Nathan Fake — Blizzards

El viaje futurista de Nathan Fake llegará al centro de tu mente con sus enérgicas vibraciones.

Suele pasar algo con las canciones emocionantes, después de oírlas en tus auriculares y llenar tu cuerpo de energía solo puedes imaginarte cómo sonarán en vivo. La intención de Nathan Fake es algo parecida en cada entrega que realiza. Ya que desde 2003 el artista y productor se ha encargado de llevar la fuerza de los conciertos en vivo a sus materiales.

Con una propuesta sonora bastante amplia y honesta es que podemos ubicar la música de Nathan Fake. Esto por que el artista se ha enfocado en crear una experiencia en vivo acorde a lo que presenta en cada disco. Es por ello que la sensación al escuchar su nuevo álbum Blizzards es de querer estar saltando junto a miles de personas dentro de un concierto.

En cada entrega el artista se arriesga a cosas nuevas, busca reinventarse, y esta ocasión no fue distinto. Primero que nada, la producción del disco corrió por sus manos, él se encargó de la edición y producción. Además un gran porcentaje de las canciones fueron grabadas en una toma. Esto con la necesidad de reflejar el dinamismo de la propuesta en vivo del británico.

"Cry Me a Blizzard" marca el comienzo del disco. Es un inicio tenso donde los ritmos sincopados crean bastante drama en combinación con los sintetizadores. Es en "Tbilisi" donde hay una explosión de energía y donde podemos comenzar a escuchar juegos de sintetizadores muy bien ordenados.

Para "Pentiamonds" el artista baja el ritmo, creando una atmósfera tranquila y avisando de la profundidad de este álbum. Esta sensación de calma se distorsiona con "Stepping Stone", uno de los temas más potentes del disco, donde vuelve a explotar la música y los sintetizadores tienen sonidos robotizados y futuristas.

La erosión del sonido

Cercanos a la mitad del disco, Nathan Fake presenta un método para hacer canciones llamado "Erosion Of Sound". Este consiste en ir agregado de a poco elementos sobre un sample hasta llegar a un punto cumbre, acto que es muy visible en "Ezekiel", "North Brink" y "Vectra", canciones que no son tan intensas, pero muestran bastantes texturas en su desarrollo.

En este punto, Blizzards se ha vuelto un viaje de introspectiva, donde los sintetizadores y las cajas de ritmo llevan la pauta para ir rápido o lento. "Firmament" y "Torch Song" son ejemplos de eso. Por momentos los matices son bajos y contemplativos, en otros son distorsionados y explosivos, los sonidos de animales permiten descansar un poco previo a la parte final.

"Eris & Dysnomia" comienza un cierre potente, donde podemos encontrar una resolución a toda la tensión creada en un inicio. Este final es más fluido y festivo, donde la montaña de emociones continúa a la alza. Finalmente en "Vitesse" termina este viaje, seguramente estamos en el futuro luego de escuchar una canción que simula el descansar de una máquina.

Como una buena película, Blizzards resuelve las emociones generadas pero te deja intrigas para volver a analizarlo. La sonoridad refleja una enorme calidad de recursos que Nathan Fake tiene a la mano dentro de su experiencia y destreza para implementar sonidos.

Disfruta del viaje al futuro, las vibraciones y la tensión de Blizzards a continuación. Este disco está disponible desde el 3 de abril a través de Cambria Instruments.

Entrevista con Sparks

Hermanos que son músicos, guionistas y verdaderos oráculos.

"Una banda adelantada a su tiempo" es usualmente una idea exagerada. Sin embargo, viendo el sendero que han trazado los hermanos Mael, podemos identificar varios momentos en los que estuvieron un paso adelante en la historia: Sparks se anticipó al new wave y al synth pop, encontró nuevas fórmulas mezclando elementos de rock y ópera, y le dio un nuevo sentido al chamber pop. 

Ahora, la banda originaria de Los Ángeles le da la bienvenida a una nueva década con nuevos y emocionantes planes: un nuevo disco, su primer película película y un documental para celebrar casi medio siglo de existencia.

A finales del 2019, Sparks anunció el lanzamiento de su álbum A Steady Drip, Drip, Drip. Ahora, a tan solo días de la fecha de publicación y con varios adelantos ya disponibles, muchos consideran que esta podría ser una de las mejores etapas del grupo.

Nuestras intenciones nunca han ido más allá de lo que queremos expresar, pero siempre es bueno saber que a la gente le gusta tu música, que le gusta lo que haces. Nosotros seguimos haciendo música porque aún hay cosas que nos inspiran, hay cosas que queremos decir, y tal vez ese es el secreto, pues cuando una idea te apasiona es más fácil que hagas las cosas bien y que todo funcione", nos comenta Russell Mael

El nuevo disco de la banda pone la mirada satírica y extravagante de los hermanos Mael sobre los tiempos que estamos viviendo y las crisis existenciales que acompañan el avance de la modernidad. Sin embargo, algunos fans han descrito algunas de las canciones como parte de su soundtrack de la cuarentena. 

"La idea de este disco fue algo inesperada. Ron y yo nos pusimos a hablar sobre las cosas que estábamos viviendo, cosas que el tiempo nos ha hecho pensar que son normales, pero que si observamos con detenimiento te das cuenta que el mundo, y todo lo que conocíamos, ha cambiado. Esa era la idea inicial, aunque todos son libres de darle su propio sentido, sobre todo en estos momentos".

Pero un nuevo disco no es el único plan de Sparks, también los hermanos Mael están muy cerca de ver su primer guión en la pantalla grande. Con dirección de Leos Carax y con Adam Driver y Marion Cotillard como protagonistas. 

"Estamos fascinados con lo que se ha hecho con 'Annette'. Leos es un gran director, es único. También nos encantó tener a Marion Cotillard y a Adam Driver. Él se ha convertido en una gran estrella y estamos muy agradecidos con que se uniera al proyecto. De hecho, para Adam fue algo difícil, pues nunca había hecho algo así. Estoy seguro de que la gente se va a sorprender con su papel y en general con la película". 

También, Sparks está por sacar un documental dirigido por el cineasta Edgar Wright. "Jamás nos pasó por la cabeza hacer un documental, de hecho fue Edgar quien nos presentó la idea. No sabíamos que le gustaba tanto nuestra música. Él se encargó casi de todo, es su visión sobre la banda. Creo que lo único que puedo decir es que tiene invitados que fueron una gran sorpresa y que hay varias imágenes de nuestra visita a México y el show de Corona Capital. Ese concierto fue una experiencia muy especial y queríamos tenerla en el documental".

Por último, Russell Mael nos compartió su experiencia en cuarentena y lo que piensa que pasará con el mundo luego de esta crisis. 

"Trató de mantener mi mente ocupada, creo que eso es lo mejor para la salud mental. Pero también he pensado mucho en lo que pasará cuando esto acabe. Durante todas estas semanas, hemos visto grandes actos de solidaridad, pero también nuestra mirada se ha transformado, vemos problemas donde pensamos que no los había y nos cuestionamos más. Todo esto me ha hecho creer que estamos en un momento de cambio, una etapa para que los humanos sean más humanos".

Austra — HiRUDiN

HiRUDiN: Las sanguijuelas emocionales y las relaciones destructivas en un pop incierto.

El hirudin o hirudina es una sustancia que segregan cierto tipo de sanguijuelas también conocidas como “hirudíneos”. A estos animales babosos, viscosos y de aspecto asqueroso, se les da un uso medicinal, la sustancia que producen se emplea como un anticoagulante. Los bichos lo usan de forma natural para que la sangre de su “víctima” no se coagule y ellos puedan continuar alimentándose. En las relaciones entre individuos también pueden existir sanguijuelas adheridas a la piel, a la mente, al alma, succionando lo mejor del otro, acabándolo mientras ellos extienden sus latidos. Con un poco de imaginación les podemos encontrar un uso medicinal a estos vínculos, ayudan a autodescubrirnos en muchas facetas, desde el daño que podemos crear o el límite que podemos tolerar. Una experiencia que funciona como anticoagulante emocional para que podamos seguir existiendo, aprendiendo de los “errores”. El cuarto álbum de Austra que se titula como el anticoagulante, HiRUDiN, está construido abiertamente a partir de historias sobre una relación malsana que terminó en ruptura. 

El álbum más íntimo del núcleo del proyecto canadiense, Katie Stelmanis, es el más incierto, en el que su pop robusto y artístico pierde sentido al deambular en ambientes aleatorios. El trayecto de la compositora ha sido de mudanzas. “Me he mudado seis veces en los últimos cinco años”, nos cuenta en “How Did You Know?”. Los cambios han sido en diferentes ámbitos; de ubicación, Canadá, México, España, Inglaterra; de integrantes, con una alineación que ha ido cambiando en los cuatro álbumes y dos EPs que ha publicado; y de sonido, del dark wave al new wave, del synth pop al dance pop. En la última entrega el sonido se diluye en un art - pop que ella trabaja con ahínco pero que deja de lado lo mejor que tenía, una propuesta efectiva de pop sobre el que giraba todo el álbum, en donde la voz se sumergía en ritmos interesantes, en percusiones atractivas y en sintetizadores dinámicos. Si en Future Politics el concepto musical potenciaba el concepto temático, en HiRUDiN, la música introspectiva en la mayoría de los tema arrastra a las letras al olvido. 

“Anywayz”, “Your Family”, “Risk It” y “I Am Not Waiting” son canciones en donde esa búsqueda de introspección engrana con la instrumentación y la composición de un alma herida. En “Your Family” expresa el miedo de reconocer ante la familia de su pareja que tienen una relación homosexual. Lo brillante no solo es la profundidad en líneas elementales, sino la composición. En poco menos de dos minutos, la voz de Stelmanis es una sanguijuela que se clava en la piel hasta exprimir las inseguridades, las palabras luchan contra sí, se enciman las sílabas; la base es un sintentizador vibratorio que se mueve como las ondas que se forman en el agua, en capas y pausadas. “Risk It”, nuevamente la voz, ese instrumento de Austra que persigue, que acosa, que inquieta, un agudo deformado en el coro. Ansiedad en extremo. “No me arriesgaría, me siento avergonzada, me siento culpable de buscarte sin fin”. Los sonidos electrónicos y las percusiones constantes del coro quedan en un segundo plano.

Hay dos aciertos en este proyecto, el primero es la búsqueda de la composición más allá de los géneros. Ningún álbum se parece a otro. El segundo, es ambicionar un sonido más rico en elementos; si al principio eran líneas electrónicas elementales y una potente batería, ahora es difícil reconocer el entramado sonoro. No hay un dominio de algún instrumento, no podríamos reconocer el sonido a partir del bajo o la batería. Lo que persigue su creadora es el sentimiento. La voz que es lo más constante se muestra distinta, ya sea atacando, quebrando, extendiendo o introduciéndose en la canción. En los mejores momentos potencia al tema. “I Am Not Waiting”, por ejemplo. Un dance pop que pasa intrascendente en su primer minuto, hasta el coro, cuando la voz comienza a prolongarse fantasmalmente impulsada por el bajo y una línea de synth.

HiRUDiN es un anticoagulante de poca potencia, lo que prometía ser uno de los álbumes mejor logrados de Austra partir de los sencillos publicados, resultó ser un trabajo por debajo de su debut, la contundencia se pierde en lo “artístico”, en temas intrascendentes y poco atractivos como “All I Wanted”, “It’s Amazing” o “Messiah”, sin contar que dos son transiciones de menos de un minuto. Nos queda el relato, la apertura de su mundo interno, la reflexión sobre aquellas sanguijuelas que succionan nuestra sangre, se llevan nuestras emociones y nos dejan malheridos...

Cut Copy presenta la canción “Love Is All We Share”

Luego de tres años sin nueva música, por fin regresa Cut Copy con un alucinante sencillo.

Fue en 2017 la última vez que tuvimos nueva música de Cut Copy, esto con el lanzamiento de su disco Haiku From Zero. Pero recientemente la agrupación de Australia reaparece con "Love Is All We Share", tema que significa una nueva cara frente al futuro.

Para este nuevo tema la agrupación se desprende de los ritmos bailables y crea una experiencia contemplativa y atmosférica. El uso de pocos elementos es notorio, ya que con sofisticados sintetizadores y una batería suave es como se mueve la canción.

'Love Is All We Share' fue escrita hace un año sobre las ansiedades de los tiempos futuros imaginados, a medida que la tecnología se vuelve más absorbente. Pero a la luz de los acontecimientos recientes, la canción adquirió un significado misterioso. Ahora, con nuestro futuro inmediato incierto y las personas en todo el mundo autoaisladas, 'amar' más que nunca, se siente como una de las mejores cosas que podemos compartir", señaló David Whitford.

Es una canción emocionante y llena de pasión. Este tema te recuerda que es fácil sentir el amor dentro de ti, solo hay que poner atención.

Te invitamos a ver el video musical dirigido por Takeshi Murata, donde la intención es que la canción tome un rol meditativo con las burbujas como representación de la sensibilidad humana. Dale play aquí abajo.

Cut Copy se encuentra preparando su regreso con un nuevo disco y tour para la segunda mitad del año, te invitamos a seguirle la pista en Indie Rocks!.

A 50 años del 'Let It Be' de The Beatles

Let It Be… ¿Desnudo o vestido?

¿Por qué me dejas parado aquí? Dime cuál es el camino. "The Long and Winding Road", languidece con estas afligidas líneas que ensombrecerían un azaroso presagio en las agrestes veredas que predestinados caminaban John, Paul, George y Ringo.    

El último disco de estudio lanzado al mercado por The Beatles, Let it Be, estuvo en los británicos estantes el 8 de mayo de 1970 e inició sesiones de grabación en 1969, antes que el Abbey Road, portada de peatonal imagen que auguraba los diversos caminos que la banda tomaría meses después, al cruce con Grove End. 

Antes del definitivo y lacrado título de Let it Be, tuvo el primigenio nombre de Get Back, sesiones que serían acompañadas por una inseparable filmación que devendría en un íntimo documental del mismo nombre. La grupal resolución fue lanzarlos simultáneamente.

Las entonces nombradas Get Back Sessions tuvieron dos períodos. Los primeros acalorados ensayos se realizaron en los fríos estudios Twickenham del 2 al 14 de enero de 1969¹. Tras subsecuentes fricciones que evolucionarían en la disolución de la banda, surge el primer temporal rompimiento, del año, George Harrison abandona al grupo el 10 de enero². Para conciliar su regreso se acuerda mudar la base sónica. Los cuatro impetuosos reinician el 21 en los célebres Apple Studios, propiedad del cuarteto de Liverpool. El 31 concluyen sesiones y rodaje³

En estricto sentido productor, este es el disco más controversial de The Beatles. Cansados de sí mismos, con extenuantes 29 horas de cinta grabadas⁴, por primera vez no intervienen en las determinantes mezclas. Encargan al ingeniero de sonido Glyn Johns, realice la faena. Entusiasmado prepara dos apasionadas versiones, ambas desechadas⁵. Mientras la post producción fílmica concluía su infinita labor, The Fab Four retoman en abril el estudio para dar forma al Abbey Road, terminado en agosto y puesto a la venta en septiembre. Se resuelve que el disco aún designado Get Back deberá incluir el mismo listado de canciones que el del documental. En enero de 1970 ofrecen una tercera oportunidad a Glyn, no sería la vencida⁶. El 23 de marzo, con la venia de Harrison y Lennon, el productor Phil Spector se hace cargo de la edición y mezcla finales. El 9 de abril Paul telefonea a John haciéndole saber que dejará la banda⁸. El 10 de abril, en el Daily Mirror, anuncia su separación de The Beatles. El 17 de ese mes saldría a la venta el primer disco solista de McCartney. Ninguneado por el hartazgo y con un nuevo nombre, el 8 de mayo suena en los hogares británicos el Let it Be. El 13 se llevó a cabo la premiere mundial del documental en Nueva York¹⁰.

33 años después, por aguardada iniciativa de Sir Paul, Let it Be es remezclado una vez más, el resultado, Let it Be… Naked, las mismas dieciséis pistas con arraigados y removidos tratamientos.  

Las entonces nombradas Get Back Sessions, ejecutadas hace más de medio siglo, ofrecerían definitorios sucesos. El 30 de enero de 1969, es la fecha del último rememorado concierto del cuarteto de Liverpool, el recapitulado espectáculo tuvo como audiencia a fortuitos peatones de la calle Savile Row, en el número tres, en la azotea de los Apple Studios, The Beatles, fastuosos, se mostraban públicamente por última vez como banda. Perpetuarían entre otras canciones, "Get Back", "Don´t let Me Down" y "I´ve Got a Feeling", incluidas en el Let it Be. En esta tríada de composiciones, el versado órgano de Billy Preston curte los rocanroleros sonidos de los fabulosos cuatro. Diversos arreglos colmaron estas sesiones, entre ellas, "Bésame mucho"¹¹.

Algunas de las obras que eternamente surcarán los vinilos de este disco, son, "Two of Us", surgida de una fijación infantil de Linda McCartney¹² que Paul transformó como letra de canción. "Across the Universe", nace tras una discusión de Lennon con su primera esposa¹³, Cynthia Powell. Harrison, autor de "I Me Mine", describe que el carácter de la pieza versa sobre el yo egoísta¹⁴. Y Let it Be, inspirada en la madre de Paul McCartney, de nombre Mary, quien murió de cáncer cuando él tenía catorce años¹⁵.

   Con la infortunada mano perdida. La suerte no solo estaba echada, padecía y flaqueaba resignada a su fatal destino. The Beatles apartaban, entre sí la chispa y, estaban por emprender el largo y sinuoso camino, solos.

 

 

Notas:
¹ The Beatles Bible. 
², ³ The Beatles Bible.
⁴, ⁸, ⁹, ¹², ¹³, ¹⁴ Badman, K. (2009) The Beatles: Off The Record 2 – The Drea mis Over: Off the Record. Omnibus Press, London. 
The Beatles Bible.
⁶, ⁷ The Beatles Bible
¹⁰ The Beatles Bible.
¹¹ The Beatles Bible.
¹⁵ James, C. (2020, 13 de abril) The sad story behind The Beatles`Let It Be.

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos esta selección de los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!

Este 2020 llega con mucha nueva música, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 4 al 10 de mayo del 2020. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana.

Estos días difíciles y desolados tuvimos canciones como “Hero” de Weezer, su nueva canción en la que manda un mensaje de agradecimiento a todos el personal que ha dado frente a la pandemia del coronavirus; "Nydia" de Buscabulla, una nueva canción que está inspirada en la actriz y cantante neoyorquina de los años 70, Nydia Caro. Personalidad que desde joven trabajó y se volvió un referente artístico en Puerto Rico, tierra originaria del dúo; "A Hero's Death" del nuevo material discográfico de Fontaines D.C., un tema que muestra un sonido oscuro y entretenido con sus arreglos de voces y guitarras en conjunto; y mucho, mucho más.

Escucha estos y muchos otros en nuestra nueva playlist de novedades.

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“Los Abrazos Prohibidos”, el nuevo tema de Vetusta Morla

Vetusta Morla y decenas de artistas invitados le rinden homenaje al personal médico en una conmovedora canción.

La agrupación de Tres Cantos, Madrid estrenó recientemente un nuevo sencillo. Este lleva por nombre "Los Abrazos Prohibidos" y surge con la intención de rendir un homenaje al personal médico por su labor ante la pandemia. Acompañando a Vetusta Morla, decenas de artistas en su mayoría de España participan con distintos juegos de voces.

Es de esta manera que podemos escuchar a artistas como Joaquín Sabina, Carlotta Cosials de Hinds, Santi Balmes de Love Of Lesbian, Kase.O, Depedro, Alice Wonder, Xoél López, Leiva, Nacho Vegas y demás artistas desarrollar una canción emocionante y dramática. El mensaje es sencillo, hacer ver la gran labor de los trabajadores de la salud no solo en esta crisis. También homenajear a "los que hacen del trabajo sucio la labor más hermosa del mundo".

Musicalmente es una tema que va creando tensión, con una guitarra acústica que se va complementando con sintetizadores y una batería que cambia constantemente. Este tema fue compuesto por Guillermo Galván en las primeras semanas de cuarentena, posteriormente los invitados añadieron sus voces hasta llegar al resultado de hoy.

Te invitamos a disfrutar de este tema y su video musical, donde podemos ver a los artistas y al personal médico en momentos de tensión y aplausos.

Vetusta Morla ha tenido que posponer el lanzamiento de su próximo disco MSDL - Canciones Dentro de Canciones. Este llegará el próximo 22 de mayo vía Pequeño Salto Mortal, te invitamos a pre-ordenarlo dando clic en su portada.

Jon Hopkins presenta “Singing Bowl (Ascension)”

La nueva canción de Jon Hopkins tiene la intención de hacerte meditar y dejar el estrés en estos días de cuarentena.

Recientemente Spotify lanzó una playlist de 24 horas con canciones para meditar y relajarse. La sorpresa de esta lista de temas era un estreno del artista y productor inglés Jon Hopkins. Este tema lleva por nombre "Singing Bowl (Ascension)" y está destinada para relajarse durante la pandemia.

Como mucha gente, me sentí bastante paralizado por esta situación cuando se desplegó. Todos mis planes para el año se cancelaron, y todo se sintió raro y como de sueño. Pero gradualmente me di cuenta que quería crear algo, encontrar paz y perspectiva a través de hacer música, como siempre lo he hecho", comenta Jon sobre la intención de crear este tema.

La experiencia sonora es única, ya que el artista grabó una serie de secuencias de un cuenco de más de cien años de antigüedad. Los sonidos fueron transferidos a una laptop y se les dio mayor profundidad para después utilizar una herramienta de samples y así establecer su sonido. Los cuencos son conocidos por su influencia tibetana para hacer música relajante, su sencillez es la característica más importante.

Se sintió hermosamente puro usar solo una fuente de sonido acústica y nada de sintes. Fue liberador escribir algo sin tocar nada en el teclado para evitar la conocida escala diatónica por primera vez, y así evitar cualquiera de mis hábitos condicionados al tocar", señaló el artista.

Disfruta de esta nueva canción aquí abajo y ten un buen rato de relajación con su interesante atmósfera.

Beth Ditto y Earl St. Clair en el nuevo single de Jacknife Lee

El nuevo sencillo de Jacknife Lee, "I'm Getting Tired", incluye aportaciones de Beth Ditto y Earl St. Clair.

Tras haber compartido "Made It Weird" al lado de Open Mike Eagle, primer sencillo de lo que será su siguiente disco, The Jacknife Lee, el artista publicó un nuevo adelanto titulado "I'm Getting Tired". En esta ocasión, está acompañado de Beth Ditto (Gossip) y Earl St. Clair.

El track llega con su clip oficial, el cual es una edición de metraje tomado de noticieros y varios videos caseros distorsionados con color naranja y amarillo. Esto refleja el hartazgo de los artistas con el ambiente político y social que se vive actualmente gracias a temas como el Brexit, Coronavirus y el gobierno de Trump.

Lee también comentó que Earl St. Clair supo reflejar la frustración que se respira en los Estados Unidos con su voz y letras. Mientras que, acerca de trabajar con Beth Ditto declaró que es una de las voces más conmovedoras de nuestros tiempos y que gracias a ella esta canción se convirtió en algo realmente especial.

The Jacknife Lee será el primer álbum que publique el músico desde 2007. También tendrá colaboraciones con Sneaks y Haviah Mighty, Aloe Blacc, Genesis Owusu y más. Estará disponible a partir del 26 de junio a través de Ski Records. Escucha "I'm Getting So Tired" reproduciendo su video oficial a continuación.

Gianluca presenta su nuevo sencillo “Chainz”

El príncipe del trap chileno, Gianluca, estrena canción con todo y video.

En octubre del año pasado el DJ y productor nacido en Santiago, Chile, Gianluca, dio inicio a su primera gira internacional con presentaciones en distintas ciudades de países como Estados Unidos, España, México y Canadá, lugar donde el músico creó el sencillo que nos presenta el día de hoy y que lleva por nombre, “Chainz”.

De acuerdo a información compartida en un comunicado de prensa, el tema cuenta con la participación del destacado productor canadiense Jaegen, personaje del cual Gianluca confiesa ser un gran seguidor desde antes de que el cantante de 23 años comenzara a su trayectoria musical.

Sigo a Jaegen desde antes de empezar a cantar. Conectar con él es algo muy especial para mí. Por la energía que tiene se convirtió en una de mis favoritas. Habla de mi pasado y mi presente, de motivaciones y superación. Me gusta el concepto de valer más que las cosas materiales, las cadenas en este caso”.

La canción llega con un visual en 3D dirigido por Brooklyn Films y animado por Blahblahblasfemia, donde podemos observar a un avatar de Gianluca recorriendo un mundo virtual, mientras se encuentra con sus prioridades más personales. Dale play a continuación:

De acuerdo a declaraciones de la directora de Brooklyn Films, el clip originalmente estaba pensado para ser grabado en terreno con locaciones pero debido a la contingencia mundial provocada por el coronavirus, el cantante autorizó la idea de trabajar la misma idea pero en un formato 3D.

Fue complicado trabajar a distancia pero el resultado nos gustó y quedó como lo teníamos pensado desde un principio", comentó Francisca Matus a través de un comunicado.