'Amor Líquido', el nuevo EP de Itzel Noyz

Una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa.

El esperado EP Amor Líquido de Itzel Noyz, en colaboración con Zaque de Sonido Líquido Crew, ha llegado finalmente a nuestros oídos para provocar una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa. Con siete tracks , este proyecto musical te lleva desde la euforia del enamoramiento en "Corazones" hasta la cruda realidad de la indiferencia en "Nada es Para Siempre".

Cada canción es como un capítulo en esta historia de amor y desamor. "Tentación" es una oda al placer prohibido, mientras que "Despacio" nos sumerge en la fase donde todo comienza a salirse de control. "Flash Confessions" revela la vulnerabilidad y el deseo de construir algo genuino con alguien.

Itzelnoyz Amorlíquido Tracklist

Este EP de Itzel Noyz no solo es una colección de canciones, sino un viaje emocional. Cada pista está cuidadosamente diseñada para capturar las complejidades del amor y las relaciones humanas. Desde el ritmo envolvente del R&B hasta los elementos sorprendentes del hip hop, Amor Líquido te invita a explorar diferentes facetas de las emociones humanas.

Este EP no solo es una colección de canciones, sino una narrativa musical que captura las emociones más profundas del amor y la conexión humana. Con Amor Líquido, Itzel Noyz y Zaque nos invitan a sumergirnos en un viaje sonoro inolvidable, donde cada track es una experiencia por sí misma.

Puesdes esuchar el EP, Amor Líquido, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

“¿Qué Tal Un Descanso?”, lo nuevo de Laboratorios Moreno

La canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Los originarios de Guadalajara, Jalisco, Laboratorios Moreno, presentan su más reciente sencillo "¿Qué Tal Un Descanso?" como un adelanto de su próximo álbum, JSLF. Fusionando la energía del rock con elementos punk y frescura del funk, la banda ofrece una experiencia sonora única y enérgica.

"¿Qué Tal Un Descanso?" profundiza en la lucha interna entre la voluntad de seguir adelante y el autosabotaje, desde una perspectiva de empatía. Con una letra que explora la idea de continuar a pesar del agotamiento, la canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Inspirados por una amplia gama de influencias musicales que van desde The Prodigy hasta Pink Floyd, Laboratorios Moreno se embarca en un viaje psicodélico que invita a los oyentes a reflexionar sobre la importancia de detenerse y respirar en momentos de agotamiento emocional y mental.

Bajo la producción de Will Pyramith, la banda conformada por Carlos García Michel, Diego Orozco, Guillermo Uralde y Martín Villanueva ha creado una canción que captura la esencia de un conflicto emocional universal sin perder su distintiva energía y frescura.

Arte de "¿Qué tal un descanso?":

Laboratoriosmoreno Queta Undescanso

Puedes escuchar “¿Qué tal un Descanso?” de Laboratorios Moreno, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

 

 

Entrevista con Salt Cathedral

¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?

Conversé 15 minutos con Salt Cathedral sobre ser colombianos, convertirse en latinos al pisar Estados Unidos, y cómo concilian las diferentes perspectivas que se crean desde el mudarse a otro país con otro idioma y formar parte de él, manteniendo aún las influencias de su vida en su natal Colombia. La universalidad es un tópico que se toca numerosas veces en nuestra corta conversación, a partir de preguntarles si sienten que hay algo que los llame a hacer música que represente su colombianidad al mudarse a vivir a un lugar tan globalizado como Nueva York. 

“Ese proceso de migrar, es extraño. Porque por un lado uno siente más identidad. A mí me costó irme de Colombia para sentirme realmente colombiana, o latina. Yo no entendía, pensaba ‘eso es normal, yo de latina no tengo mucho’. Pero te das cuenta cuando me ponen salsa e inmediatamente bailo, y con los ritmos latinos me activo y eso es natural, uno no se da cuenta porque nace”, respondió Juli. Una experiencia, nuevamente, universal, que se repite transversalmente sin importar de qué país del sur global llegues. 

“Eso es algo que exploramos mucho en nuestro disco pasado, Carisma, esa sensación latina. Entonces por un lado me siento más latina. Pero por otro lado me siento desarraigada, porque ya llevamos ¿10, 11 años en Nueva York? Entonces no eres ni gringa ni latina, uno nunca se siente 100% de un lado ni del otro. Porque si haces un zoom out, lo que ves es la humanidad, y te empiezas a identificar más como un humano que como un latino o un neoyorquino, Y de ahí viene el disco [Before It's Gone], ¿dónde encuentro mi espacio? Acabamos teniendo los mismos pensamientos existenciales, el mismo amor, el mismo dolor, y como migrante para mí es esa visión de exploración la que manda”, dice Juli, mirando el horizonte (detrás de la laptop).

El discourse en internet se ha volcado en hablar mucho de los idiomas que usamos también son resultado de nuestra colonización, tanto el español como el inglés. ¿Quiénes somos al crecer hablando español, y pasar al inglés porque tuvimos que migrar? ¿Hay algún código, una barrera invisible que estás rompiendo al acoplarte? “Nosotros estamos intentando ser honestos con nosotros mismos, y precisamente porque no sentimos esa responsabilidad es que no tenemos canciones en español en este disco, porque no sentíamos que había algo que decir en español, lo cual también es muy liberador”, apunta Nicolás.

Y continúa... “Es como convertirse más bien en una persona más universal, y menos idiosincrática, pero la colombianidad nuestra no la podemos evadir simplemente porque crecimos allá, porque somos fanáticos de la música, y tenemos familia allá; entonces tener esa conexión con Colombia es inevitable. Y también estando en Nueva York, esa capacidad de singularidad es algo que siempre buscamos. Ponemos mucha atención a lo que pasa en Sudamérica, y nunca fuimos de creer que en USA ‘lo hacen mejor’, nuestra llegada aquí fue circunstancial. Colombia siempre va a estar presente, aunque en este disco no tuvimos la intención de homenajearla sino fue más bien una exploración universal.”

He llegado a la conclusión que el ser latino es un concepto creado en Estados Unidos para identificarnos y darnos un lugar de donde imaginan que somos, en sus cabezas, y que les queda lejano, porque hay una desconexión entre lo diferentes que somos entre cada región y cada país. Por eso es tan fácil decirnos “latinos” y acabar con el problema. Pero ser latino te interpela cuando pisas Estados Unidos porque encuentras lugares comunes con otras personas que hablan español también y vienen de algún país que reconoces como cercano, y de pronto ya no te sientes tan solo. O más bien, sientes que hay otra persona cerca que siente parecido a ti.

¿Pero hay algún deber, o responsabilidad de conectar con tu identidad para hablar de tu música? ¿O sientes que tienes que hablar de tu identidad para tener algo que decir como proyecto? “Lo que pasa es que nosotros para bien o para mal, no nos hemos encasillado desde el principio”, responde Nicolás.

Nunca dijimos que vamos a representar absolutamente nada, hay otras bandas que lo hacen y creo que dependiendo de la intención y el propósito y la música y el proyecto, se puede hacer. Porque cuando hablan de Colombia piensas que todos tenemos sombrero puentea’o y nos gusta Shakira. Somos de Bogotá, la ciudad más punkera del mundo, la ciudad más insegura, ciudad que es un desastre pero la amo. Hay mucho rock y metal; ese tropicalismo bogotano que tenemos de una manera, es con gusto. Nunca nos suscribimos a los estereotipos de nada para vender y creo que nos ha hecho demasiado mal”.

Juli agrega... “Preguntas, ¿una banda necesita usar su identidad latina o usar sus ritmos de raíz? Yo te digo, desde un punto de vista de marketing, sí. Porque alguien de marketing me va a decir, a ustedes les va a ir mucho mejor si hacen la cosa latina, la comunidad latina los va a acoger. Como dice Nico, nos ha hecho mal porque pensamos más en la música y la universalidad, en lo que nos inspira que no sólo son nuestras raíces. A nosotros nos interesa más esa experiencia universal, habiendo crecido con una cultura latina, en una ciudad como Bogotá”.

“Últimamente hemos hablado de Caetano Veloso, Björk y Ryūichi Sakamoto; artistas que no los define el país de procedencia, sino que le hablan a todo el mundo. El idioma es una herramienta tanto como la música lo es”, finaliza Nico. “Lo que importa es lo que tú dices, cómo lo haces, y qué estás diciendo”.

Before It’s Gone, el segundo álbum oficial de Salt Cathedral, está disponible desde el viernes 22 de marzo.

Axe Ceremonia 2024

El festival más esperado de México y la noche del amor universal. Axe Ceremonia logra la épica como uno de los mejores eventos del país.

Era un día que parecía que no llegaba. Para decenas de miles de personas fue un largo camino desde que anunciaron la visita de Kendrick Lamar hasta el inicio, pero al fin llegó la nueva edición del festival Axe Ceremonia en el Parque Bicentenario y sobrepasó las expectativas.

El festival tomó medidas e hizo mejoras para optimizar la experiencia de los usuarios, desde un mejor acomodo de los escenarios para que no quedaran tan lejos entre sí, hasta la apertura de carpas para que más gente pudiera entrar a espacios como Traición o El micky, que son gran alternativa para ver a Djs que pocas veces se unen.

No es arriesgado pensar que el Ceremonia ya se convirtió en el festival más importante en el Valle de México, ¿y por qué digo esto? por la forma tan única en la que ha logrado traer a referentes internacionales y mezclarlo con artistas nacionales y destacados del underground.

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Sin recurrir a la nostalgia y con la intención de siempre proponer, el Ceremonia tiene una curaduría que sobresale del resto desde hace años, y el hecho de contar con artistas como Grimes, Sampha o LCD Soundsystem, también puede llevar proyectos como Soto Asa, BB Trickz o Rusowsky, que pocas veces vienen a México, y al mismo tiempo traer la fiesta con referentes nacionales que suenan en todas las fiestas, como El Bogueto y Fuerza Regida, le dan un toque único al evento.

Todo se mezcla con un concepto visual vanguardista, con figuras de colores y un espectáculo de drones que cautivó a los asistentes en todo el parque ubicado en la alcaldía Azcapotzalco.

Te invitamos a leer lo más destacado del festival Axe Ceremonia a continuación:

Día 1

Por Rubén Ortega

Pocos festivales como el Axe Ceremonia, que te hacen sentir como si estuvieras en otro planeta, donde la vida se siente diferente y donde todo lo que hay fuera no importa. Será por la tranquilidad que se respira en el Parque Bicentenario o quizás por la buena vibra que había entre asistentes, pero ahí dentro todo era diferente.

El primer día tenía nombre y apellido: Kendrick Lamar, quien visitó la Ciudad de México por primera vez en su carrera, luego de haber pisado Monterrey en 2017 con un show del que quedaron pocos recuerdos.

Y este sábado, con una discografía consolidada y con miles de personas haciendo la espera de horas, finalmente llegó y mostró su agradecimiento desde antes de salir del escenario, y la verdad qué bueno.

Se agradece la consideración de Kendrick, porque son contados los artistas que reconocen el tiempo que pasó para que volvieran. Normalmente muchos se presentan como si no hubiera pasado nada, pero a Lamar lo esperaban desde hace años y él lo sabía, por ello, en español, dejó el siguiente mensaje:

¡México! Quiero expresar mi amor hacia ustedes por recibirme nuevamente en este hermoso país. Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que nos vimos, pero he sentido su energía todos estos años. Esta noche seamos libres."

A pesar del tiempo, de la distancia cultural, económica y de idioma, la espera valió la pena, Kendrick Lamar al fin se presentó en la ciudad más grande del mundo con un show brutal, en el que la gente no dejaba de gritar, en el que no se apagó la euforia y donde, como él pedía, fuimos libres.

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Elegante, misterioso y sin poder contener la emoción, Kendrick Lamar brilló junto a sus cuatro bailarines por dejar un show poderoso, impulsado por los saltos, las rimas a doble tiempo y beats que hacían temblar al piso junto con los saltos de miles.

Y fue político todo el tiempo, canciones como "Alright" o "DNA." tuvieron un fuerte trasfondo. Además hubo temas de sus últimos cuatro álbumes (Mr. Morale & The Big Steppers, DAMN., To Pimp A Butterfly y good kid, m.A.A.d city) que movieron corazones, que pusieron a todos a cantar y que fueron el alivio que desde hace años esperaban.

"Aún no me creo que lo esté viendo", decían algunos, y a pesar del tiempo de pie y los empujones, se mantuvo un buen ambiente, tanto para los fans de hace años como los curiosos que se metieron y la pasaron bien sin saberse las canciones. Creo que ese fue el mejor síntoma de la gran presentación.

En cuanto a lo sonoro, Kendrick Lamar tomó la mejor decisión: usar banda en vivo y al mismo tiempo beats. Esto produjo muchos matices, y cuando era necesario podía sentirse suave el sonido y cuando había que reventar el escenario estaban las baterías y guitarras distorsionadas.

No faltó nada, los visuales eran en español, con algunos gags de sus canciones y promoviendo el amor universal por encima de todas las cosas. Kendrick te hacía sentir valiente y eso fue genial.

Su cierre fue sumamente emotivo, y pidió prender las luces de los celulares mientras dejó este mensaje de despedida:

Prendamos el cielo y demostrémosle al mundo que el amor también es el lenguaje universal. Espero que sientan mi energía, así como yo siento la suya. Gracias, México. Amor por siempre."

Es difícil que gente como Kendrick Lamar venga a México. Nos separan muchas cosas: el idioma, los altos costos que representa traerlos, y que su base de fans no es tan grande como las de otros países. Por eso, me gusta creer que la noche de este sábado 23 de marzo fue el imposible que se hizo posible gracias a la energía, así como a ese lenguaje universal que llamamos amor.

El Ceremonia y la interminable energía

A lo largo del día uno, el Ceremonia brilló por muchas cosas, pero sobre todo por su brillante audiencia. Outfits espectaculares y una enorme apertura por escuchar nuevas cosas. Fue así que los curiosos se enamoraron de actos como Underscores o Gale.

Uno de los actos más destacados de las primeras horas fue Soto Asa, quien metió lo que había que meter para calentar la tarde: mucho flow en cada uno de sus temas.

Rusowsky fue una de las presentaciones que sorprendieron a lo largo del día. Comenzó con poca audiencia y al final retacó el escenario Air Max dejando perreo y baile.

El Ceremonia bien se puede dividir en dos clases de actos: los que salen con instrumentos musicales y los que apuestan por lo digital. Y mucho del éxito de Rusowsky fue debido al poderío digital, a la saturación y al abuso de beats potentes.

Un caso similar ocurrió con Romy que, además de su voz, dejó una colorida trama de sonidos que te metían en una atmósfera donde todo se sentía a gusto. Grimes fue algo similar, una artista que brilló más que nada por su presencia arriba del escenario mientras daba un DJ Set.

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Mientras, en el escenario principal teníamos un caso opuesto con Sampha, quien se lució con sus brillantes músicos y su apuesta por lo orgánico, por las percusiones y cambios de ritmo. Un R&B que se llevó ovaciones a lo largo de la noche.

En el American Eagle apareció Yves Tumor con una banda que era casi de glam rock, y con poderosos solos de guitarra, baterías caóticas y bajos que retumbaban dejó uno de los shows más apasionantes del día uno, así como una revancha de las fallas técnicas que tuvo en la semana pasada en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Tanto Yves Tumor como Floating Points fueron artistas que finalmente saldaron la deuda que quedó pendiente de aquel Ceremonia de 2020 que no se dio por la pandemia, y respondieron con shows de alta calidad, donde todo se escuchaba bien y con bastante energía.

Otra de las sorpresas de la noche fue Álvaro Díaz, quien priorizó los sonidos orgánicos y pegó los beats de reggaetón con baterías. Si bien el show tuvo energía, parece que pudo haber sido más intenso; sin embargo, el puertorriqueño aprovechó para anunciar oficialmente la salida de su esperado álbum Sayonara en mayo próximo, luego de años de espera.

El Día 1 del Axe Ceremonia fue el más demandado, y debido a todos los actos que hubo y por la llegada de Kendrick Lamar, quedará marcado como uno de los mejores no solo en la historia del propio festival, sino de todos los que hay en el país.

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Día 2

Por Jairo Valencia

Perreo, electrónica y corridos tumbados con todos mis amigos.

AXE Ceremonia en domingo regresó con mucha fiesta desde temprano con géneros que conquistaron a todos los gustos, desde electrónica alternativa hasta regional mexicano y reggaeton. Los corridos tumbados de Justin Morales y el gran ambiente de la rapera española, Bb Trickz, fueron de las primeras sorpresas del día.

Poco después, Sevdaliza salió a ofrecer un gran set en el escenario principal, donde demostró un imponente dominio de la tarima e interpretó varios temas de su carrera, incluyendo “Ride Or Die”. Mientras tanto, al otro lado del festival, el escenario AirMax se preparaba para recibir a una de las figuras más prominentes del neoperreo: Bad Gyal, quien no defraudó a sus miles de fanáticos ansiosos de baile con canciones como “Flow 2000” y “Bota Niña” mientras demostraba sus increíbles pasos de baile al lado de sus bailarines. Quienes aún no saciaban su apetito de reggaeton y fiesta corrieron hacia la carpa American Eagle a presenciar el show de El Bogueto, una de las voces más populares de la nueva ola de perreo mexicano.

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Otras personas optaron por dirigirse al escenario principal y agarrar un buen lugar para la presentación de James Blake, la primera en CDMX desde hace más de 10 años. El cantautor inglés fue recibido con aplausos y gritos ensordecedores mientras repasaba su catálogo, desde “Limit To Your Love” de su primer disco, hasta temas de Playing Robots Into Heaven, su LP más reciente. “Hemos tocado varias veces en México, pero nunca ante tanta gente”, mencionó emocionado tras ver la multitud que se reunió para verlo. Tras reconocer el gran trabajo de su banda que interpreta cada canción sin ayuda de una pista pregrabada, James nos deleitó con su cover a “Godspeed” de Frank Ocean y “Retrograde” antes de dejar el escenario conmovido.

La noche aún tenía varias sorpresas y dos de ellas fueron los sets de Kenia Os y Overmono. La cantante mexicana llegó a AXE Ceremonia a deslumbrar tanto a fans como curiosos con un show lleno de producción entre visuales llamativos y excelentes coreografías, mientras que el dúo de dance conformado por los hermanos Russell reventó el escenario American Eagle con grandes mezclas y hits como “Blow Out” y la reciente “stayinit” al lado de Fred Again.. y Lil Yachty.

La gente empezó a salir para presenciar el regreso de LCD Soundsystem, uno de los actos más esperados de la noche. James Murphy y compañía derrocharon energía como bien lo saben hacer, además de complacer a sus seguidores con versiones entrelazadas de algunas de sus canciones. Claramente movidos por el público mexicano, el frontman prometió volver muy pronto antes de cerrar su set con la clásica “All My Friends”, canción que bien podría ser el himno de esta edición del AXE Ceremonia, pues a lo largo del festival se podían observar grandes grupos de amigos disfrutando de la música, las bebidas, las activaciones y las bellas postales del Parque Bicentenario.

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Durante el domingo había dos tendencias muy marcadas en los outfits de los asistentes: los atuendos producidos inspirados por el neoperreo y aquellos que portaban su sombrero vaquero para disfrutar de la llegada de Fuerza Regida al festival. La agrupación demostró por qué se ha ganado su lugar en este y varios otros carteles de festivales importantes al poner a cantar a miles de fans de la música regional mexicana y, aunque repitieron un par de canciones, sin duda su show pasó a ser uno de los más memorables de todo el fin de semana.

Para darle un gran cierre al AXE Ceremonia, tres grandes actos de música electrónica se adueñaron de los escenarios. Arca hizo reventar el American Eagle con un show impresionante que, a pesar de haber empezado con un ligero retraso, dejó satisfecha a la audiencia que la esperaba desde la edición 2022.

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Four Tet hizo lo propio cerrando el escenario principal dándonos un show de más de una hora en el que sonaron “Baby Again”, “VOLVER” con Skrillex, Tainy y Rauw Alejandro, “Strobe” de deadmau5 y decenas de DJs más.

Finalmente Peggy Gou puso el punto final a la edición 2024 de AXE Ceremonia con la última hora y media de baile en la tarima AirMax. Aunque la gente ya empezaba a salir del festival, una gran porción del público continuaba bailando, ya sea frente al escenario o un poco lejos de la multitud al lado de sus amigos que descansaban en el pasto. “I Go” e “(It Goes Like) Nanana” cerraron la presentación de la DJ surcoreana y para muchos uno de los mejores fines de semana del año.

A pesar de las largas distancias entre escenarios, los varios árboles que tapaban la vista y el desastre vial que nos esperaba al término de cada jornada, el AXE Ceremonia continúa posicionándose como uno de los festivales más importantes y eclécticos de México. Sin duda, una gran experiencia que merece ser vivida en compañía de tus mejores amigos, sin importar cuáles sean sus gustos musicales pues en este festival siempre habrá algo nuevo para todes.

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Pahua anuncia 'Habita Remixes'

La fiesta que Pahua compartió en su álbum, Habita, se expande en nuevo álbum de remixes con invitados especiales.

El año pasado, la cantante, percusionista, productora y DJ mexicana, Pahua estrenó su proyecto musical, Habita. El lanzamiento significó uno de los momentos más interesante en la música electrónica latinoamericana reciente, marcado por la fusión del folk con la implementación de instrumentos tradicionales y regionales mexicanos con las composiciones y expresiones sonoras modernas de la música electrónica. Este álbum ocasionó que la artista mexicana fuese incluida al sello discográfico neoyorquino Razor-n-Tape, donde coordina el proyecto de reversiones, Habita Remixes.

El proyecto de Habita Remixes promete trasladar el sonido original de Pahua a un entorno perfecto para la pista de baile, en correspondencia con el estilo de dance y techno que caracteriza las producciones de Razor-n-Tape. El primer adelanto de esta interpetación viene de la mano del productor y DJ californiano, Captain Planet, quien remezcló la canción original “Espantapájaros”.  En su nueva versión, las percusiones originales se convierten en un bpm acelerado y que marca la cadencia de un trance danzístico que aún mantiene la esencia original de Pahua al mismo tiempo que juega con su posibilidad festiva.

Entre los colaboradores de esta apropiación, Habita Remixes cuenta con la presencia de varios de los productores más reconocidos del sello discográfico: JKriv, Tigerbalm, Clive From Accounts y Prince of Queens prestan sus talentos para presentar sus propias formas de escucha que parten a partir del proyecto original de Pahua.

Podrás escuchar todas las nuevas versiones de Habita Remix a partir de 3 de mayo en plataformas de streaming, pero mantente pendiente de los estrenos paulatinos de cada sencillo. El nuevo álbum de Pahua estará disponible en formatos de vinilo de 12” + 7” a partir de su lanzamiento exclusivo en Razor-n-Tape.

Te compartimos lo nuevo de Pahua y te recordamos que la artista se encuentra en una gira alrededor de México en donde puedes disfrutar de su propuesta musical en vivo en las siguientes fechas:

Mar 29 - Coatepec - Cervecería La Brújula

Abr 04 - CDMX - Centro Cultural España

Abr 13 - V. de Guadalupe - Bloodlust

Abr 20 - Oaxaca - Txalaparta

Abr 27 - Pachuca - Casa Padi

Pahua Habitaremixes

Aczino y Scoop Deville se unen en “La playa”

Un tema para pasar el rato en compañía de los amigos.

Se vienen los días de calor y festejo, y para pasarlos de lo mejor, Aczino y Scoop Deville se unen en un tema al ritmo del hip hop, con el objetivo de incentivar al público a pasarla bien en compañía de sus seres cercanos. 

La Playa Aczino

 “La Playa” es el tema sucesor de los éxitos recientes del rapero, “Primero Lo Primero”, “Detrás de Cámaras” y “Niños”. Hoy nos muestra un carácter clásico y sencillo, capaz de atraparte con sus líneas extensas de rap, un ritmo de batería y la influencia de cumbia y el reggae con la producción del mismo Scoop. 

El tema de esta canción es muy simple. Se trata de invitar a la gente a pasar un buen rato en la playa después de un largo día de trabajo. Gracias a la colaboración con Scoop, sentimos que capturamos una vibra llena de diversión, comunidad y un espacio para desconectarse de todo. Espero que la gente disfrute esto tanto como yo”, reveló Aczino en un comunicado de prensa.

Rapear con Aczino fue una gran experiencia, ya que ambos pudimos mostrar nuestras habilidades como letristas, sacando la mejor versión de nosotros mismos”, expresó Deville en comunicado.

Además de este lanzamiento, los raperos nos comparten el video oficial de “La Playa”. Una obra visual dirigida por Estevan Oriol, un fotógrafo y director de Los Ángeles que ha trabajado para una variedad de artistas como Cypress Hill, Dr. Dre, Snoop Dogg, Blink-182 y más. 

Un video transcurrido dentro del estudio y un espacio parecido a un bar, en compañía de amigos y la participación de los intérpretes. Mostrando momentos llenos de diversión y descontrol, dándole un sentido original a la canción. Después de una gran jornada laboral todos merecemos pasarla bien. 

 

Gloory Hole desata una explosión sonora en “PUM PUM!”

Una oda a la autenticidad en medio del caos musical.

Gloory Hole presenta su segundo sencillo, "PUM PUM!", como adelanto de su esperado EP debut, ¡Gloria Centro de Rehabilitación! (aún sin fecha de lanzamiento). Esta canción enérgica cautiva a los oyentes con su fusión vibrante de punk y post punk, acompañada de letras que resuenan como un grito de liberación en medio de la búsqueda de identidad.

"PUM PUM!" comienza con una declaración contundente: "No me busco porque no me encuentro, no me encuentro no hay nada que buscar". Esta repetición enfática establece un ritmo hipnótico que refleja la desorientación y la lucha interna por la identidad. 

El video de "PUM PUM!" es tan alternativo como la música misma de Gloory Hole. La banda ofrece una propuesta fresca y original para la escena musical, especialmente en el ámbito hispanohablante. El video es una explosión de color, sentimientos y sonidos, llevando al espectador a un viaje visual y emocional único.

Con una producción impecable y un elenco talentoso, Gloory Hole demuestra su compromiso con la excelencia artística. Desde la composición hasta la producción ejecutiva y la dirección, cada aspecto de "PUM PUM!" refleja la dedicación y la pasión del equipo detrás de la banda.

Gloory Hole ha llegado para desafiar expectativas y dejar una marca indeleble en la industria musical. Con "PUM PUM!", están listos para cautivar a audiencias y afirmarse como una fuerza innovadora en el panorama musical actual.

Hermanos Gutiérrez comparte “Low Sun”

El segundo adelanto del próximo álbum de Hermanos Gutiérrez toma forma en “Low Sun”, un sencillo que conlleva una gran diversidad instrumental.

El dúo de ambient con estilo western y americana, Hermanos Gutiérrez, está a punto de estrenar su próximo disco de estudio, Sonido Cósmico y compartió el segundo sencillo que proviene de este proyecto. El dúo de Alejandro y Stephan Gutiérrez se caracteriza por crear espacios sonoros a partir de las reverberaciones y el diálogo que crean con sus guitarras, explorando las posibilidades de los instrumentos de cuerdas como guías melódicas, así como bases percusivas.

“Low Sun” es un track que, si bien parece minimalista, representa un experimento singular en el proceso creativo de Hermanos Gutiérrez, pues es una de las primeras veces que el dúo se aventura a utilizar percusiones reales. Esta expansión instrumental abre paso dentro del sencillo para que la expresividad del trabajo de guitarras se encuentre en nuevas posibilidades. Hay una ambientación hipnótica en el sonido del sencillo, pero la inclusión de las percusiones lo lleva en un cabalgamiento que convierte a la ensoñación en un espacio lúcido de introspección.

El nuevo sencillo de Hermanos Gutiérrez llega junto con un videoclip dirigido por Robert Schober. En las imágenes la producción musical del dúo se traslada a una serie de artefactos análogos de grabación que están en función de un ritual psíquico que resulta en telequinesis. Al final del video, el clímax sonoro se conjuga con un montaje de imágenes psicodélicas que dotan de expresividad hipnótica a “Low Sun”.

No queríamos poner límites ni tener demasiada visión de cómo debería ser esta canción. Sucede que la narrativa que intentas construir alrededor de la canción impide que se desarrolle de forma natural. Mirando hacia atrás ahora, fue uno de los momentos más memorables en el estudio, experimentar lo libre y fácil que se sintió crear 'Low Sun' al agregarle todas estas hermosas capas”, dijo Hermanos Gutiérrez sobre la grabación del tema.

El sonido minimalista y cósmico que se encuentra contenido en “Low Sun” se verá expandido en Sonido Cósmico, el álbum fue producido junto con Dan AuerbachThe Black Keys–, y estará disponible el 14 de junio a través de Easy Eye Sound.

Acá te dejamos lo nuevo de Hermanos Gutiérrez, no te pierdas sus sonidos psicodélicos y y el ambiente soleado que se dirige a un horizonte de referentes musicales latinos.

Robot95 estrena “Loquera” junto a Jesse Baez

Una mirada a la canción que desafía los límites del amor y la libertad.

El músico, Kevin Gutiérrez, mejor conocido como Robot95, ha lanzado su último sencillo "Loquera", donde desafía las convenciones del amor posesivo. En colaboración con el talentoso cantante guatemalteco Jesse Baez, la canción fusiona ritmos de R&B y hip hop, marcando un nuevo hito en la música contemporánea.

El sencillo forma parte del álbum más reciente de Robot95, Kevin Pórtate Bien que ya está disponible a través de More Juice Records / Sony Music Entertainment México y que es una experiencia auditiva única con colaboraciones de destacados artistas como Bruses, Javier Blake, Big Soto, entre otros.

El video musical de "Loquera", es un viaje visual que complementa a la perfección la atmósfera de la canción. Con un estilo íntimo y vibrante, el video ofrece una experiencia inmersiva que transporta a los espectadores al mundo emocional de los artistas.

La letra de "Loquera" narra la historia de un amor conflictivo, donde uno busca liberarse de los celos y la posesividad de su pareja. A través de líneas emotivas y reflexivas, la canción explora la dualidad de querer libertad pero también seguridad en una relación.

Robot95 y Jesse Baez logran transmitir la complejidad de las relaciones modernas, donde el deseo de autonomía choca con la necesidad de conexión emocional. Con una mezcla de sonidos frescos y letras conmovedoras, "Loquera" se posiciona como un himno para aquellos que buscan encontrar un equilibrio entre el amor y la libertad.

Escucha el disco completo a continuación:

“Wollstonerap”, lo nuevo de Ximbo junto a Rabia Rivera

"Wollstonerap” refleja la lucha, el empoderamiento y la resistencia.

El tan esperado estreno del video "Wollstonerap (Fuerza, fe y poder)" de Ximbo con Rabia Rivera ha llegado para destacar con su energía desbordante y mensajes potentes. Producido por DJ Ninja One y dirigido por Ximbo y Rabia, este video es una amalgama de talento y compromiso. 

Además, "Wollstonerap" servirá como tema oficial del primer programa en la radio mexicana dedicado exclusivamente al rap de mujeres y que será conducido por Viri Navarro a través de Interferencia en IMER. 

En las imágenes, Ximbo y Rabia se presentan con paliacates frente a la cámara con un fondo blanco, alternando entre rimas llenas de fuerza y determinación. La combinación de estilos de ambas artistas se fusiona de manera magistral, creando una sinergia que resuena con la esencia del hip hop. 

La letra de "Wollstonerap” refleja la lucha, el empoderamiento y la resistencia. Desde referencias a figuras icónicas como Cindy Campbell y MC Lyte, hasta reflexiones sobre la vida en el barrio y la cultura latina, cada verso es un testimonio de la experiencia y la sabiduría acumulada a lo largo de los años. 

Ximbo, con su extensa trayectoria en la escena del hip hop, ha sido una voz influyente y un referente. Su compromiso con la música consciente y su habilidad para mezclar diferentes géneros musicales han dejado una huella en la cultura hip hop. 

Con "Wollstonerap", Ximbo y Rabia Rivera no solo ofrecen un himno de resistencia, sino que también celebran la fuerza y el poder que emana de la comunidad hip hop. Es un recordatorio de que, si hay diciplina las MC pueden destacar entre “tantos manes” para superar cualquier obstáculo y reclamar su lugar en el mundo.

Puedes disfrutar del videoclip "Wollstonerap" en el canal de YouTube de Ximbo y escucharlo en plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.