Soen en el Lunario del Auditorio Nacional

La reverberación, agilidad y fuerza de Soen dejaron una atmósfera atascada de densidad producida por armonía en contraste con la crueldad del mundo.

El súper grupo sueco liderado por Martin Lopez, y sus compañeros Joel Ekelöf, Stefan Stenberg, Lars Ånhuld y Cody Ford. Ante toda adversidad y pronóstico dejaron sus seres carnales para que sus espíritus se apoderaran del escenario en el Lunario del Auditorio Nacional. Es así como las dos presentaciones por parte de Soen, que está promocionando su más reciente álbum Lotus, embelesaron a su público.

Para comenzar la noche la banda mexicana Ekos se encargó de prender al público. Aunque fueron muy pocos temas los que presentaron fueron los suficientes para demostrar de qué están hechos. “Vuelve a Mirar” y “Creando Vacíos”, nuevas canciones que forman parte de su tercer larga duración Instinto. Sin olvidar un viejo tema “Mutación” de su álbum Luz Interna del 2012.

Las luces se apagaron cuando los integrantes de Soen comenzaron a subir al escenario. Cada uno vestía de negro, los aplausos y vítores no se hicieron esperar. Sin previo aviso, comenzaron las primeras notas de apertura, a una noche llena de fuerza y energía. Con “Covenant” bastó para conectar con el público que, extasiado, no dejó de corear la canción. Joel agradeció, casi sin aliento, al público ahogaba su voz entre aplausos.

La banda continuó con “Opal” en la que Lars se acercó a Stefan para comenzar a agitar sus cabelleras y así invitar a los asistentes a seguirlos con el headbanger. “Rival” y “Opponent” no rindieron tregua, pues la atmósfera comenzó a transformarse entre colores verdes y azules que, a lo largo de la presentación indicaron la belleza de la crueldad. Las guitarras, la densidad de los bajos y la velocidad de la batería nuca fallaron; cuando más avanzaban mayor era su conjugación. Era imposible separarlos. No faltaron temas de sus álbumes anteriores como lo son “Tabula Rasa” y “Jinn”, las cuales los espectadores agradecieron y aclamaron cuando el poder de los riffs guiaba el rumbo de la velada.

La energía de la banda nunca decayó, con cada canción se hacían más fuertes, como un monstruo en medio de la oscuridad.

El ambiente recobró la calma cuando “Lucidity” comenzó y una luz naranja y cálida abrazó al público. Un tema el que el público dio un respiro, pero con el que Joel lució su voz, creando un perfecto círculo la melodía y armonía de sus compañeros. Antes de dar por terminada la noche, “Martyrs” y “Fractions” inyectaron adrenalina pura a los cuerpos presentes para dejarlos sin aliento y dar el cierre perfecto.

Cuando pensaron que la noche había acabado, los instrumentos que permanecieron en el escenario fueron iluminados por una luz tenue. Soen no tardó en volver al escenario para interpretar las últimas canciones.  “Savia” en la que los protagonistas fueron los bongós que se alcanzaban a escuchar en el fondo, pero más “Sectarian”.

La canción más pedida por el público, la que esta vez no podía faltar y la que le da el nombre a su más reciente álbum. Con “Lotus”, la quietud regresó y el color naranja en el escenario calmó a cada uno de los asistentes. Una noche que permanecerá en la memoria de algunos y en el corazón de todos.

A 25 años del 'Me Against The World' de Tupac Shakur

Me Against The World: 25 Años del viacrucis de Tupac  Shakur.

La década de los 90 fue un período muy importante para la comunidad afroamericana y su integración a la cultura popular del mundo occidental. Aún cuando los muchachos blancos de Seattle se obsesionaban con el futuro desesperanzador a través del grunge y los británicos respondían a la misma problemática con su britpop, la batalla entre la East Coast y la West Coast era la que se libraba en los puestos más altos del chart Billboard.

Pero no todo era Karl Kani y blunts hechos con billetes de cien dólares. Durante esos 10 años, el público de la gangsta life también fue testigo de la dualidad de sus ídolos… De los demonios y los ángeles que les rodeaban. Mientras las rimas de los nuevos rockstars rescataban historias relegadas sobre violencia, segregación racial, brutalidad policíaca y el ascenso de quienes estaban destinados a la muerte, sus vidas personales abundaban de escándalos y delitos de alto calibre. 

En esa coyuntura del anti-héroe nació Me Against The World, una declaración de martirio, culpa e introspección alrededor del mito Tupac Shakur. 

A lo largo de los últimos 25 años, el tercer álbum de estudio del rapero ha padecido el olvido del foco mediático ante la figura del legendario All Eyez On Me; sin embargo, el legado discursivo y sonoro de Me Against The World cimentó una escuela para todos los artistas posteriores del hip hop y el R&B. 

Antes llamado Crucifixion, este disco se gestó bajo un contexto conflictivo. Estrenado el de marzo de 1995, llegó a oídos del mundo cuando su autor se encontraba preso luego de ser encontrado culpable por delitos relacionados con el abuso sexual y la violencia de género. 

Si bien la mayoría de las maquetas fueron desarrolladas en 1993, la experiencia de 2Pac en los juicios que enfrentó y el tiroteo del que fue víctima influyeron el trabajo lírico de Me Against The World

Dentro de la línea narrativa de su discografía, encontramos a un Shakur introspectivo y en posición de cuestionar su figura como afroamericano, figura pública y artista. No se martiriza ni acepta explícitamente los cargos que se le imputan; pero construye versos en los que alude a errores que afectaron gravemente a terceros. 

Además, con varias balas en su antecedente clínico, expone una preocupación particular: ser el rapero más grande de su época no lo volvió inmune de los enemigos que acarrea desde su pasado en el Harlem. 

Encabezado por Shock G y Tony Pizarro, el equipo de producción contaba con varias de las mentes más frescas de la escena: Soulshock, Mou ZMD, East Mo Be entre muchos otros. La conceptualización sonora partía de un objetivo ambicioso: instrumentar un disco que rompiera el canon del beat que se trabajaba en aquella época a través de samples y secciones melódicas inesperadas, más íntimas con el soul y el R&B que popularizó Motown dos décadas atrás. 

Al reconocer sus falencias vocales, Tupac optó por reclutar a Debbie Hambrick, Jill Rose y Natasha Blake para que colaboraran a montar estructuras corales en la mayoría de las canciones, poniendo la vara muy alta no solo para sus competidores en la costa opuesta, también para los máximos exponentes como D'angelo -quien por cierto respondería con creces en su magistral Brown Sugar. 

"Could somebody help me? I'm out here all by myself, see

Ladies in stores, Baby Capone's, livin' wealthy

Pictures of my birth on this Earth is what I'm dreamin'

Seein' Daddy's semen, full of crooked demons

Already crazy and screamin', I guess them nightmares as a child".

Canta Yaki Kadafi en el sencillo homónimo para enunciar la gran pregunta de una generación aparentemente exitosa: ¿Qué se hace cuando tenemos todo lo que alguna vez soñamos y aún así no es suficiente? 

Un año después de entrar a prisión, la fiscalía rectificó el falló contra Shakur y le dejó salir con libertad condicional, hecho que jamás logró limpiar su nombre del todo porque constantemente era relacionado con crímenes de índole sexual o tráfico de drogas. 

Sin la aprobación total de la audiencia, Me Against The World recorrió su propio camino. Alabado por la crítica y multi-nominado por diversas premiaciones, el tercer disco de Tupac Shakur cambió los paradigmas estéticos del hip hop para siempre.

A 15 años del ‘Human After All’ de Daft Punk

Daft Punk, pepenadores musicales que reciclan lo antiguo y lo hacen sonar novedoso.

Lograr trascender en el mundo musical reciente es una tarea compleja. La competencia cada vez es mayor y la memoria colectiva es tan efímera que todo se reduce a modas pasajeras. Lo que hoy triunfa mañana será un bonito recuerdo sin importancia. Aunque siempre existen proyectos que pese a toda adversidad logran trascender y Daft Punk es un claro ejemplo.

Francia ha sido un territorio fértil en lo que se refiere a música electrónica y proyectos cuya mayor finalidad es incitar al baile elegante. Tal vez es a causa de la pronunciación del idioma o simplemente la Torre Eiffel provoca que el aire sea distinto. Pero fue a finales de los 80 que surgió el movimiento bautizado como french house.

Del fracaso musical al éxito comercial

Dentro de los aficionados a este tipo de sonidos y fiestas estaban dos jóvenes que responden a los exóticos nombres de Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter. Su primera incursión musical fue como parte de una banda de rock llamada Darlin’. La agrupación fue efímera e irrelevante pero lograría un hecho que marcaría un precedente.

Una de las pocas reseñas que se escribirían sobre el proyecto definía el sonido como “daft punky thrash”. La singular descripción fue la base para que, una vez separada la banda de rock, la dupla gala arriba mencionada tuviera un nuevo inicio. Como nombre de batalla se eligió Daft Punk y así daría comienzo una de las historias musicales recientes más exitosas.

Contrario a lo que ocurrió con su primer grupo, con Daft Punk el éxito llegaría casi de inmediato. Con sus dos primeros trabajos, Homework (1997) y Discovery (2001), el dúo se posicionaría en las listas de popularidad y dentro de los lugares de baile más prestigiosos del mundo.

Sonidos del pasado que asemejan al futuro

Para su tercer álbum, el dueto ya consagrado concibió una amalgama de sonidos todavía más elaborada. En primera instancia siempre se encuentran los sintetizadores retrofuturistas que combinan el ayer con el hoy. A la mezcla se añaden toques de funk sexual, techno y música disco al estilo de Giorgio Moroder. El último ingrediente de la fórmula es el vocoder para simular voces robóticas.

De esta manera, el 14 de marzo de 2005 vio la luz Human After All, material que colocaría en lo más alto del firmamento a la pareja de músicos franceses. El lanzamiento coincidió con el apogeo de MySpace, los últimos años de gloria de MTV y la revolución digital provocada por Internet. 

Como primer adelanto del álbum se reveló la canción “Robot Rock”. Su estructura de sonidos que se repiten de forma infinita, construida a partir del riff inicial de “Release the Beast" de Breakwater, hace pensar en Kraftwerk pero con un estilo más sofisticado. A su vez, su video muestra una estética setentera por ser una de las décadas más importantes para los galos detrás del binomio.

A su vez, otro rasgo que siempre ha estado ligado a esta dupla de músicos es su negación a mostrar sus verdaderos rostros. El colocarse unos cascos de robots ya forma parte de su espectáculo. A la fecha son bastante pocas las fotografías que existen de ambos integrantes en las que pueden verse sus identidades.

Las incógnitas alrededor de Daft Punk permanecen hasta nuestros días. Aunque más allá del misterio que rodea a sus integrantes, lo verdadero valioso es su aportación musical. Son unos pepenadores que toman elementos de diversos estilos y les dan un nuevo uso. Lo viejo también puede sonar novedoso y la pareja francesa lo sabe muy bien.

“El Vacilón”, lo nuevo de Combo Musical Los Caquis

Desde el poniente de la Ciudad de México para el mundo llega “El Vacilón”, el nuevo sencillo de Combo Musical Los Caquis.

Si te gusta Instituto Mexicano del Sonido o Plastilina Mosh, tienes que escuchar “El Vacilón”, el cuarto sencillo de Combo Musical Los Caquis, la agrupación que se caracteriza por combinar ritmos afro-latinos con improvisaciones de comedia, que han hecho de sus presentaciones una experiencia sumamente divertida, interactiva y súper bailable.

Los Caquis
Con solo tres sencillos en su haber “El gato súper cumbiero”, “Morre espacial” y “Lobo Cumbiero” la banda capitalina, ha logrado posicionarse en las playlist de Spotify como una de las mejores propuestas de la cumbia y música tropical alrededor del mundo.

Combo Musical Los Caquis, han participado en festivales como como Fête de la Musique, Toguiza, Vans Sessions, Espacio ‘19 y La Mezcaliza. Además, han compartido escenario con bandas como Rey Pila, Sonido Gallo Negro, Las Robertas y Sotomayor.

Sin más ni menos, te dejamos con este nueva composición que la agrupación define como una “descarga” al estilo cubano; una base rítmico-armónica sobre la cual se toman turnos para improvisar y que inevitablemente, te pondrá a bailar.

“El Vacilón” fue creado principalmente por el compositor, Alonso Lavín, cuenta con arreglos de todos los integrantes y fue producido por Leonardo Díaz en Babel Audio Lab. El sencillo ya está disponible en las principales plataformas streaming vía Toga Records.

Porches — Ricky Music

Ricky Music de Porches: baladas pop que capturan momentos con sentimientos muy específicos como amor, confusión, enojo, alegría y tristeza.

Nuestros deseos y recuerdos son parte de lo que somos, de nuestra personalidad, de lo que soñamos, de lo que vivimos, de lo que sentimos, de lo que pensamos. Podemos guardar tantos como queramos, algunos permanecen para siempre, otros son eliminados y reemplazados, otros son tan fuertes que necesitan ser grabados físicamente en una fotografía, un poema, una pintura, un video, una canción; no pueden permanecer escondidos. Esto lo digo porque Ricky Music, el nuevo disco de Porches, se siente como una colección de 11 íntimas y detalladas baladas pop que capturan momentos con sentimientos muy específicos como amor, confusión, enojo, alegría y tristeza. “En estas canciones me escucho a mí mismo algunas veces desesperado por certeza, y en otros momentos, teniendo la suficiente perspectiva para reírme de mí en algunos de mis momentos más oscuros”, comentó Aaron Maine sobre este álbum. 

Para Maine, Porches es su historia de amor con la música, historia que se ha extendido desde el año 2009 y que nos ha entregado el sonido indie rock de sus primeras producciones Slow Dance in the Cosmos (2013) y Pool (2016), pasando por el synth pop de The House (2018), y que en Ricky Music se dirige hacia un nuevo lugar, un espacio que Maine nunca había explorado. El disco está lleno de anti-singles—como el propio Maine alguna vez llamó a su canción “Country”—yendo de un género a otro, bastante sintetista, combinando instrumentos diferentes, aun cuando las canciones son cortas. Prueba de esto son los 33 segundos del punk pop de “PFB”, el electro dance de “Madonna”, o la honesta “Wrote Some Songs”, donde el compositor reflexiona mientras canta sobre el sonido de un piano eléctrico y percusiones “cuando preguntan lo que he hecho con mi vida... grito, escribí algunas malditas canciones”, reafirmando su amor y vocación por la música. 

Cuando “Patience”—sencillo que Maine describe como “esa sensación de tomarse de la mano de alguien y saltar de un árbol, y todo lo que puedes hacer es reír del desastre en el que se han metido, mientras ambos dan vueltas en el pasto en un hermoso atardecer”—abre con un piano, inmediatamente se crea un entorno nostálgico acompañado de la voz de Aaron, al que se añaden texturas ambientales para después explotar con el ritmo de la batería y los sintetizadores, mientras al final se desvanece poco a poco con el suave casqueo de la guitarra acústica. Lo que dirige “Do U Wanna” son los coros y beats pegajosos, mientras Porches mira hacia él mismo para darse cuenta de la disparidad entre cómo le gustaría actuar y cómo actúa en realidad. “Solo quiero verte vivir, pero nunca quise hacer algo”, canta el artista. 

“Pienso que estaba tan perdido como enamorado”, comentó Maine sobre su estado emocional mientras componía Ricky Music. Las letras reflejan esa naturaleza que solamente se da al estar enamorado. En “Lipstick Song”, Aaron pone su única esperanza en un labial para poder alcanzar el amor de una persona mientras imagina su rostro. “Tengo la idea de que si pienso lo suficientemente fuerte, puedo hacerte aparecer como un espejismo...pienso en cuando nos conocimos...y cuando llegaste, te di un pequeño regalo...espero que te guste cómo luce en tus labios”, y mientras avanza la canción este trance se va haciendo más intenso con los riffs de guitarra. Este sentimiento se extiende a “I Wanna Ride”, donde al final de la canción, enredado en una atmósfera pesada y confusa, como cuando estás a punto de declararle tu amor a alguien más, Porches confiesa “Si estás ahí, y sé que lo estás, casi puedo escuchar nuestros gritos en la parte trasera del carro, sé que algún día voy a viajar contigo, quiero decidir contigo, algún día moriré contigo”.

En “Madonna”, Maine transforma su cuarto en una pista de baile inundada de sonidos techno y ritmos acelerados, donde él permanece en el centro cantando con desesperación “quiero ponerme en contacto contigo”, mientras la luna “cuelga de lo alto, como un gran jódete”. Las composiciones de Maine tienden a ser minimalistas, como “I Can’t Even Think” y “Hair”, dos canciones bedroom pop, donde la mayor parte del tiempo solo podemos escuchar una batería eléctrica y sonidos ambientales, respectivamente. “Fuck_3” es arrítmica, aquí es donde Porches toma un mayor riesgo en su estilo. El sonido de los instrumentos de aire le da una onda jazz que se acompaña muy bien con el piano. 

Ricky Music fue grabado en el departamento de Maine en New York, así como en Chicago, Los Angeles, y algunas ciudades de Europa mientras estaba de gira. Cuenta con la co-producción de Jacob Portrait de Unknown Mortal Orchestra y la colaboración de sus amigos Dev Hynes (Blood Orange) y Zsela, cuyas voces crean una armonía muy innata junto con la de Maine, como se puede escuchar en el bonus track “rangerover”, una canción indie rock que es melódica y confusa al mismo tiempo, así como peculiar en el catálogo de Porches

Cuando Aaron Maine anunció el lanzamiento de Ricky Music, comentó que “Porches puede ser una canción country, una canción bailable, una canción punk, una canción pop o algún intermedio”, creo que esto describe mucho la dirección que tomó el sonido de la banda en esta producción. Pero la magia de este disco está en que el artista logró capturar la esencia de los sentimientos que quería transmitir y las plasmó de forma sensible y pura a través de los sonidos y letras, es ahí donde está el encanto de Ricky Music.

"You'll Be Mine", lo nuevo de The Psychedelic Furs

The Psychedelic Furs se acerca cada vez más al lanzamiento de su nuevo álbum.

Después del lanzamiento de "Don't Believe", The Psychedelic Furs compartió esta mañana "You'll Be Mine", un segundo adelanto de lo que escucharemos en su noveno material de larga duración tras 29 años de ausencia. Para este tema la agrupación británica exploró nuevos sonidos y elementos, pues suena diferente al primer single de su nuevo álbum. Es una melodía que conforme avanza se va cargando de energía y poder sin llegar a ser estruendosa.

Las rápidas cuerdas de la guitarra abren paso a la melodía para después encontrarse con la voz de Richard Buttler y el resto de los elementos que componen la canción.

El single llegó acompañado de un lyric video, donde un par de esculturas talladas en piedra predominan al fondo del mismo, mientras que la letra aborda temas como el tiempo, el amor y el cambio, y como no debemos sorprendernos en lo absoluto cuando nos encontremos con todas estas circunstancias.

No te sorprendas cuando todos tus sueños se desvanezcan, no te sorprendas en lo absoluto", canta Buttler al unísono de la melodía.

La agrupación emprenderá una gira a mediados de abril, cerrando con broche de oro en su natal Londres, con una presentación en el Royal Albert Hall. Made of Rain estará disponible el 1 de mayo a través del sello Cooking Vinyl, puedes pre-ordenarlo dando clic aquí.

 

Gracias Totales: Soda Stereo en el Foro Sol

Gracias Totales... una vez más.

Tal parece que cada determinado tiempo estamos condenados a vivir una despedida más de Soda Stereo. Como hace más de una década (y al igual que una década anterior) Soda Stereo se despidió de los escenarios pero esta vez sin su vocalista, guitarrista y compositor: Gustavo Cerati.

La muerte del argentino hace seis años parecía que sellaba el final definitivo de una de las bandas más importantes de habla hispana. Sin embargo, sus ex-compañeros junto a su hijo, así como amigos y ex colaboradores se unieron para rendirle homenaje a la música de la banda y aprovechar para llenar un par de estadios a lo largo de Latinoamérica.

La idea en un principio parecía buena: la música de Soda interpretada por los integrantes sobrevivientes de la banda mientras una serie de vocalistas sustitutos de primer nivel se turnan para hacer una especie de homenaje a Cerati. Sin embargo, a la hora de la ejecución no todo fue tan bello ni emotivo.

Lo bueno

Pero empecemos por lo positivo. La elección de temas estuvo muy bien equilibrado entre toda la discografía de Soda, además que la distribución entre éxitos que suenan en cualquier bar y aquellas que solo reconocen los fans más acérrimos.

La interpretación de los temas también fue excelente, quizás un par de fallas en los micrófonos de los invitados (algo que se notó mucho más en la participación de León Larregui), cosa que es entendible por la cantidad de individuos que pasaron por el escenario.

Por último el público. Entregado, coreando casi cada canción; bebiendo y recordando. Todo muy bien de su parte, nada que reprochar.

Lo malo

Algo que llegó a ser molesto fue que no se presentó a ninguno de los invitados, al menos no de una manera especial. Hubiera estado bien que de vez en cuando Zeta o Charly agarraran el micrófono y explicaran la elección de los vocalistas en las canciones específicas. En todo caso, tampoco los invitados dijeron nada, no lo sé, quizás así estuvo planeado pero se sintió más como un compromiso que un tributo a uno de los mejores vocalistas y compositores del rock en español.

Otra cosa que molestó fue la ausencia de ciertos invitados que en su lugar grabaron en audio y video su participación. Entre estas me llamó la atención que Fernando Ruíz Díaz, vocalista de Catupecu Machu, no se presentara. Explico: hace más de 10 años Catupecu, sufrió la pérdida de su bajista debido a un accidente que lo mantuvo en coma casi un año y cuando despertó perdió la movilidad de su cuerpo. En ese tiempo fue justo Zeta Bosio quien apoyó a la banda a seguir e incluso los acompañó en varios recitales. Es por esto que me emocionaba ver la participación de Fernando pero al ser grabada no tuvo la emotividad que esperaba.

Lo destacable

Entre todas las versiones que sonaron hay un par que realmente sonaron de maravilla. Primero “Trátame Suavemente” con la voz de Adrián de Babasónicos, realmente le quedó como anillo al dedo esta canción, su interpretación fue tan bella como emotiva. Por otro lado la participación de Gustavo Santaolalla fue intensa, estamos hablando de uno de los productores más importantes de la música en español y uno de los arquitectos del rock en español, desde argentina hasta México.

En fin, para concluir debo decir que el show fue bueno a secas y que lo mejor de la noche fue el público que se entregó con todo, fueron los asistentes los que realmente le rindieron tributo a Cerati, no los músicos, estos últimos solo sirvieron como vía para lograrlo y nada más.

Deap Lips comparte un cover de "The Pusher"

El proyecto colaborativo de Flaming Lips y Deap Vally comparte "The Pusher", el tercer sencillo de su álbum debut.

El año pasado Deap Vally y Flaming Lips compartieron “Hope Hell High” y “Home Thru Hell” los primeros adelantos de Deap Lips, el álbum debut de la banda que fusiona lo mejor de estas psicodélicas agrupaciones.

El material se encuentra disponible a partir del día de hoy y junto con este estreno, la banda ha decidido compartir el video del tercer corte que se desprende de esta colaboración que está bajo el sello británico, Cooking Vinyl.

The Pusher” es el nombre de este sencillo que resulta ser un cover de la agrupación californiana, Steppenwolf, responsable de éxitos como “Born To Be Wild”, “Magic Carpet Ride” y “Rock Me” por mencionar algunos.

Lindsey Troy, Julie Edwards, Wayne Coyne y Steven Drozd, logran transformar por completo esta pieza que habla sobre los peligros de cruzar el uso recreativo de drogas a algo más difícil; un experimento psicodélico que se complementa con un video que ejemplifica a la perfección los sonidos electrónicos que forman esta canción.

Flaming Lips lanzó su último álbum King’s Mouth en julio, mientras que el dúo femenino, no ha compartido mucho desde Femejism en 2016.

"Mami", lo nuevo de Mala Rodríguez

Mala Rodríguez expresa el amor que siempre yacerá en su corazón hacia el ser que le dio la vida, su mami.

Esta mañana la compositora española, Mala Rodríguez compartió su nuevo single "Mami". A diferencia de temas como "Jaguar" o "Dame Bien"Mala dio un enorme giro a la nueva melodía, mostrando a sus seguidores un lado más íntimo y melancólico, expresando cuanto extraña a su madre y cómo no tuvo mucho tiempo para convivir con ella en su niñez.

El piano es el único instrumento que acompaña a la letra de Rodríguez; y aunque es una suave melodía Mala no dejó de lado el rap y añadió ese toque que la caracteriza a la perfección justo cuando el sencillo llega al clímax.

"Mami" llegó acompañado de un sencillo visual con tonos monocromáticos dirigido por Iker Iturria. En el video se observa a Mala interpretando el tema mientras camina entre sombras y oscuridad. ¡Reprodúcela aquí!

Originalmente, María interpretó "Mami" por primera vez el pasado 12 de diciembre durante el programa nocturno de televisión español Late Motiv, siendo en un inicio una canción inédita.

La cantautora ha evolucionado en la industria musical, pues con el paso del tiempo los sonidos que acompañan sus canciones han adquirido algunos ritmos latinos, los cuales la han llevado a adquirir reconocidos premios. Hace poco menos de un mes Mala Rodríguez enseñó composición en la Academia de Operación Triunfo. Quedando impresionada con el talento que mostraron los alumnos.

Ultraísta — Sister

Ultraísta juega a edificar paisajes sonoros que se convierten en un caleidoscopio musical.

Tras ocho años de inactividad Ultraísta, la agrupación compuesta por el productor y músico Nigel Godrich (quizá lo recuerdes por ser parte medular del sonido de Radiohead); el baterista de sesión Joey Waronker (Beck, R.E.M.) y la cantante y productora inglesa Laura Bettinson (aka FEMME), regresan con Sister, su segundo material de larga duración listo para estrenarse el día de hoy vía Partisan Records.

En su debut homónimo  (Ultraísta, 2012) el trio dejó trazado un camino que experimentaba con el krautrock, la electrónica y el afrobeat; una especie de manifiesto sonoro influenciado por el arte pop, la poesía dadaísta y el cine que invitaba al baile con sus estructuras de rítmica impetuosa y el uso de sintetizadores como instrumento principal.

De esa misma veta – con la respectiva evolución y madurez que dan los años de trayectoria-, se desprende Sister, un álbum que, no solo da fe de las múltiples habilidades musicales de sus creadores, sino que nos los muestra una faceta menos rígida.

Mucho del trabajo que es posible escuchar en Sister, nació de algunas sesiones de improvisación capturadas entre Londres y Los Ángeles hace tiempo. Sesiones crudas que Godrich esculpió sin prisa y con sobrada maestría en el estudio, para crear un marco estructural en el que Laura y Joey pudieran germinar sus ideas. Como si de un cut-up (técnica creativa utilizada por los dadaístas) sonoro se tratara: Cortar, reordenar, re editar sonidos.

A lo largo de los nueve tracks que componen el disco (cuya duración apenas rebasa los 40 minutos), la premisa musical se ve claramente fundamentada a través del uso de sintetizadores texturizados, beats polirrítmicos, y la cándida voz de Laura Bettinson que, sin mucho movimiento en su rango vocal, cohesiona aquello que sucede a nivel instrumental.

Cimentándose en un esqueleto rítmico sólido, Ultraísta juega a edificar paisajes sonoros, en donde la combinación de elementos armónicos y melódicos se convierte en un caleidoscopio musical manejado con suma destreza.

Si el oído se presta a una escucha minuciosa, podrá encontrar que cada composición está llena de pequeños oasis a nivel de producción, mezcla, estructura, timbrica y armonía. Detalles exquisitos que te harán emocionarte dependiendo del nivel de tu obsesividad melómana.

La linea de bajo de “Water In My Veins”, la mezcla sonora de “Harmony” o la casi estroboscópica forma de utilizar los sintetizadores en “Mariella” por mencionar algunos ejemplos.

Sin embargo, es difícil negar que si tu escucha no es tan detallista, la atención puede distraerse sin esfuerzo, ya que al jugar con la misma formula en cada tema, los escenarios se van volviendo cada vez más imaginables, de manera que son realmente pocos los tracks generan algún sobresalto significativo.

Destacan “Tin King”  primer sencillo de Sister, en donde la influencia de los ritmos africanos va cediendo su complejidad al baile con forma avanza el tema; “Anybody” , “Ordinary Boy” y su marcada influencia radioheadesca; el synth pop de “Bumblebees” con reminiscencias a The Postal Service; y “The Moon and Mercury”. En estos dos últimos temas lo predecible da un vuelco, dibujando en el paisaje recovecos sugestivos en donde incluso la voz de Bettinson se torna más vivaz y ondulante.