Alva Noto — Unieqav

Techno Drónico.

Unieqav es la tercera y última entrega de la serie Uni, proyecto que Alva Noto inicia en 2008 con Unitxt. Desde este primer lanzamiento, la carrera del alemán interactuó con medios que iban evolucionando, mismos que ahora potencializan la conclusión de una producción que conjunta 10 años de experiencia. En su visita a MUTEK MX 2017, Noto introdujo la experiencia audiovisual del álbum durante su presentación en el Auditorio Blackberry. Los tracks, inéditos en aquel entonces, cumplieron en el público lo que después se leería como la definición conceptual del Unieqav: álbum con función de provocar el baile sin perder la cualidad drónica del techno alemán practicado por Alva.

Durante las primeras escuchas, sin descomponer la producción aún, Alva crea una narrativa clara y ordenada; desde "Uni Sub" hasta "Uni Clip", la tensión evoluciona hasta el límite y concluye para reiniciar y reciclar elementos anteriores y usarlos para evolucionar en "Uni Normal". Desde esta mitad hasta el final, lo que inició siendo una narrativa linear se transforma en un viaje sin trayecto ni meta fija; "Uni Mic A" explora el IDM brevemente mientras que "Uni Blue" reduce el clima dance de los tracks pasados y permite la entrada a la cinemática electrónica y durante la segunda parte ("Uni Mic B"), reintegra al espectador a un conflicto drónico o en su defecto, cualquier ficción cyberpunk de su agrado.

La presencia vocal de Anne-James Chaton es una peculiaridad que revive "Techno Pop" (1986) de Kraftwerk en algún porcentaje que no me molestaré en definir. Las voces graves reverbantes complementan la odisea tecnología construida en el álbum que concluye con "Uni Chord", bombardeos de microbeats y pulsiones constantes permiten a Alva despedirse de su narración tecnológica, presente en su creación por igual. Sus cualidades como editor exaltan su capacidad, visible en elementos utilizados en más de una canción ("Uni Mia" y "Uni Normal", por ejemplo) sin perder la autenticidad de cada una y que, de cualquier forma, solo establece a dicho sonido como característico de la obra del productor (escúchese Play, 1999 de Moby).

Presenciar el audiovisual y escuchar el álbum meses después confirma la solidez de Unieqav, impulsada por la permanencia lograda de las entregas pasadas de Uni en la memoria auditiva; el productor jugó con una línea creativa durante 10 años y resume sus estudios electrónicos en una resolución dirigida puntualmente a la provocación rítmica y bailable mientras utiliza distorsiones y construcciones de sonidos crudos con precisión; un aporte que agradece la escena dance sin duda.

Se lanzará un álbum de Prince en septiembre

Foto Jeff Katz

Los supervisores de las obras de Prince planean dar a conocer material inédito del cantante.

Hace unos días se lanzó de manera oficial la grabación de Prince para “Nothing Compares 2 U”, tema que publicó el interprete con The Family en 1985, y que se popularizó gracias a Sinéad O’Connor en los años 90.

Pues esto no será lo único que se dará a conocer del fallecido compositor ya que de acuerdo a una entrevista realizada por el portal Variety a Troy Carter, cabeza de la agencia Atom Factory, habrá un álbum con canciones del archivo, que el también productor conservó de manera impresionante.

Las piezas restauradas se darán a conocer el próximo 28 de septiembre en un LP, cuyo nombre aún se desconoce, bajo el sello Warner Music.

"Michael Howe, que ha estado trabajando con nosotros en el archivo, ha realizado un trabajo tremendo al encontrar algunas piezas especiales y una de las que descubrió nos enamoramos y decidimos que era lo suficientemente especial para que los fanáticos lo escucharan", declaró Carter a Variety.

"La semana pasada, el lanzamiento de 'Nothing Compares 2 U' fue la primera pieza de música que surgió de nuestra colaboración con la propiedad, y ahora estamos trabajando en un release para el otoño: un álbum de larga duración", agregó en la charla.

Se presume que este archivo incluye cintas, planeaciones y proyectos que reflejaban el nivel de perfección que ejerció el interprete de "Purple Rain" en su carrera. Junto a este anuncio se dieron a conocer dos portales web en donde los fanáticos pueden tanto recordar su discografía como expresar lo que Prince representó para ellos.

The Flaming Lips anuncia vinilo con cerveza

Un nuevo material poco convencional a cargo de The Flaming Lips.

La banda norteamericana de rock fundada a principios de los 80, The Flaming Lips, se ha caracterizado por fabricar vinilos con materiales un tanto fuera de lo común, es así como anuncian ahora el lanzamiento de un disco que contiene cerveza en su interior.

Para el lanzamiento de este vinilo de 7 pulgadas, que fue realizado con motivo del Record Store Day de este año, existen 5,600 copias en color rosa y solo 100 en forma de vinilo cerveza. Ambas presentaciones contienen las dos nuevas canciones “Beer in your hear” y “The Story of Yum Yum & Dragon” , canción que contiene en la melodía una curiosa forma de hacer alusión al tono de llamada de iphone y sobre la cual recientemente se estrenó un video que muestra a los personajes sobreviviendo en un ambiente en el que la nieve cubre todo alrededor.

El líder y vocalista de la banda The Flaming Lips, Wayne Coyne suele tener grandes ideas que sobrepasan el mundo de la música como la que tuvo hace poco tiempo con el fin de ayudar a las personas en situación de calle.

Mira el más reciente video de The Flaming Lips aquí.

Iceage tiene nuevo video

"The Day the Music Dies" es el nuevo material audiovisual de Iceage perteneciente a su próximo LP Beyondless.

El visual es el último corte antes de lanzar su disco, que estará disponible el 4 de mayo vía Matador Records. Se grabó en Detroit en tres locaciones: Historic Bath House, Schvitz, Templo Masónico y estuvo dirigido por la banda y Graeme Flegenheimer.

El clip es lo más reciente del nuevo larga duración de Iceage, después de haber sacado a luz previamente: "Catch It", "Take It All" y "Pain Killer" que se realizó junto a Sky Ferriera. Flegenheimer describe a "The Day the Music Dies" como una carta de amor entre amigos y una ciudad.

Algunos medios electrónicos especializados en música han comentado respecto al álbum y ahora al audiovisual. Como la revista de música Stereogum dijo sobre el corto. ‘"The Day The Music Dies’ muestra que aún se pueden ver enfurecidos a tope cuando quieren, pero también que han aprendido cuándo restringirse lo suficiente para que las cosas desaten una explosión".

Mira aquí el video de casi 4 minutos que el grupo compartió por medio de su canal de YouTube.

El grupo de Copenhagen, Iceage emprenderá una gira por Norteamérica y Europa dos días antes de la llegada de su disco, mira aquí las fechas. También te recordamos que Beyondless ya se puede preordenar por medio de la página: http://smarturl.it/Beyondless 

The Killers anuncia Box Set con todos sus discos

The Killers Career Vinyl Box será una compilación de toda la historia discográfica de la banda.

Saldrá a la venta el 15 de junio vía Island/UMe y contiene sus cinco álbumes de estudio desde el primero Hot Fuss realizado en 2004, Sam's Town de 2006, Day & Age de 2008, Battle Born de 2012 y hasta el último lanzado el año pasado Wonderful Wonderful.

Además se incluirá su rarities and B sides de 2007 Sawdust y el álbum doble en vivo Live From the Royal Albert Hall de 2009. La historia musical de The Killers compactada en un vinilo de 180 gramos. Una edición de lujo que contiene la colección completa de todos sus discos, sin embargo, esto no significa ningún tipo de despedida de la banda.

El anuncio del Box Set se hizo publico a través de la cuenta de twitter del grupo. Donde compartió el link para su compra, en las dos versiones: THE KILLERS BOX SET (COLLECTOR'S EDITION) con precio de $250 dólares estadounidenses y THE KILLERS BOX SET (STANDARD EDITION) de $179 dólares estadounidenses.

Actualmente The Killers se encuentra en una gira mundial promocional con respecto a su último álbum Wonderful Wonderful que tendrá fin el 9 de septiembre en el Skookum Festival, en Vancouver Canadá.

 

Niña Dioz estrena video

Nueva canción y video a cargo de Niña Dioz.

Recientemente la rapera regia Carla Reyna, mejor conocida en el mundo de la música como Niña Dioz, ha estrenado una canción llamada “Tambalea” y con ella un nuevo video en que según sus propias palabras. “Trata sobre ser el extraño, el rechazado. Pero también trata de amor propio y de abrazar su propio camino”.

El sencillo “Tambalea” fue realizado en colaboración con la colombiana Lido Pimienta y la mexicana Ceci Bastida. En el video, producido por Captain Planet & Futura y dirigido por Broducers, aparecen varios de los amigos de Niña Dioz, esto con la intención de mostrar dos enfoques distintos de la cultura mexicana: por un lado la riqueza de la cultura y por otro las concepciones moralistas, católicas y conservadoras.

Respecto al video, Niña Dioz comentó. “Grabamos el video en la Ciudad de México. Quería que mi comunidad se vea por eso invite a algunos amigos de allí a participar. Mi escena favorita es la que estoy sumergida bajo el agua, nunca hice una toma tan desafiante, ya que además me muestro desnuda, pero era necesaria para redondear el mensaje de la canción”.

Mira el nuevo video a continuación.

Stone Temple Pilots — Stone Temple Pilots

El nuevo disco de Stone Temple Pilots es una carta con el Post Script: “We really miss you, Scott…”.

Ocho años después de la última vez que los pilotos soltaron su último disco; un disco que era, también, homónimo y en el que escuchábamos a Scott Weiland quebrarse la voz y dejarnos su último regalo antes de ascender por la escalera al cielo (bonito gag rockero).

¿Por qué mencionar esto? Aunque sea quizá algo anticipado y el punto en el que la mayoría de las reseñas a lo largo de los medios de esta industria de la crítica musical caerán, es obligado: Ya cuando en 2013 un Chester Bennington ocupó el lugar del conflictuado Scott se sentía una desazón en el oído, no porque Chester hubiese sido malo, simplemente algo no cuajaba, se sentía forzado y falto de la chispa que, nos guste o no, se fue en el mismo momento que Weiland lo hizo.

Dicho todo lo anterior podemos empezar. El disco en esencia es bueno, en realidad es bastante bueno, pero hay dos detalles que no se pueden dejar pasar: El primero, es un álbum de rock bien logrado, sin embargo, a lo largo de la historia, los álbumes de rock “bien logrados” siempre han sido los más simplones y esos que se olvidan rápidamente; segundo, esa necedad de hacer que suene a lo que en algún momento nos dio Stone Temple Pilots hacen que todo se vuelva más artificial.

¿Alguna vez vieron la película The Rocker? Bueno, si su respuesta es no, deberían de correr a hacerlo (Emma Stone luce bellísima y el soundtrack no decepciona, opino yo), este disco es básicamente la escena en la que sustituyen al baterista que es el alma de la banda por uno nuevo. Claro, las circunstancias son completamente distintas e incluso parece una grosería la comparación, pero sucede básicamente lo mismo: hay algo que falta.

Jeff Gutt hace lo suyo y, aunque su voz no podría compararse a la de Chester o la de Scott (aún cuando parece que buscaron específicamente a Jeff para que sonara exactamente como este último), sale bien librado.

Tratemos de poner un nombre diferente a la banda, olvidemos que son los Stone Temple Pilots.

“Middle of Nowhere” es una excelente y enérgica entrada para el material. La voz y las guitarras, de la mano con una batería poderosa, provocan que quiera estar en un concierto, saltando entre la multitud y aventando cerveza bajo las luces que, intermitentes, revelan solo siluetas sobre el escenario. El solo de guitarra en el minuto 2 es magnífico.

“Thought She’d Be Mine” es una magnífica balada rock, una de esas que se extrañan en nuestros días y que podría entrar en uno de mis playlists sin problema alguno. Sucede lo mismo con “The Art of Letting Go” en la cuál la voz de Gutt, para mi gusto, suena en todo su esplendor. Sin esa aspereza fingida y con un tono incluso más terso de lo que había sonado jamás alguna canción de los Stone.

Otros temas dignos de mención son “Meadow”, con un groove de guitarra bastante interesante aunque no innovador, “Reds & Blues” con una maravillosa letra y una sencilla melodía en la que podemos transitar como si fuésemos en el Camino por alguna carretera en el desierto y “Roll Me Under” uno de los previews del álbum en el que sí se siente esa nota agridulce que trae a la memoria los tiempos de gloria de la banda de San Diego.

Lo que le sucede a este LP es algo que pasa con el noventa por ciento de discos de bandas en las que su frontman ya no está: se sienten vacíos. Claro que el prejuicio y la carga emocional tienen mucho que ver en esta percepción, pero al menos a mí me fue imposible escucharlo sin sentir que alguien trataba de engañarme.

Una constante en este material es que sus mejores partes se pueden sentir cuando suenan menos a lo que Stone Temple Pilots fue en algún momento y es ahí cuando digo: ¿Por qué no simplemente hacerlo de esa manera? Quizá ni ellos mismos lo sepan así que solo podemos decir que, aunque no es el peor disco de la historia, bien podríamos pasar sin arrepentirnos en algún momento.

Franz Ferdinand estrena videoclip

Siguiendo con la era Always Ascending, Franz Ferdinand compartió otro visual.

Desde el lanzamiento de su más reciente placa, Franz Ferdinand ha lanzado videoclips un tanto bizarros (basándonos en la definición francesa). Para muestra "Glimpses of Love", su nuevo sencillo.

En el visual dirigido por Alice Kunisue podemos ver a los integrantes de la agrupación en una casa en medio de una granja donde las selfies, momentos divertidos y hasta ovejas te pondrán de buenas.

Esto ocurre mientras Alex Kapranos interpreta: "Love, love Love is going to come as a photographer, yes, a photographer, yeah, yeah, I need love, so someone better bring me a photographer, yes, a photographer, yeah".

Dale play a continuación:

Por otro lado, la banda hizo una aparición en el programa radial canadiense The Strombo Showen el que tocaron algunas canciones de su repertorio, pero también realizaron un cover al tema "Passionfruit" del rapero canadiense Drake, esto únicamente con la ayuda de sus instrumentos. Puedes escuchar esta interesante adaptación a partir del minuto 11:40.

Si no has escuchado Always Ascending, te invitamos a que leas la reseña de este proyecto en el que desglosamos porque es un LP con menos guitarrazos y más música disco.

Dale play a continuación:

Entrevista con Zoé

Foto Facebook de la banda

Zoé: La música está hecha para viajar en ella.

Cuatro años y medio después del Prográmaton (2013), la banda regresó con un nuevo disco: Aztlán, publicado el 18 de abril. Sobre los detalles de la nueva producción, Indie Rocks! habló con Rodrigo Guardiola y Ángel Mosqueda, integrantes de Zoé.

Desde la década de los noventa, su música cambió lentamente la historia del rock mexicano por siempre. Una generación entera de melómanos proclamaron amor incondicional: los rocanlovers. Aquellos jóvenes conocieron en la agrupación originaria de Cuernavaca algo nuevo. No sonaban como ninguna otra banda mexicana hasta ese momento. Zoé, quería llevarnos al futuro. Veinte años después sigue sumergiéndonos en él.

Aztlán, es el sexto álbum de estudio de la banda y representa el registro del momento en que soltaron todo lo que creían saber. Nace en un periodo en que los integrantes de Zoé desviaban su atención de la música para otra clase de proyectos como su documental Zoé Panoramas y el soundtrack original del mismo. Probaron con instrumentos diferentes, así como novedosas técnicas de producción. Al final, lo que se oye es una mezcla entre momentos de experimentación y otros que resultan distinguibles, como un sello que ya no se puede quitar aunque se intente.

“Queríamos un cambio. Compramos nuevos instrumentos y equipo. Lo chistoso es que en varias canciones acabamos usando lo mismo que en principio decíamos que no queríamos usar. Supongo que al final todo es música: no hay que intentar negar nuestra naturaleza”, comenta Ángel al respecto.

La última gira de Zoé terminó en diciembre del 2015. El no estar atados a grabaciones, ni giras masivas durante dos años permitió a la agrupación volver a enfocar sus ideas. Aztlán se planeó a lo largo de poco más de un año para finalmente grabarse en 2017 en Panoram Studios, disquera de la banda ubicada en México y dirigida por Sergio Acosta, guitarrista de la agrupación. “Es un disco pesimista y optimista sobre cosas que te da la vida. Se escribió en un periodo en el que sentíamos la necesidad de salir de nuestras zonas de confort”, comenta Ángel.

Phil Vinall, productor de casi todos los discos de Zoé, vuelve a aparecer aunque esta vez en la mitad de los temas. Al final, los doce cortes fueron mezclados en Londres por C. Silvie, segundo productor, unificando ambas producciones.

Algo que llama la atención de las letras es que siempre están escritas directamente a alguien y desde la primera persona. Resulta interesante como León Larregui inspira sus canciones en gente que lo tocó emocionalmente de alguna forma, como si se trataran de mensajes que nunca pudo entregar. "Azul" es la canción que da nombre al disco y no es excepción a la regla. “Fue de las primeras canciones que tuvimos claras. Nos gusta por sencilla. En cuanto a la letra León sabe que tiene toda la libertad del mundo y no haremos cambios a sus letras por lo que siempre se muestra muy honesto con ellas”, comenta Rodrigo. “Y sí, León se la compone a alguien”, agrega Ángel entre risas.

"Temor y temblor" es otro corte del disco. Ahí la cantante libanesa Yasmine Hamdan hace una aparición como instrumento invitado. Ante la pregunta de si tienen algún método favorito de composición, sin dudarlo contestaron. “Hay que pensarlas como una película... tienen que mantener cierta tensión. Las canciones están para que viajes por ellas”, dijo Ángel para terminar.

La banda conformada por León Larregui (Voz), Sergio Acosta (guitarra), Jesús Báez (teclados), Ángel Mosqueda (Bajo) y Rodrigo Guardiola (batería) ha demostrado una y otra vez cómo el generar música por más de veinte años consecutivos es más fácil de lo que se piensa siempre y cuando se tenga la pasión necesaria. “Es gracias al respeto que nos tenemos. Estamos muy conectados. Cada quien sabe el papel que tiene en la banda y lo hace con mucho respeto y pasión. Es sentir mucha libertad y apoyo al mismo tiempo”, comentó Rodrigo. “Además, así vamos juntos por el camino creativo y sabemos que aunque quizá no sea el correcto, lo recorreremos juntos”, añade Ángel.

Pa’l Norte 2018: Día 2

Un festival imperdible.

La fiesta empieza desde temprano, con un sol que se dejaba entre ver y que prometía un clima más ad hoc a la región, recibiendo directo un Chingadazo de Kung Fu en el escenario Tecate Original.

Elsa y ElmarLa Vida Bohème y Comisario Pantera subieron la temperatura con su música, encendiendo los ánimos de los fieros asistentes que ya preparaban su cuerpo para el primer gran show de este día, pues en honor a sus 25 años de trayectoria musical, El Gran Silencio inundó el escenario Tecate Light y puso a bailar intensamente a toda la raza de Pa'l Norte.

Turno de Nothing But Thieves, quienes agradecieron a México por ser parte de su historia. Con un sol intenso, Enjambre salió a mostrarnos cuál Imperfecto Extraño es su nuevo álbum, con temas como "Celeste" y "Nudo", así como los clásicos "Impacto" y "Manía cardíaca".

Mientras que por un lado el set de Don Diablo inició sus primeros 20 minutos con terribles fallas técnicas que enfurecieron a la multitud, División Minúscula causaba un "Sismo" en el Escenario AT&T. Las bandas sorpresas de esta noche fueron Garibaldi y Los del Río, quienes al ritmo de "La Ventanita" y "La Macarena" sacaron a relucir el gusto culposo de varios.

Enrique Bunbury engalana nuevamente un festival Pa'l Norte, demostrando su fuerte presencia sobre el escenario Tecate Light y resonando los coros de "Maldito duende", "Infinito", "Sí" y "Lady Blue". Del otro lado del parque, Miranda! tuvo una presentación llena de energía y temas unidos uno seguido del otro: "Prisionero", "Hola", "Yo te diré" y "Traición", mismos que dejaron agotados y afónicos a sus fanáticos.

La audiencia fue divida nuevamente, pues mientras que Panteón Rococó organizó una mega rueda de slam llena de lodo y gente bailando, Queens of the Stone Age daba un espectáculo lleno de luces, pero sin emotividad por parte del público. Desafortunadamente, el comienzo fue algo flojo, por lo que Josh Homme le pidió a los asistentes que dejaran de vivir en el pasado o el futuro y se enfocarán en el presente, y dieran toda su energía, a lo que el público reaccionó con algo de pasividad. Decepcionado de la reacción de la audiencia, vuelve a pedir que todos hagan una gran fiesta así que suelta "No One Knows". "Make It Wit Chu", pone a cantar alternadamente entre los hombres y las mujeres y al final, "Go With The Flow" y "A Song For The Dead" explotan un moshpit de dimensiones colosales.

El dúo francés Justice hipnotizó a sus fervientes seguidores quienes atónitos miraron su show lleno de luces, transiciones, baile, y una mágica espiritualidad. El ambiente fue inmejorable, pues una lancha inflable transportó sobre el público a aquel valiente que quisiera llevar la fiesta a otro nivel. Al final, Xavier se acercó a los fans, levantó un totem con una cruz, una bandera de Francia y las cruzó, desatando la euforia de todo el escenario Tecate Original.

Finalmente, Molotov fue la imponente banda que cerró el festival Pa'l Norte, "Fuga", "DDT", "Gimme The Power" y "Frijolero" fueron de los temas medulares en su presentación. Los fuegos pirotécnicos no podían faltar, siendo un gran detalle para el recuerdo y con la firme esperanza de que el próximo año, ascendamos a Monterrey nuevamente para ser partícipes. ¡Arriba Pa'l Norte!