más lo necesitaba. A veces siento que somos de otro planeta. Esta canción es sobre el amor a lo extraño”, explica Kate Nash.

Mira aquí abajo el arte de “My Little Alien".

kate nash my little alien

Phantogram – Three

Phantogram regresa con una intensa pero fugaz ilusión.

Hay algunas bandas que durante años permanecen en el anonimato hasta que tienen una canción que los hace despegar y volverse internacionalmente reconocidos. Curiosamente, Phantogram pese a tener ya casi una década y mucho potencial, todavía sigue surcando con modestia en los escenarios. Casi como si no quisieran darse a conocer y su intención fuera permanecer en secreto entre sus fieles seguidores.

Su música es la perfecta combinación de varios géneros partiendo de una base de electro rock con buenas dosis de trip hop y unos cautivantes destellos de dream pop. Posiblemente, la pieza que mejor expone su esencia es la clásica “Mouthful of Diamonds”. Phantogram regresa después de dos años con Three (2016), un álbum que cumple a secas pero que no es ambicioso y falla en llevar su calidad hacia adelante.

El material inicia con “Funeral Pyre” una de esas piezas de cajón del dúo de New York, ambigua y deprimente con ecos de la hipnótica voz de Sarah Barthel. “Same Old Blues” resulta irónica con respecto al título porque la música se vuelve totalmente monótona después de los primeros compases, descubriendo uno de los puntos de donde cojea este disco. En Three, aunque están todos esos destellos intensos que nos gustan de Phantogram: cambios en el ritmo a la mitad de la pieza, efectos en la voz de Sarah, melodías oscuras, entre otros, la composición musical de Josh Carter carece de frescura en esta entrega. No es broma, You Don't Get Me High Anymore empieza casi en el mismo tono que la pieza anterior, incluso pudiendo confundir una de la otra.

Cruel World” mejora un poco el material, teniendo una divertida letra y esos samples característicos de coros que han utilizado en tracks como “Fall In Love” o  “Bad Dreams”. En “Barking DogCarter toma el micrófono para volarse en una pieza con tintes folk y regresa para hacer dueto con Sarah en “You’re Mine”, entre guitarras distorsionadas que nada más no cuajan como armonía.

Por fortuna, hacía el final Three se levanta sorpresivamente para cerrar fuerte con “Run Run Blood”, ecléctica, con un beat que no te suelta y cargada de energía como en los mejores momentos de la banda. “Destroyer” hace un excelente contraste al ser una pieza pop con un puente memorable. “Calling All” rescata su fino trip hop con múltiples versos pegajosos que te atrapan desde el principio. Posiblemente, la mejor pieza del disco.

Aunque Three tiene intensidad, se diluye debido a que carece de dirección y no logra sintetizar la esencia que ha hecho a Phantogram una banda memorable en la última década.

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Entrevista con Metallica

Nuevo disco, Lemmy Kilmister, México y lo que significa ser parte de una de las bandas más importantes en la historia del rock… una plática con Kirk Hammett de Metallica.

Estamos a solo unos días del lanzamiento del décimo disco de estudio de Metallica, Hardwired... to Self-Destruct, el cual marca el esperado regreso de la banda con música nueva a ocho años de la salida de su último material. Antes de poder escuchar completo el álbum que estará disponible a partir del próximo 18 de noviembre y mientras se encontraba ofreciendo una serie de conciertos en algunos países de Latinoamérica, el icónico grupo de thrash metal hizo una breve escala en México y durante esa visita, Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con Kirk Hammett sobre lo que viene para el cuarteto estadounidense en el futuro cercano y otros temas.

Durante su estancia en México, el guitarrista de Metallica nos contó, entre otras cosas, cómo fue el proceso de grabación de Hardwired... to Self-Destruct, incluyendo su experiencia al tener como productor a Greg Fidelman, quien también ha producido discos de bandas como Slayer y Slipknot: “sin mencionar algunos problemas que tuvimos, trabajar con Greg Fidelman para mí siempre ha sido genial, tiene una excelente actitud en el estudio, nos conoce a cada uno de nosotros, conoce nuestras mejores habilidades, sabe hasta qué punto estamos cansados como para hacer uso de ellas, así que trabajar con Greg Fidelman siempre ha sido estupendo, hacer este álbum fluyó muy libremente desde mi punto de vista”.

Sobre el título de Hardwired... to Self-Destruct, Kirk Hammett comentó que en realidad significa muchísimas cosas, pero para él es más acerca de esta tendencia de la humanidad de hacer cosas que no son lo mejor para ellos y también tiene que ver con los líderes tomando decisiones que dañan a la gente y al planeta, como si a dondequiera que miraras estuviera presente la autodestrucción. Además del título, otro de los detalles interesantes del álbum es que se divide en tres partes, de las cuales dos incluirán las canciones nuevas y el tercero tendrá algunas rarezas, así como versiones en vivo; esta decisión se tomó para poder tener mucha música y complacer a sus fans.

“Al principio teníamos una actitud de ‘vamos a hacer un álbum al estilo de Kill 'Em All, pero al final era algo tonto, tal vez escuches algunos elementos similares a Kill 'Em All, muchos rebotes y groove es un ritmo natural para nuestras canciones, es genial para mí como guitarrista poder hacer solos groovy, me encanta. Pero cuando pienso en este álbum hay elementos de todos nuestros álbumes, la arritmia es similar a la de The Black Album, hay cosas similares al Death Magnetic, sí hay cosas que recuerdan a Kill 'Em All, pero es como una versión moderna”, nos dijo el veterano guitarrista sobre el sonido del nuevo material de Metallica.

Hasta ahora, ya hemos escuchado sencillos como "Atlas, Rise!", "Moth into Flame" y "Hardwired", los cuales han funcionado muy bien para atraer nuestra atención, pero Hardwired... to Self-Destruct también incluye otros temas interesantes como “Murder One”, que es un merecido un tributo al legendario líder de Motörhead, el fallecido Lemmy Kilmister.

James escribió la letra porque Lemmy significaba muchísimo para los cuatro. A Lars le gusta decir que de no ser por Lemmy nosotros no estaríamos aquí el día de hoy, y para mí él representaba tantas cosas, era un modelo a seguir, representaba la verdadera honestidad e integridad, cuando hablabas con él no sólo era como ‘wow, estoy hablando con Lemmy’, también pensabas que era un tipo genial y respetuoso. Lemmy hacía todo lo que estaba en sus manos para hacer sentir cómoda a la persona con la que estuviera hablando, tengo mucho respeto hacia él como persona. Además de ser un excelente músico, compositor, de hacer letras geniales y de ser un verdadero showman, él tenía el paquete completo igual que Jimi Hendrix, tenía un buen estilo y el sonido. Lo tenía todo y era una gran inspiración, era genial”, nos compartió Kirk Hammett acerca de las razones por las que él y el resto de sus compañeros decidieron homenajear a Kilmister.

Después de revelar que Metallica regresará a México para tocar en vivo una vez más frente a sus fans el próximo 1 de marzo de 2017, el músico nos confesó que nuestro país es un lugar muy importante para la agrupación a la que pertenece, lo cual fue un factor determinante para que se tomara la decisión de presentar Hardwired... to Self-Destruct ante el público mexicano en exclusiva un mes antes de su estreno comercial.

“Con el paso de los años hemos visto cómo es que el público mexicano siente tanta pasión por la banda, cómo la disfruta y se conecta con nosotros y nuestra música, la última vez que tocamos aquí hicimos como 80 shows o algo así, bueno, como 50, tal vez sólo fueron 8 [ríe], pero no hacemos 8 shows en cualquier lugar al que vamos. Podemos ver que los fans mexicanos, particularmente los de la Ciudad de México, son muy especiales para Metallica y geográficamente la Ciudad de México es importante porque gente de todo el país llega aquí para vernos, así que nos hemos dado cuenta de que la Ciudad de México es tan importante como Nueva York, París, Londres, Tokio o Sidney, todas hacen la diferencia. Este es uno de esos lugares donde podemos alcanzar a muchísima gente en muy poco tiempo y simplemente amamos a los fans, no tocar para la audiencia mexicana sería una locura, nos encanta”, compartió el talentoso guitarrista.

Para terminar con la plática y tras decirnos que, en su opinión, la mejor banda de metal del mundo es UFO, Kirk Hammett nos hizo saber cuál es la mejor parte de ser miembro de Metallica. El músico comentó que la cuestión con su grupo es que cada uno de sus integrantes tiene su propia personalidad y que si unes esos cuatro elementos al final suena a lo que hemos escuchado a lo largo de más de 30 años, para él esto es como juntar dos cosas que parecen totalmente diferentes entre sí, como el agua y el aceite.

“Poder hacer música con estos tres tipos de verdad es lo mejor. Yo siempre, desde que empecé a tocar la guitarra, supe la importancia de tocar con buenos músicos y de tocar con los músicos correctos, yo vi lo que pasó con los cuatro hombres que empezaron a hacer música en Led Zeppelin y yo sabía que sólo eran esas cuatro personas las que lograban ese sonido. Me di cuenta desde muy temprano que necesitaba encontrar a las personas adecuadas para formar una banda y lo hice por accidente, pero cuando vi a Metallica por primera vez, recuerdo haber pensado que eran muy buenos, pero que serían mucho mejores si yo estuviera en la banda, peleé por ello y un día, cuando recibí una llamada para unirme a Metallica, se sintió tan natural, pensé ‘por supuesto que me querían, que voy a tocar con ellos, adicioné porque son la mejor banda que he visto hasta ahora’. Lo mejor de ser parte de Metallica es tocar con sus otros tres integrantes, siento que estoy donde debería estar, musical y creativamente hablando, y al menos yo creo en estas cosas locas de que el universo nos puso a todos en este lugar por razones muy distintas pero estamos haciendo justo lo que teníamos que hacer. Y bueno, lo segundo que es lo mejor de tocar en Metallica es ver todas las sonrisas que provocamos en personas de todo el mundo, de verdad, toda esa dicha y alegría que podemos crear, porque están pasando cosas muy jodidas en el mundo y hay que balancearlas de alguna forma”, afirmó un emocionado Kirk Hammett antes de que finalizara nuestra charla con él.

Metallica

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Las Robertas en el Foro Indie Rocks! #CDMX

Como parte del Funnel of Love, celebramos en la CDMX con Las Robertas.

Noche fría. Al foro ubicado en Zacatecas 39 de la Roma Norte comienzan a llegar algunas personas, estas son recibidas con un cálido shot de mezcal. El 12 de noviembre Mirador MX, Wolf Hunt y Toga Records celebraron el tercer volumen de Funnel Of Love Bazar; un espacio en el que marcas nacionales exponen su trabajo, mientras los asistentes disfrutan de tragos, comida, dj sets y acústicos. Para el after party dos bandas fueron invitadas; Las Robertas y The Broccolis.

Una vez que la primera parte de la celebración concluyó, el Indie Rocks! comenzó a deshabitarse, quizá fue el frío o la cantidad de eventos celebrados aquella misma noche, lo que provocó que dentro del recinto, la ausencia de calor humano acentuara el gélido ambiente. No obstante, un grupo de músicos que bien pudieron salir de un filme setentero comenzaron su set una hora antes de que la media noche asomara.

Andoni, Rocco y Betún a.k.a. The Broccolis salieron a hacer lo que mejor hacen, al tiempo que unos cuantos asistentes que valientemente hangueaban en el patio, entraron al escuchar los tarolazos. La banda cuyo nombre hace referencia a aquella verdura que tanto odian los más pequeños, tiene esa vibra psych que es inyectada fuertemente por el órgano Hammond de Andoni.

Los Broccolis tocaron un set despreocupado, dejándose llevar por la psicodelia y llevándose a los espectadores en el viaje, su selección de tracks estuvo determinada por su álbum debut Early Daze que se estrenó en 2015. Un breve descanso llevó a los asistentes a darse una vuelta por los shots de mezcal, que extintos guiaron a los sedientos directo a la barra.

Nuevamente las guitarras comenzaron a retumbar y es que el trio costarricense ya estaba en el escenario. Las Robertas salieron con la firme convicción de prender la noche. El atuendo de Mercedes Oller era hipnotizante, con un conjunto negro de puntos blancos y sus distintivas estrellas bajo los ojos. La banda que ha recorrido el mundo por su exquisito sonido, comenzó a seducir a los presentes, sin embargo la ecualización del lugar no permitía que el sonido se disfrutara al máximo.

Mercedes y Sonya pedían tras cada canción volumen en sus monitores, sin éxito en su demanda. Pese a esto, rolas como “Marlene” y “The Feel” provocaban que los presentes cerraran los ojos y movieran la cabeza. Fabrizio Durán golpeaba duro su drumset, mirando hacia arriba, con la camisa desabotonada, como aquél que busca prender una fogata.

El fuzz del bajo de Sonya y los rápidos beats de batería hacían antojar un slam, mismo que nunca llegó. Quien sí llegó fue Brandon Welchez de Crocodiles, que con una cerveza en la mano interpretó “Tele” al lado de las chicas. Las Robertas lograron sobreponerse al frío y las fallas de audio con un set poderoso que voló la cabeza de los pocos presentes que salieron satisfechos del lugar.

Juan Cirerol en el Lunario del Auditorio Nacional

Juan Cirerol está presente, sí señor.

“Algo que tenemos en común” todos los que fuimos testigos del primer concierto de Juan Cirerol en el Lunario del Auditorio Nacional es esa curiosidad incesante de lo atípico, lo palpitante del punk norteño, lo intravenoso de los poemas que narran sus vagancias; adicción a lo natural, a la no pose, a lo carismático y romántico que reina en su carácter. Todos los ahí presentes, los adeptos de un SOLD OUT efusivo, tienen en común la nostalgia del (des) amor, del acontecer social y político, las ganas de gritonear, de balbucear corridos, de contonearse al ritmo de un Juan Cirerol ahora acompañado por su Cire band, el sueño que siempre quiso palpar. Aún vienen esos flashbacks de hace unos seis o más años, cuando Martín del Prado le hacía segunda en la guitarra y tocaban en Nrmal o en El Alicia. Ahora todo está en su lugar. Cirerol no se desaparece, Cirerol está presente, sí señor.

Clavando bien la mirada en sus fans, les decía “I Love You”, y todos le hacían los coros, no había ni un verso incógnito, todos cantaban con Cirerol, el artista que no necesita acto abridor para presentar un gran show, con pretexto de su reciente EP En los días de música triste.

Cuando grabó Todo Fine se le cumplió tener una banda de acompañamiento, así que “La Florecilla” ya no fue al unísono de guitarra y armónica. Claro que el sonido fue más robusto, pero el cachanilla elevaba su voz carrasposa y nos hizo recordar cuando deambulaba por el extinto D.F. y se valía únicamente de sus dos recursos favoritos (además de la cerveza y uno que otro cigarrillo).

“Se vale soñar”, se vale hacer lo que uno quiera, ser un poeta punk, escribir andanzas y cantar retorciendo la boquita, soltar unos aullidos de dolor, escupir las letras malditas, romper las cuerdas de una guitarra, cambiar el orden para complacer a un grupo de fans con el corrido “El combinado”, se súper vale besar de piquito a todas las morritas que son sus fans, como Andrea, que subió al escenario a cantar “Si, si” en compañía del cachanilla y dedicarla al “Rafitas”. ¿Es la rola más longeva y romanticona de Cirerol? La respuesta es: Sí, sí.

Se vale soñar que un día llegarás más lejos de lo que podías imaginar en tus alucinantes borracheras, en tus soledades lejanas; se vale tener talento y agallas para salir adelante, se vale ser Juan Cirerol y decirle a todo el mundo lo que piensa de los demás, sin ataduras (cero miedo, viejo), ni poses, ni paradigmas de nuestro rock.

Interminables “Olé, olé, olé, olé, Cirerol, Cirerol” interrumpen cada momento, “Trucha (s) porque no hay tiempo” para demostrarle al oriundo de Chicali que es un canijo, que se le admira y se le quiere, porque su lenguaje ha sido lo más punk que han escuchado en diez años en este país que se consume, se agrieta y se pulveriza, como las drogas, como el gobierno y tenemos “Vida de perro”, “Piso de piedra”, “Rostros vendidos” y “Noches de prisa” como la de ayer, en la que quedará una huella en los corazones cireroles.

Tres trancazos de encore: “Hey soledad”, “Eres tan cruel” y “Metanfeta”, las canciones que lo catapultaron en el gusto de la gente. “Muchas gracias por estar aquí, esto es gracias a ustedes, los amo a todos”, fueron las palabras que repetía una y otra vez con nerviosismo y brillo en los ojos. Todo fine, larga vida a Cirerol.

Setlist:

  1. ALGO QUE TENEMOS EN COMUN
  2. I LOVE YOU
  3. LA MUCHACHA DE LAS TIERRAS LEJANAS
  4. LA FLORECILLA
  5. ERES PURA SENSUALIDAD
  6. SE VALE SOÑAR
  7. ESO ES CORRECTO SEÑOR
  8. CORRIDO CHICALOR
  9. 4 DE MAYO
  10. DICEN QUE NO ESTOY DESPIERTO
  11. EN LOS DIAS DE MUSICA TRISTE
  12. TRUCHA PORQUE NO HAY TIEMPO
  13. LA BANQUETA
  14. SI,SI
  15. LA CHOLA
  16. TOQUE Y ROL
  17. VIDA DE PERRO
  18. NOCHES DE PRISA
  19. CORRIDO DE ROBERTO
  20. PISO DE PIEDRA
  21. CREMA DULCE
  22. ROSTROS VENDIDOS
  23. EL PERRO
  24. CLONAZEPAM BLUES
  25. HEY SOLEDAD
  26. ERES TAN CRUEL
  27. METANFETA

Cultura Profética en el Pepsi Center WTC

20 años de Cultura Profética y ¡que vengan muchos más!

Es gratificante ser parte de la consolidación de un exponente musical que ha permanecido vigente por 20 años y que aún así, con cada nuevo concierto, conquista a su público de diferentes maneras. Cultura Profética no es ajena ni nueva para México; al contrario, es una de esas bandas que ha engendrado en nuestro país una de sus más grandes bases de fanáticos alrededor del mundo, porque sí, es una agrupación de talla internacional.

Anoche, en la celebración por sus dos décadas de trayectoria artística, nos reunimos en el Pepsi Center WTC para cantar junto a los puertorriqueños, muchos de sus éxitos, canciones emblemáticas y viejos temas. Con un recinto abarrotado (fue un exitoso sold out) y después del warmup de dubstep otorgado por Dusty, mejor conocido como DJ11, salieron al escenario aquellos músicos que nos han regalado momentos de amor, amistad, diversión y reflexión.

Liderados por el talentoso Willy Rodríguez, y frente a más de ocho mil personas, el set comenzó con "Rimas pa' seducir". Alrededor de la pista sobresalían las parejas de enamorados, hecho que en lo particular me entristeció un poco, porque iba sin compañía de ese tipo, y definitivamente esa era la noche para cantar y bailar abrazado de alguien, sobre todo en los momentos que interpretaron sus clásicos "La Complicidad", "Para Estar", e "Ilegal", incluidos en su disco de 2010, La Dulzura.

En contraste al tema romántico y ad hoc a las recientes elecciones más victoria de Trump como presidente en Estados Unidos, no podía faltar su reciente sencillo "Le da igual", tema que critica el poco interés de los gobernantes hacia sus ciudadanos, su gente, que tiene que sobrevivir como le sea posible.

Cultura Profética se caracteriza por ser un grupo que invita a la reflexión y alza la voz cuando debe de. En esta ocasión no expresaron alguna opinión, pero tampoco era algo que les correspondiese en el sentido de que estábamos ahí para celebrar sus himnos. 20 años, tantos conciertos, tantos discos, tantos shows (recuerden que este año se presentaron por segunda vez en su historia, en el Festival Vive Latino), merecían todo el protagonismo de la noche.

Siguiendo con los éxitos, repaso de temas antiguos, y algunos que generalmente no tocan, tenemos (no en orden), la interpretación de: "De Antes", "No me busques", "Ritmo que pesa", "No me interesa", "Días Intensos", "Nadie se atreve","Sube el humo""Un Deseo", "Bieke", "Inspiración", "Amante luz", "Verso Terso" y "Por qué cantamos".

El ambiente y sonido estuvieron muy bien, por lo mismo cada instante era disfrutado al máximo por los presentes. Eso sí, en determinadas canciones como "Saca, prende y sorprende", el público comenzó a hacer lo suyo (quemar la yerba) y el humo se expandió por arriba de la pista. Como sabrán, en el Pepsi Center está prohibido fumar, por lo que después de uno de sus dos encores, Willy pidió a la gente que no lo hiciera. Dicha petición no fue del todo bien aceptada y la fumadera siguió hasta el término del concierto.

Ya en la recta final sonó uno de los clásicos, mismo que fue aclamado y coreado por los presentes, "Baja la tensión". Antes de despedirnos de ellos, Willy nos invitó a pasar a la tienda donde podríamos encontrar su primera mercancía oficial en 20 años. Además criticó bajita la mano a las personas que se dedican a la piratería de estos artículos, cosa que tampoco cayó en la gracia de la gente, pero que finalmente lo olvidó con la sonrisa del boricua y su incomparable voz.

El tema elegido para cerrar este impresionante show que mezcló emociones, voces, gustos y humos, fue "La Espera". En resumen, podemos concluir que por algo la banda lleva 20 años en el gusto del público, de comenzar --como muchas-- tocando en venues pequeños y donde se pudiese, hoy día se presentan en los recintos más importantes de cada país en el que se paren. Larga vida a Cultura, larga vida a la buena música.

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