D.D Dumbo – Utopia Defeated

Mezclas maestras para el dancefloor en el álbum debut de D.D Dumbo.

Oliver Hugh Perry, a.k.a D.D (Dennis Donald) Dumbo es la nueva promesa australiana de artistas que llevan muy en alto el emblema DIY (do it yourself). Tocar una guitarra eléctrica de 12 cuerdas, utilizar un set de batería sencillo y ensamblar algunos pedales es todo lo que requiere D.D para sus creaciones eclécticas que lo llevaron a publicar el EPTropical Oceans en 2014 y por fin vislumbrar el 7 de octubre su álbum debut Utopia Defeated a través de 4AD.

Existen personas con talento nato para la música y D.D nos muestra eso en “Walrus”, un extracto del todo experimental con muchos tonos funk y voces en off que le dan esa sensación fresca y pop, además del jugueteo en reverb de su voz.

El sonido selvático surge en “Satan”, el track más duradero de Utopia Defeated, y en “Alihukwe”, en ellos localizamos inmediatamente una fuerte influencia de R&R, tanto que nos trasladan a los barrios alegres y underground de Estados Unidos.

El australiano D.D también sabe hacer baladas como “In the water” con guitarra acústica como único recurso primordial y una voz más genuina, natural; coros lejanos y un final desgarrador.

El dance pop se hace presente en “Cortisol”, aquí queda claro que D.D ha encontrado los ingredientes ideales para que su álbum debut sea elegido por los mejores clubes nocturnos.

Un gran deslave de magia surge en “King Franco Picasso”, cuando el dancefloor nos hipnotiza y eleva con un teclado misterioso y bombos agitados que harán mover los hombros y pies de cualquiera.

The Day I first found god” y “Toxic City” no están lejanas al mood ochentero que está regresando a la industria, tienen algunos leads de playa, esos chasquidos y esas desavenencias de cuerdas infalibles.

“Brother” ya nos acerca al trabajo de Unknown Mortal Orchestra; incluso es más admirable que solo una persona sea capaz de crear tanta magia, tantas ideas y sonidos experimentales. En este track hasta percibimos leads orientales que en combinación con el funk, convierten a D.D Dumbo en una especie de maestro de la mezcla.

“Oyster” es esa pieza al final de un juego de jenga; el momento preciso para las despedidas después de haberla pasado tan bien; una balada folk para hacer una pausa y esperar con ansias el segundo álbum de D.D Dumbo.

Entrevista con Allie X

Una estrella pop como ninguna otra.

Los engranajes del pop y el cómo manejarlos son uno de los grandes secretos de la industria musical. Podría parecer que Allie X, antes conocida como Alexandra Hughes, había develado el misterio al conseguir que Katy Perry tuiteara una canción suya, sin embargo el camino en esta esfera es un poco más complicado.

Sin embargo, ya era hora de dedicarse a su carrera y fue así que lanzó el sencillo “Catch”, que después estaría incluído en su EP CollXtion I del 2015, comenzando a demostrar que era una popstar en bruto con una sensibilidad especial en su synth pop con toques oscuros, afianzada por sus letras que reflejan exactamente lo que quiere decir.

Actualmente, Allie se encuentra trabajando en CollXtion II, trabajo que irá soltando poco a poco con la colaboración de sus seguidores. Motivo por el cual está buscando llegar a cada vez más personas. “No soy el sueño de cualquier disquera. No soy una elección obvia. Para que esta gran maquinaria me respalde, tienen que ver que la gente me sigue. Eso es lo que se necesita. No sólo van a escuchar mis canciones y decir: ’Esto está muy cool, hay que hacerla una estrella’. Esto no funciona así”, comenta riéndose. “Pero los que sí escuchan así son los chicos que están en internet y ellos son los verdaderos tastemakers al final del día. Una vez que esas personas están siguiéndote, tienes el poder que necesitas”, comenta.

Pero, ¿es posible entrar a la maquinaria pop sin perder tu propia voz? “Llegas a un cierto punto en el que tienes una profunda necesidad de que las cosas empiecen a funcionar. ¿Sonaría más cool si dijera que quiero mantenerme en el underground y ser el secreto mejor guardado del pop mundial? Sí. ¿Es eso realista? No”, reflexiona la cantante. “En vez de eso, creo que es una oportunidad mucho más grande el poder llegar al mainstream e influenciar la cultura pop. Que la gente alrededor del mundo escuche mi música y comparta mi mensaje”, concluye Allie.

Lee la entrevista completa con Allie X en nuestro número 94.

Grimes comparte 7 videos musicales

Grimes acaba de publicar siete videos musicales, cuatro de estos pertenecen a las canciones de su último disco Art Angels.

La cantante Grimes estrenó una cinta de 38 minutos, conformada por siete videos musicales grabados con su teléfono celular y contando solo con la ayuda de su hermano y su mejor amiga Hana Truly. Estos forman parte de la trama de The AC!D Reign Chronicles, un proyecto en conjunto con la artista HANA. De los siete videos cuatro son de la intérprete canadiense, en los cuales se encuentran“Butterfly”, “World Princess part II”, “SCREAM" que cuenta con una colaboración de Aristophanes y “Belly Of The Beat”. Mientras que la nueva sensación de la internet, HANA, aporta con los videos “Underwater”, “Chimera” y “Avalanche”.

Todos los videos fueron grabados durante la gira por Europa el verano pasado, gira promocional de su cuarto disco, Art Angels, lanzado de manera digital el 6 de noviembre de 2015 y en formato físico el 11 de noviembre a través de la compañía discográfica 4AD, quienes también trabajan con bandas como Camera Obscura y Deerhunter.

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Ya que el proceso de grabación de estos videos fue muy sencillo, la cantante Grimes explicó el proceso de estos a través de Twitter. Esto fue lo que dijo: “Este verano me fui de gira con mi hermano Mac y también me llevé a mi mejor amiga Hana. Juntos filmamos un montón de videos. Los siete videos se grabaron durante dos semanas a través de toda Europa, durante el tour de The AC!D REIGN. Son vídeos al estilo guerrilla, sin personal, maquillaje, buenas cámaras o iluminación. Solo nosotros y un teléfono móvil, así que no esperen nada increíble”.

Sin duda este ha sido un año excelente para Grimes, pues además de haberse presentado en el Glastonbury de este año, fue la imagen para la fragancia de la reconocida Stella McCartney, hija de Sir Paul McCartney y fue parte del soundtrack de Suicide Squad. Los videos de la cantante, que se presentará en nuestro país para el festival Corona Capital, se pueden ver justo aquí:

Nick Cave & The Bad Seeds estrenan video

Nick Cave and The Bad Seeds ha compartido el video de la canción “Girl In Amber” para darle seguimiento a la promoción del disco Skeleton Tree.

El decimosexto álbum de estudio del australiano Nick Cave fue publicado en plataformas digitales el 9 de septiembre a través de la compañía Bad Seed Ltd, a pesar de eso, la agrupación acaba de compartir el video para la canción “Girl In Amber”. Este tema es el tercero del álbum Skeleton Tree, el cual fue producido por el mismo Nick Cave y el guionista de cómics Warren Ellis.

Skeleton Tree

Durante la grabación del disco en el estudio Retreat Recording, localizado en Brighton, Inglaterra, la banda Nick Cave & The Bad Seeds le pidió al cineasta neozelandés Andrew Dominik, quien es conocido por la película Killing Them Softly, que tomara un video de las sesiones de grabación que iniciaron en 2014 y finalizaron en los primeros meses de este año. El director de Chopper aceptó, pero decidió convertir todo el material que tenía en un documental, el cual llevó el nombre de One More Time With Feeling, y que fue estrenado un día antes de que fuera lanzado el álbum.

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Del documental con una duración de 112 minutos salió suficiente material para el video de “Girl In Amber”, pero también de “Jesus Alone” y “I Need You”. Todos estos tan solo muestran a Nick trabajando en el estudio de grabación, y aunque los videos son muy sencillos, el blanco y negro y la forma en la que Nick Cave se muestra frente a la cámara hacen de los videoclips algo muy emotivo y muestran un lado muy personal del cantante.

Puedes ver el video justo aquí:

The 1975 en el PEPSI Center WTC

¿Por qué el pop es tan divertido?

Las filas afuera de los conciertos pueden ser engañosas. Algunas veces una fila inexistente puede ser el preámbulo para el mejor concierto de tu vida, o una espera de diez horas puede terminar decepcionándote y arruinando tu espíritu groupie. Sin embargo, la fila de ayer afuera del Pepsi Center previo al debut de The 1975 en suelo mexicano fue un claro reflejo de lo que estaba a punto de pasar.

La gente formada desde las 9 de la mañana podría parecer un espejismo de una banda cuya breve trayectoria no es suficiente para justificar tanto hype en torno a su presentación. El sold out ya era un indicio de que algo especial habría en este concierto y todo esto terminó cumpliéndose a la perfección. A menos que hayas sido de esas personas que se formaron precisamente a las 9 de la mañana para estar en primera fila y tuvieron que salir antes de que iniciara el show a causa de los múltiples desmayos que hubo, perdiéndose así el concierto de sus vidas; pero bueno, entienden el punto.

Para quien también fue el show de sus vidas fue para Rubytates, la banda telonera, que cuando subió al escenario en punto de las 20:00 horas recibió el aplauso de un auditorio extasiado que, los conocieran o no, los hizo sentir como si solo hubieran ido a verlos a ellos. La joven agrupación cumplió con creces su labor y dejó el ambiente más que listo para recibir a los originarios de Wilmslow.

La verdadera explosión llegó a las 21:00 horas, cuando Matthew Healy, Adam Hann, Ross MacDonald y George Daniel tomaron el escenario y lo hicieron suyo con las primeras notas de “Love Me”. O más bien el público lo hizo suyo, porque fue tanto el estruendo que se escuchó en el recinto de la Colonia Nápoles que la música dejó de escucharse por un momento y el grito de los asistentes fue el protagonista. Y esto pasó toda la noche. Canción tras canción. El impresionante escenario que combinaba iluminación, proyección digital y mapeo sobre cuatro estructuras físicas se fue adaptando para reflejar la emoción exacta de cada tema que interpretaron y el público se emocionó con cada cambio que hubo.

Definitivamente no podían faltar los sencillos favoritos de todos los asistentes, pero la presentación de ayer fue algo mucho más especial que cantar las canciones famosas. Con un setlist de 21 temas, los grandes éxitos de The 1975 y  I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it se hicieron presentes, pero también canciones incluidas únicamente en sus EP’s (o la versión deluxe de su álbum debut) encontraron en México el lugar ideal para ser interpretadas por la banda inglesa. Temas como “So Far (It's Alright)”, “Anobrain”, “Me” o “Fallingforyou” fueron coreados por cada uno de los presentes en un vacío en la variable tiempo/espacio en el que niñas, adolescentes, mirreyes, novios y mamás se volvieron uno mismo para externar su devoción por los liderados por Matthew Healy y demostrar que más que hype, The 1975 es una de las bandas actuales con una de las bases de fans más sólidas que he visto en mucho tiempo.

Tras una breve pausa, los ingleses regresaron al escenario para cerrar con broche de oro e interpretar “If I Believe You”, “Chocolate” y “The Sound”. Para ese momento el éxtasis de la gente por estar cerca de sus ídolos era tal que Matthew tuvo que parar unos segundos y hacerle una petición a la gente: Disculpen mi pésimo español pero, por favor, háganse dos pasos para atrás, dijo al tiempo que señalaba a algunas afortunadas de la primera fila que probablemente estaban al borde del desmayo. Esto preparó el terreno para despedirse con “Sex”, tema que desató la locura en el Pepsi Center después de que el vocalista pidiera a todo el público que saltara al ritmo de la canción, algo que ocasionó un micro temblor que seguramente quedará en la memoria de aquellos que pudieron estar ahí.

Si hay algo que define al pop es que nadie puede escapar de él. Te divierte, te entretiene y te hace mover irrefrenablemente hasta que tus pies no puedan más. O hasta que te desmayes. Y ayer, The 1975 logró todo eso y más con uno de los conciertos más divertidos que se han vivido y que todos los presentes seguramente estarán contando los días para repetir.

Garbage comparte el video "Magnetized"

Garbage ha compartido el video de la canción “Magnetized”, la cual se desprende de su más reciente álbum Strange Little Birds.

Hace un par de meses la banda liderada por Shirley Manson lanzó su sexto álbum de estudio, el segundo grabado bajo su propio sello discográfico, Stun Volume. Este disco que los llevó en una gira promocional por todo el mundo, incluso los integrantes de Garbage se presentaron hace poco aquí en nuestro país, en la Arena Monterrey y la Arena Ciudad de México.

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El video de “Magnetized” fue dirigido por Scott Stuckey y grabado en los estudios Pancake Mountain en Los Ángeles. Scott es reconocido por cineastas como JJ Abrahams por el programa de televisión que le da nombre a su estudio de grabación, además por su trabajo, ya sea como productor musical o director de videoclips, con bandas como R.E.M. y The White Stripes. En el video podemos ver una escenografía llena de complejos aparatos científicos, jeringas y frascos con extraños contenidos.

Sobre el video, esto fue lo que dijo su vocalista, la escocesa Shirley Manson: “Queríamos crear una oda a la magia de la ciencia y a los misterios del amor, 'Magnetized' es una de mis canciones favoritas del álbum”.

Pueden ver el nuevo video de Garbage justo aquí:

The Libertines en la Arena Ciudad de México

Un tambaleante Doherty en la CDMX.

A juzgar por la cantidad de boletos regalados y la promoción de dos tickets al precio de uno, parecía que el concierto de The Libertines en la Arena Ciudad de México había sido un rotundo fracaso. Sin embargo, al llegar al recinto era obvio que, aunque su enorme capacidad la hace difícil de llenar y en el área de pista sobraba bastante espacio, los británicos habían logrado convocar a un amplio número de personas, aún cuando en días pasados los concert junkies habían vaciado sus arcas en conciertos como el de Radiohead o Roger Waters.

La banda telonera fue Los McAllister, que volvieron luego de algunos años inactivos. El escenario fue sencillo. De fondo una fotografía de la banda principal con el ya legendario letrero de “The Libertines” en letras negras.  Aunque pecaba de simple, los juegos de luces ayudaron a hacerlo más atractivo.

Pete Doherty apareció ataviado con una camiseta desabrochada y un sombrero, dejando ver que su cuerpo ya no parece sacado de un catálogo de Calvin Klein en la época del “heroin chic”.  Durante todo el concierto, el polémico vocalista se tambaleó, al parecer por los efectos del alcohol. Sin embargo su actitud fue buena e hizo un esfuerzo por hablar en español y decir frases como “hola México”, “viva la raza”, “cabrones” y  “gracias Mexico City”, entre otras.

Lo lamentable de la noche fue el audio. La calidad de la mezcla fue mala y dejó mucho que desear. Lo bueno del recinto es su impresionante pantalla, gracias a la cual hasta el más alejado del escenario pudo ver cada detalle de lo que sucedía en el escenario. Otra cosa a destacar es la vibra del público, que tuvo la mejor disposición para a través de cantos, gritos y bailes, hacer de la noche una inolvidable.

Del setlist, las mejor recibidas fueron, obviamente, las canciones viejas. El coro de “What Katie did”,  fue coreado por todos, lo mismo que “Can´t stand me now”, “Time for heroes”  y “The Delaney”. Tras desaparecer del escenario la banda volvió para un encore que incluyó la bellísima “Music when te lights go out”. En general y a pesar de los malos detalles del sonido y de que los que fueron a su concierto pasado en México digan que aquel fue superior, el concierto de The Libertines fue bueno. Ojalá la próxima que venga al país, Doherty nos regale también temas de The Babyshambles, pues sería increíble escuchar “Killimanjaro”.

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The Rolling Stones anuncia nuevo disco

La banda The Rolling Stones dio detalles de su nuevo álbum Blue & Lonesome, además de compartir un avance de lo que será este proyecto con la canción “Just Your Fool”.

Los Stones están de regreso, después de más de una década sin haber lanzado un álbum, la histórica agrupación londinense anunció Blue & Lonesome, el número 25 de su larga carrera que inició en el lejano 1962. El álbum, que cuenta con 12 temas, fue grabado en el estudio British Grove, localizado en Chiswick, una zona afluente de West London. Este saldrá el 2 de diciembre del 2016 a través de la exitosa compañía discográfica Polydor.

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Sobre cómo va a sonar este disco podemos esperar cosas muy interesantes, ya que incluirá covers de algunas leyendas del blues, como el cantante Howlin Wolf, el guitarrista Jimmy Reed, el compositor Willie Dixon y el armonicista Little Walter. Esto es muy importante para The Rolling Stones, pues en sus inicios la banda fue muy influenciada por la música de blues, incluso, como muchos saben, su nombre está inspirado en el primer sencillo de Muddy Waters: “Rollin Stone” lanzado en 1948. Es por esto que podemos pensar que Mick Jagger y compañía tratan de volver a sus orígenes y viejas pasiones.

Acerca de este proyecto, Ronnie Wood, bajista y guitarrista de la banda, hizo algunos comentarios hace unas semanas y esto fue lo que dijo: “No pasamos tiempo ensayando ni nada, sólo tomábamos una canción que se adaptara a la armónica de Mick o un riff de guitarra y funcionó bastante bien. Era como, esto es lo que hacen los Stones, tocamos blues”.

Otra de las sorpresas del disco será la colaboración del bajista Darryl Jones; el exintegrante de los Allman Brothers, Chuck Leavell y el maestro Eric Clapton. Pueden ver la lista de las canciones justo aquí:

  1. Just Your Fool
  2. Commit A Crime
  3. Blue And Lonesome
  4. All Of Your Love
  5. I Gotta Go
  6. Everybody Knows About My Good Thing
  7. Ride 'Em On Down
  8. Hate To See You Go
  9. Hoo Doo Blues
  10. Little Rain
  11. Just Like I Treat You
  12. I Can't Quit You Baby

Pueden escuchar la primera canción del disco, “Just Your Fool”, originalmente interpretada por Buddy Johnson y su orquesta, justo aquí:

Pixies comparte el video "Um Chagga Lagga"

¡Ponte a bailar con el nuevo video de Pixies!

La semana pasada salió a la venta el nuevo disco de PixiesHead Carrier, su segundo álbum desde que se reunieron en 2004 y el primero que contó con la participación de la bajista Paz Lenchantin. Ahora, la banda originaria de Boston está de vuelta con el acompañamiento visual para el sencillo "Um Chagga Lagga".

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En el videoclip podemos ver algunos close-up a los integrantes de la banda en blanco y negro, así como algunas escenas en donde Lenchantin se encuentra caminando por una calle desolada con un vestido rojo, unos tacones negros y el cabello un poco desarreglado.

Algunos otros sencillos que se desprenden de este material son: “Talent” y “Tenement Song”, el cual cuenta con un extraño y surrealista video que vale la pena ver.

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#LRReseña: Nick Cave and The Bad Seeds – Skeleton Tree

Nick Cave and The Bad Seeds: All the things we love, we lose.

Escrita por Fernanda García Gómez

No es novedad que los músicos canalicen sus pensamientos y sentimientos sobre la muerte y la pérdida de seres queridos a través de materiales discográficos, basta ver álbumes lanzados este año, como el Post Pop Depression de Iggy Pop, para darnos cuenta de esto.

Tampoco es novedad que Nick Cave escriba y cante sobre la muerte pues es uno de sus recursos tanto retóricos como dramáticos para crear su sonido oscuro y característico. Sin embargo, en Skeleton Tree, su más reciente producción junto con The Bad Seeds, Nick Cave le da un giro todavía más sombrío a sus letras al hablar de la pérdida y el duelo: el 15 de julio de este año su hijo Arthur, de 15 años, se cayó accidentalmente a un acantilado desde su casa en Brighton, Inglaterra.

En el momento que esto ocurrió Cave ya se encontraba en el proceso de escribir Skeleton Tree. No se puede separar este hecho, que el mismo Nick Cave describe como trauma, de la composición tanto lírica como musical de este material. Basta escuchar la primera canción del álbum, "Jesus Alone", para entrar completamente en este mundo de dolor en el que se ve inmerso Cave. “You fell from the sky, crash landed in a field” canta Nick Cave para abrir esta producción.

A lo largo de todo el álbum se puede escuchar cómo la voz de Cave suena lastimada y cansada, incluso en "Rings of Saturn", canción que tiene un tono chillwave a comparación del resto del material. Esta canción sirve para evocar tiempos mucho más despreocupados, mientras al mismo tiempo canta “Or maybe I’m just too tongue-tied to drink it up and swallow back the pain”, dándonos indicios de que no todo le es tan indiferente como aparenta.

"I Need You" es la canción donde probablemente Cave muestra todo su duelo, cantando con una voz que está a punto de quebrar en llanto al decir “Nothing really matter, nothing really matter when the one you love is gone. You’re still in me, baby, I need you”. Este track se escucha muy pesado y te arrastra hacia ese umbral de dolor en el cuál se encuentra Nick Cave. Inmediatamente después hay un momento de redención con los tonos celestiales del órgano que suenan en "Distant Sky". Aquí podemos escuchar a Cave con un tono mucho más calmado, casi convenciéndonos de que, en este punto del álbum, se encuentra en la fase de aceptación del duelo.

Este álbum es un completo recordatorio de que el duelo no es un proceso lineal del cuál se sale tan fácilmente: no se puede llorar la pérdida de algo por tanto tiempo y esperar que la recuperación sea inmediata. Sin embargo, en "Skeleton Tree" –la octava canción que cierra y le da nombre a este material– hay un sentimiento de que la esperanza persevera a pesar de los malos tiempos: “I called out that nothing is for free, and it’s all right now”.

A lo largo de ocho tracks, Nick Cave se vuelve una voz honesta sobre lo que es la pérdida de los seres amados, a veces serio, a veces esperanzador y a veces desolado, pero siempre consiente de que “All the things we love, we love, we lose”.

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