PREMIERE: Wolfy estrena el video de "Vamos Al Infierno"

Wolfy comparte con nosotros en exclusiva el video para el sencillo "Vamos al infierno".

Wolfy es un proyecto de Eddie González, músico y compositor que trabajó con Plastilina Mosh y formó parte de Jumbo. Idea que surgió debido a la naturaleza del regiomontano, pues la inquietud del artista por expresar sus ideas lo obligó a tomar esa audaz decisión en 2011.

Wolfy_pic principal 2

El primer álbum ya está a la venta desde hace unas semanas, pero hasta hoy es estrenado el video del primer sencillo, llamado “Vamos Al Infierno” a través de Indie Rocks!. Este tema fue producido por Gordon Raphael, quien ha colaborado con Blonde Redhead, Regina Spektor y The Strokes. Además de contar con el talento de músicos bien experimentados como Rulo García, Cliff Arlovsky y Alfredo Ureña, elegidos por Eddie por su deseo de que el grupo fuera integrado por amigos. Un acierto para Wolfy pues la camaradería y comodidad los llevó a grabar todo un álbum en solo una semana.

Wolfy 2

El video de estuvo a cargo de Roger “Bull” Camarena, pues hizo el trabajo de director, editor y camarógrafo. Hay tomas llenas de movimiento y llenas de exaltación, algo que se ajusta de buena manera al sonido de la canción pues mezcla el ritmo del dance punk con algunos sonidos cercanos al new wave. De hecho el líder de la agrupación considera que las influencias más importantes de este proyecto son The Bravery, Placebo, Jesus and The Mary Chain y Joy Division.

Hace mucho que no escuchábamos algo con tanta energía, así que estamos muy felices de presentar el video de "Vamos Al Infierno", el cual puedes ver justo aquí:

Entrevista con The Killers #CC16

The Killers, festejando el pasado y viendo al futuro.

Una de las bandas más importantes de nuestra generación, The Killers, encabeza el Corona Capital 2016 después de una ausencia de casi cuatro años en nuestro país. Además, los originarios de Las Vegas están festejando este año el décimo aniversario de Sam’s Town -el disco que los convirtió en lo que son ahora– mientras se encuentran trabajando en su nuevo álbum. Sobre esto y más, platicamos con Ronnie Vannucci, baterista del cuarteto.

El 3 de octubre del 2006 fue lanzado al mercado Sam’s Town –segundo material de la banda– y aunque el álbum debut (Hot Fuss) fue un gran éxito y uno de los mejores discos del 2004, pocos previeron la trascendencia de este trabajo –que incluye himnos como “Read My Mind”, “When You Were Young” o “For Reasons Unknown”– de hecho, ni la propia banda: “Nosotros buscábamos el éxito, pero no estábamos seguros de qué esperar, pues el disco tuvo un leve desvío del álbum anterior. Nos recuerdo confiados y orgullosos de nuestras canciones”. Aunque los cuatro discos de la banda han logrado el número 1 en el Reino Unido, en Estados Unidos ninguno ha alcanzado esa posición, siendo Sam’s Town el más cercano al llegar al nada despreciable número 2.

Para festejar el décimo aniversario, la banda dio dos conciertos en el ahora célebre casino del mismo nombre donde tocaron el álbum de principio a fin, y aunque curiosamente durante la gira previa no lo hicieron, y seguramente en la Ciudad de México tampoco lo harán, al sugerirle la idea a Ronnie dijo: “Pondremos la idea en el sombrero y veremos qué pasa”. Seguramente fue una respuesta amable, pero lo que sí es un hecho, es que al menos la mitad del disco sí sonará en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

10 años después, la banda se encuentra trabajando en su quinto álbum de estudio, aunque hasta el momento es difícil decir algo de este, de su sonido, sus letras o cualquier indicio de por dónde irá: “No puedo decir nada, no ahora. Arruinaría la sorpresa”. Anteriormente, Vannucci comentó que al entrar a grabar un disco, la banda siempre llega de una dirección y termina en otra, al cuestionarle cuál era la dirección actual de la banda, él comentó: “Estamos explorando distintas maneras de tocar una canción y estamos divirtiéndonos experimentando con el sonido. Sigue siendo muy pronto para darte una idea de qué esperar”.

Lo anterior realmente da para soltar la imaginación, pues aunque The Killers siempre ha mantenido un sonido característico, a lo largo de sus cuatro álbumes la banda ha experimentado leves pero concisos cambios en su sonido, desde las canciones con muchos teclados y efectos en Hot Fuss, (“Smile Like You Mean It”, “On Top”, “Believe Me Natalie”,  pasando por los sonidos tropicales de Day & Age (“Losing Touch”, “Joy Ride”), hasta llegar al cuasi heartland rock de Battle Born (“Runaways”, “The Way It Was”, “The Rising Tide”).

Es justamente este trabajo el que mejor sirve de ejemplo sobre la evolución de The Killers y el cómo llega a ello en cada disco; en Battle Born, se puede escuchar que, consciente o inconscientemente, la banda abrazó totalmente la influencia de Bruce Springsteen, dejó un poco la grandilocuencia y Brandon y compañía se dedicaron a contar historias cotidianas de amor a través de carreteras y desiertos; además decidieron cantarle aún más a la clase trabajadora de su país, justo como “The Boss” sabe hacerlo. Ese camino no fue precisamente el mejor comercialmente hablando, pues ese género se ha hecho viejo junto con sus fans y sus principales exponentes –el propio Springsteen, Tom Petty o Bob Seger– y es algo que en general no está dentro del radar de nuestra generación ni mucho menos de las siguientes. Sin embargo, Ronnie está interesado en otra cosa: “La música es, ha sido y será siempre subjetiva. No tengo un medidor para ver en lo que anda la gente a nivel masivo, y si lo tuviera no lo usaría. Estoy interesado en un momento a futuro. También estoy interesado en mis propios límites con esta banda. Ese deseo es independiente de lo que cualquier generación piense, es personal. Me siento afortunado de que la gente sepa quiénes somos como banda y aún más afortunado de que la gente disfrute la música que hacemos”.

battle+born+deluxe+edition

Varios medios y periodistas han dicho que el principal factor para que Donald Trump ganara las elecciones fue el hartazgo de la clase obrera que dio su voto al candidato republicano, esa clase obrera a la cual le cantaba Springsteen y recientemente The Killers; sin embargo, es bueno aclarar que al menos en la banda y en Ronnie, no existe racismo ni antipatía por los mexicanos: “México siempre ha sido especial para nosotros. Hay una fuerte cultura mexicana en la costa oeste que personalmente disfruto mucho. Tengo muchos amigos mexicanos”. Sobre su próximo viaje a la Ciudad de México para tocar en el Corona Capital, comentó: “Es bueno ir de nuevo al país y experimentar una versión más robusta, espero pasarla bien tocando para todos ustedes”.

Y, ¿cómo no pensar que México es especial cuando somos el segundo país con más seguidores de la banda en Facebook? Así es, solo después de Estados Unidos: “Eso es lindo de escuchar. Creo que las redes sociales son como un gran vaso de leche con chocolate: un poco al momento adecuado puede ser realmente satisfactorio; mucho, lo vomitarás. Ten cuidado”.

Con este gran consejo, Ronnie se despidió hasta una próxima ocasión en la que, con suerte, habrá más información del nuevo álbum de la banda. Mientras tanto, a aprovechar la oportunidad de verlos nuevamente en nuestro país el próximo 19 de noviembre en el Corona Capital.

Visita el Facebook de The Killers para seguir todas sus noticias.

Black Sabbath en el Foro Sol

Black Sabbath. El adiós al padre del heavy metal.

Todo en esta vida tiene un principio y un fin. En la música esta máxima es mucho más patente: toda buena canción tiene que terminar en algún momento. Y todas las buenas bandas, tarde que temprano, deben decir adiós.

Así, la legendaria agrupación Black Sabbath se despide de los escenarios tras casi 50 años de existencia (no exentos de algunas pausas y altos en el camino), dejando un invaluable legado musical y el enorme mérito de que, tras su llegada; el universo musical se revolucionaría y no volvería a ser el mismo, además de haber engendrado un género musical -y un estilo de vida- el cual millones de personas profesan alrededor del mundo: el Heavy Metal. Ahora han decidido retirarse no sin antes realizar una última gira internacional denominada apropiadamente como The End. Y sería el Foro Sol el recinto que ayer tendría el privilegio de albergar a la banda por última vez.

Horas previas al inicio del concierto -y después de una pertinaz lluvia que afortunadamente cesó un rato antes- miles de personas comenzaron a llegar a las inmediaciones de ese recinto y del Palacio de los deportes, para conseguir un buen lugar desde donde despedir a estos ídolos de varias generaciones, las cuales dicho sea de paso se dieron cita esa noche. Desde adultos entre cuarenta y sesenta años hasta jovencitos quinceañeros e inclusive algunos niños pudieron verse deambulando de un lado a otro.

El show daría inicio a las 20:30 horas en punto, cuando la agrupación Rival Sons apareciera en escena, para intentar calentar los ánimos de un público mojado y con frío por el meteoro previo. Y lo consiguieron ejecutando un contagioso hard/heavy/blues rock que logró enganchar con los allí presentes. Tras un set de 40 minutos, el vocalista agradecería en español y tocarían un par de piezas más antes de retirarse.

A las 21:38 horas sería el comienzo del fin. Y en unas enormes pantallas dispuestas sobre el escenario, podríamos ver una animación en la que de un enorme huevo -muy parecido al de los Aliens del universo cinematográfico-, surgiría un enorme demonio precediendo al cuarteto estelar. Todo esto, enmarcado por un estallido de gritos y exclamaciones de la asistencia.

El grupo integrado por -el siempre polémico- Ozzy Osbourne en las vocales; Tony Iommi en la guitarra, Geezer Butler en el bajo y Tommy Clufetos en la batería subiría al escenario ataviados de ropa negra y cruces. Más adelante, este último se despojaría de su playera oscura para lucir sus tatuajes. Arrancarían con el tema que da nombre al grupo (y a su primer álbum lanzado el 13 de febrero de 1970) Black Sabbath, y desde luego el respetable estallaría en júbilo y gritos de euforia.

En este punto cabe señalar que el set preparado para esa noche estuvo compuesto en su totalidad por una selección de algunas de sus composiciones emblemáticas de su etapa temprana con Ozzy, para justamente revivir la nostalgia, y viajar en el tiempo hasta esos primeros años de discos como el ya mencionado álbum debut; Paranoid (también del 70), Master of Reality (1971); Black Sabbath Vol. 4 (1972) y Technical Ecstasy (1976).

 

Posteriormente la banda arremetería con Fairies Wear Boots seguida de After Forever. En ese punto Ozzy se dirigió al publico para preguntarle como se la estaban pasando, y como respuesta le llegó una oleada de vítores y animados chiflidos. Tras esto, anunciaría que continuarían con Into the Void; y más tarde con Snowblind.

Para esos momentos la audiencia ya se había olvidado del frío, la humedad y todas las calamidades por las que había pasado para estar allí esa noche, y se encontraba compenetrada con la banda, lo cual sería evidente cuando Osbourne les pidió que lo acompañaran a cantar el siguiente tema precedido de alarmas de bombardeo: War Pigs, con el cual todas las voces se hicieron una para corearla, y una sacudida se hizo sentir por las gradas del foro: eran más de 60 mil almas saltando, sacudiendo los brazos, pataleando y gritando al compás de la voz de Ozzy y los inconfundibles riffs de Iommi.

Al concluir esta canción, el vocalista procedería a presentar al personal, y anunciaría que tocarían algo más de su primer disco, Behind The Wall of Sleep, y en las pantallas se podía ver una pared hecha de ojos vivaces -en lugar de ladrillos- durante su ejecución. Después se escucharían las primeras notas del bajo de N.I.B. y de ahí continuarían con Rat Salad, tras la cual la mayoría de la banda se tomaría un pequeño respiro, dejándonos en compañía de Tommy Clufetos, quien ejecutaría un solo de batería de siete minutos, ligándolo con otro de los himnos de la banda: Iron Man, donde podíamos ver a los músicos en pantalla siendo rodeados por llamas y lenguas de fuego, que no hacían sino reflejar la propia prendidez de la audiencia.

“God bless you Mexico” exclamaría Ozzy momentos antes de anunciar Dirty Women, y al concluir la misma informó que tocarían un tema más: Children of the Grave. “Hemos tenido mucha diversión esta noche” diría dirigiéndose a los que se hallaban frente al escenario, antes de brindar el encore de esa noche, un símbolo de la banda y el más conocido por propios y extraños: Paranoid.

Al terminar la última canción, y tras una reverencia de los miembros del grupo, estos se retirarían mientras en las pantallas podían leerse un par de palabras: The End. Se escucharía una última carcajada de Ozzy y eso sería todo. El final había llegado y después se vino el silencio, interrumpido por música del audio local para acompañar la retirada del publico hacia sus hogares, tras haber presenciado un concierto que ya es histórico.

Entrevista con Warpaint #CC16

Diversión: el nuevo elemento que revitaliza a Warpaint.

Con el paso del tiempo las experiencias que vivimos nos hacen madurar, pero madurar no significa dejar la diversión, sino tener consciencia plena de nuestros actos. Algunos se dan cuenta de que han pasado mucho tiempo siendo serios y empiezan disfrutar la vida con más alegría. La banda Warpaint, empezó con un sonido muy pesado, oscuro y lento. Con el paso de los años obtuvieron más confianza y se soltaron. Era hora de divertirse. Para Theresa Wayman, guitarrista y cantante del cuarteto, este proceso de maduración refleja el momento que están viviendo. “Somos más suaves. Estamos teniendo más diversión. Estamos en un muy buen lugar”, comparte para Indie Rocks!

Con una voz relajada y alegre, Theresa, deja de lado su ocupada agenda para responder unas preguntas. Este año sacaron su tercer álbum, Head’s Up, y ahora toca la gira. “Soy muy trabajadora. Disfruto trabajar. Mi trabajo es genial, aunque los viajes son muy desgastantes, pero disfruto mucho tocar música frente al público todas las noches, viajar por el mundo. A veces cuando eres músico o artista es muy difícil obligarte a ti mismo a trabajar lo necesario para poder crear algo, porque no hay nadie diciéndote lo que tienes que hacer, pero creo que ya estoy mejorando cuando se trata de motivarme a mí misma”.

En Head’s Up hicieron de lado la atmósfera difusa, amenazante y melancólica, y trajeron un sonido más alegre que invita a bailar. Este nuevo enfoque, nace de querer transmitir la atmósfera emocionante que se vive en un concierto en vivo de Warpaint. “Creo que hemos tenido más éxito tocando en vivo que con nuestros discos. Tocar en vivo es algo que se acerca más a nuestra esencia. Hay más energía. Creo que hay una cualidad sorprendente en las canciones grabadas, que no obtienes en vivo. Pienso que es una cosa especial y cuando tocas en vivo una canción obtienes un aspecto diferente de la canción” y añade después de una pequeña pausa: “Personalmente aprecio el poder hacer cosas cuando grabamos que no podemos hacer necesariamente en vivo. Cuando grabas puedes controlar todo. Somos muy detallistas”, reconoce.

Después de una extensa gira en el 2014, decidieron tomar un descanso. A lo largo de los meses corrió el rumor de una separación. La tensión había subido durante su extensa gira. La separación estuvo cerca. Al final lo único que necesitaban era un descanso para aclarar su cabeza. En poco tiempo se juntaron y empezaron a preparar un nuevo álbum “Después de nuestro álbum pasado, cuando regresamos de la gira, estamos completamente exhaustas, el amor no estaba ahí, tuvimos que esperar a que regresara”.

warpaint

Mientras Stella Mozgawa, Jenny Lee Lindberg y Theresa tienen otros proyectos además de la banda, todavía queda mucho camino por recorrer para Warpaint. “Nosotras sabemos que podemos ofrecer mucho más como grupo. Creo que eso se debe a que cada una de nosotras tiene una voz fuerte en la banda y no toma mucho tiempo conocer todos los ángulos posibles de expresión que tenemos”.

La presencia femenina cada vez adquiere mayor presencia en los festivales más importantes a nivel mundial. Este Corona Capital tiene 15 de 50 actos puramente femeninos, el 30% del cartel. “Es increíble, me encanta. Más y más mujeres hacen lo que quieren hacer. No tiene sentido una industria dominada por los hombres. No quiero que se vayan los hombres, pero me alegra que cada vez más mujeres se expresen musicalmente” comparte con una risa al final Theresa.

Warpaint es una banda que ha inspirado a muchas personas en todo el mundo y no todo ha sido fácil. Ha sido un camino largo, pero después de 12 años, todo su esfuerzo está rindiendo frutos. “Todos deberían hacer lo que desean; tienes que trabajar duro y ser serio, así verás resultados. No tengas miedo de expresarte, aunque sea algo que los demás no entiendan. Si le echas ganas, te enfocas y te esfuerzas, eventualmente lo entenderán, bueno, tal vez no todos, pero sí los suficientes” menciona con mucho entusiasmo.

Theresa sabe la importancia que tienen las bandas en la búsqueda de identidad en los jóvenes y dedica un mensaje a las chicas que la verán en el CC16. “También creo que las chicas deberían aprender e involucrase en los aspectos técnicos de la música y no solo ser una cara bonita que se para en el escenario y canta. No importa que instrumento toquen, aprendan el aspecto técnico,  es genial tener la perspectiva femenina en la música.”

El próximo domingo se presentarán en el Corona Capital. Es la tercera vez que pisan tierra Azteca y lo más seguro es que las veremos seguido por acá. Al final de la entrevista, Theresa Wayman le dedica unas palabras a sus fans en México: “Estamos muy emocionadas. Amo tocar en México, es una locura”.

Visita el Facebook de Warpaint para seguir todas sus noticias.

Metallica lanza videos para temas de su nuevo disco

Escucha el nuevo disco de Metallica con todos los videos que han sacado.

La agrupación de heavy metal formada en 1981, Metallica, lanzará Hardwired… to Self-Destruct, su décimo álbum de estudio el viernes 18 de noviembre a través de Blackened Records, el sello independiente del grupo. Este álbum marcará el primer álbum en ocho años, después del lanzamiento de Death Magnetic en 2008.

La banda decidió lanzar un video musical para cada una de las melodías incluidas en el nuevo disco. Los videoclips han salido cada dos horas durante ayer miércoles 16 y jueves 17 de noviembre, para así permitir a los seguidores de Metallica escuchar las canciones antes de que Hardwired... to Self-Destruct sea puesto a la venta.

Los visuales fueron grabados en diferentes locaciones alrededor del mundo. Entre los directores de dichos videos figuran importantes nombres como Jonas Åkerlund, Herring and Herring, Colin Hakes, Clark Eddy, Tom Kirk, entre muchos otros.

Aquí abajo te dejamos todos los clips que ha compartido Metallica y no olvides que visitarán el Foro Sol el próximo 1 de marzo. Checa aquí todos los detalles.

"Hardwired"

"Atlas, Rise"

"How That We're Dead"

"Moth Into Flame"

"Dream No More"

"Halo on Fire"

"Confusion"

"ManUNkind"

"Here Comes Revenge"

"Am I Savage?"

"Murder One"

"Spit Put The Bone"

"Lords of Summer"

MØ lanza el video "Drum"

MØ lanzó un estupendo video para "Drum", su más reciente sencillo.

Después de conseguir su ascenso a la fama con el tema “Lean On”, mucho se ha esperado del próximo disco de la cantante, DJ y modelo danesa, quien lo ha estado promocionando desde octubre de 2015 cuando difundió la canción "Kamikaze", la cual fue producida por Diplo. También durante el año reveló los temas “The Final Song” y “Drum”, este último acaba de estrenar un video musical.

MØ drum 20166

La canción que fue compartida en septiembre, estuvo a cargo del productor Bloodpop, muy reconocido en la industria del pop por su trabajo con Lady Gaga, Kiesza y Major Lazer. Además “Drum” fue escrita en conjunto con Charlie XCX y Noonie Bao, esas son las razones por las que el nuevo tema de  es uno de los materiales más interesantes del año.

El video empieza con escenas en carretera, con un auto clásico rodando por el pavimento y dando pauta a un sentimiento de nostalgia por el verano. La trama protagonizada por , es entretenida, pues aborda temas como los amores pasados y el recuerdo de los momentos que viviste junto a esa persona. En este podemos ver increíbles paisajes naturales, tanto desérticos como marítimos, además de los característicos pasos de baile de la intérprete.

Puedes ver el video justo aquí:

Animal Collective comparte "Mountain Game"

Revive un poco del sonido de Animal Collective de 2009.

Fue a principios de 2009 cuando llegó a nuestros oídos uno de los mejores discos de Animal Collective, Merriweather Post Pavilion, a trvés del sello Domino Records. Fue en esta era cuando la alineación originaria de Baltimore, Maryland, alcanzó su mayor alcance comercial y también creativo.

En 2010 Animal Collective incluso participó con una melodía para el soundtrack del videojuego Red Dead Redemption, pero esta no figuró en el corte final.

Ahora, después de seis años, el tema titulado “Mountain Game” fue compartido por la banda en sus cuenta de YouTube, con una mensaje que dice: “Aquí hay una canción no publicada que grabamos en 2010 para Red Dead Redemption, pero nunca fue usada. Disfruten.”

Esta pieza empieza con unos acordes muy tranquilos de guitarra con algunos sonidos ambientales para después rendirse en un bajo pesado y sintetizadores y percusiones típicas de su trabajo en aquella época.

“Mountain Game” hace que recordemos con alegría Merriweather Post Pavilion, sin embargo, también suena a que le falta un poco de producción. Quizá sea esa la razón por la que no llegó al soundtrack.

No olvides seguir a Animal Collective en sus redes sociales:
Facebook // Twitter

Phoenix ya tiene planes para el 2017

Phoenix actualiza redes sociales y se confirma su participación en dos festivales. Se espera nuevo disco.

Poco se ha visto de la banda después de la publicación del álbum Bankrupt! hace tres años, dando su última aparición en 2015 con sus integrantes personificando a unos chefs franceses en la película A Very Murray Christmas, en la que cantan una canción de The Beach Boys. Tal vez fue el incontenible deseo de tocar o la nostalgia, pero la notable agrupación de Versalles está de regreso.

Phoenix 2016 colors

La primera señal de vida de Phoenix fue la actualización de sus redes sociales, subiendo en todas ellas una imagen de las barras de color SMPTE, un tipo de patrón de prueba para televisión. También su página oficial cambió de imagen, mostrando otra composición.

Captura de pantalla 2016-11-17 10.54.46

Todo esto hizo que se corrieran rumores de un nuevo disco y aunque por el momento no han confirmado nuevo material, ya se reveló que Phoenix estará en el Bilbao BBK Live y El Vida Festival de Vilanova. En el primero, la banda se unirá a Depeche Mode, Die Antwoord y Two Door Cinema Club, mientras que en el segundo se suman a un cartel con Warpaint, Fleet Foxes y The Flaming Lips.

Entrevista con AlunaGeorge #CC16

Pop futurista = AlunaGeorge.

La mayoría de los actos pop de hoy se atreven a pisar terreno vedado para los artistas de este género: se atreven a inspirarse no en los actos melosos de antaño o en las tendencias urbanas que vemos todo el tiempo, sino en intérpretes o estilos poco ortodoxos o, hasta me atrevería a decir, oscuros. AlunaGeorge no tiene miedo en escarbar un poco entre las texturas macabras de bandas de post-punk o de grime para añadirle el toque particular que tiene su música. Con motivo de su visita a México, tuvimos la oportunidad de platicar con Aluna Francis, vocalista de la dupla.

“[George Reid, instrumentalista del duo] y yo nos conocimos por MySpace. Yo venía de hacer música experimental con mi primera banda, My Toys Like Me. Él remezcló una de mis canciones. Me encantó el resultado y empezamos a trabajar juntos. La química fue casi instantánea y hemos seguido con ese ritmo de trabajo que nos funciona bastante bien”, contó Francis.

Curiosamente es esta combinación del estilo más avant-garde de la primera banda de Francis lo que llamó la atención de Reed, quien venía de una banda de math rock llamada Colour. Que ambos estilos dieran como resultado una especie de R&B caleidoscópico suena extraño al principio, pero funciona.

“La música que hago actualmente si es vastamente diferente de lo que había hecho antes. Mi primera banda se inclinaba hacia un estilo más raro y experimental, y ahora puedo combinar muchos estilos, pero mantener todo en una línea más coherente y alimentarme de otras cosas que nos gustan”, continuó Francis.

La música de sus dos materiales de estudio, Body Music (2013) y I Remember (2016) se presta más para la introspección y una seducción sonora en calma, pero esta dupla londinense difícilmente se puede estar tranquila, sobre todo al grabar: “Usualmente empezamos a trabajar en el estudio,” describió Francis. “Hacemos muchos paseos y viajes y nos inspiramos en cosas que vemos en el campo, la ciudad o en algún transporte. También recorremos varios estudios y trabajamos en cada uno, pero siempre terminamos armando todo en el que tenemos en Londres, donde todo se mezcla y produce”.

alunageorge

Mientras que Body Music gozaba un poco de la espontaneidad titubeante y la frescura de ser un disco debut, I Remember suena más maduro, personal y más como un camino hacia la consolidación de una voz.

“El proceso de grabar I Remember fue más laborioso y más espontáneo pero, a la vez, más centrado y coherente. Lidia con un amor por la música y las cosas que nos unen. De ahí el título del disco, que es para recordarnos por qué estamos en esto, nuestras influencias, lo que nos entristece, frustra y alegra de la música y lo que nos enloquece al tocar en vivo”, relató Francis.

“Canciones como ‘I’m In Control’ y ‘Not About Love’ son muy personales. Después de Body Music, sentí una liberación y mucho más seguridad como escritora. Al empezar a componer a raíz del recibimiento del primer disco fue cuando sentí que George y yo podíamos compartir nuestros sentimientos y vivencias con el mundo”, dijo al enfatizar las diferencias entre ambos discos.

Al empezar a platicar con respecto a su visita a México, Francis suena emocionada y lista para compartir su nuevo material, ya que no es su primera vez en nuestro país y viene con mucha motivación de sus amigos y otros músicos para venir a tocar aquí.

“México es un lugar loco. La gente se anima y prende bastante y eso nos contagia. Estoy muy emocionada de regresar. También he querido investigar un poco más acerca de la escena musical, con todo y que he venido muchas veces no solo para tocar, sino para vacacionar. El show que armaremos valdrá mucho la pena”, finalizó Francis.

AlunaGeorge tocará el 20 de noviembre a las 6:40 p.m. en la Levi’s Tent del Corona Capital 2016.

Visita el Facebook de AlunaGeorge para seguir todas sus noticias.

#LRReseña: Two Door Cinema Club - Gameshow (Deluxe edition)

Two Door Cinema Club y una apuesta por el cambio.

Escrito por Fernanda Flores

Intentar nuevos géneros musicales es un arma de doble filo para todos los proyectos musicales, porque pueden ser bien recibidos o sufrir una crítica bastante tensa. Esto es lo que pasó con Two Door Cinema Club y su tercer álbum de estudio Gameshow, el cual es una apuesta por un ritmo más lento y con toques de electro-pop, esto permite percibir que la banda irlandesa buscó hacer un material diferente a lo que se había escuchado en Tourist History (2010) y Beacon (2012).

Sin embargo, los cambios no necesariamente significan que sea malo; al contrario, nos da una muestra clara del cómo la banda ha ido madurando y busca no quedarse estancada en un mismo escenario. Es por esto que en Gameshow, Alex Trimble busca experimentar con los tonos de su voz, además Sam Halliday y Kevin Baird melódicamente mantienen un perfil más bajo que en sus trabajos anteriores.

Con 15 tracks, que dan un disco de larga duración de una hora y 5 minutos, encontramos letras muy bien escritas con temas relacionados a la cultura del consumo, al manejo de la información a las generaciones actuales y la religión; así como sobre las relaciones amorosas y la autocrítica. Esta lírica está acompañada de ritmos más funk-pop y una cierta nostalgia a la música retro.

Entre sus mejores tracks tenemos: “Bad Decisions”, “Ordinary”, “Gameshow” y “Je Viens De La”, los cuales muestran que Two Door Cinema Club sí sigue haciendo canciones con guitarras energéticas, coros pegadizos, pero al mismo tiempo permiten entender mejor el concepto con el que están trabajando actualmente.

El séptimo lugar de este tracklist lo ocupa “Invincible”, la cual es una apuesta por una balada que líricamente le rompe el corazón a quien la escuche, en especial cuando se escucha a Trimble cantar “I'd pretend I was good to you / that you were always on my mind/ and for a moment you believed it too / but I can't lie forever / and you found the truth haunting you”. Es como un suspiro lleno de nostalgia.

Como parte del Bonus Track, se encuentra “Sucker”, que tiene una apuesta por un ritmo más under de los años 80, dejando muy presente que el trío no tiene miedo en experimentar nuevos sonidos y la mezcla de los mismos.

La combinación de todos estos géneros son el motivo por el cual Gameshow es un álbum en el que se nota que la banda se encuentra en una época buena y relajada. Después de varios años de no haber escuchando nada de ellos, Two Door Cinema Club viene con la actitud de volver a entrar en nuestro top de bandas favoritas.

Gameshow (Deluxe edition) está disponible en La Roma Records.