Dos nuevo temas de Japanese Breakfast

Ya puedes escuchar "2042" y "Posing In Bondage" de Japanese Breakfast.

La cantante estadounidense Michelle Zauner ganó enorme popularidad el año pasado con su segundo álbum de estudio, Soft Sound From Another Planet. Pero poco después del lanzamiento de su disco, la interprete participó en el proyecto 4 track Single Series de Polyvinyl, donde le envían una grabadora de cassettes a un artista para grabar dos canciones e una cinta y lego se lo mandan a alguien más. Los temas que grabó la interprete solo estaban disponibles en formato físico, pero ahora llegan a servicios de streaming, al alcance de todos.

Los sencillos que sacó Japanese Breakfast se llaman: "2042" y "Posing In Bondage", dos temas que destacan por su sonido lo-fi, muy diferente del sonido tan pulido y atmosférico al que nos tiene acostumbrados la interprete.

La artista siempre ha mostrado un gusto por el rock alternativo de la década de los 90, su cover a The Cranberries lo demuestra, pero este experimento pone en evidencia una fuerte influencia por ese movimiento.

El material fue grabado en el estudio de la cantante en Philadelphia, y contó con la ayuda de Craig Hendrix en la producción. Este trabajó como ingeniero en el segundo disco de Japanese Breakfast.

Otros de los que participaron en el proyecto de Polyvinyl fueron: Diet Cig, Jay Som, Mother y Twin Peaks.

Puedes escuchar "2042" y "Posing In Bondage" justo aquí:

Allison en El Plaza Condesa

Un recorrido a través de XV años de carrera en una noche.

El Plaza Condesa se llenó de easycore y pop punk este sábado. El ambiente, desde antes de iniciar el concierto, anticipaba por si solo una celebración digna de los XV años de trayectoria de Allison, y es que el número de asistentes superaba por mucho, en cantidad, a los del evento de presentación del álbum Todo está encendido que se llevó a cabo en El Pasagüero.

Quien estuvo a cargo de abrir la noche, justo a las 20:00 H., fue la banda costarricense Akasha, que definitivamente se robó los corazones y los headbangings del público que alzaba el puño en todas y cada una de las canciones de su mini set. “Ya somos amigos” repetía Mauni Villa, vocalista de la banda. “Ya somos compas”. Los cuerpos más tímidos iban cediendo poco a poco a los breakdowns que hacían retumbar el suelo de El Plaza llevados por el bajo y la guitarra con el platillo y el bombo de la batería.      

Una vez terminada la participación de Akasha, la pista iba llenándose cada vez más. La siguiente banda en subir al escenario fue Barney Gombo, de las teloneras, la favorita de muchos. Eso era fácil de deducir ya que desde que inició su set con “Lavalantula” el coro de sus canciones se escuchó a la par que el sonido de los instrumentos, dejando atrás los breakdowns para darle la bienvenida a la rapidez en la batería característica del pop punk. El estar en medio de la pista me permitió ver dos que tres pancartas dedicadas a Barney Gombo. La gente aquí realmente los ama.

A unos momentos de que acabara su set, unas palabras a cargo del vocalista de la agrupación hicieron que el público, que para ese momento ya casi llenaba por completo la sección general de El Plaza, se inquietara: “Ya viene Allison”.

Unos minutos de silencio después, salió a escena Buen Viaje que fue recibido a aplausos por el público quien se presentaba menos enérgico, pero no menos atento. En teoría esperaban ver ya a Allison.

El intermedio entre Buen Viaje y Allison fue notablemente más extenso a comparación con las demás bandas. El público, en su gran mayoría chavos de entre 18 y 27 años, se mostraba cada vez más impaciente a medida que el equipo de producción terminaba de adecuar el escenario.

Repentinamente y sin aviso alguno, los integrantes de Allison salen al escenario y antes de tomar sus respectivos instrumentos miran a los asistentes quienes, en efecto, solo esperaban ese momento para recobrar la euforia. La batería de Diego Stommel rompió con el silencio del escenario para dar paso a “Algo que decir”, un enérgico comienzo que hizo que el público, de por sí eufórico, perdiera la cabeza por completo al escuchar la canción.

El concierto prosiguió con “Me cambió”, “Ya no te amo” y “Perdido” sin dar un solo descanso al público que parecía no bajar la emoción ni un solo segundo.

Uno de los momentos más memorables de la noche llegó cuando Tts de Here Comes The Kraken apareció en el escenario y el público abrió un gran circulo para hacer el merecido moshpit de la canción que quedó abierto por hasta "Rompase el vidrio en caso de emergencia".

Una noche memorable, que dejó satisfechos y cansados a los asistentes dentro de lo que pudiera ser uno de los momentos más altos en la carrera de la Allison.

10 años de Cassava Roots en el Foro indie Rocks!

La fiesta de ayer por la noche fue un estallido de música, color y té en el que los que asistimos a este evento pudimos disfrutar de tanto que era demasiado.

La idea de una fiesta de aniversario de Cassava Roots sonaba tentadora así que cuando nos invitaron la curiosidad se apoderó de nosotros y decidimos ir a presenciar de esta celebración. Al pasar el registro parecía que no estábamos más en el Indie Rocks! sino en una especie de callejón gitano en el que carpas de lectura de tarot, personajes circenses como mimos, enanos y arlequines corrían y deambulaban de un sitio a otro mientras sus sonrisas te daban la bienvenida a un aquelarre lleno de la esencia de Cassava Roots.

Eran las 19 H. y en el vestíbulo tres street artists pintaban muros enmarcados en los que el aerosol comenzaba a definir formas que sugerían siluetas femeninas y cráneos marchitos. Llegando al patio la emoción se sentía a flor de piel mientras un concurso de rap freestyle se llevaba a cabo en vivo. Por lo menos un ciento de personas se encontraba abarrotando ese pequeño espacio gritando y aplaudiendo las rimas de cada uno de los MCs que trataban de obtener el premio del primer lugar.

Vasos con bebidas llenas de tapioca, mezcal o cerveza chocaban entre sí mientras las risas y conversaciones de las personas inundaban el ambiente de este mini festival.

Era la hora de entrar al foro y ahí encontramos a Le Knevett, banda ganadora del concurso de bandas organizado por Cassava en Bajo Circuito, quienes con una mezcla de math rock y melodic hardcore comenzaban a calentar los ánimos y preparar el ambiente para el resto de la noche. Me parece pertinente decir que son una bandota, pues aunque son cuatro chicos con apenas veintitantos tocan con una energía y una precisión que muchas bandas de trayectoria ya quisieran poder presumir.

La noche seguía y la banda icónica de Cassava Roots: Black Pearls tomó el escenario para acelerar el ritmo y hacer a más de uno saltar con su punk noventero. La capacidad del foro estaba apenas a la mitad, pero las personas que se encontraban dentro se notaban disfrutando y alegres. El público era diverso: desde jóvenes entre los veinte y los treinta, hasta señores de acompañados de niños pequeños.

Uno de mis momentos favoritos de la velada fue la presentación de Young Tender, estos regiomontanos que con su sensualidad y frescura nos hicieron bailar y cantar durante casi una hora. Aunque la gente no llenaba el recinto se podía ver a parejas bailando y podía sentirse una atmósfera embriagante mientras canciones como “Si No Vas a Ser Tú” y “Tokyo” sonaban y se mezclaban con las luces del escenario. Sin duda siempre es una delicia escucharlos en vivo.

Caminé por el lugar, tomé un par de cervezas y cuando regresé a la pista Seguimos Perdiendo estaba a punto de hacer estallar el Indie Rocks! Las guitarras estridentes, el bajo de fondo y la batería reventando las bocinas consiguieron elevar mi ritmo cardíaco. Mucha gente comenzó a salir y los que se quedaron parecían adormecidos, hasta que el tipo que estaba enfrente de mí comenzó a saltar e incitó a que un minúsculo mosh pit comenzara a tomar forma frente a la tarima. Para cuando “Corre corre corre” sonaba la gente ya estaba completamente en ánimo.  Al final el desmadre, cuando menos en la parte delantera, estaba a cien y la gente estaba teniendo una fiesta llena de puños, codazos y uno que otro patín… todo al vertiginoso ritmo de ese punk tan característico de los Seguimos Perdiendo.

Para cerrar con este evento, llegaba la Banda Bastön que después de un par de fallas técnicas comenzó su show no sin antes cantarle las mañanitas a su frontmant: Muelas de Gallo. El show estuvo lleno de raps y fue una cátedra de rimas por parte de y de scratches y dj’ing a cargo del Dr. Zupreeme. Temas como “Quíubole”, “Este Espíritu” y “Cárcel” nos hicieron bailar y mover el cuello al tiempo que la noche llegaba a su fin.

Sin duda una fecha que no fue sólo importante para Cassava Roots sino para todos los que asistieron al foro ubicado en Zacatecas 39, en la Roma Norte y que formaron parte de una celebración tan especial.

Reyno en el Pepsi Center WTC

Reyno y su respuesta para respirar entre dos mundos.

Hace poco menos de un mes, Christian aprovechó el estreno de "Levedad" y conversó con Indie Rocks! Durante la entrevista, el vocalista y guitarrista de Reyno dio algunos detalles del kick off que sus seguidoras y seguidores podían esperar durante su presentación en el Pepsi Center WTC: Un repertorio de sus tres álbumes de estudio ambientado en un escenario que permitiera mantenerse en una espiral anímica y sensorial.

Además de la promesa de un diseño visual atractivo y de una experiencia sonora que atravesara por temas de Viaje Por lo Eterno, Dualidad y Fuerza Ancestral, el "tirar la casa por la ventana" incluyó la participación de Tessa Ia, Marcela Viejo y Daniela Spalla. La euforia por escuchar por primera vez el contenido de Fuerza Ancestral y por revivir la atmósfera del sold out del Teatro Metropólitan se hicieron visibles con la energía con la que se entonaron los elogios a Tessa y Marcela mientras sonaban "Acicálame", "Pantano Mexicano" y "Desde Mi Imaginación".

Tras despedir a Marcela Viejo con "Pequeñas Promesas", el público —integrado en su mayoría por parejas jóvenes— comenzó a apretujarse. "Amiga, si te llega un empujón, te juro no fui yo. Atrás de mí tengo a todo el ejército", se alcanzó a escuchar entre una de las primeras filas. Los 20 minutos en los que el staff se encargó de preparar los instrumentos sirvieron para realizar todas las actividades previas al espectáculo: Colarse por espacios diminutos para tener mejor lugar —No le hace, sí cabes. Yo ya entré—, comprar algo de beber, acomodarse los tenis —Me voy a poner loco. Mejor me amarro las agujetas—, planear el trip para el Festival Catrina, y ¿por qué no? comenzar a preparar la voz para el momento en el que Pablo, Christian, Ale, Santiago, Carlos, Rojo, Matías y Alonso se integraran a la vibración y turbulencia continua del Pepsi Center WTC.

Los ensayos de porras y de los versos de "Hasta El Último Día" entre los círculos de fans evidenciaron su potencial cuando al apagarse las luces se escuchó un estruendoso '¡Oe-Oe-Oe, Reyno, Reyno!'. El clima entre diversos coros y puños se propagó hasta convertirse en el limbo de la eternidad, el cual dio inicio con las primeras melodías de "Horizonte".

Posterior a mecerse entre las metáforas de la luna, el sol y el viento, Christian admiró la presencia y el tamaño de la familia Reyno. "Sin ustedes, nada de esto sería posible" expresó segundos previos a sorprender a las y los presentes con tres temas de Dualidad. Los ocho minutos en los que sonaron "Pacífico" y "No Olvidé" prepararon los pulmones y el estado emocional de la audiencia para dar apertura a las primeras melodías de "Fluye".

Todos aquellos que estuvieron presentes en la Plaza de la Mexicanidad y el Centro Dinámico Pegaso son testigos de que los momentos en los que se entona "Lo pasado ya es pasado y el presente está en mi piel" plantean la posibilidad de que las plantas de los pies sean absorbidas por la tierra y que los tonos de sus voces permitan derrumbar el cielo. A su vez, el equilibrio armonizado de "Fluye" estuvo representado por la mención (implícita y explícita) de los nombres de algunas y algunos ex al momento que sonaba "yo te deseo lo mejor, que todo salga bien y mucha suerte". 

La ruptura con el hilo de los temas de Dualidad estuvo representada por el acompañamiento de Daniela Spalla en "Amor Lúcido". Si bien la intérprete de "Pinamar" advirtió de su presencia, la dupla entre el estilo setentero de Spalla y el performance acústico de Christian ocasionó que la construcción de una atmósfera lírica compuesta por nubes, sueños y melodías de balada formara parte de la realidad.

Al igual que su música, las presentaciones en vivo de Reyno hacen referencia a los vocablos que describen su trayectoria artística: Dualidad y fuerza. La confrontación entre las estrofas y rimas de "Me Desprendo", "Remi" ,"Me Voy" —tema que no habían tocado en tres años— y "Control" demuestran que es posible destruir las cadenas, entregarse al amor y soltarse a la vida aun cuando se está en medio del vacío. Posterior al ir y venir entre el arrepentimiento y la inmortalidad de los buenos momentos, Christian y Pablo decidieron encontrar un punto de equilibrio y comenzó a sonar "Fórmula", uno de los temas favoritos de la banda.

Seguido del encore —lapso en el que las y los fans aprovecharon para expresar su satisfacción y goce—, el reparto de las canciones se caracterizó por un diálogo conjunto entre Fuerza Ancestral y Viaje Por lo Eterno. El trayecto entre 2014 y 2018 estuvo representado por la energía fugaz de "Amarrado" y el tono poético de "Rayo De Luz". Previo al cierre —y desde las orillas del mar en "Lejos" hasta la psicodelia de los años 60 con "Química"— las y los asistentes experimentaron una marea de sentimientos referentes a distintas dimensiones de espacio y tiempo.

Para las primeras notas de "Ahrimán", la suma de todas las cosas dio como resultado una fórmula secreta que corrió por las venas de todos y que los convirtió en cenizas que acompañarán a Pablo, Christian, Ale, Santiago, Carlos, Rojo, Matías y Alonso en una turbulencia continua. Con un setlist de poco más de hora y media, Reyno dio respuesta a cómo respirar entre dos mundos: Moverse con una fuerza ancestral hacia un viaje por lo eterno.

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Noche Post Rock en el Foro Indie Rocks!

Texturas y timbres fuera de lo ordinario.

Desde el 2015, la productora independiente de conciertos Violencia River se ha ido posicionando como uno de los representantes legítimos de la escena local de la Ciudad de México. Si alguna vez te preguntaste qué clase de agrupaciones de calidad podrían estar emergiendo, definitivamente tienes que asistir a cualquiera de sus eventos y se puede decir con seguridad que la Noche Post Rock estuvo lejos de ser una excepción.

Fake DesignersPoint DecsterIkiatari y Moonatic fueron las bandas encargadas de amenizar esta explosiva velada al adentrarse con éxito al mundo de sonidos que conforman al hechizante y frenético género denominado post rock.

Comenzando por Point Decster, que nos regaló un set sumergido en guitarras distorsionadas llenas de extravagancias acompañadas por la energía que genera la apasionada voz junto a la profundidad del bajo y la vehemencia alcanzada por la batería. La atmósfera orientada al shoegaze que esta banda logró crear en temas como "Chino Moreno" fue memorable.

Ikiatari le dio seguimiento a esta agraciada noche con un math rock de buen muy buen calibre. El frenesí que la baterista expulsó durante su presentación era contagiosa y los riffs que exploraban texturas y timbres bastante interesantes lograron construir una primorosa experiencia sonora.

Moonatic fue la agrupación que se encargó de mantener viva la atmósfera que los grupos anteriores habían ido generando con un sonido impredecible y cautivante. Particularmente me pareció extraordinario el trabajo de las voces, cosa que no habría funcionado sin el espléndido trabajo instrumental. Además, la mezcla de sonidos procedente de distintos géneros resulta en vivencia hipnotizante.

Finalmente llegó el turno del grupo Fake Designers, que basan todo su acto en la profundidad de la pura instrumentación que logra introducir una energía mesmerizante. Cosa que todos los actos de la noche habían logrado hasta cierto punto, pero que aquí alcanzó su clímax. Bien describen ellos mismos al concepto de su producción Silent Revolution como. "Un material que maneja el concepto de las luchas personales y cambios internos realizados para impactar también situaciones externas a las que el ser humano se enfrenta a diario, la Revolución Humana" y realmente es algo que transmiten de una manera bastante clara y acertada en sus presentaciones en vivo sin la necesidad de utilizar palabras.

En general, la Noche de Post Rock simbolizó un vistazo favorable a lo que se viene en la escena emergente del género y estuvo llena de verdaderos aceptos de la música que intenta hacer cosas diferentes.

 

 

Top 12: Los mejores videos de septiembre

Top 12 con los mejores videos de septiembre.

El mes de septiembre culminó y hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los mejores 12 videos del mes.

Aquí verás el video “Thunderclouds”, corte de 3: 15 minutos producido por Columbia Records y tercer sencillo promocional de la banda conformada por Labrinth, Sia Diplo;  “Overthrown”, parte de Smote Reverser, la reciente placa discográfica de Oh Sees, los originarios de San Francisco recurrieron al director Joshua Bruce, quien con muñecos de plastilina y animación stop motion; “Stupid Song” de La cantante y compositora mexicana, Elis Paprika, un divertido corte animado, plagado de referencias coreanas, viajes al espacio y un paseo en la playa. La animación y producción del breve video corrió a cargo del jalisciense Edwin Davison; “Tranz” de Gorillaz donde podemos ver a todos los personajes de la agrupación digital tocando el tema mientras efectos psicodélicos aparecen detrás de ellos; “Chant” de Rotten Daisies banda liderada por mujeres que llega directamente desde Sonora, algo que nuestro país necesitaba; “Love S.O.S” del dúo francés de electrónica Justice y mucho, mucho más.

St. Vincent lanza otra versión de "Slow Disco"

Escucha a St. Vincent interpretando "Slow Disco" solo acompañada de un piano.

Fue tanto el éxito de MASSEDUCTION, que la neoyorquina no ha parado de tourear y promocionar su quinto álbum de estudio con diferentes lanzamientos, uno de los más interesantes ha girado entorno al penúltimo track de su material, pues ha salido en diferentes versiones.

Hoy, St. Vincent ha compartido la tercera versión de "Slow Disco", ahora bajo el nombre de "Slow Slow Disco", aunque esta mantiene el ritmo original de la canción, se cambian los sintetizadores por un piano, lo que le da un estilo renovado y elegante.

En la descripción que puso en YouTube, la interprete escribió lo siguiente. "Las canciones son seres vivos. Crecen, evolucionan, cambian sus estados de ánimo y personalidades con el tiempo. Así que aquí está 'Slow Disco', una vez más, mudando su piel".

Debemos recordar que, luego de lanzar la segunda versión del tema, St. Vincent compartió un peculiar video, dirigido por Zev Deans. El clip de "Fast Slow Disco" llamó mucho la atención por tener alto contenido sexual. Muchos se preguntan si el reciente estreno de la artista también tendrá un clip.

El día de hoy St. Vincent dará un DJ set en el Hollywood Bowl, abriendo el concierto de Beck bajo el nombre de St. Vicious.

Puedes escuchar "Slow Slow Disco" justo aquí:

 

Led Zeppelin conmemora su 50 aniversario con lanzamientos digitales

Por Raquel Prior

El material incluye entrevistas, colecciones musicales y reflexiones personales sobre Led Zeppelin.

El 27 de septiembre de 1968 los integrantes de Led Zeppelin comenzaban a grabar su álbum debut, con motivo de este histórico suceso la agrupación ha decido dar a conocer sus cuatro nuevos lanzamientos exclusivos, disponibles ya en todas las plataformas digitales.

El primero de ellos es Led Zeppelin x Led Zeppelin, se trata de una colección de 30 canciones, que abarca los ochos álbumes de estudios más importantes de la agrupación, estas son algunas de las canciones más icónicas que se incluirán: "Immigrant Song", "Whole Lotta Love", "Kashmir", "Ramble On" o "Stairway To Heaven”.

Otro de los lanzamientos digitales es "Rock and Roll" (Sunset Sound Mix), el cual fue lanzado originalmente en el Record Store Day de este año, cuyo evento se unen tiendas de discos independientes y artistas para celebrar a la música, este material ha sido el lanzamiento más vendido en la historia del Record Store Day, y hoy hace su debut oficial en las plataformas digitales.

El tercer y último lanzamiento es An Introduction to Led Zeppelin que ayuda a adentrarse en la historia de la banda, presenta además de las canciones mencionadas antes, al igual que "Black Dog", "Good Times Bad Times", “Going To California,” y “Over The Hills And Far Away ", y este podría ser uno de los catálogos más importantes del rock.

El último lanzamiento se llama 50th Anniversary Interviews y es una compilación de entrevistas en las que  Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones hablan acerca de la creación de algunas de sus canciones y comparten reflexiones sobre su carrera, en entrevistas cortas que no duran más de dos minutos.

50 años de Led Zeppelin

50 años de Led Zeppelin y el dirigible sigue su curso.

I'm so glad I'm living. Gonna tell the world I am, 

"Out On The Tiles".

Mi primer acercamiento con Led Zeppelin, como supongo ha sucedido con mucha gente que con el tiempo se volvieron adeptos, simplemente los reconocen por su legado o que a pesar de no reconocerlos a fondo los saben legendarios, fue con “Escalera al cielo”. Gracias a esa perdida costumbre de traducir los títulos de las canciones al español en las viejas ediciones mexicanas en vinilo. Canción imitada, derrocada, acusada de plagio, emulada, jamás superada, su inicio que en efecto nos transporta a un camino de espigas guiadas por aquel misterioso mago que reposa en el arte del disco, que con su lux aeterna nos lleva a la gloria musical.

Torpemente mis dedos han tratado de colorear sus arpegios en la guitarra, los acordes fallan, y ni hablar del infalible solo que colocó a Jimmy Page como un inalcanzable, un eterno, un maestro absoluto de la dominación de las seis cuerdas, el supremo encantador de serpientes que se atrevió a desafiar las leyes de la acústica con sus experimentos al momento de grabar y darle aún más poder a las trepidantes evoluciones de John Bonham. El mortal, el controlador del ritmo, aquel que clavó una estaca en Moby Dick, el mito, el que a golpes de batería podía romper diques para causar inundaciones en nuestra memoria.

John Paul Jones y sus dedos cual tentáculos de un kraken descarriado y ansioso por destruir buques a la deriva entre las cuerdas del bajo o los teclados, el silencioso, pero también cuarto jinete del Apocalipsis del blues, de la transgresión perfecta del rock and roll que en Robert Plant encontraría a su dios dorado, a su Moises partiendo el océano en dos para guiarnos con su voz por las tierras soñadas por Tolkien, el guerrero que clavó la flecha en el talón de Aquiles en su última batalla.

La canción sigue siendo la misma y el legado supremo en un infinito de posibilidades, y a 50 años de distancia, una generación se lamenta haber perdido el cenit de una banda fundamental que ante la ausencia de uno de sus pilares decidió terminar su camino. Aturdidos y confundidos los sobrevivientes siguieron caminos difusos y constantes entre su búsqueda por un nirvana, una absolución, una cura, porque la inmortalidad ya la habían alcanzado. Aquel día de celebración en la que los sobrevivientes se unieron al heredero de Bonham para ofrecer sus últimas presentaciones en vivo, nos quedó como herida de un quizá, y como lamento de un ya nunca más. Ahora solo nos quedan las filmaciones, las reediciones, el libro que vendrá, y esperar a que poco a poco los fuegos de un candelabro se vayan apagando, porque el tiempo es imbatible, pero la música nos quedará como impulso permanente.

Lo más cercano que hemos tenido de esta vasta gloria en directo ha sido gracias a Robert Plant y sus recientes actuaciones en nuestro país: “ninguna banda de todas las que tocaron hoy existiría y ninguno de nosotros estaríamos aquí de no ser por este sujeto”, le dije a mi acompañante mientras sucedía su presentación en el festival Vive Latino. Un “Good Evening” salió de sus labios cuando crucé mi camino con él en los pasillos del Auditorio Nacional mientras, curiosamente, admiraba la fotografía que reposa como testimonio de sus visitas al histórico inmueble de avenida Reforma.

A la fecha “The Rain Song” suena en cada uno de mis viajes, vuelos, esperas y caminos, y en especial ante la inmensidad de las nubes, ante un lago en Punta Nizuc, al anochecer en Holbox, surcando la selva camino a Tulúm, es una canción que me encanta dedicar y escuchar cada vez que se me aparece por diversas circunstancias, inevitablemente sonará en mi funeral. Es solo una pieza como muchas de esta banda que nos hacen temblar, imaginarnos portando una Gibson Les Paul mientras tocamos al aire el riff de “Black Dog”, mientras gritamos a modo de broma el coro del intro de “Immigrant Song”, y su riff cual martillo de los dioses pulsando en nuestra sien, mientras notamos la maestría del bajo en las evoluciones de “The Song Remains The Same”, mientras el intro de “No Quarter” es el inicio perfecto de la película de nuestras vidas, “Tangerine” como la felicidad que a veces nos hace falta, “Friends” cual sonrisa que debes compartir con alguien que se siente afligido, “In The Light” para mantener siempre la esperanza, “Thank You” para decir con palabras ajenas lo que no puedes explicar con frases propias: “When Mountains Crumble to the Sea, There Will Still Be You and Me”. “Babe I'm Gonna Leave You” para decir adiós antes de que sea demasiado tarde, “Since I’ve Loving You” como el vals extraño que tal vez bailaríamos en la mejor noche de nuestras vidas de la mano de quien daríamos todo, por quien hacemos todo.

“This is a Song of Hope” menciona Robert Plant en quizá la grabación en directo más famosa del tema referido al inicio de este texto, el ambiente celestial que evoca su génesis, ella que compra una escalera al cielo para ver si podemos alcanzarla, peldaño a peldaño, ganando y perdiendo, fallando y corrigiendo, escalando cada día y descendiendo por momentos, gran esfuerzo, esperanza primigenia, mientras nos preguntamos qué es lo que nos lleva a querer ser imborrables, dejar un legado más que una tumba donde nos vayan a llorar. Y mientras seguimos ascendiendo, el dirigible emanando sus maravillosos ecos y tonos hará que el camino sea más placentero, hasta donde tengamos que llegar, o caer, o detenernos.

Festival Off Limits 2018

Madrazo puro, música y slam, así el Off Limits 2018.

Punk. Hardcore. Death Metal. Y más punk. Así podría definir el Festival Off Limits, el cual por varias horas se convirtió en una horda de gente danzando, empujando y sudando sin control.

Se llevó a cabo en el 360 Venue, lejos, muy lejos, de las salas habituales para conciertos; sin embargo, fue el recinto ideal. Había espacio para todos, para aquellos que no dejaron de meterse al slam y para los que preferían verlo desde afuera. Sin duda, fue un sitio más adecuado que el del año pasado.

Tuvieron un ligero retraso en los horarios, pero eso no importó, todos, sin excepción gozaron de las bandas, los cambios entre una y otra fueron rápidos, no había que esperar demasiado y los ánimos no tuvieron tiempo de enfriarse.

Sect, bajo una luz roja, Vitamin X dio una cátedra de fuerza y locura. The Dwarves con Nick Oliveri en el bajo demostraron que los años no pasan en vano.

Pronto llegó el turno de Slapshot, una banda originaria de Boston que reventó el lugar con hardcore en estado puro, la gente pidió otra, el tiempo no lo permitió pero, vaya, fue bueno lo que duró.

La gente corría en un círculo gigante y al llegar el guitarrazo no demoraba en chocarse. Unos contra otros y al calmar la canción, chocaban sus manos, se abrazaban y no había rencores. Madrazo tras madrazo y nadie se calentaba, esa es la pureza del punk y el hardcore.

Darkest Hour fue una de las bandas que se llevó la noche, metal core y death metal melódico. El canto gutural de John Henry y la instrumentación no dieron tregua ni un segundo. En este momento del Off Limits la gente ya no sentía el cansancio, el hambre o los golpes del mosh pit, todo era cantar, volar encima de la gente o correr al ritmo de la música.

Youth Brigade bajó un poco los decibeles, pero mantuvo la fuerza y ese es otro punto que hace del Off Limits un gran espacio. Hay cambios entre géneros musicales, hay más riffs de un lado pero más potencia en las baterías, hay voces melódicas y guturales, pero todo el mundo las disfruta y se azota por igual.

La velada estaba culminando, los asistentes descansaban breves minutos entre banda y banda, pero, al primer “clap” de las baquetas volvían a sus formaciones y como si fuera una marcha militar respondían sin reparos.

Cuando llegó el momento de Terrorizer, la banda originaria de Los Ángeles, de death metal y grindcore. Desde el primer tema la gente explotó, las barricadas que separaban el escenario de la gente parecía que iban a vencerse pero resistieron. Canción tras canción demostraron porque siguen vigentes desde su reunión hace casi 10 años.

El momento cumbre se dio con Ratos de Porão, la banda brasileña de hardcore punk que brilló por su energía descomunal sobre el escenario. La agrupación es un referente en su país y para el público mexicano también, coreaban todas y cada uno de los temas y por supuesto, el mosh pit solo tuvo breves respiros.

Y para cerrar con broche de oro, No Fun at All, que desde 1991 han puesto a cantar y a vibrar a multitudes en cientos de escenarios, aún con sus pausas. Este conjunto proveniente de Suecia, fue el encargado de agotar la última reserva de energía de los asistentes y con ello la edición 2018 del Festival Off Limits terminó.

Madrazo puro, música y slam, un festival que debería repetirse una o dos veces al año. Traen bandas que pocas veces se pueden ver en el país, tienen detalles en cuestiones de producción, audio e iluminación, pero quedan en un segundo plano cuando las agrupaciones se entregan de esa manera.