Downtown Boys — Cost of Living

Cost of Living: La salvación del punk ante todo.

Desde sus inicios en 2014, la banda de Rhode Island ha sido aclamada por la crítica y fanáticos del género. Sin embargo, es tiempo de pasar de una banda prometedora a consolidarse como la nueva sangre del punk, una generación que mira hacia atrás y que solo busca innovar en ciertos aspectos, sobre todo en los temas que buscan defender o atacar.

Downtown Boys inician su primera arremetida con “A Wall”, que hace referencia al famoso muro fronterizo que prometió el presidente Donald Trump a principios de su mandato. Teniendo integrantes con ascendencia latina era un asunto que no podían ignorar. Este tiene un ritmo enérgico pero menos agresivo a lo que nos tienen acostumbrados, por lo que se ve la mano de Guy Picciotto, quien produjo el disco.

Pronto, el grupo vuelve a su clásico sonido con “I’m Enough (I Want More)”, anunciado por el grito de Victoria Ruiz. Hay un buen trabajo instrumental, incluso si se presta atención podemos encontrar un estilo parecido al de X-Ray Spex, pero las estridentes e incomprensibles vocales opacan todo lo demás.

Le sigue “Somos Chulas (No Somos Pendejas)”, que para sorpresa de muchos es una canción completamente en español. Esto no es un acierto por completo, ya que pierde la alusión femenina para las personas que no están familiarizadas con el idioma. A pesar de eso es uno de los temas más sobresalientes del disco y sin duda se convertirá en un clásico de la banda.

En cuestión lírica “Promissory Note” es de lo más destacado, además de que viene acompañado de un ritmo vivaz, en el que se puede ver la gran influencia de agrupaciones punk de la década de los setentas, sobre todo por el saxofón, que hace una incursión excelente.

Con “Because You” hay un cambio notable, pues comienza con un intro aletargado de más de un minuto, aunque después explota con increíble poder en las percusiones y la guitarra, no se justifica. Aun así cabe mencionar que este es otro de los temas bilingües.

Para “Violent Complicity” los instrumentos se vuelven más ligeros, lo que hace que destaquen las vocales. Esto se repite con “I Can’t Wait”, donde los coros son repetitivos pero muy enérgicos.

Ya acercándonos al final tenemos otro título en español, “Tonta”. Este tiene una sólida línea de bajo y un impresionante sonido por parte del bajo. Un buen tema para darle paso a “Heroes (Interlude)”, a pesar de que es común que un grupo de este tipo de declaraciones, el tono de voz no es el correcto y pudo ser cambiado por algo más dinámico.

“Lips That Bite” es una de las últimas sorpresas que tiene el álbum, pues se presenta con todo el estilo de grandes proyectos como The New York Dolls o Tuff Darts. Las vocales son geniales y todos los elementos que la acompaña. Por fin se puede ver una producción que es inmejorable y es preciso destacar el uso de un sintetizador y el increíble solo de saxofón.

Podemos decir que “Clara Rancia” es la última canción, pues “Bulletproof (Outro)” es otra manifestación hablada del grupo, la cual prefiero no comentar y solo pedirles que la escuchen con atención.

Tal vez Cost of Living no sea el disco del año pero será de los más importantes, ya que es el lanzamiento con mayor alcance dentro del punk, un género muy necesario por los tiempos que estamos viviendo. Además, con los temas en español el grupo logra más que representar al sector de inmigrantes en Estados Unidos, sino que se abren paso entre América Latina. Tanto nosotros como tú, lector, le estamos dando la oportunidad a una banda, y quien sabe, tal vez estemos ayudando a resurgir todo un movimiento.

1994 es... 'Definitely Maybe' de Oasis

La importancia del álbum debut de Oasis.

La banda de Manchester es una de las agrupaciones más grandes de la historia y todos tienen su disco favorito, algunos prefieren (What's the Story) Morning Glory?, Be Here Now o Standing on the Shoulder of Giants. Sin embargo, uno se destaca entre todos por la inigualable producción, sobre todo si consideramos que fue es álbum debut.

Definitely Maybe es emblemático hasta en el más mínimo detalle, empezando por la portada, creada por Brian Cannon y el fotógrafo Michael Spencer-Jones. Esta, en general, es muy atractiva, pero lo importante son los símbolos dentro de la imagen. Algo que incluso The Beatles logró hasta Help!, Abbey Road y por supuesto Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, muy lejanos a sus inicios. La ilustración de este disco es tan representativo de ese año como el poster de Pulp Fiction o Natural Born Killers.

Para entender el sonido de Oasis tenemos que ver quien estuvo detrás de la producción, pues aunque Owen Morris tomó la mayor parte de las decisiones y es el gran responsable del estilo del grupo, fue con Definitely Maybe la única vez que contó con la ayuda de David Batchelor y Mark Coyle, siendo supervisados en todo momento por Alan McGee. Esto dio como resultado el disco con más dinamismo en cuanto a ideas y con una concepción muy sólida. Además fue la primera y última vez que tuvo a la agrupación original, pues el baterista Tony McCarroll fue reemplazado un año después.

Claro que el éxito de este álbum fue gracias a canciones como "Supersonic", "Slide Away" y el gran comienzo de "Rock'n'Roll Star". Pero esto no solo era un material lleno de hits, iba más allá, era una oposición al género que estaba invadiendo a la juventud de Europa directamente desde América, el grunge. Justo cuando Nirvana crecía a pasos agigantados tras la muerte de Kurt Cobain, su influencia fue cortada de tajo gracias a la intervención de los hermanos Gallagher.  Mientras en ese tiempo las letras hacían alusión al odio y el pesimismo, Oasis llegó con un sonido fresco y optimista, llamando a la gente a dejar la banalidad y buscar la trascendencia con "Live Forever".

Definitely Maybe es el disco más importante de 1994, no solo por su calidad, éxito comercial y grandes temas. Sino por su relevancia histórica, pues le dio un giro enorme a la industria y dio paso a una banda inusitada, tal vez la más destacada de los últimos años.

#SemanaIR Día 1: Blonde Redhead + Rosk

La melodía de ciertos tres: Blonde Redhead.

Mientras contemplaba mi propia ironía y esperaba ingresar al Foro Indie Rocks!, un hombre alto y de cabellos rizados y completamente blancos se acercó a la puerta. Alguien lo estaba acompañando, y en el lapso que estuvo ahí, nadie se le acercó a hablarle.

Una vez adentro, me fui haciendo paso hacia lo más adelante que pude. La multitud que acababa de ver la propuesta de Rosk estaba tranquila pero cada vez más aglutinada. Ya cerca del escenario, pude ver al mismo hombre de cabellos blancos subirse y hablar con los técnicos. Algunos en la multitud se emocionaron. Él mismo se puso a acomodar sus guitarras y configurar sus pedales. Era Amedeo Pace.

No hubo grandes pretensiones para empezar. No hubo ni una secuencia de introducción. Las notas de teclado de “Equally Damaged” del disco Melody of A Certain Damaged Lemons (2000) —que la banda se proponía a interpretar completo esta noche— apenas se escuchaban.

En ese momento solo se escuchaba la multitud. Cuando Kazu Makino y Amedeo habían tomado el escenario, todo los “I Love You” que les gritaban eran recibidos con sonrisas tímidas. Luego, tras mover un poco el torso para meterse en el groove de la secuencia que el Ingeniero acababa de lanzar, Amedeo empezó con los primeros acordes de “In Particular”.

Ahora la gente no estaba tan tranquila. Las pulsaciones del bombo de Simone Pace nos fueron moviendo a todos, y de alguna forma acabé más cerca de la puerta de emergencia que está a la izquierda del escenario, una que está en una especie de hueco en el que los graves se hacían todavía más evidentes.

Ahí pude notar en dónde reside gran parte de la magia de Blonde Redhead. Son solo tres en el escenario y no hay bajista, pero el bombo está tan fuerte que al combinarse con las notas graves de las guitarras de Kazu y Amedeo, generan una línea de bajo sutil pero efectiva.

Ni Kazu ni Amedeo dejan de bailar mientras tocan. La suavidad de la primer canción fue contrarrestada por la ruidosa “Melody of Certain Three”. A partir de ahí siguieron con el tracklist del disco, hasta que terminaron “Mother”. De ahí omitieron “For the Damaged Coda” para comenzar con canciones de otras épocas. Siguieron “Where Your Mind Wants to Go” y “3 O’clock” del reciente EP. Luego algunas indispensables como “Dripping” y “Spring and by Summer Fall”.

Cuando una chica gritó en la audiencia: “Elephant Woman”, Kazu le respondió tímidamente: “That’s tomorrow’s program. Can you come tomorrow?”. Cada vez que la vocalista interactuaba con el público, adoptaba una referencia sumamente japonesa, bajando la cabeza un poco y cruzando los brazos. Me dio la impresión que es de esas artistas que se desempeñan mejor cerrando los ojos e imaginando que la audiencia no está ahí, en lugar de interactuar demasiado.

En otro momento, señaló a Amedeo y gritó “He Speaks Perfect Spanish”, luego a
Simone “Him too!”. Pero en lugar de hablar, los hermanos solo comenzaron la siguiente
canción.

"Persephone", lo nuevo de Yumi Zouma

Yumi Zouma comparte "Persephone", tema que se desprende del disco Willowbank.

Justo a principios de agosto, la banda originaria de Nueva Zelanda anunció el lanzamiento de su segundo álbum de estudio. Ahora, finalizando este mes y con la fecha de publicación cada vez más cerca, el grupo ha revelado otro adelanto de este material.

El nuevo tema de Yumi Zouma se llama "Persephone". Este mantiene el estilo de la banda, con un ritmo atractivo pero sutil, acompañado de elementos electrónicos. A diferencia de los sencillos "Depths (Pt. 1)" y "December", este tiene un intro que recuerda mucho al synth pop o a los últimos vestigios que dejó el extinto disco pop italiano, dando un giro después de unos veinte segundos, retomando su clásico sonido.

Este álbum será muy importante para la agrupación, ya que nunca habían tenido esta clase de notoriedad, a pesar de que han estado de gira con artistas de talla mundial como Lorde o Chet Faker, además de que han sido comparados con Beach House, The xx y Chvrches.

El disco de Yumi Zouma, Willowbank llegará a las tiendas el próximo 6 de octubre a través de Cascien Records, un sello discográfico de Nueva York que se especializa en proyectos de pop alternativo y música electrónica, como The Legends o Southern Shores.

Puede escuchar "Persephone" justo aquí:

Entrevista con Foo Fighters

Las raíces psicodélicas del nuevo álbum Concrete and Gold se enredan en sonidos suaves, duros y una mezcla de ambas. La extracción musical más pura de Dave Grohl junto a una de las figuras más grandes de la historia musical. La creación de su propio festival y el esperado regreso a México.

Entonces toqué el timbre y robóticamente se abrió el portón. Entré a la azul guarida que custodiaban varios premios Grammy, portadas de discos que tapizaban las paredes e incluso algunos juegos de arcade. "Tú turno, ya te esperan", me dijo la encargada.

Mi cerebro comenzaba a elevar las revoluciones para lanzar la primera pregunta, pero inmediatamente tras prender su cigarrillo y cerrar la puerta, Dave Grohl se me adelantó emocionado. ¿Sabías que México pagó nuestra serie documental Foo Fighters: Sonic Highways? Atónita respondí que no. "Pues así fue y estoy eternamente agradecido con tu país por eso".

¿Te refieres a qué contribuimos con parte de la producción? "No, me refiero a que literalmente con las dos fechas tan grandes que tuvimos en México en 2013, pudimos pagar la serie completa que hicimos para HBO. Y ahora el 18 de noviembre, regresamos para presentar nuestro nuevo disco en el Corona Capital".

Concrete and Gold es el noveno álbum de la banda y el 15 de septiembre saldrá a la luz mundialmente. Su raíces emergen de un proceso de resurrección tras un hastió musical y cansancio, pues después de la ruptura de la pierna de Grohl y la extenuante producción de Sonic Highways, el vocalista imploró un descanso.

“Durante seis meses no toqué una guitarra y entré en depresión. Pero gracias a eso, entendí que la música es lo que me mantiene vivo, es mi mejor medicina. Entonces decidí volver”.

Dave Grohl compuso de 12 a 15 canciones y se las mandó a la banda. Predijo que sería su próximo compilado y como aún las letras estaban ausentes, fue a buscarlas a una casa rentada en Ojai, California.

Llevó consigo solamente una caja de botellas con vino y las ganas de volcar pensamientos. Entonces se aisló durante cinco días a escribir.

Foo Fighters nunca se ha caracterizado por ser una banda de protesta social ¿algo cambió en este álbum?

“Tienes razón, nunca lo hemos sido, pero el mundo te afecta como persona y es inevitable no alzar la voz cuando no estás de acuerdo con algo. Crecí con un padre conservador y una madre liberal. Entiendo cómo se sienten ambas partes en Estados Unidos ahora, pero viajo por todo el mundo y convivo con todo tipo de razas, religiones, lenguajes y sinceramente no coincido con lo que está pasado en mi país. Así que ¿por qué no decirlo en mis canciones?” dijo Grohl.

La nueva producción de Foo Fighters estuvo a cargo de Greg Kurstin, quien ha trabajado con Sia, Adele y Taylor Swift. Este cuenta con 11 temas e incluye colaboraciones con Alison Mosshart (The Kills), Shawn Stockman (Boyz II Men) e Inara George (The Bird and the Bee). Además, Taylor Hawkins, baterista de la banda, estuvo a cargo de la composición y ejecución vocal de uno de los temas del disco: "Sunday Rain".

“Me siento orgulloso de mi canción. ¿Y sabes qué es lo mejor?”. Entonces los ojos de Taylor brillaron y de su boca se desbordó el secreto que la banda resguardaba desde hace un tiempo. “Paul McCartney tocó la batería en ella”.

“¿Conoces a Paul McCartney en persona?”, me pregunta Dave Grohl. Apenada respondo que no. “Pues es la persona más amable del mundo y le encantó la idea de participar con nosotros cuando lo invité. Él es muy sencillo, nos hizo olvidar que estábamos con el músico más brillante y talentoso dentro de la historia musical”. ¿Entonces ese era el gran secreto que guardaban? “Oh no, no, ese no es, eso es un misterio aún… te lo diría pero ¿sabes qué? soy muy bueno con los secretos”, Dave rió y apagó su cigarro.

Foo Fighters volverá a México el 18 de noviembre al Corona Capital en el Autódromo Hermanos Rodríguez. Además en octubre arranca su propio festival llamado Cal Jam 17. ¿Quieres saber más detalles de lo que pasó en esta entrevista? Te invitamos a que busques la edición impresa #100 de Indie Rocks!.

The National lanza "Day I Die"

Llega el cuarto adelanto del próximo disco de The National con una gran noticia.

Hace solo unas horas los estadounidenses anunciaron su regreso a nuestro país con un concierto en la Ciudad de México, y para celebrarlo han revelado un nuevo tema, perteneciente a su séptimo álbum de estudio, el esperado sucesor de Trouble Will Find Me.

El reciente estreno de The National lleva el nombre de "Day I Die" y es uno de los primeros temas del disco, además de que es el cuarto y tal vez último sencillo promocional que podamos escuchar, ya que Sleep Well Beast llegará en cuestión de días.

Esta canción presenta una cadencia diferente y más acelerada que la de sus predecesoras, algo que hace mucho contraste con la letra, pues evoca a la melancolía y la introspección. Además, este sencillo viene junto a un video, dirigido por el artista visual Casey REAS, quien ha estado presente en todos los lanzamientos y elaboró la portada del álbum.

El nuevo disco de The National, Sleep Well Beast saldrá a la venta el próximo 8 de septiembre a través del sello discográfico 4AD Records (Purity Ring, Sufjan Stevens) en diferentes formatos.

Puedes escuchar el tema "Day I Die" justo aquí:

Avey Tare — Eucalyptus

Un oasis de calma entre tanto caos: Avey Tare.

"Coral Lords", una de las canciones incluidas en Eucalyptus, el nuevo disco de Avey Tare de Animal Collective en solitario, abre con un sampleo informativo sobre el propósito de los corales que se diluye poco a poco entre la calma de la atmósfera marina y la dulce voz de David Portner, misma que se fusiona con una guitarra acústica que, más que anunciar una avalancha de sonidos, es la puerta de entrada a una de esas canciones que parecen más confesiones que otra cosa.

La descripción de arriba sugiere, casi de inmediato, que se trata de una de las piezas con las que Animal Collective logró crearse un culto antes de convertirse en el fenómeno mediático de la nueva década. Y podría serlo de no haber estado firmada por Portner. Su delicadeza, así como la de otras como "Lunch Out of Order Pt. 1" o "Boat Race" en el mismo disco, conjuran las imágenes que uno dibujó alguna vez al escuchar cosas como Campfire Songs o Here Comes The Indian hace más de diez años. En una época en la que Animal Collective como conjunto arroja cada vez menos sorpresas, pareciera que sus integrantes han guardado lo mejor de su arsenal para sus carreras en solitario.

Siendo los primeros en hacerlo, Panda Bear y Avey Tare particularmente han pulido a tanto su sonido que las canciones que manufacturan parecen nacer con un certificado de origen en la mano. Por un lado están los carnavales de sampleos del primero y por el otro el impulso orgánico natural del segundo. Ambos una fuente de sorpresas y ambos un recordatorio de por qué el grupo ha sido tan exitoso. El turno, después de que el encantador Sleep Cycle de Deakin viera la luz el año pasado, es una vez más para Portner; y exhibe lo mejor de su carrera hasta el momento en él.

Eucalyptus es un paso natural en el camino de su creador. Tras escuchar los extrañísimos experimentos que alguna vez produjo al lado de Kria Brekkan y los cuadros de horror con su grupo Slasher Flicks, no sorprende que Down There haya sido un ideal preámbulo para lo que este disco representa. Eucalyptus es Avey Tare en su punto más estable: aquí hay dulces canciones como "Ms. Secret", "Jackson 5" o "Melody Unfair"; pero también hay catarsis como "DR aw one for J", "In Pieces" o "Roamer" (un bellísimo guiño al Animal Collective del Merriweather Post Pavilion). Sus diferentes rostros están representados y cada uno de ellos en su mejor perfil para ser apreciados.

Escuchar el disco, además de ser un atinado paseo para cualquier afectuoso de su grupo principal, es una especie de oasis de calma entre tanto caos alrededor. En un año en el que Arcade Fire entregó su disco con más expectativas y el menos afortunado y en un año en el que Kendrick Lamar terminó de coronarse en el mundo con un poderoso golpe para despertar, Eucalyptus se siente extrañamente oportuno: una colección de canciones que invitan a la pausa, que ofrece fábulas y confesiones y que transporta la mente a lugares remotos con paz.

Y si no, por lo menos quedará en el recuerdo como uno de los esfuerzos más puntuales para traer a la vida una época que luce cada vez más lejana. Una en donde Paw Tracks era un pozo sin fondo de dibujos retorcidos y orgánicos, en donde la paciencia era una virtud al escuchar y en donde lo sintético y lo natural se convierten en un solo adjetivo para apreciar. Una hora de música en la que vale la pena invertir.

Escucha el nuevo single de Tricky

El músico y productor británico Tricky sigue compartiendo tracks de su reciente placa.

Apenas en julio de este año Tricky anunció que en septiembre verá luz su decimotercera producción discográfica: ununiform. De este trabajo se han desprendido los sencillos "When We Die"con video oficial y en colaboración, después de 15 años de no hacerlo, con Martina Topley-Bird— "The Only Way". Hoy es turno del penúltimo track"Running Wild".

El tema cuenta con la colaboración de Mina Rose, una joven cantante inglesa miembro de la banda que Tricky presenta en vivo. "Running Wild" es una canción de atmósferas graves que trata sobre las confusiones e incertidumbres de la juventud.

El trabajo del nuevo álbum de quien es considerado uno de los pioneros del trip hop grabado bajo su propio sello False Idols/!K7— fue inicialmente concebido en Moscú y finalizado en la actual ciudad de residencia de Tricky, Berlín.

Así, este ex miembro de Massive Attack que ha forjado una exitosa y muy plausible carrera como solista sigue dando a conocer los adelantos de su nuevo trabajo de estudio. La promoción del mismo estará respaldada por una gira por Canadá y los Estados Unidos en el mes de octubre.

Sin más, te dejamos el audio oficial de este tercer corte para que lo disfrutes:

 

 

Escucha "Provider", lo nuevo de Frank Ocean

Frank Ocean despide su programa de radio con el estreno de una canción.

El cantante y compositor de Nueva Orleans, Frank Ocean estrenó –en la última emisión de su programa en Apple Music– "Provider", un tema de R&B en el que hace referencia a importantes figuras del cine y la música como son Stanley Kubrick, Steven SpielbergMichael Jackson.

Dale play a "Provider", un tema que nos recuerda algunos sonidos de su aclamado álbum Blonde –lanzado en 2016–:

 Además, a través del sitio oficial de Frank Ocean puedes ver un lyric video en el que el artista visual Tom Sachs repara una grabadora y pone un cassette que reproduce la canción, mientras que la carita de Hello Kitty te ayuda a seguir la letra. Disfruta de este peculiar audiovisual dando clic aquí.

A lo largo de sus transmisiones en el programa de Apple Music, Frank Ocean nos presentó algunas novedades entre las que destacan el tema "Biking'' en una versión solitaria y una canción de A$AP Mob titulada ''RAF'' en la que el compositor participa a lado de A$AP Rocky, Playboi Carti, Quavo y Lil Uzi Vert.

Recientemente su álbum Blonde cumplió un año el pasado 20 de agosto. Escúchalo aquí:

Mastodon lanzará EP en septiembre

La banda de Atlanta Mastodon anunció un nuevo trabajo estudio con cuatro tracks.

No conformes con haber estrenado a finales de marzo su séptimo álbum Emperor of Sand —del cual se han desprendido ya tres sencillos, siendo “Steambreather”el último de ellosMastodon hoy comunicó que habrá un EP con material que fue grabado tanto en las sesiones de su sexto disco del 2014 Once More 'Round the Sun como en las de su última placa de este año.

La nueva entrega de corta duración llevará por nombre Cold Dark Place, estará disponible el 22 de septiembre y contará con una edición especial en formato foto vinilo de 10 pulgadas.

Así, esta gran banda de metal progresivo con toques de sludge y stoner conocida por sus poderosas presentaciones en vivo en donde los cuatro miembros cantan— y por el arte visual de sus portadastiene nuevo material que compartir a todos sus seguidores.

Como parte de la promoción de su última entrega, Mastodon cuyo baterista y guitarristas hicieron un aparición especial como "caminantes blancos" en el capítulo de final de temporada estrenado ayer de la serie que está en boca de todos: Game of Thrones (a la cual ya aportaron el tema "White Walker", del mixtape Catch the Throne: Volume II —estará de gira por los Estados Unidos y el Reino Unido junto a Eagles of Death Metal  y Russian Circles.

Escucha aquí "White Walker":

Te dejamos además el tracklist de Cold Dark Place:

01. "North Side Star"
02."Blue Walsh"
03."Toe to Toes"
04."Cold Dark Place"