Stereophonics — Oochya!

Rockeando al estilo británico con Oochya!, el nuevo álbum de Stereophonics.

La banda galesa de rock alternativo regresa después de casi tres años con nuevo LP, para ser exactos, con su duodécimo álbum de estudio, al que los cuatro integrantes decidieron llamarlo Oochya! Originalmente comenzó su creación cuando la banda estaba planeando una compilación para su 25 aniversario, algo que terminó en un disco de 15 tracks.

El nuevo álbum sigue conservando el estilo del rock británico del que la banda se caracteriza, pero con canciones más uptempo si las comparamos con las presentadas en Kind, su anterior material discográfico lanzado en el 2019.

Una vez que comienzas a escuchar el playlist, no hay vuelta atrás, porque sea cual sea la canción que Stereophonics presente en este álbum, lo hace con la constante presencia de la guitarra eléctrica o acústica, dejando en evidencia exquisitos temas como “Close Enough To Drive Home” o “When You See It”. También encontrarás algunos donde parte del instrumento principal es el piano, tal es el caso de “Every Dog Has Its Day”, quizá con un nombre curioso inspirado en el proverbio inglés pero que sin duda te animará a tomar las cosas day by day, o si hablamos de “All I Have Is You” con un cierre excepcional de guitarra y batería que harán vibrar aquellos recuerdos de la que fue tu persona especial.

Do Ya Feel My Love?” fue lanzado como el segundo sencillo en noviembre de 2021, pero sabrás muy bien que al escucharlo nunca va a pasar de moda porque, ¿Cuántos de nosotros alguna vez hemos dado todo nuestro amor?

Stereophonics sabía muy bien lo que necesitábamos escuchar después de la situación con la pandemia, así que lo demostró con este álbum y sus temas sobre el amor, las pérdidas, los amigos, hasta la importancia de serendipias que llegan a sucedernos, y que todo lo que pase en la vida es parte de ella, incluso Kelly Jones, vocalista principal, comentó en una entrevista: "Es un disco bastante emotivo. A veces es muy nostálgico. Todo el álbum es melódico.”

Entre sus 15 canciones podrás disfrutar algunas con un modo más indie rock e inclusive country, pero sin defraudar el buen gusto por la música. Evidentemente este LP muestra diversos estilos de la banda pero que cada uno seguro se adecuará al mood que tengas.

Nestter Donuts — Flamenco Trash

La elegancia del flamenco con el salvajismo del punk en un álbum que combina a Pedro Almodóvar con John Waters.

Dentro de la música se afirma con frecuencia que ya todo está hecho. Se piensa que es imposible innovar o crear un sonido nuevo en la actualidad. Tal vez sea verdad pero después de escuchar a Nestter Donuts es posible cambiar de opinión. Este joven multiinstrumentista español se propuso combinar dos estilos que muchos consideran antagonistas. Su misión fue lograr un matrimonio perfecto entre el punk y el flamenco, ¿pero acaso lo consiguió?

Al nacer en Alicante es natural que desde su niñez conoció la música popular española. Por herencia de sus padres sus tardes transcurrieron entre discos de cantaores como Enrique Morente y Lola Flores. Para alguien de su latitud es algo tan normal como el mariachi para los mexicanos.

Fue en la adolescencia cuando llegó el género que cambiaría para siempre la vida del músico: el punk. Desde entonces se hizo aficionado a los sonidos salvajes y rudimentarios ejecutados a máxima velocidad. La actitud rebelde la mantiene hasta nuestros días aunque ahora su visión del mundo es distinta.

Por su parte, conforme transcurrieron los años mantuvo su pasión por ambos estilos. Debido a lo complicado que fue encontrar a otras personas con sus mismas pasiones para crear un proyecto musical, lo natural fue empezar solo. De esta manera surgió la idea de convertirse en one-man-band para ejecutar todos los instrumentos al mismo tiempo. Cuando se tiene la suficiente perseverancia nunca hay barreras para avanzar.

Ahora bien, la siguiente dificultad fue encontrar una disquera lo suficiente valiente para publicar el primer álbum de Nestter Donuts. La misión no fue sencilla pero apareció el sello suizo Voodoo Rhythm Records para concretar esta peculiar combinación. Su lema siempre ha sido Music to Ruin Any Party y aquí lo demuestra.

El resultado se divide en 14 piezas con toda la fiereza del garage y punk pero con el corazón del flamenco. Se trata de un nuevo estilo que pocas veces se había escuchado con anterioridad pero el sonido es bastante aceptable. Para decirlo de forma clara, es como escuchar al mismo tiempo el soundtrack de una película de Pedro Almodóvar y otra de John Waters.

Desde finales del año pasado se pudo escuchar como primer adelanto “Infección” en la compilación Voodoo Rhythm Label Compilation Vol. 5. Consiste en una pieza de espíritu punk con un ritmo machaqueante que desde el primer instante queda tatuado en el inconsciente. Mientras que los agudos gritos rememoran a los cánticos españoles. En teoría la unión parecía imposible pero en la práctica sí se consiguió.

Por otra parte, “Cocaína” es una acelerada composición de poco menos de un minuto que recuerda al demente de Hasil Adkins. Su primitiva batería es una invitación a la locura y el desenfreno. Mientras que “Elvis Presley” es un homenaje al cantante pionero del rock & roll con una imitación de su grandilocuente voz. Pero aunque contiene un lento inicio, de forma paulatina aumenta en intensidad hasta transformarse en un tornado musical.

Dentro de esta avalancha de sonidos destaca “Mamba Jovencita” gracias a la incorporación de un teclado que aporta fuertes dosis de psicodelia. En tanto que “Die Torero” es un cántico en contra de la tauromaquia pero también sorprende por la ambientación al estilo de un spaghetti western como los de la dupla Leone-Morricone.

El universo sonoro es demasiado amplio aunque por desgracia muchos de los músicos actuales han caído en la copia y la repetición de fórmulas. Por eso, el ingenio de Nestter Donuts para ofrecer algo distinto a los demás adquiere relevancia. Su primer disco es la confirmación de que no todo está escrito porque todavía se puede aspirar a crear algo diferente y vanguardista.

Entrevista con Porter

Un viaje al pasado a través del presente.

Después de las batallas internas viene la larga búsqueda de un nuevo camino, se presenta la oportunidad para renovarnos inmersos en un viaje infinito de auto descubrimiento para encontrarnos a nosotros mismos y realmente esa pesquisa nunca termina, se vuelve incierta, se convierte en una historia sin fin. Sin querer Porter se ha embarcado en una travesía mágica llena de casualidades y situaciones que giran en torno a su nueva producción.

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La Historia Sin Fin es la quinta producción de la banda mexicana la cual nos sumerge en las múltiples facetas en las que Porter ha trabajado a lo largo de su carrera. Y es que si nos ponemos a analizar el disco nos encontramos con ese “Ranchito” semejante a “Kiosko”, el pop duro del Atemahawke se hace presente con “Sol@”, la irreverencia de Donde Los Ponys Pastan reflejada en “Tx8” y los nuevos sonidos de “Guirnalda” da como resultado un homenaje a lo que Porter ha sido, un viaje al pasado a través del presente.

La historia sin fin es esa búsqueda de no querer que se acabe esta banda, Las Batallas fue un proceso muy difícil para todos y es partir de ¿Cómo le hacemos para seguir?, entonces este disco es como un punto de partida para lo que se viene, es un resumen de Porter, es revisitar todo lo que hemos hecho y darnos un respiro con la tranquilidad de no tener que sacar un disco conceptual", comentó Villor.

La Historia Sin Fin nace a partir de un viaje creativo a Chapala en donde surgieron canciones como “Cachito de Galaxia” y “Guirnalda”. La situación y el contexto social en el que nos encontrábamos como humanidad por la pandemia hizo que las cosas se acomodaran a la perfección para la banda, lo que los llevo a poder exprimir de lleno toda esa creatividad, logrando un proceso creativo totalmente orgánico.

Para este disco Porter realizó el doble de temas en comparación a sus producciones pasadas, tomándose la oportunidad de realizar un proceso de selección de canciones con la finalidad de elegir los temas que iban más a ad hoc con lo que la banda quería comunicar.

Fue muy loco de repente tener el disco listo desde hace un año y por cuestión de otras cosas, te tienes que esperar. Hubo mucho tiempo para revisar el disco una y otra vez, fue sumamente difícil soltar las canciones y decidir hasta donde ya no meterle mano a cada tema”, mencionó David.

La Historia Sin Fin trae consigo una atmósfera llena de cosas curiosas para Porter, la vibra que gira en torno al disco ha acogido de manera positiva a cada uno de los integrantes, envolviéndolos en un manto donde logran cerrar círculos negativos con fantasmas de su pasado, dando una apertura a una nueva percepción que les ha dado la oportunidad de lograr a superarse así mismos como individuos y sentir una liberación plena.

Es el quinto disco y justo nos encontramos en el quinto septeno de nuestras vidas, nos encontramos en esta etapa en donde estamos regresando a lo que fuimos cuando comenzábamos a tocar nuestras primeras canciones, es nuestro reset como banda”, comentó Fernando.

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Como parte de la exploración de los nuevos sonidos del disco percibidos en canciones como “Guirnalda”, la banda mexicana ha decidido experimentar por primera vez una colaboración dentro de su discografía de la mano de la cantante y ex integrante del grupo Mecano, Ana Torroja, quien colabora para la canción “Cachito de Galaxia”.

Aprovechando la esencia de la música ochentera y retomando la influencia que Mecano tiene en Porter, se fue concretando a que fuera Ana Torroja quien diera su voz para dar esta justificación artística, empujando la canción hacia un plus místico y cósmico, suavizando el mensaje político que tiene el tema.

Nunca nos había gustado el trasfondo comercial que tiene realizar un feat, pero en este disco llegó el abrirnos a esta posibilidad de realizar uno pero encontrar la justificación de hacerlo desde nuestra perspectiva de manera artística y la forma artística fue hacerlo con Ana, quien perteneció a una banda que fue de gran influencia para nosotros”, comenta Bacter.

El trabajo, la superación de fortuitos, el amor y las ganas de crear música ha llevado a Porter a colocarse como una de las bandas más importantes de la escena nacional. Su nueva producción les ha abierto las puertas de uno de los escenarios más importantes de México, el Auditorio Nacional en donde estarán presentando este 27 de mayo su quinto álbum de estudio y en donde celebrarán también el lanzamiento físico de La Historia Sin Fin.

 

Vicente Jáuregui comparte su sencillo, “¿Por qué te vas?”

La hipnosis de la psicodelia.

Vicente Jáuregui, regresa para presentarnos el sencillo “¿Por qué te vas?”, perteneciente a su proyecto como solista y que se une a la lista de sencillos lanzados para presentar su próximo álbum, Petricor, que llegará vía el sello Casete. Este track llega con un material visual que termina de construir la esencia del mismo.

Jáuregui nos estrega un sonido interesante y que nos hunde en las sensaciones generadas por la nostalgia, ya que su estilo psicodélico nos revive recuerdos sensoriales como si se tratara de algo que hemos escuchado antes, pero los matices hipnóticos, junto a la voz de Vicente, se encargan de completar el viaje sonoro hacia algo fresco lleno de vibras retro.

El video, dirigido por Ramón Cerrilla nos presenta una vibra que nos recuerda al estilo visual de Manolo Caro y con escenas sencillas que muestran a una chica a punto de perder la cordura, interpretada por Dharma Shayl, cantando para su reflejo y para ella misma, mientras se prepara para tomar un baño en lo que pareciera sangre. Este video termina de completar la estética del sencillo y le brinda un toque cinematográfico a toda la experiencia. Mira el video aquí:

El género psicodélico sigue sonando de manera muy fuerte dentro de la escena mexicana e hispana, lo que permite la experimentación dentro del género y la aparición de proyectos de calidad como el trabajo de Vicente. El álbum Petricor, llegará este mismo año y en Indie Rocks! te mantendremos actualizado con las noticias del artista.

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Disfruta con nosotros del IG Live con Walter Esaú

No es mentira cuando decimos que disfrutaras del IG Live con Walter Esaú.

Uno de los cantautores más vibrantes del underground mexicano, Walter Esaú, nos presenta su sencillo “Mentiroso”, extraído de su nuevo disco  que muy pronto podremos disfrutar. 

‘Mentiroso’ es una canción que habla de cómo una mentira puede convertirse en un incendio: ese momento en que estás quemándote por dentro, pero por fuera pretendes que todo está bien. También habla sobre el bálsamo que puede llegar a ser evadir la realidad porque a veces vivir en fantasía es más sencillo: la mentira como un escudo protector que inevitablemente se consumirá en su propio fuego”, explica el artista en un comunicado de prensa.

 Para descubrir más de lo que el solista michoacano nos tiene preparado te invitamos a unirte al IG Live que tendremos este próximo 16 de marzo a partir de las 14:00 H (hora del centro) a través de Indie Rocks!.

No olvides entrar puntual al live para que no te pierdas ningún detalle de esta charla y puedas participar con saludos o preguntas sobre su nuevo proyecto musical.

Por el momento te dejamos disfrutar de "Mentiroso" un single que bien podrías dedicarle a tu ex.

 

 

A Place To Bury Strangers presenta el video de “My Head is Bleeding”

Un gran sencillo mejorado con las texturas de lo grotesco y desconocido.

A casi un mes del lanzamiento de su mas reciente álbum See Through You, Oliver Ackermann y A Place to Bury Strangers siguen dando alegrías a sus fans y esta vez nos entregan un material visual de su sencillo “My Head is Bleeding” lo que demuestra el buen momento creativo por el que esta pasando la agrupación.

El material es dirigido por Travis Stevens, director conocido por su trabajo en el cine de terror y gore serie B y también por ser productor en películas de nicho cómo la irrealizada Duna de Jodorowsky, así que el director era el indicado para transmitir las sensaciones de misterio y pánico que se pueden percibir en el sencillo.

El material nos presenta una trama sencilla, alarmante y a blanco y negro, sobre una persona manejando una van que pareciera estar escapando de algo, mientras lleva una carga misteriosa y grotesca en la parte trasera. El video avanza entre las escenas de la camioneta y su carga, con apariciones esporádicas de la banda interpretando el tema, en forma de doble exposición, y llega a un momento en el que las texturas de la carga se vuelven protagonistas, llenando el material de imágenes grotescas que complementan al track de muy buena manera.

Puedes ver el video aquí:

La banda comenzará una gira por Europa y El Reino Unido, aprovechando todo el empuje que les ha otorgado este nuevo álbum y esperamos sigan con la creatividad al máximo, que los principales beneficiados, siempre seremos nosotros, los fans.

 

Biznaga presenta “La escuela nocturna”

Una adaptación libre del poema, Oda a un ruiseñor.

Al poco tiempo de estrenar “Contra mi generación” y “Domingo especialmente triste”, la banda de punk rock originaria de Madrid, Biznaga llega con “La escuela nocturna”, el tercer sencillo de su próximo álbum llamado Bremen no existe, el cual está bajo el sello discográfico Montgrí y se estrenará el 22 de abril de este año.

De principio a fin “La escuela nocturna”, es una traducción/adaptación muy libre de Oda a un ruiseñor, un poema en donde John Keats quiere alejarse del mundo para huir del hastío y la angustia. Es por eso que los integrantes de Biznaga definen a esta canción como:

Una serenata hauntológica para todos esos espíritus, sin edad ni sueño, que vagan perdidos por las periferias de la noche. Una oda electrificada a la marginalidad, que durante cuatro minutos canta sobre luchadores y bailarines, suicidados de la sociedad por amor al fuego".

Dentro de lo musical, la banda madrileña se refiere a ella como una de las piezas más exuberantes que han compuesto nunca, pues abunda en arreglos iniciando con un ritmo de batería casi drum’n bass, para que el resultado final sea una amalgama de teclados, líneas de bajo estilo Dexy’s, guitarras románticas y una voz tan melódica como peleona.

Este nuevo single que es tan coreable como bailable por su ritmo acelerado viene acompañado de un lyric video realizado en colaboración con Biznaga y Raúl Pérez, y el diseño de Karen Else, con el cual se espera resaltar la gran relevancia que tienen las letras de su música y su capacidad para comunicar de manera clara y directa sus ideas ya que se atreven a salir de su zona de confort para lograr resultados excelentes. 

Biznaga se estará presentando en conciertos de su propia gira  y en distintos festivales iniciando en México el 20 de marzo en el Vive Latino, el 26 de junio en el Mallorca Live Fest, el 15 de julio en el Rockland Art Fest, entre otros.

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Nuevos discos marzo 2022

Después de atravesar semanas caóticas y con mucha variedad musical, la mitad del mes llega con pocos lanzamientos. En esta ocasión nos dimos la tarea de rebuscar y rescatar discos que valen la pena ser escuchados. Te los presentamos a continuación.

The Mysterines — Reeling

The Mysterines Reeling

Por Blues Araiza

Reeling, lanzado vía Universal Music, llega como primer fruto de la semilla hard sound plantada por los ingleses hace poco más de tres años. Liderados por Lia Metcalfe, The Mysterines entrega un debut de cuerdas en overdrive, bajos profundos y la potencia melódica de coro en stack guiada por el resonar en las calles de su natal Liverpool.

La ferocidad del LP se ve nutrida por las múltiples influencias de blues, western y folk crudo develado al correr del setlist, dejándonos con la sensación de intensidad armónica corriendo entre vena y vena. ¡Escúchalo aquí!

绝对纯洁 [Absolute Purity] — We Fought Over The Moon

绝对纯洁 [Absolute Purity] — We Fought Over The Moon

Por Monserrat García

“Fuerza feroz y extrema, con gotas de inocencia poética y desesperación”, así es como la banda originaria de Shanghai describe su proyecto, y vaya que utiliza las palabras correctas. Con 10 tracks y poco más de 36 minutos, el álbum con el que debuta Absolute Purity es un tremendo sube y baja de ruido, emociones y explosiones neuronales que te ponen a bailar al mismo tiempo que te brindan la calma necesaria para descansar y repetir el circuito que arma poco a poco. Si estás listo para darte este nuevo material, disfrútalo aquí.

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Widowspeak The Jacket

Por Cynthia Flores

 Molly Hamilton y Robert Earl Thomas son el dúo de Brooklyn que llega, en esta sexta entrega de su carrera, con una brillante mezcla de cálidos tracks presentados por Captured Tacks. En ellos redescubren el dream pop noventero (Mazzy Star) con la psicodelia y rock suave que impregnan los riffs rasposos y suaves a la vez. La voz de Molly es pegajosa y sutil en cada una de las 10 canciones donde habla de la historia de una banda ficticia que a lo largo del proceso de composición se vuelve autorreferencial a propósito. Habla del absurdo del ego, la codependencia y las visiones compartidas incluso cuando se celebran. Ciudades americanas al anochecer, destellos del camino abierto, oscuros bares y backstage donde las cosas se dejan atrás. ¡Disfrútalo aquí!

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BALTHVS Cause & Effect 

Por Ana Rodríguez

La música psicodélica tiene esa particularidad de ser versátil. Si sabes jugar con ella, puedes transmitir ciertas emociones y de igual forma animar a que el escucha viaje por diversos lugares a través de los sonidos. La agrupación colombiana BALTHVS, ha decidido lanzar su tan esperado segundo LP a través de Cubensis Records. Con este material, la banda ofrece un sinfín de texturas que se mantienen dentro de lo orgánico y transmiten una oleada de paz y frescura. A lo largo de las 10 pistas que lo componen se perciben muchos sentimientos y emociones que se hilan hasta convertirse en una experiencia sonora cósmica. Permite liberarte durante 40 minutos. Haz todo a un lado y ¡Disfruta!

Jenny Hval - classic objects

Jenny Hval  — Classic Objects 

La cantautora noruega siempre ha tenido una mirada muy particular y fuera de lo convencional sobre la vida y sus sucesos. En cada producción logra involucrar elementos artísticos que se hilan al compás de cada uno de sus sonidos. En esta ocasión y a través de 4AD Ltd, comparte su nuevo LP Classic Objects, un proyecto que tal cual indica su nombre; intenta contar todo lo que ha sucedido en el último par de años a través de elementos clásicos, digeribles y comunes; ofreciendo un art pop liberador, tocando los límites de lo catártico. Son únicamente ocho pistas las que componen lo nuevo de Jenny Hval, lo suficiente para liberarte en todos los sentidos. Tu mente y tu cuerpo quedarán cautivados y agradecidos por lo que escucharán y experimentarán a lo largo de su reproducción. ¡Disfrútalo!

Belle and Sebastian estrena “If They're Shooting at You”

Las ganancias del tema serán destinadas a la Cruz Roja.

Belle and Sebastian ha compartido su más reciente sencillo "If They're Shooting at You" como forma de apoyo a los afectados por el conflicto entre Ucrania y Rusia. Una composición que plasma su gran pésame a través de imágenes que cubren la disputa en forma de video.

Desde sus líricas, el tema brinda  fortaleza ante las adversidades de una guerra y aborda los principales ejes de estar perdido, roto y bajo amenaza de violencia para luego dar una luz al final del túnel, pues la banda escocesa de indie pop busca iluminar a su audiencia desde una trinchera artística.

Al crear esto, aspiramos a mostrar un lado esperanzador y desafiante, así como a generar conciencia sobre la difícil situación de las personas allí (...) Pensamos que cualquier forma en la que podamos respaldar a Ucrania, política, cultural, práctica y espiritualmente, todo debe sumar al final. Juntos tenemos que hacer lo que sea necesario para ayudar a vencer esta tiranía”, destacó la agrupación para medios locales.

Además, como muestra de solidaridad, Belle and Sebastian está donando todas las ganancias de la nueva canción a la Cruz Roja, mientras que los fanáticos tienen la opción de hacer aportaciones a través de Bandcamp hasta el 18 de marzo, en la cual puedes colaborar desde este link.

Mientras te dejamos "If They're Shooting at You" a continuación.

Fármacos en el Foro Indie Rocks!

Las chispas del pop electrónico desde la visión de lo romántico.

"Y ahora quiero encontrarte en todas partes".

El "domingo de bajón" ya es una tradición, pero siempre hay formas de darle la vuelta, o bien, de impulsar el bajón emocional de este día. Anoche, Diego Ridolfi, mejor conocido como Fármacos, citó a sus fanáticos en el Foro Indie Rocks! para ofrecer un melancólico show que definitivamente unió las piezas de los corazones más rotos.

En punto de las 20:00 H, el recinto de la Roma Norte lucía abarrotado por cientos de personas que esperaban ansiosas a que el músico chileno subiera al escenario. La espera para que esto sucediera fue muy breve. En cuestión de media hora, el cantante estaba haciendo su aparición junto a su banda para abrir de inmediato conu, tema de apertura de su más reciente LP, Manual de Una Perdida (2021). Con este inicio tan eufórico y desgarrador, Fármacos confirmó que la noche sería tan dramática como liberadora.

De esta manera y en medio de una cortina de humo y luces rojas resonó "El Calor Nos Confundió", "Tú Detrás de Todo", "Belleza" y "Un día Es Para Siempre". Diego Ridolfi se mostraba entusiasmado por la experiencia mientras hacía sonar con pasión su guitarra eléctrica. Los sonidos que emanaban aquellos instrumentos resultaron como medicina para sanar el corazón.

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La noche continuaba y mientras tanto, el cantante aprovechaba algunas pausas para dirigir palabras de agradecimiento a su público. También, se tomó el tiempo de explicar la experiencia de haber cambiado de residencia y llegar a un país sin absolutamente nada para empezar de cero. A lo largo de esta etapa logró conocer, además de los miembros de la banda que le acompañaban en el escenario, a un sinfín de cantantes con las que simpatizó, una de ellas, Arroba Nat, la primera invitada de la noche con quien tuvo el gusto de interpretar "Esperar".

Así prosiguieron "Cuando Quieras", "Siempre Tú" y "Nuestro infierno", esta última a dueto de su segunda y última invitada de la velada; Denisse Gutiérrez (Hello Seahorse!). "Te Volví a Pensar", "Nos Estamos Destruyendo" y "Humedad" también fueron interpretadas antes de que llegara el encore.

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En medio del calor que se vivía en el recinto de la Roma Norte, los fanáticos aún esperaban a que Fármacos regresara e interpretara al menos, unas tres canciones extra, la sorpresa fue mayor pues el músico se tomó el tiempo de interpretar algunos de sus más grandes éxitos como "Lento", extraído de Los Días Más Largos (2013), ofreciendo un momento de inmensa felicidad al público presente.

De esta manera resonaron "Manual de una Pérdida", "Quiero Conocer Tu Mundo", "Amor y Porno" y "Visitarte"; cerrando así con broche de oro y con las lágrimas corriendo por las mejillas. Una noche en la que los sonidos devolvieron las ganas de seguir en esta locura llamada: vida.