Django Django — Winter’s Beach

Frente frío.

No hay tal cosa como “austeridad” cuando se trata de Django Django. El cuarteto londinense de art rock nos ha demostrado a lo largo de tres discos, tan exuberantes como distintos entre sí, que lo suyo es ir abordando todos los ritmos y ánimos posibles para consolidar su identidad musical, misma que ya los ha destacado de sus contemporáneos desde el lanzamiento de su debut homónimo en 2012. Justo este año nos dieron Marble Skies, su tercer trabajo en donde encontraron una consistencia que dicen los eludía anteriormente. Y ahora regresan con el postre para endulzar lo que queda del año, el EP Winter’s Beach.

Aunque no se atreven a explorar nuevo territorio, tampoco suena como un compendio de material de sobra de discos anteriores. En vez de eso, Django Django nos invita a una fiesta gélida en la playa donde una horda de sintetizadores nos cae como cascada en el primer track instrumental, que da nombre al disco. Otro de los tracks destacables, “Sand Dunes”, convierte las olas en percusiones sincopadas y el piano artificial nos mece de manera tenue y relajada, y es aquí cuando las armonías por las que son mundialmente adorados entran en acción para embellecer todo el espacio que puedan.

Hay una atmósfera de misterio y nostalgia a lo largo de todo el material que no habían mostrado antes, pero no por eso dejan de lado las melodías sabrosas y masticables como caramelos que son ya su modus operandi. Esto se refuerza más en la alegre “Swimming at Night”, su versión del pop centennial en “Flash Forward” y el cierre verve-esco que nos obsequian en “Blue Hazy Highs”. Las letras siguen siendo igual de obtusas, pero los arreglos se mantienen seguros e impecablemente estructurados y ése siempre ha sido el punto de escucharlos y disfrutarlos. Igual y fue un resultado de inspiración momentánea al salir solamente con seis canciones, y al final todo es muy efímero, pero da la misma satisfacción de cuando encuentras dinero en una chamarra que hace mucho no usabas. Son a veces las pequeñas cosas las que hacen la diferencia, y para una banda que tiende a pensar en grande, es decir mucho.

Roosevelt — Young Romance

Hits de verano para el otoño, invierno y más allá.

Roosevelt sería hoy por hoy, algo así como el artista mainstream más indie. Y lo digo porque con su álbum debut de 2016, se convirtió en una revelación en las plataformas de internet, consiguiendo millones de reproducciones y muchos adeptos incluso en Latinoamérica. Sin embargo, sigue manteniendo ese bajo perfil a pesar que el proyecto de Marius Lauber (el sujeto detrás de este nombre), igual fue requerido en cientos de festivales tanto de la índole indie-alternativa como de la electrónica-dance. Y es que no hay que ir más allá para describir o analizar su estilo; Roosevelt tiene fuertes conexiones con esa oleada que actualmente abunda en la escena de México y Latinoamérica, ese chillwave, synthwave (otros dicen que hasta vaporwave) pero que no es más que indie-dance donde predomina fuertemente la electrónica pasado por un filtro retro. La ventaja es que Lauber suma a esta combinación el toque sofisticado europeo influenciado sin duda por el eurodance, la música disco mediterránea y el balearic beat, de una forma casi intangible, pero que le da en el todo, un toco bastante distintivo.

Y no es todo, porque también quedó claro desde su autotitulado debut, que el joven tiene un tino y un don para hacer hits, que al menos en este género es primordial. En su corta carrera ya ha cosechado un puñado, cada uno parecido pero a la vez con diferente enfoque y esto hizo que las expectativas crecieran para lo que sería su nuevo trabajo de estudio, el cual no ha demorado demasiado en dar a luz. Así que hacia Young Romance sorprende que Roosevelt vaya a lo suyo, sin prisa; continuando en una disquera local de Alemania (City Slang) y sin irse de lleno hacia los hits que prácticamente le den el reconocimiento mundial. Cierto que por momentos en la apertura con "Take Me Back" con las voces procesadas y la secuencia brillante ascendente parece que apuntala hacia el estrellato, así como el estribillo de "Under The Sun" perfora con una linea electrónica que si se le va la mano se estaría metiendo al EDM, por suerte Lauber sabe cómo hacer contrapeso de manera sutil metiendo sus guitarras funk sedosas, las baterías difuminadas y ese ambiente con temperatura cálida que van más por hacer la estampa de una tarde a gusto en la playa, que de un festival con miles de personas bebiendo y bailando sin control.

Fuera de lo anterior, el chico sigue sabiendo dónde está su marca y también la revalúa, da su mejor pop llevado a la pista de baile en uno de los singles llamado "Shadows". Le inyecta una explosión de color y efectos en la artificiosa (dicho de buena manera) "Illusions". O en el extremo final se pone muy retro y experimental con los efectos al ritmo en "Getaway". Y como ya lo había mencionado, el recorrido es dentro de estos perímetros porque difícilmente se sale del guión, pero sabe bien qué hacer en cada canción, sabe decantarse bien si hay que hacer un tema enteramente para la pista de baile como "Yr Love", marcando la sincopa con un golpe de madera que le da un toque hasta caribeño, o yendo de menos a más en "Losing Touch", pero terminando en una imagen panorámica en comparación a su comienzo.

Donde se queda un poco perdido y no se le oye con la misma habilidad es cuando baja un tanto la velocidad, "Pangea" tarda mucho en despertar y donde se recupera es al final, que lo ve regresando a su ritmo habitual. Y al parecer Roosevelt lo sabe, tanto que para irse de nuevo hacia estos lares reposados y más "sublimados" del chillwave, se acompaña de Washed Out en "Forgive". Irónicamente, cuando frena en totalidad y se queda bajo el calor del sol, hay nuevos efectos que se aprecian en "Better Days", quedando entre lo terrenal y la fantasía, calmada de tanto ánimo, con un solemne toque de acordes que se diluyen lentamente en el ambiente etéreo.

Sin duda se trata de un crecimiento en el que Marius Lauber aún no se decide a dar el salto ni de fama ni calidad, quizá la decisión más correcta ya que podría ser perjudicial irse de lleno al mercado mainstream y quizá no ser la sensación esperada, vamos, que el chico sabe hacer más que pararse detrás de una tornamesa a apretar botones, por lo que el crecimiento gradual y palpable se agradece; de nuevo haciendo hits de bajo perfil para el verano, para la juventud enamorada, pero que desde aquí, se puede decir que tienen una vigencia muy larga.

Entrevista con Los Sustos

Fotos Cortesía de la banda

Aferrándose al sonido primitivo.

El garage es la forma de escupir en el rock & roll. De maltratarlo hasta hacerlo añicos con puro guitarrazo crudo y desenfrenado. El género donde no importa si sabes tocar un instrumento, pues el ruido impreciso es la constante, la fiesta un carnaval infinito y el volumen saturado una religión. De ahí han salido grandes bandas que se rigen como un culto, The Sonics y The Electric Prunes en la vieja guardia. The Cramps y The Mummies representando el caos primitivo dándole la espalda al “profesionalismo” y orillando al escucha al salvajismo. Cada uno de ellos con su versión de convertir lo que algunos consideran basura, en fuente de satisfacción.

Como la fiesta nunca muere, el garage tampoco. Ni siquiera tiene la preocupación de evolucionar como muchos géneros. Ciertas veces más apegado al blues, en ocasiones a la psicodelia, y algunas al punk y el surf. El garage tiene diferentes etapas, muta con el tiempo. Es un adaptable terrible, como si fuera una plaga. Un ente que nunca se preocupa de su extinción, subsiste en aquellos bares donde la ecualización es una burla y lo más importante es que la cerveza se encuentre fría. Siempre surge en su estado puro. Busca los caminos ásperos y se instala para nunca irse. Una genuina catástrofe.

Y claro, nuevos adeptos siempre quieren empeñarse en explotar junto con él. De saber de qué trata el género de culto y enredarse entre sus piernas. Como si fuera una musa. Una terrible belleza que te atrapa y nunca te suelta. En esta ocasión, Los Sustos fue otra de sus presas. Banda mexicana que disfruta en exceso de la barbarie que provoca y que al parecer, siempre quiere ofrecerle tributo con su corrosivo garage punk.

El cuarteto nacido en la periferia de la ciudad, surge como la mayoría del género: soñando. “Empezamos en el patio de mi casa, tal cual. De manera individual cada quién es músico por su lado, venimos de proyectos diferentes e influencias diferentes, creo esto último es lo más marcado. Por echar desmadre y juntarte a hacer ruido con personas que aprecias surge todo, puede que así sean en todas las bandas”.

Las influencias podrían ser muchas, ¿qué se escucha cuando uno es joven y rebelde? Pura música que truene las bocinas y que haga que algunos te tachen de inmaduro. “Nos gusta creer que fuimos influenciados por el rock clásico pegado a los años 60, donde experimentaban aún con la psicodelia. Es ese tipo de música que te marca, siempre escuchas música nueva, pero de alguna manera siempre regresas a lo clásico. De donde surge todo. Fue algo que nos marcó siempre, el rock, el más puro. La distorsión de la guitarra y saber que va a crujir, esa sensación es única. Es lo que hemos querido transmitir y nos une a los cuatro… además lo sobresaliente en Los Sustos es que nuestra música es en español, y tratamos de mantener la cuestión del producto nacional. Aquí se habla español, pues hagamos canciones en ese idioma, es nuestra esencia”.

Los cuatro sustos son alegres e intrépidos, algunos integrantes de la banda más tímidos que otros –como en todos lados–, pero cada uno con la absoluta certeza de que el rock debe ser tocado sin pretensiones, que explote la cabeza. “El sonido es directo. Muy escandaloso que te llega a la mente desde el primer guitarrazo y que incita a bailar… hacer que salga esa parte punk que vive en ti. Ese sentimiento donde quieres destrozarte y gozar. Eso es lo que tratamos de hacer con Los Sustos, tratar de transmitir ese sentir”.

Es cierto, las bandas independientes se enfrentan a distintos entornos difíciles, solventar gastos de producción y conseguir dinero para los tours suele ser lo más usual. Pero hay que pensar que si muchos aventureros no se hubieran arriesgado a hacerlo por si solos, mucha de la música que tanto amamos ni siquiera existiría. De esto y la forma en cómo distribuyeron sus materiales al empezar la banda, Los Sustos lo ve con cierto optimismo. “Lo más complicado de grabar solo es mantener la esencia de la banda. Seguimos la ideología del DIY (do it yourself), hacerlo nosotros todo el tiempo. Tratar de mantener el sonido lo fi en las primeras grabaciones, nos gustaba experimentar con eso. Aunque llega un momento en donde te tienes que meter de manera casi forzada a un estudio para limpiar todo… La distribución de nuestros EPs al principio era de manera digital, por Bandcamp. La ventaja principal es la apertura que te da con tu posible público, internet es enorme y usarlo como herramienta es una conexión inmensa"

Los garage punkers llevan casi 10 años en activo, con algunas mutaciones en la formación pero no en la ideología. Giraron por Europa el año pasado, y este 2018 volvieron a emprender el viaje al nombrado Viejo Continente. De esto, hay que destacar que Drunk & Roll, su más reciente EP, fue firmado por Family Spree Recordings, sello que reside en España y que busca proporcionar al mundo propuestas frescas lanzando material en vinilo. “Al dueño de la disquera lo conocí el año pasado. Él me escribió desde España, resultaba que venía a trabajar a México y por esa fecha venía Fuzztones a tocar. Me pidió el favor de comprarle sus entradas y nos vimos en el concierto. Platicando en el show me contó de la idea de fundar su sello y que había escuchado a Los Sustos por stream y nos invitó a unirnos al proyecto, de ahí nació la magia. Fue algo muy raro pero increíble. Funcionó bastante bien y nos dio bastante proyección allá, nos abrió el camino en España y Europa”, comenta el vocalista y guitarrista de la agrupación.

Las letras de Los Sustos son completas y contundentes, no siempre es fiesta y parranderismo, en ocasiones la profundidad suele apoderarse de su espectro creativo. “Trato de tocar temas pero con diferentes metáforas. Amor y desamor, pero no de una manera tan tangible. Hay que escuchar con atención para comprender de qué va. Pensamos que no todo debe ser siempre estático. Que el público le de diferentes perspectivas. Pero al final todo es rock & roll”.

La idea de que el garage nunca muere y nunca lo hará es aceptada por la banda. Los Sustos al igual que casi todos los proyectos de la corriente musical quieren tocar hasta morir. Hasta que los dedos les sangren o se quiebren, lo que suceda primero. El verdadero rock & roll nunca muere, los días suelen ser realmente cortos cuando se disfruta. “Siempre existe la continua necesidad de fiesta. No hay más, la gente siempre se quiere divertir y liberar. Es un camino para olvidarse del caos, el trabajo y el tráfico. Ese es el propósito del garage y nos gusta ser parte de eso. Nos gusta el descontrol”.

Chvrches versiona a The Blue Nile

Previo a recordar el valor de las promesas y el perdón en "Never Say Die", Chvrches sorprendió a sus seguidores con una especial modificación en el setlist de la gira Love Is Dead.

Durante su presentación en el Ryman Auditorium, Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty dieron vida a las calles y noches vacías de The Blue Nile. La interpretación de los 6:26 minutos de "The Downtown Lights" incluyó la participación de Matt Lowell –vocalista de Lo Moon– y el sentido del humor de la frontwoman de Chvrches.

Con el fin de mantener el entusiasmo y la energía que las y los fans tuvieron después de entonar los coros de "The Mother We Share", Mayberry pronunció un discurso de bienvenida con tonos alegres y tintes jocosos. "¿Todos están aquí para ver a Lo Moon? Nosotros los amamos y pensamos que son maravillosos, así que vamos a interpretar un cover con ellos. Es la primera vez que lo hacemos, quédense con nosotros. Matt es definitivamente mejor cantante que yo. Si no fuera tan genial, diría al staff: ¡Saquen del tour a este imbécil. Lo quiero fuera de mi vista!".

"The Downtown Lights" forma parte de Hats (1989), segundo álbum de estudio de The Blue Nile. Este track de apertura –contenido en el lado A– ha sido descrito como una obra maestra de la década de los 80 y de la composición lírica de Paul Buchanan. La mezcla entre el discurso melancólico y una perfección monocromática que lleva a la euforia ha ocasionado que distintas figuras de la música revivan el trabajo de los escoceses. En marzo de 1995 fue Annie Lennox con su álbum Medusa y en mayo del mismo año, Rod Stewart colocó "The Downtown Lights" como el segundo tema de A Spanner in the Works.

A continuación puedes ver y escuchar "The Downtown Lights" en la guitarra de Iain Cook, los sintetizadores de Martin Doherty y las voces de Lauren Mayberry y Matt Lowell.

Empress Of estrena "I Don't Even Smoke Weed"

Escucha "I Don't Even Smoke Weed" de Empress Of, single de su nueva producción discográfica Us.

El viernes la talentosa artista Lorely Rodriguez, mejor conocida como Empress Of, lanzará su nuevo álbum titulado Us, el cual fue compuesto en completa intimidad, durante un mes en el que vivió en solitario con sus nuevas canciones, buscando los mejores acordes para cada una.

Antes de tan esperado estreno, decidió lanzar un single que forma parte de este disco. "I Don't Even Smoke Weed" ha sido alabado por la critica. “Lorely Rodriguez ha creado un universo brillante y fácil para existir, y cada uno de nosotros salimos del otro lado sintiéndonos renovados”, según Noisey. "Una clase magistral de composición pop", ha escrito Rolling Stone, y The Guardian dijo. “Electro-pop flexible y silenciosamente devastador que está lleno de carácter”.

"I Don't Even Smoke Weed", habla acerca del amor y las luchas que deben hacerse contra la vulnerabilidad y la duda de la que muchas veces nos volvemos víctimas. Es una melodía pop llena de intensidad y fuerza, que logra hacerte sentir alguien nuevo después de escucharla.

Us de Empress Of cuenta con colaboradores como Dev Hynes (también conocido como Blood Orange), el dúo de producción de Los Ángeles Sam Griesemer y Jerome Potter de DJDS, el productor electrónico español Pional, entre otros.

Mientras esperas por el disco te dejamos la lista de canciones:

1. "Everything To Me"

2. "Just The Same"

3. "Trust Me Baby"

4. "Love For Me"

5. "I Don't Even Smoke Weed"

6. "Timberlands"

7. "I've Got Love"

8. "All For Nothing"

9. "When I'm With Him"

10. "Again"

El álbum será puesto a la venta el viernes 19 de octubre, a través de Caroline, puedes pre-ordenarlo aquí.

¡No te pierdas de esta talentosa artista!

Haim versiona a Shania Twain

Foto: Amy Bramall

En colaboración con Vogue, las Haim sacaron un video para "That Don't Impress Me Much".

Sabemos bien que las hermanas se toman su tiempo para sacar nueva música, y es que la fama se mantiene como una constante para las californianas. Es probable que no tengamos nueva música de la agrupación en un buen tiempo, pero si grandes sorpresas, como el cover que le acaban de hacer a Shania Twain.

La canción que cantaron las Haim fue "That Don't Impress Me Much", tema que Shania sacó como sencillo promocional de Come On Over, su tercer álbum de estudio, recordado por los hits "Man! I Feel Like a Woman" y "You're Still the One".

El grupo interpretó este track para celebrar a la mujer en el Fashion Week de París, que tuvo lugar del 25 de septiembre al 3 de octubre. La banda aprovechó el evento para hacer un video con las modelos que presentaron la colección seleccionada por Vogue.

En el clip aparecen Hannah Ferguson y Camille Rowe, esta última también es actriz, y apareció el año pasado en la película de Guillaume Canet, Rock'n Roll. También podemos ver a las hermanas Haim con atuendos de la selección. La agrupación empezó a colaborar con la revista desde abril de este año, cuando salieron al festival Coachella.

Puedes escuchar ambas versiones de "That Don't Impress Me Much" justo aquí:

Solange confirma nuevo disco

Foto: Fonmi Ogunja

Conoce algunos de los detalles del siguiente álbum de Solange.

La cantante estadounidense se dio un tiempo fuera de los estudios para enfocarse en sus presentaciones en festivales y su gira en general, la cual acabó a mediados de este año en Europa. Ahora con la agenda libre, la hermana menor de Beyoncé ha dado a conocer que publicará un nuevo disco este año.

Solange, durante una entrevista para el New York Times, mencionó que su cuarto álbum de estudio llegará en otoño, lo que significa que estamos máximo a un par de meses de escuchar al sucesor de A Seat at the Table. Esto fue lo que dijo sobre la fecha de lanzamiento. "Es probable que el álbum llegue al mundo en algún momento misterioso e inesperado, como un meteoro cayendo. Pero la fecha no será precipitada".

También la cantante habló sobre la esencia de su siguiente material. "El disco será cálido, fluido y más sensual que el anterior. Tengo este miedo viviendo en mi cuerpo siempre que libero un trabajo. No conozco a ningún artista que no sienta eso antes de presionar el botón de enviar".

Al parecer, el nuevo álbum de Solange tendrá una base de jazz pero con toques de hip hop, electrónica y drum and bass.

Greenpeace y Thom Yorke trabajan juntos por la Antártida

Thom Yorke lanzó su nueva canción “Hands Off The Antarctic”, en apoyo a la campaña de Greenpeace para proteger el Océano Antártico

El líder de Radiohead, Thom Yorke, es reconocido por ser un gran activista, es por eso que en esta ocasión ha lanzado una canción que apoya la nueva campaña de la reconocida ONG, Greenpeace, con la cual se busca proteger el Océano Antártico de los efectos del cambio climático y la huella del hombre.

“Hands Off The Antarctic” es una canción en pro de crear el área protegida más grande del mundo en la Antártida. En el video se muestran diversas imágenes que retratan la vida silvestre que habita en este lugar, ilustra lo salvajes que pueden ser, pero a la vez también los presentan como seres indefensos ante la huella del hombre.

Las imágenes del audiovisual fueron extraídas de la investigación que realizaron a bordo del buque de investigación de Greenpeace, Arctic Sunrise. El santuario busca proteger a especies en peligro de extinción, endémicas de este lugar, como lo son las focas, los pingüinos, las ballenas, entre otras especies; y busca ser la región protegida más grande del planeta.

La canción se estrenó en el Marble Arch de Londres, se proyectó el pasado 16 de octubre. “Hands Off The Antarctic” es una pieza instrumental,cuenta principalmente con melodía electrónica y tiene una duración de casi cuatro minutos. Las imágenes que la acompañan logran crear un impacto importante en el espectador.

En una conferencia de prensa Thom Yorke declaró. “Hay algunos lugares en este planeta que están destinados a permanecer crudos y salvajes y no destruidos por la huella de la humanidad”. Por otro lado, la jefa de campaña de Protect The Antarctic de Greenpeace, Frida Bengtsson, explicó que esta simple canción les daba voz a las especies de la Antártida que no la tienen.

La ONG, Greenpeace, ha puesto sobre la mesa la propuesta de crear un área protegida para convertirse en refugio de muchas especies, se nombrará Santuario del Océano Antártico, y la organización junto a Thom Yorke lucharán con los miembros de Comisión del Océano Antártico, organismo que se encarga de proteger el ecosistema de la región.

Disfruta del video de Greenpeace y Thom Yorke.

 

Sufjan Stevens se une a Angelo De Augustine

El cantautor Sufjan Stevens se involucra de lleno en el nuevo disco de Angelo De Augustine.

El músico estadounidense Angelo De Augustine sacará su tercer álbum de estudio a principios del próximo año. Sin embargo ya ha comenzado con la promoción del disco y sacando adelantos, uno de ellos, "Time", cuenta con una nueva versión en vivo, en donde colabora de Sufjan Stevens tocando el piano.

La canción con Sufjan no dista mucho de la original, que tenía Thomas Bartlett en el piano. Este es productor de Tomb, el nuevo disco de Angelo, y ha trabajado con artistas como St. Vincent, Florence and The Machine y el mismo Stevens.

El track original viene acompañado de un video dirigido por Jess Calleiro, pero también la grabación en vivo trae un metraje donde podemos ver a Stevens en los Reservoir Studios, ubicados en la ciudad de Nueva York. Debemos recordar que el año pasado Sufjan dirigió el video de "Crazy, Stoned & Gone", uno de los tracks que sacó Angelo con su disco Swim Inside The Moon.

Tomb, el nuevo disco de Angelo De Augustine, saldrá el 18 de enero a través Asthmatic Kitty, sello discográfico dirigido por Sufjan Stevens y su padrastro Lowell Brams. Este será el primer disco que graba en un estudio profesional y, según su autor, es una oración por la esperanza, la claridad y el amor.

Puedes ver ambos videos justo aquí:

Ty Segall versiona a The Dils

Con un cover de "Class Wars", Ty Segall nos prepara para Fudge Sandwich.

En unos días Ty Segall publicará su cuarto álbum del año, pues antes salieron Freedom's Goblin; su disco con White Fence, Joy; y Pre Strike Sweep, que sacó con GØGGS. Este es un disco conformado por covers, así que sus seguidores están emocionados por adelantos.

La canción que acaba de sacar Ty Segall es una versión de "Class War", tema que la banda estadounidense The Dils estrenó en 1977. Este fue el segundo sencillo que sacó esta agrupación, una de las precursoras del punk en California.

El track original es abrasivo y demente, con una letra que habla sobre el levantamiento de la clase obrera y una pelea entre ricos y pobres. La versión de Ty Segall tiene guitarras acústicas, que la convierten en un tema de folk, toda una canción de protesta.

Chip Kinman, integrante de The Dils, dijo esto sobre el cover. "Ty Segall responde a las preguntas que Tony y yo nunca pensamos hacer, su versión de 'Class War' me encanta".

Fudge Sandwich sale el 26 de octubre a través del sello discográfico In The Red. Otros de los artistas a los que les redirá tributo Ty Segall son: John Lennon, Neil Young, Overkill, Grateful Dead, War y Funkadelic.

Puedes escuchar ambas versiones de "Class War" justo aquí: