Giorgio Moroder estrena "Good For Me"

Giorgio Moroder regresa con nuevo sencillo.

Después de poco más de dos décadas, el DJ italiano Giorgio Moroder, lanzó su más reciente álbum de estudio, Déjà Vu , en junio del año pasado, con artistas invitados como Kylie Minogue, Sia, Kelis, Charlie XCX, entre otros. En pocas palabras, un buen regreso para esta leyenda de la música electrónica.

Ahora, el productor de 76 años de edad, acaba de lanzar una nuevo sencillo titulado “Good For Me” con la cantante inglesa Karen Harding.

Esta melodía, tiene un toque pop house más actual en comparación con el marca disco que caracteriza a Giorgio Moroder en sus mejores producciones. Recordemos que él ha estado detrás de los grandes éxitos de aquella época con artistas como Donna Summer, David Bowie, Janet Jackson y Gloria Gaynor.

“Cuando conocí por primera vez a Karen, no podía creer lo joven y talentosa que es. Ella es muy emocionante. El ambiente en el estudio era muy divertido”, comentó Giorgio Moroder para Entertainment Weekly. “Cuando escuché su voz y la vi en persona supe que sería perfecto. Es una chica talentosa, radiantemente hermosa por dentro y por fuera”. Escucha abajo la canción.

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Kate Nash estrena "My Little Alien"

Kate Nash nos enseña lo importante que es amar a tu mascota.

La cantante, escritora y músico Kate Nash, lanzó su más reciente disco Girl Talk en marzo de 2013. Desde entonces solo hemos podido escuchar su más reciente tema "Good Summer".

Ahora Kate Nash nos sorprende a todos con “My Little Alien”, una nueva melodía acompañada por un video musical dirigido por Tyler Monsein.

En este clip grabado en el desierto de California, podemos ver a su mascota, Stella, la cual fue rescata por Kate, además tiene un bonito mensaje en el cual nos recuerda que es mejor adoptar en vez de comprar.

Esta melodía fue escrita después de una aventura en Nevada donde, en palabras de la cantante, vio por primera vez un OVNI. “Llevé a mi cachorro al viaje y me di cuenta de que es mi mejor amiga y aunque nunca he visto uno, ella es como un pequeño alien. Cuando la rescaté de un hombre que quería 20 dólares para sus drogas, ella me salvo en el momento en que más lo necesitaba. A veces siento que somos de otro planeta. Esta canción es sobre el amor a lo extraño”, explica Kate Nash.

Mira aquí abajo el arte de “My Little Alien".

kate nash my little alien

Phantogram – Three

Phantogram regresa con una intensa pero fugaz ilusión.

Hay algunas bandas que durante años permanecen en el anonimato hasta que tienen una canción que los hace despegar y volverse internacionalmente reconocidos. Curiosamente, Phantogram pese a tener ya casi una década y mucho potencial, todavía sigue surcando con modestia en los escenarios. Casi como si no quisieran darse a conocer y su intención fuera permanecer en secreto entre sus fieles seguidores.

Su música es la perfecta combinación de varios géneros partiendo de una base de electro rock con buenas dosis de trip hop y unos cautivantes destellos de dream pop. Posiblemente, la pieza que mejor expone su esencia es la clásica “Mouthful of Diamonds”. Phantogram regresa después de dos años con Three (2016), un álbum que cumple a secas pero que no es ambicioso y falla en llevar su calidad hacia adelante.

El material inicia con “Funeral Pyre” una de esas piezas de cajón del dúo de New York, ambigua y deprimente con ecos de la hipnótica voz de Sarah Barthel. “Same Old Blues” resulta irónica con respecto al título porque la música se vuelve totalmente monótona después de los primeros compases, descubriendo uno de los puntos de donde cojea este disco. En Three, aunque están todos esos destellos intensos que nos gustan de Phantogram: cambios en el ritmo a la mitad de la pieza, efectos en la voz de Sarah, melodías oscuras, entre otros, la composición musical de Josh Carter carece de frescura en esta entrega. No es broma, You Don't Get Me High Anymore empieza casi en el mismo tono que la pieza anterior, incluso pudiendo confundir una de la otra.

Cruel World” mejora un poco el material, teniendo una divertida letra y esos samples característicos de coros que han utilizado en tracks como “Fall In Love” o  “Bad Dreams”. En “Barking DogCarter toma el micrófono para volarse en una pieza con tintes folk y regresa para hacer dueto con Sarah en “You’re Mine”, entre guitarras distorsionadas que nada más no cuajan como armonía.

Por fortuna, hacía el final Three se levanta sorpresivamente para cerrar fuerte con “Run Run Blood”, ecléctica, con un beat que no te suelta y cargada de energía como en los mejores momentos de la banda. “Destroyer” hace un excelente contraste al ser una pieza pop con un puente memorable. “Calling All” rescata su fino trip hop con múltiples versos pegajosos que te atrapan desde el principio. Posiblemente, la mejor pieza del disco.

Aunque Three tiene intensidad, se diluye debido a que carece de dirección y no logra sintetizar la esencia que ha hecho a Phantogram una banda memorable en la última década.

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Entrevista con Metallica

Nuevo disco, Lemmy Kilmister, México y lo que significa ser parte de una de las bandas más importantes en la historia del rock… una plática con Kirk Hammett de Metallica.

Estamos a solo unos días del lanzamiento del décimo disco de estudio de Metallica, Hardwired... to Self-Destruct, el cual marca el esperado regreso de la banda con música nueva a ocho años de la salida de su último material. Antes de poder escuchar completo el álbum que estará disponible a partir del próximo 18 de noviembre y mientras se encontraba ofreciendo una serie de conciertos en algunos países de Latinoamérica, el icónico grupo de thrash metal hizo una breve escala en México y durante esa visita, Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con Kirk Hammett sobre lo que viene para el cuarteto estadounidense en el futuro cercano y otros temas.

Durante su estancia en México, el guitarrista de Metallica nos contó, entre otras cosas, cómo fue el proceso de grabación de Hardwired... to Self-Destruct, incluyendo su experiencia al tener como productor a Greg Fidelman, quien también ha producido discos de bandas como Slayer y Slipknot: “sin mencionar algunos problemas que tuvimos, trabajar con Greg Fidelman para mí siempre ha sido genial, tiene una excelente actitud en el estudio, nos conoce a cada uno de nosotros, conoce nuestras mejores habilidades, sabe hasta qué punto estamos cansados como para hacer uso de ellas, así que trabajar con Greg Fidelman siempre ha sido estupendo, hacer este álbum fluyó muy libremente desde mi punto de vista”.

Sobre el título de Hardwired... to Self-Destruct, Kirk Hammett comentó que en realidad significa muchísimas cosas, pero para él es más acerca de esta tendencia de la humanidad de hacer cosas que no son lo mejor para ellos y también tiene que ver con los líderes tomando decisiones que dañan a la gente y al planeta, como si a dondequiera que miraras estuviera presente la autodestrucción. Además del título, otro de los detalles interesantes del álbum es que se divide en tres partes, de las cuales dos incluirán las canciones nuevas y el tercero tendrá algunas rarezas, así como versiones en vivo; esta decisión se tomó para poder tener mucha música y complacer a sus fans.

“Al principio teníamos una actitud de ‘vamos a hacer un álbum al estilo de Kill 'Em All, pero al final era algo tonto, tal vez escuches algunos elementos similares a Kill 'Em All, muchos rebotes y groove es un ritmo natural para nuestras canciones, es genial para mí como guitarrista poder hacer solos groovy, me encanta. Pero cuando pienso en este álbum hay elementos de todos nuestros álbumes, la arritmia es similar a la de The Black Album, hay cosas similares al Death Magnetic, sí hay cosas que recuerdan a Kill 'Em All, pero es como una versión moderna”, nos dijo el veterano guitarrista sobre el sonido del nuevo material de Metallica.

Hasta ahora, ya hemos escuchado sencillos como "Atlas, Rise!", "Moth into Flame" y "Hardwired", los cuales han funcionado muy bien para atraer nuestra atención, pero Hardwired... to Self-Destruct también incluye otros temas interesantes como “Murder One”, que es un merecido un tributo al legendario líder de Motörhead, el fallecido Lemmy Kilmister.

James escribió la letra porque Lemmy significaba muchísimo para los cuatro. A Lars le gusta decir que de no ser por Lemmy nosotros no estaríamos aquí el día de hoy, y para mí él representaba tantas cosas, era un modelo a seguir, representaba la verdadera honestidad e integridad, cuando hablabas con él no sólo era como ‘wow, estoy hablando con Lemmy’, también pensabas que era un tipo genial y respetuoso. Lemmy hacía todo lo que estaba en sus manos para hacer sentir cómoda a la persona con la que estuviera hablando, tengo mucho respeto hacia él como persona. Además de ser un excelente músico, compositor, de hacer letras geniales y de ser un verdadero showman, él tenía el paquete completo igual que Jimi Hendrix, tenía un buen estilo y el sonido. Lo tenía todo y era una gran inspiración, era genial”, nos compartió Kirk Hammett acerca de las razones por las que él y el resto de sus compañeros decidieron homenajear a Kilmister.

Después de revelar que Metallica regresará a México para tocar en vivo una vez más frente a sus fans el próximo 1 de marzo de 2017, el músico nos confesó que nuestro país es un lugar muy importante para la agrupación a la que pertenece, lo cual fue un factor determinante para que se tomara la decisión de presentar Hardwired... to Self-Destruct ante el público mexicano en exclusiva un mes antes de su estreno comercial.

“Con el paso de los años hemos visto cómo es que el público mexicano siente tanta pasión por la banda, cómo la disfruta y se conecta con nosotros y nuestra música, la última vez que tocamos aquí hicimos como 80 shows o algo así, bueno, como 50, tal vez sólo fueron 8 [ríe], pero no hacemos 8 shows en cualquier lugar al que vamos. Podemos ver que los fans mexicanos, particularmente los de la Ciudad de México, son muy especiales para Metallica y geográficamente la Ciudad de México es importante porque gente de todo el país llega aquí para vernos, así que nos hemos dado cuenta de que la Ciudad de México es tan importante como Nueva York, París, Londres, Tokio o Sidney, todas hacen la diferencia. Este es uno de esos lugares donde podemos alcanzar a muchísima gente en muy poco tiempo y simplemente amamos a los fans, no tocar para la audiencia mexicana sería una locura, nos encanta”, compartió el talentoso guitarrista.

Para terminar con la plática y tras decirnos que, en su opinión, la mejor banda de metal del mundo es UFO, Kirk Hammett nos hizo saber cuál es la mejor parte de ser miembro de Metallica. El músico comentó que la cuestión con su grupo es que cada uno de sus integrantes tiene su propia personalidad y que si unes esos cuatro elementos al final suena a lo que hemos escuchado a lo largo de más de 30 años, para él esto es como juntar dos cosas que parecen totalmente diferentes entre sí, como el agua y el aceite.

“Poder hacer música con estos tres tipos de verdad es lo mejor. Yo siempre, desde que empecé a tocar la guitarra, supe la importancia de tocar con buenos músicos y de tocar con los músicos correctos, yo vi lo que pasó con los cuatro hombres que empezaron a hacer música en Led Zeppelin y yo sabía que sólo eran esas cuatro personas las que lograban ese sonido. Me di cuenta desde muy temprano que necesitaba encontrar a las personas adecuadas para formar una banda y lo hice por accidente, pero cuando vi a Metallica por primera vez, recuerdo haber pensado que eran muy buenos, pero que serían mucho mejores si yo estuviera en la banda, peleé por ello y un día, cuando recibí una llamada para unirme a Metallica, se sintió tan natural, pensé ‘por supuesto que me querían, que voy a tocar con ellos, adicioné porque son la mejor banda que he visto hasta ahora’. Lo mejor de ser parte de Metallica es tocar con sus otros tres integrantes, siento que estoy donde debería estar, musical y creativamente hablando, y al menos yo creo en estas cosas locas de que el universo nos puso a todos en este lugar por razones muy distintas pero estamos haciendo justo lo que teníamos que hacer. Y bueno, lo segundo que es lo mejor de tocar en Metallica es ver todas las sonrisas que provocamos en personas de todo el mundo, de verdad, toda esa dicha y alegría que podemos crear, porque están pasando cosas muy jodidas en el mundo y hay que balancearlas de alguna forma”, afirmó un emocionado Kirk Hammett antes de que finalizara nuestra charla con él.

Metallica

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Las Robertas en el Foro Indie Rocks! #CDMX

Como parte del Funnel of Love, celebramos en la CDMX con Las Robertas.

Noche fría. Al foro ubicado en Zacatecas 39 de la Roma Norte comienzan a llegar algunas personas, estas son recibidas con un cálido shot de mezcal. El 12 de noviembre Mirador MX, Wolf Hunt y Toga Records celebraron el tercer volumen de Funnel Of Love Bazar; un espacio en el que marcas nacionales exponen su trabajo, mientras los asistentes disfrutan de tragos, comida, dj sets y acústicos. Para el after party dos bandas fueron invitadas; Las Robertas y The Broccolis.

Una vez que la primera parte de la celebración concluyó, el Indie Rocks! comenzó a deshabitarse, quizá fue el frío o la cantidad de eventos celebrados aquella misma noche, lo que provocó que dentro del recinto, la ausencia de calor humano acentuara el gélido ambiente. No obstante, un grupo de músicos que bien pudieron salir de un filme setentero comenzaron su set una hora antes de que la media noche asomara.

Andoni, Rocco y Betún a.k.a. The Broccolis salieron a hacer lo que mejor hacen, al tiempo que unos cuantos asistentes que valientemente hangueaban en el patio, entraron al escuchar los tarolazos. La banda cuyo nombre hace referencia a aquella verdura que tanto odian los más pequeños, tiene esa vibra psych que es inyectada fuertemente por el órgano Hammond de Andoni.

Los Broccolis tocaron un set despreocupado, dejándose llevar por la psicodelia y llevándose a los espectadores en el viaje, su selección de tracks estuvo determinada por su álbum debut Early Daze que se estrenó en 2015. Un breve descanso llevó a los asistentes a darse una vuelta por los shots de mezcal, que extintos guiaron a los sedientos directo a la barra.

Nuevamente las guitarras comenzaron a retumbar y es que el trio costarricense ya estaba en el escenario. Las Robertas salieron con la firme convicción de prender la noche. El atuendo de Mercedes Oller era hipnotizante, con un conjunto negro de puntos blancos y sus distintivas estrellas bajo los ojos. La banda que ha recorrido el mundo por su exquisito sonido, comenzó a seducir a los presentes, sin embargo la ecualización del lugar no permitía que el sonido se disfrutara al máximo.

Mercedes y Sonya pedían tras cada canción volumen en sus monitores, sin éxito en su demanda. Pese a esto, rolas como “Marlene” y “The Feel” provocaban que los presentes cerraran los ojos y movieran la cabeza. Fabrizio Durán golpeaba duro su drumset, mirando hacia arriba, con la camisa desabotonada, como aquél que busca prender una fogata.

El fuzz del bajo de Sonya y los rápidos beats de batería hacían antojar un slam, mismo que nunca llegó. Quien sí llegó fue Brandon Welchez de Crocodiles, que con una cerveza en la mano interpretó “Tele” al lado de las chicas. Las Robertas lograron sobreponerse al frío y las fallas de audio con un set poderoso que voló la cabeza de los pocos presentes que salieron satisfechos del lugar.

Juan Cirerol en el Lunario del Auditorio Nacional

Juan Cirerol está presente, sí señor.

“Algo que tenemos en común” todos los que fuimos testigos del primer concierto de Juan Cirerol en el Lunario del Auditorio Nacional es esa curiosidad incesante de lo atípico, lo palpitante del punk norteño, lo intravenoso de los poemas que narran sus vagancias; adicción a lo natural, a la no pose, a lo carismático y romántico que reina en su carácter. Todos los ahí presentes, los adeptos de un SOLD OUT efusivo, tienen en común la nostalgia del (des) amor, del acontecer social y político, las ganas de gritonear, de balbucear corridos, de contonearse al ritmo de un Juan Cirerol ahora acompañado por su Cire band, el sueño que siempre quiso palpar. Aún vienen esos flashbacks de hace unos seis o más años, cuando Martín del Prado le hacía segunda en la guitarra y tocaban en Nrmal o en El Alicia. Ahora todo está en su lugar. Cirerol no se desaparece, Cirerol está presente, sí señor.

Clavando bien la mirada en sus fans, les decía “I Love You”, y todos le hacían los coros, no había ni un verso incógnito, todos cantaban con Cirerol, el artista que no necesita acto abridor para presentar un gran show, con pretexto de su reciente EP En los días de música triste.

Cuando grabó Todo Fine se le cumplió tener una banda de acompañamiento, así que “La Florecilla” ya no fue al unísono de guitarra y armónica. Claro que el sonido fue más robusto, pero el cachanilla elevaba su voz carrasposa y nos hizo recordar cuando deambulaba por el extinto D.F. y se valía únicamente de sus dos recursos favoritos (además de la cerveza y uno que otro cigarrillo).

“Se vale soñar”, se vale hacer lo que uno quiera, ser un poeta punk, escribir andanzas y cantar retorciendo la boquita, soltar unos aullidos de dolor, escupir las letras malditas, romper las cuerdas de una guitarra, cambiar el orden para complacer a un grupo de fans con el corrido “El combinado”, se súper vale besar de piquito a todas las morritas que son sus fans, como Andrea, que subió al escenario a cantar “Si, si” en compañía del cachanilla y dedicarla al “Rafitas”. ¿Es la rola más longeva y romanticona de Cirerol? La respuesta es: Sí, sí.

Se vale soñar que un día llegarás más lejos de lo que podías imaginar en tus alucinantes borracheras, en tus soledades lejanas; se vale tener talento y agallas para salir adelante, se vale ser Juan Cirerol y decirle a todo el mundo lo que piensa de los demás, sin ataduras (cero miedo, viejo), ni poses, ni paradigmas de nuestro rock.

Interminables “Olé, olé, olé, olé, Cirerol, Cirerol” interrumpen cada momento, “Trucha (s) porque no hay tiempo” para demostrarle al oriundo de Chicali que es un canijo, que se le admira y se le quiere, porque su lenguaje ha sido lo más punk que han escuchado en diez años en este país que se consume, se agrieta y se pulveriza, como las drogas, como el gobierno y tenemos “Vida de perro”, “Piso de piedra”, “Rostros vendidos” y “Noches de prisa” como la de ayer, en la que quedará una huella en los corazones cireroles.

Tres trancazos de encore: “Hey soledad”, “Eres tan cruel” y “Metanfeta”, las canciones que lo catapultaron en el gusto de la gente. “Muchas gracias por estar aquí, esto es gracias a ustedes, los amo a todos”, fueron las palabras que repetía una y otra vez con nerviosismo y brillo en los ojos. Todo fine, larga vida a Cirerol.

Setlist:

  1. ALGO QUE TENEMOS EN COMUN
  2. I LOVE YOU
  3. LA MUCHACHA DE LAS TIERRAS LEJANAS
  4. LA FLORECILLA
  5. ERES PURA SENSUALIDAD
  6. SE VALE SOÑAR
  7. ESO ES CORRECTO SEÑOR
  8. CORRIDO CHICALOR
  9. 4 DE MAYO
  10. DICEN QUE NO ESTOY DESPIERTO
  11. EN LOS DIAS DE MUSICA TRISTE
  12. TRUCHA PORQUE NO HAY TIEMPO
  13. LA BANQUETA
  14. SI,SI
  15. LA CHOLA
  16. TOQUE Y ROL
  17. VIDA DE PERRO
  18. NOCHES DE PRISA
  19. CORRIDO DE ROBERTO
  20. PISO DE PIEDRA
  21. CREMA DULCE
  22. ROSTROS VENDIDOS
  23. EL PERRO
  24. CLONAZEPAM BLUES
  25. HEY SOLEDAD
  26. ERES TAN CRUEL
  27. METANFETA

Cultura Profética en el Pepsi Center WTC

20 años de Cultura Profética y ¡que vengan muchos más!

Es gratificante ser parte de la consolidación de un exponente musical que ha permanecido vigente por 20 años y que aún así, con cada nuevo concierto, conquista a su público de diferentes maneras. Cultura Profética no es ajena ni nueva para México; al contrario, es una de esas bandas que ha engendrado en nuestro país una de sus más grandes bases de fanáticos alrededor del mundo, porque sí, es una agrupación de talla internacional.

Anoche, en la celebración por sus dos décadas de trayectoria artística, nos reunimos en el Pepsi Center WTC para cantar junto a los puertorriqueños, muchos de sus éxitos, canciones emblemáticas y viejos temas. Con un recinto abarrotado (fue un exitoso sold out) y después del warmup de dubstep otorgado por Dusty, mejor conocido como DJ11, salieron al escenario aquellos músicos que nos han regalado momentos de amor, amistad, diversión y reflexión.

Liderados por el talentoso Willy Rodríguez, y frente a más de ocho mil personas, el set comenzó con "Rimas pa' seducir". Alrededor de la pista sobresalían las parejas de enamorados, hecho que en lo particular me entristeció un poco, porque iba sin compañía de ese tipo, y definitivamente esa era la noche para cantar y bailar abrazado de alguien, sobre todo en los momentos que interpretaron sus clásicos "La Complicidad", "Para Estar", e "Ilegal", incluidos en su disco de 2010, La Dulzura.

En contraste al tema romántico y ad hoc a las recientes elecciones más victoria de Trump como presidente en Estados Unidos, no podía faltar su reciente sencillo "Le da igual", tema que critica el poco interés de los gobernantes hacia sus ciudadanos, su gente, que tiene que sobrevivir como le sea posible.

Cultura Profética se caracteriza por ser un grupo que invita a la reflexión y alza la voz cuando debe de. En esta ocasión no expresaron alguna opinión, pero tampoco era algo que les correspondiese en el sentido de que estábamos ahí para celebrar sus himnos. 20 años, tantos conciertos, tantos discos, tantos shows (recuerden que este año se presentaron por segunda vez en su historia, en el Festival Vive Latino), merecían todo el protagonismo de la noche.

Siguiendo con los éxitos, repaso de temas antiguos, y algunos que generalmente no tocan, tenemos (no en orden), la interpretación de: "De Antes", "No me busques", "Ritmo que pesa", "No me interesa", "Días Intensos", "Nadie se atreve","Sube el humo""Un Deseo", "Bieke", "Inspiración", "Amante luz", "Verso Terso" y "Por qué cantamos".

El ambiente y sonido estuvieron muy bien, por lo mismo cada instante era disfrutado al máximo por los presentes. Eso sí, en determinadas canciones como "Saca, prende y sorprende", el público comenzó a hacer lo suyo (quemar la yerba) y el humo se expandió por arriba de la pista. Como sabrán, en el Pepsi Center está prohibido fumar, por lo que después de uno de sus dos encores, Willy pidió a la gente que no lo hiciera. Dicha petición no fue del todo bien aceptada y la fumadera siguió hasta el término del concierto.

Ya en la recta final sonó uno de los clásicos, mismo que fue aclamado y coreado por los presentes, "Baja la tensión". Antes de despedirnos de ellos, Willy nos invitó a pasar a la tienda donde podríamos encontrar su primera mercancía oficial en 20 años. Además criticó bajita la mano a las personas que se dedican a la piratería de estos artículos, cosa que tampoco cayó en la gracia de la gente, pero que finalmente lo olvidó con la sonrisa del boricua y su incomparable voz.

El tema elegido para cerrar este impresionante show que mezcló emociones, voces, gustos y humos, fue "La Espera". En resumen, podemos concluir que por algo la banda lleva 20 años en el gusto del público, de comenzar --como muchas-- tocando en venues pequeños y donde se pudiese, hoy día se presentan en los recintos más importantes de cada país en el que se paren. Larga vida a Cultura, larga vida a la buena música.

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Love of Lesbian en el Teatro Metropólitan

Amor Lésbico lleno de feromonas en el Metropólitan.

A través de los tiempos, México y España han tenido una relación de altibajos. Con la conquista de los ibéricos llegó una relación que lejos de ser distante, se convirtió en hermandad. Esa amistad entrañable entre ambos países se manifestó ayer con la banda de indie pop Love of Lesbian en el Teatro Metropólitan con La Gira Halley 2016 que promociona su más recientemente producción discográfica, El Poeta Halley.

El quinteto de Barcelona subió al escenario con el objetivo primordial de conquistar y desde el primer riff puso a todos de pie con “Cuando No Me Ves”. Al término del opening track Santi Balmes agradeció a los mexicanos el apoyo que la banda ha recibido a lo largo de sus dos décadas de existencia. Le siguieron “Bajo El Volcán” y “Los Seres Únicos”, con dedicación especial a los artista leyenda que han fallecido este año Prince, David Bowie y el gran Leonard Cohen.

No es ningún secreto que las pasadas elecciones para la presidencia de los EEUU tienen al mundo de cabeza y es el tema del que todos hablan y se ocupan pero tras interpretar “Allí Donde Solíamos Gritar”, el vocalista acusó al que se dice ser el país más culto del mundo de haber cometido un gran error del que todos nos vamos a arrepentir y con “1999/2009” invitó a todos a dejar los problemas fuera del teatro y dejarse llevar por el amor lésbico.

Las más esperadas por los fanáticos al fin llegaron y con “Belice”, “Oniria e Insomnia” y “La Noche Eterna”, la gente no paró de corear, brincar y agradecerle a la banda la entrega. Cuando parecía que la noche había llegado a su fin, vino un primer encore con “Psiconautas”, la electrónica “Los Toros En La Wii”, “El Yin y El Yen” y “I.M.T. Incapacidad Moral Transitoria”, donde Balmes interactuó con el público e incluso dirigió una sesión de grabación para tener un nuevo ringtone en su teléfono celular con la voz de los presentes al animado concierto.

Con un show de luces espectacular que acompañó el evento, vino el segundo encore con la aclamadísima “John Boy” y la que da el nombre al octavo disco, “El Poeta Halley” que cuenta con la participación del querido Serrat en la parte final del track y finalmente cerrar con “Planeador”.

Con una segunda fecha hoy que augura un ambiente igualmente exorbitante, la continuación de lo que Love of Lesbian dejó inconcluso en abril se convirtió en un buen conector de historias. Fue un show en el que la sincronía con los fans los llevó a dar su máximo y dejó varias voces afónicas que a su vez reconfortaron el alma con la entrega evidente que un recinto pletórico de la talla del Teatro Metropólitan logra inyectar.

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Lamb of God en el Pepsi Center WTC

Pleitesía absoluta al cordero de dios.

“Winter is coming” parece indicarnos el panorama actual con la ascendencia de los tiranos y el descenso de la temperatura, la ligera neblina que nos acompañó todo el día no impidió llegar a nuestro refugio momentáneo donde Tulkas encendió una hoguera con su gran técnica instrumental presentando temas de su gran disco Freedom Thougts. Excelente banda promesa del metal local que ya hemos visto en Wacken, Knotfest y ahora rindiendo honores al Cordero de Dios.

“Walk With Me In Hell”, la perfecta bienvenida para la banda estelar que salió al escenario ante vitores y ecos de su nombre, “Ruin” como golpe directo a la mandíbula, “512” como en número de aquella celda que mantuvo cautivo a Randy Blythe, su asilamiento como resultado de grandes canciones ante su soledad, celebramos que ahora esté libre para poner el micrófono en el aire para hacernos cantar con él.

“Engage The Fear Machine”, daños colaterales de disputas ajenas, ecos de casquillos de ametralladora cayendo en las calles de Siria devastada, la petición de Randy para gritar y sacar todo lo que nos daña por dentro: “Now You Got Something To Die For”, imágenes de marines en patrulla, misiles demoliendo sus objetivos remotos, visiones de la destructiva crueldad que tal vez nos depara cuando Donald Trump cometa un grave error.

“Still Echoes” en honor a sus recientes creaciones, “Descending” para recordar viejos tiempos, “The Faded Line” por las etapas difíciles ante la ausencia de Randy, “Anthropoid” como resurrección, fans jóvenes contra la barricada, los más viejos analizando el accionar de un violento Chris Adler en el doble bombo, John Campbell como un viejo y sabio mago portando un bajo en vez de un báculo, Mark Morton y Willie Adler y su perfecta artillería en las cuerdas.

“Hourglass” para dar aparente fin a la homilía y apagar las luces, “Vigil” para recibir un último sacramento antes de “Laid To Rest”, maestría absoluta para apreciar a modo a la banda que recientemente ha enaltecido al género del metal gracias a su inventiva y hostilidad. “Redneck” para dar origen al circle pit más grande que ha visto el Pepsi Center WTC en su historia reciente, el giro impetuoso que coquetea con el daño físico pero que termina en desfogue, un padre que brinca y baila en círculos con su hija pequeña que porta una playera de la banda, porque el gusto por el metal se hereda y se mantiene, porque a pesar de la maldad que nos depara volviendo a la realidad siempre aceptaremos “Motherfuckin’ invitations” para ser demolidos física y emocionalmente por Lamb of God.

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GusGus en Foro Masaryk #3detráfico

Para celebrar su tercer aniversario, Tráfico trajo a GusGus y resultó una fiesta llena de paisajes.

Desde las heladas tierras de Islandia, donde las ovejas duplican el número de habitantes por km². GusGus llegó al Foro Masaryk para avivar la fiesta del tercer aniversario de Tráfico. El frío fue un gran pretexto para bailar al ritmo de sus consolas, pues la acústica resultó perfecta para obtener un sonido contundente y sin rebotes. El negro predominaba en la vestimenta del público que se encontraba con gran ímpetu de perder el control al denotar gran efusividad cuando las luces se apagaron para dar inició a lo que sería el acto más esperado.

Birgir Þórarinsson subió al escenario en un exuberante vestido negro con un par de medias al filo de la medianoche para comenzar lo que sería un baile gestionado por máquinas imperantes y luces multicolor. Recién terminado “Selfoss”, Daníel Ágúst Haraldsson apareció en la tarima con unos pants grises acompañados de una colorida playera y un peculiar poncho. Inmediatamente comenzó “Crossfade” para desatar el baile en sincronía con los coros del éxito del 2014.

Posteriormente, “Over” sonó en compañía de espirales minimalistas proyectados al fondo del escenario. Con el paso de las canciones, el público entró en calor al ritmo de los pulsantes beats que retumbaban en los oídos, pues era parte de la experiencia sentir las vibraciones por todo el cuerpo con la finalidad de mover a todos los que se resistían ante la música del par de vikingos.

El vocalista transmitía su esencia desde sus peculiares bailes, en los cuales realizó aleteos y movimientos exagerados con sus brazos y piernas, cosa que resultó contagiosa en algunas secciones del foro. Al momento de cantar dejaba el baile de un lado para concentrarse en los cambios que realizaba en su voz  través de un modulador con diversos efectos, de los cuales, el delay y el reverb hacían ecualizaciones muy características de la banda, pues se sentía como si gritara entre montañas por periodos muy prolongados.

Fue muy peculiar la forma en la que sobrellevaron la fiesta, pues a diferencia del resto de los dj’s previos, pausaban al término de cada canción, sin embargo, esto fomentó los comentarios del vocalista, en los cuales expresaba su emoción por el efusivo público ante el que se presentaba. A pesar de su entusiasmo, no todo fue diversión para la banda, ya que en su tercer canción, el audio se cortó inesperadamente, motivo por el cual los ánimos se calmaron mientras el técnico revisaba las fallas en las conexiones. Esto no fue motivo para incomodidades, pues el público apoyó con aplausos cuando los islandeses comenzaron a cuestionarse entre sí.

Dos minutos fue el tiempo de espera para revivir la fiesta. El frontman pidió disculpas e hizo la propuesta de comenzar una vez más con lo que sería “Lifetime”, una de sus nuevas canciones. Para la sorpresa de los espectadores, sonaron otras dos nuevas canciones conforme se acercaba el final, “Cream” y “Ourworld”.

“Arabian Horse” marcaba lo que sería el principio del fin en una gradual transición de sonidos que iban desde resortes hasta tomar la forma de “Moss”. Para terminar, Daniel se postró en medio de la tarima para anunciar su última canción, la cual resultó una versión extendida de seis minutos para dejar al recinto satisfecho. Recién terminada "Deep inside", el par de artistas se acercó al borde del escenario para despedirse de su afición entre aplausos, chiflidos y gritos.

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