The Maccabees en El Plaza Condesa

Lunes, probablemente el día más odiado de la semana, pero también el día en el que The Maccabees constató la lealtad de sus fans chilangos.

No importó que hoy muchos, sino es que todos los que asistimos, tuviéramos que soportar la desvelada del show que ofreció la banda inglesa. Pero The Maccabees, lo valió todo.

Comenzaron 15 minutos después de las nueve de la noche con "Wall of Arms", una de las canciones de su segundo material, y como era de esperarse, aquellos seguidores de la banda desde hace más de 8 años, no pudieron contener la emoción.

Le siguió “Feel to Follow” de Given to the Wilduna de las más coreadas y vitoreadas de la noche. Después de saludar a los asistentes con un simple “hello”, comenzaron a escucharse a los primeros acordes de “Kamakura”, una de las primeras canciones en sonar de su más reciente producción, Marks to Prove it.

Orlando Weeks, vocalista y guitarrista de la agrupación inglesa, agradeció en el mejor español que pudo a los asistentes, para acto seguido dedicar “Love You Better” a quien esperó tres años para volver a verlos tocar en un escenario mexicano.

Una mezcla de canciones que incluyó clásicos como “Precious Time” y “Can You Give It” –canción para la cual Hugo White pidió acompañarlos con brincos lo que hizo que El Plaza se estremeciera por completo– combinados con tracks de su más reciente álbum, crearon una atmósfera perfecta para cualquiera que guste de las canciones de esta banda, ya sea que lleves un mes escuchándolos o años.

Luego de llevar la energía al máximo, el clímax de la noche vino cuando, Sam Doyle, baterista, tomó la bandera mexicana con la que subió al escenario y la ondeó, mientras el escenario era iluminado por los colores patrios generando una oleada de gritos y aplausos entre los asistentes de un recinto casi lleno, a pesar de ser lunes.

No sólo The Maccabees es una banda que debe verse sobre el escenario, sino que Marks to Prove It es definitivamente un álbum para escucharse en vivo. Las guitarras y sobretodo la batería le dan la energía necesaria para adornar las letras. Afortunadamente fuimos uno de los primeros países que visitó la banda por lo que la energía con la que fue creado el álbum aún permanece y logra transmitir con cada una de las canciones que toca, como muestra “Split It Out” y “Slow Sun”, de los últimos títulos que interpretaran.

Finalmente, fue “Pelican” la canción elegida para cerrar una noche que aunque se creía difícil –por ser lunes– dejó más que satisfechos a los asistentes. Fue un concierto donde valió mucho la pena desvelarse.

Aquí el setlist de la noche.

Setlist_The_Maccabees_CDMX2015

 

Robert Smith le hace un cover a Ride

El líder de la banda inglesa de The CureRobert Smith, le rinde homenaje a Ride con el tema "Vapour Trail".

Hace un par de meses te contamos acerca del cover que le hizo el cantante estadounidense Kevin Devine a The Cure con el tema "Lovesong", una de las mejores versiones que hemos escuchado respetando esa línea de fragilidad y tranquilidad que transmite la canción con una melodía más armoniosa que te hará mover la cabeza y los hombros al momento de escucharla. Ahora es turno de escuchar a Robert Smith hacerle un cover a la banda británica Ride con el tema "Vapour Trail".

Ride es un grupo musical británico formado en 1988 por Mark Gardener (guitarra y voz), Andy Bell (guitarra, voz y compositor principal), Steve Queralt (bajo) y Laurence Colbert (batería). Originalmente formó parte del movimiento del shoegazing en aquel país y su estilo se caracterizó por emplear melodías muy sentimentales y melancólicas a la par de guitarras muy distorsionadas. Aunque no cuentan con un gran repertorio musical, Nowhere fue el disco debut que los catapultó a la escena musical y este año cumple 25 años de haber sido lanzado al mercado.

ride

Como parte de los festejos por su 25 aniversario, la banda ha decidido lanzar una edición especial de dicho álbum en los próximos meses el cual incluirá los EP's Fall (1990) y Today Forever (1991). Además de algunas notas escritas por Andy Bell y fotografías de su concierto en Town & Country Club de Londres. Así también, Ride ha dado ha conocer un remix de su tema "Vapour Trail" interpretado ni más ni menos que por Robert Smith.

Cabe señalar que esta nueva versión no será incluida en la remasterización de su LP lanzado en 1990, así que aquí abajo lo puedes escuchar y conocer esa parte noise del vocalista de The Cure. Si eres fan de Ride prepárate para tener en tus manos la edición especial de su disco debut Nowhere cuya fecha de salida se tiene prevista para el próximo 6 de noviembre.

Lucybell en el Teatro Metropólitan

Lucybell: Un recuento de dos décadas llenas de clásicos que no recordábamos.

Corría el año de 1995, cuando Peces, el álbum debut joven banda chilena llegaba por primera vez a los oídos de una generación que quedó marcada por él. Veinte años después, ese disco sonó en su totalidad con la misma furia y emotividad con la que se escuchó la primera vez que llegó a nuestras vidas. El Teatro Metropólitan, suspiró y cantó a la par de Lucybell cada uno de los himnos que han creado a través de dos décadas.

Como es tradición, hubo una banda invitada para abrir el show, en este caso los chicos de Odisseo fueron elegidos. Entre uno que otro aplauso tímido y las prisas de que muchos de los asistentes apenas iban llegando en busca de su lugar. Odisseo tocó parte de sus canciones más conocidas, “Barry”, “ingenuos”, “Días de Fuego”, “Mentía” y el cover a José José de “Seré”, fueron parte de un set corto pero cumplidor que dio paso al festejo de Peces.

Con “Eclipse” y “De Sudor y Ternura”, Eduardo Caces, José Miguel Foncea y Cluadio Valenzuela, salieron al escenario para adentrarnos en la máquina del tiempo de Peces.  “No Me Vengan Con Paraísos” y “Grito Otoñal” sonaron para abrirle paso a “Vete”, el primer gran himno en provocar gritos y que puso por primera vez en la noche a cantar a una sola voz al Metropólitan.

“Tú”, “Sin Alas”, “Desde Acá” y “Rodar” fueron parte del trance que Lucybell provocó en vivo, quienes para dar cierre a la primer parte del concierto, y lo que era la conmemoración de los 20 años de Peces, “Cuando Respiro en tu Boca” levantó a todos de sus asientos, quienes no tuvieron defensa al escuchar en vivo una de las canciones más importantes y entrañables del rock latinoamericano.

Tras un muy pequeño descanso, Lucybell regresó para seguir con la cascada de éxitos. “Luces No Bélicas” e “Infinito Amor” explotaron con el poderío hipnótico que el trio transmite en vivo.

Faltan 43, justicia, queremos justicia en Latinoamérica”, fueron las palabras que Claudio Valenzuela mencionó antes de interpretar un pequeño canto de indignación hacía los hechos que ha vivido el país, para después dar paso a “Piedad” del disco Lumina.

Si bien, el motivo del concierto era la conmemoración de los 20 años de su disco debut, (set que por alguna extraña razón se vio un poco desangelado). Lucybell no desaprovechó la oportunidad de regalarle a sus seguidores una noche llena de canciones que han sido parte del soundtrack de sus vidas. Con la teatralidad característica de Valenzuela al tocar la guitarra y su manera de cantar entre notas graves y agudas, “Fe”, “Viajar” y una emotiva interpretación de “Carnaval” hicieron que el ambiente se fuera haciendo cada vez más cálido.

“Ten Paz” y “Sembrando en el Mar”, encendieron la emotividad, misma que se reflejaba en las dos esferas de cristal que una arriba y otra detrás del escenario, creaban un afecto de luces que como estrellas, se combinaban con el universo de miradas emocionadas no perdían un solo detalle de lo que sucedía en el escenario.

Tras un poco más de dos horas de concierto, Lucybell cerró la noche con set de ensueño, en menos de 15 minutos el Teatro Metropolitan se convirtió en una locura al cantar los clásicos “Mataz”, “Mil Caminos” y tras una serie de gritos y porras que los hizo regresar de los camerinos, “Sálvame la vida” cerró de manera poderosa un concierto que seguramente dejó a sus fans más que contentos.

Run The Jewels estrena "Dynamite"

El dúo americano de hip hop ha dado a conocer un nuevo tema que formará parte de la cinta Rubble Kings.

Hace un par de días te dimos a conocer un adelanto de lo que será su siguiente material discográfico con el tema "Oh My Darling Don’t Meow", una versión remixeada de su segundo LP Run The Jewels 2. Ahora, el dúo estadounidense regresa para compartirnos más música.

Se trata del track "Dynamite", el cual formará parte del soundtrack de la película Rubble Kings, misma que será lanzada el próximo 30 de octubre vía Mass Appeal Records. Rubble Kings es un documental que narra la vida de algunas pandillas de Nueva York, así como el nacimiento de la cultura hip hop en aquel país.

Cabe señalar que este nuevo tema de Run The Jewels forma parte de la serie Adult Swim Singles en el que han participado artistas como D∆WN (Dawn Richard), Cherry Glazerr, Kitty, Owen PallettYung Lean. La serie de colaboraciones cerrará la próxima semana con algunos bonus tracks de los músicos Shantih Shantih, Dasher, Low Estate y Scanning Antarctica.

El sonido que transmite "Dynamite" es fresco y chispeante a la vez, con un beat efervecente que te hace escucharla una y otra vez. Si el nuevo corte de dúo estadounidense es de tu agrado, entonces no dudes en descargarla de manera gratuita a través del sitio Adult Swim Singles en lo que esperas su nuevo material de larga duración bajo el nombre de Run The Jewels 3 el cual se tiene previsto que salga el próximo año.

Tracklist de Meow The Jewels:

  1. Meowpurrdy (El-P Remix)(featuring Snoop Dogg, Lil Bub, Maceo and Delonte)
  2. Oh My Darling Don’t Meow (Just Blaze Remix)
  3. Pawfluffer Night (Zola Jesus Remix)
  4. Close Your Eyes and Meow to Fluff (Geoff Barrow Remix)
  5. All Meow Life (Nick Hook Remix)
  6. Lie, Cheat, Meow (Prince Paul Remix)
  7. Meowrly (Boots Remix
  8. Paw Due Respect (Blood Diamonds Remix)
  9. Snug Again (Little Shalimar Remix)
  10. Creown (The Alchemist Remix)
  11. Angelsnuggler (Dan the Automator Remix)
  12. Creown (3D Remix)

Bloc Party estrena "Exes"

"Exes" es como un algodón de azúcar que no quieres que se acabe.

Hace un par de meses nos enteramos de una gran noticia. Después de un largo periodo de ausencia, Bloc Party regresaría al estudio de grabación para lanzar un nuevo disco y emprender una gira por diferentes países de Europa, aunque también anunciaron cambios en su alineación.

Aunque en su momento los integrantes de Bloc Party confesaron que su relación no era del todo buena, y que sólo se mantenían unidos gracias a la música, al parecer eso no fue suficiente en esta ocasión, ya que se anunció oficialmente la salida de dos de sus integrantes. Se trata de Gordon Moakes (bajo) y Matt Tong (batería).

bloc party

Ahora, con nuevos integrantes y después de un receso, Bloc Party regresa para apoderarse de nuestros oídos sin pedir permiso, pues recientemente dieron a conocer un par de canciones de lo que será su nuevo y esperado disco en un programa de la BBC el fin de semana pasado estrenando dos nuevos temas: "The Good News" y "Exes". Así también, han anunciado que lanzarán un nuevo tema hoy por la noche.

La música tiene el don de tocarnos el corazón y la cabeza de distintas maneras. "Exes", el nuevo tema de Bloc Party, es precisamente un buen ejemplo de ello ya que tiene la medida exacta de nostalgia y balada que se conjugan con otros instrumentos para producir un sonido relajante e hipnotizante.

La banda británica ha publicado algunas fotografías desde el estudio y el proceso creativo que ha llevado consigo lo que será su nuevo material a través de su cuenta en Instagram, además de algunas presentaciones que ha tenido el grupo recientemente. Cabe mencionar que la banda liderada por Okereke tendrá una gira próximamente por diferentes ciudades de Europa como Berlín, París y Londres.

 

Lana del Rey - Honeymoon

¿Lana del Rey conquistó o defraudó con su nuevo disco?

Lana Del Rey sin ser la típica cantante pop, se ha envuelto en un universo melancólico que causa revuelto ante cualquier comentario o release. Honeymoon, la nueva producción de la cantante, mantiene la dualidad entre letras sentimentales y dolorosas, con las que cualquier chica que haya sufrido un corazón roto puede identificarse; y las que invitan a disfrutar de los placeres de la vida sin culpa.

Con una introducción instrumental, que marca el ritmo lento en el que se desenvuelve mayormente el disco, “Honeymoon” nos sumerge a un universo que va sin prisa, recorriendo las diferentes rutas vocales que Lana conoce pero que suena infinito y pesado al no tener variación alguna.

Aumentando un poco la energía, “Music To Watch Boys To” con destacados sonidos percusivos y jugando con diferentes capas en los coros despierta la atención, provocando ligeros movimientos en el cuello, que serán erradicados al escuchar  “Terrence Loves You”.

La imagen de Dios es usada recurrentemente por la cantante, curiosamente cada una de las canciones que contienen algún elemento religioso, tanto en esta producción como en las anteriores, resultan atrayentes sobretodo cuando le agregas la historia de algún Bad Boy, como en el caso de “God Knows I Tried”.

Para combatir  la monotonía que puede acosar a los ritmos lentos, Lana da un giro con sonidos entrecortados y bajos generosos cargados de esa energía sensual que sólo se puede dar al nivel de las olas en “High By The Beach”. Para la mitad del disco, haciendo uso de un efecto de sample de video casero, se inicia el descenso de ritmos.   

“Salvatore” destaca por las frases en italiano y un sonido que impregna la atmósfera de melodías suaves, armoniosas y totalmente clásicas, lo cuál podría volverse tedioso, pero si se pone atención, se puede apreciar que es una composición nada simple, dejando toques de este modo de producción a “The Blackest Day”.  

Cerrando con el cover de Nina Simone, “Don’t Let Me Be Misunderstood”, Del Rey en esta nueva producción con 14 canciones, apuesta por un disco no apto para las pistas de baile, juega con algunos sonidos pop sí, pero se mantiene siempre bajo la línea de la melancolía y la suavidad sonora.

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Battles - La Di Da Di

Battles y el arte de las repeticiones.

“Nueva York es la capital del mundo”, “I love New York” ¿Cuántas veces hemos oído, visto en playeras o leído en algún lado estas frases? Se han repetido tanto que se han vuelto estereotípicas, han pasado a formar parte de lo mainstream y han perdido su significado. La costumbre, frecuencia o repetición (llámenle como quieran), por lo regular tiene ese efecto, harta. Sin embargo, Nueva York es casa de unos maestros en la ciencia de la repetición, un trío musical llamado Battles, que con el estreno de su tercer larga duración, nos muestra que no todo lo que se repite tiene ese efecto.

Los neoyorquinos, han entregado un material perfectamente cronometrado y han demostrado una gran sincronización entre ellos. Sus canciones están llenas de melodías complejas, repeticiones y se nota una gran planeación previa a la grabación.

A pesar de que se nota el tiempo invertido, el álbum puede llegar a ser tedioso. Mientras que la primera mitad del disco es agradable, sorprendente y fuera de lo común; la segunda mitad se llega a volver pesada y predecible debido a esa misma esencia repetitiva por la que Battles siempre ha abogado. No obstante, eso no es necesariamente malo, pues se convierte en ese clásico disco que, aunque una parte de ti ya se aburrió, no puedes dejar de oírlo por la complejidad que encierra.

En cuanto a las canciones, destacan: “The Yabba” por su complejidad y duración; “Cacio e Pepe”, una de las canciones más repetitivas y que mejor reflejan esa esencia de amor-odio que provoca su música;  “Dot Net” que por momentos suena a Daft Punk; “Summer Simmer” y “Luo Le”, que cierra el álbum con una composición sinfónica y demasiado avanzada para los oídos comunes.

La Di Da Di, en resumen, es un álbum bueno, a secas. Claramente tienen una esencia definida, la sincronización entre Ian Williams en la guitarra y teclados con el guitarrista David Konopka no podría ser mejor y la intensidad de John Stanier en la batería no podría ser mayor. Sin embargo, les falta tener la misma lucidez a la hora de componer en todas sus canciones. Con este material Battles reafirma que no temen romper con lo habitual y abusar de las repeticiones en sus canciones. Ya sólo les falta dar ese paso a la constancia en la composición, no cabe duda de que, si lo logran, pasarán a la historia como todos los artistas que, al igual que ellos, tuvieron el valor de romper con lo acostumbrado en la música.

The Dead Weather - Dodge and Burn

Dodge and Burn, la bomba de tiempo de The Dead Weather.

Un lustro fue necesario para que uno de los supergrupos más explosivos de nuestros tiempos presentara su tercer álbum. Como Jinetes del Apocalipsis regresan Jack White, Dean Fertita, Jack Lawrence y Allison Mosshart para dilatarte las pupilas y hacerte perder el control con Dodge and Burn.

El omnipresente Jack White y compañía, estuvieron bastante ocupados con sus otros proyectos estos cinco años. Si bien ya se habían adelantado dos tracks en 2013 y otros dos en 2014, este disco era una bomba de tiempo. Ahora llegan ocho temas más, igualmente cargados con bajo y batería peligrosos, teclados retro, guitarras corrosivas y juegos vocales merecedores de un exorcismo.

El sencillo “I Feel Love (Every Million Miles)” abre el disco con desafiantes riffs de guitarra y una batería intrépida. A su vez los aullidos de la vocalista y el cambio de tempo logran hipnotizarte desde los primeros minutos.

Inmediatamente “Buzzkill(er)” narra una confrontación directa entre Mosshart y el mismísimo Dios, que va acompañada de un sonido retro liderado por el zumbido de guitarra, que da nombre a la canción.

“Three Dollar Hat” es como un hoyo negro que inevitablemente nos jala hacia la bocina, mezclando limpiamente blues, trip hop y metal. Jack White rapea con su estilo único, la historia de un hombre trastornado llamado Jackie Lee, que pretende balear a un tal Johnny. A media canción, el ritmo misterioso que lo acompaña es interrumpido por una tempestad de toms de batería, que abren paso a una pelea a muerte entre los instrumentos y la voz enloquecida de Allison Mosshart. Después, regresamos de golpe al trip hop, donde Jack White cuenta el desenlace de esta historia.

El control y el juego vocal de Allison Mosshart son místicos y a la vez salvajes. Su voz llena de eco nos puede llevar a un viaje alucinante al estilo de Natural Born Killers en “Too bad”; pero también nos invita a vibrar de euforia haciéndola rechinar como vidrios siendo tallados, en “Rough Detective”.

“Imposible Winner” cierra el disco y nos aterriza con una balada majestuosa entre un piano e instrumentos de cuerda frotada, perdiéndonos en un ideal atardecer sin ganadores.

Dodge and Burn es un disco para escapar de la ley, volar todo en mil pedazos y aventarse al vacío con una sonrisa torcida. Es una pena que The Dead Weather no tenga intenciones de hacer una gira con este disco; al menos no por ahora. La calidad y la adrenalina embriagante de este álbum no sólo no te van a decepcionar, sino que te harán adicto a ella.

La literatura y su influencia musical

Desde simples títulos de canciones hasta nombres de bandas, es así como la literatura ha tenido un papel fundamental en la escena musical.

Podría pensarse que en el mundo de la literatura no hay espacio para el rock, pero no es así. Por extraño que pudiese parecer, ambas expresiones artísticas se han encontrado en numerosas ocasiones como si de dos amantes se tratara.

Las novelas, los poemas y sus autores han nutrido el imaginario de varios discos y canciones de la moderna música popular. Veamos algunos ejemplos de bandas que han caído bajo la sugestión del poder verbal de grandes clásicos.

The Velvet Underground

The Velvet Underground

No sólo es el nombre de la banda de rock estadounidense formada por Lou Reed y John Cale, sino también se trata de una novela que escribió el periodista Michael Leigh en la que reporta ciertas actividades sexuales que vive la clase media americana en los años sesenta. Se dice que fue un amigo de Lou Reed y Sterling Morrison y hermano de Maureen Tucker, quien encontró tirado en la calle una copia de dicho libro y de ahí fue que tomaron su nombre para crear uno de los grupos más importantes e influyentes de la década de 1960.

Belle and Sebastian

Belle

La banda escocesa tomó su nombre de un libro infantil llamado Belle et Sébastien escrito por la francesa Cécile Aubry en el que se relatan las aventuras de un chico de nombre Sébastien y su perro Belle. Fue tal el éxito de la obra que se decidió llevar a la televisión en formato de serie en 1965 y más tarde en formato de dibujos animados. Hoy en día, también se materializa en un grupo de música con casi 20 años de trayectoria.

Joy Division

Joy Division

La banda liderada por Ian Curtis tenía otro nombre antes de llamarse como los conocemos actualmente y qué mejor que lo hayan cambiado porque quien sabe si hubiesen tenido el mismo éxito; su nombre era Warsaw. Debido a que ya existía una banda con el mismo nombre, Warsaw Pakt, decidieron cambiarlo por Joy Division gracias a la novela House of Dolls (1955) del escritor judío Yehiel Feiner, también conocido por su seudónimo Ka-Tsetnik 135633. En el libro se hace referencia a grupos de mujeres judías llamados "Joy divisions", que eran usadas como esclavas sexuales por los soldados nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

The Doors

The Doors

Jim Morrison llamó a su grupo The Doors en honor al libro The doors of perception de Aldous Huxley publicado en 1954, quien a su vez, se había inspirado en una cita del poeta inglés William Blake. Una de las novelas más famosas del escritor inglés es Brave New World también conocida como Un Mundo Felíz del año 1932 y en la cual ofrece una visión pesimista del futuro y de la sociedad.

Así también, a la temprana edad de 22 años Morrison se inspiró en la novela Voyage au bout de la nuit o Viaje al fin de la noche del escritor francés Louis-Ferdinand Céline para crear la canción "End of The Night", por supuesto, antes de ser famoso y líder de la agrupación.

Moby

Moby

El compositor de música electrónica Richard Melville Hall tomó su nombre artístico de uno de los libros más famosos de su conocido tío bisabuelo, el escritor estadounidense Herman Melville, Moby Dick publicado en 1965.

Led Zeppelin

Led Zeppelin

Fue una banda inglesa formada en 1968 y liderada por Jimmy Page y Robert Plant. En 1969 lanzaron su segundo disco Led Zeppelin II, en el cual se incluye el tema "Moby Dick" en clara alusión a la novela de Melville. También existe otra referencia literaria en ese mismo álbum. Quienes hayan leído El Hobbit y El señor de los Anillos reconocerán en "Ramble On" la mención al personaje Gollum y a Mordor, la región donde debe destruirse el anillo imaginado por J. R. R. Tolkien y es que Robert Plant, el vocalista, había leído ambas historias con gran entusiasmo.

The Beatles

The Beatles

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es el octavo álbum de estudio de la banda británica The Beatles y es considerado a menudo como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos. El álbum destaca tanto por su música, como por su concepto. La portada, diseñada por el artista Peter Blake, incluyó una fotografía de los cuatro integrantes vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los cuales figuran varios escritores.

Ahí están Edgar Allan Poe, Herbert George Wells, Aldous Huxley, Karl Marx, Lewis Carroll, George Bernard Shaw, Oscar Wilde y Dylan Thomas. También figura Bob Dylan, que además de músico de rock e ícono cultural de la época, puede ser definido como poeta por las formidables letras de sus canciones. Todos ellos aparecen detrás del grupo junto con otras personalidades de diversos ámbitos, para simular el público de un concierto recién terminado.

Entrevista con Carla Morrison

Amor Supremo, un giro de 180 grados en la carrera y vida de Carla Morrison.

Han pasado tres años desde la salida de Déjeme Llorar, álbum debut de Carla Morrison, disco que la catapultó como una de las cantautoras mexicanas con más éxito no sólo en nuestro país, sino en el continente y parte de Europa. Ahora, está a punto se salir al mercado Amor Supremo, álbum que promete dar un giro musical de 180 grados en la carrera e imagen de Carla. Motivo por el cual tuvimos el placer de recibirla en la Casa Indie Rocks! para platicar con ella acerca de esta nueva etapa en su vida, su nuevo sonido, la importancia de los besos en la vida y el poder de la música.

“Las canciones de este disco las compuse durante el tour de Déjenme Llorar, compongo como una o dos canciones cada dos meses, compongo muy poco. Renté una casa en playas de Tijuana y fui a producir el disco durante 8 meses. La verdad ya necesitaba descansar, estaba muy enfadada de todo y de todos, necesitaba volver a mí. Todo lo que ha pasado en mi carrera fue muy rápido, entonces naturalmente no lo tomé muy bien, no digo que la haya pasado mal, sólo siento que era muy abrumador. Ahora me siento como descansada, centrada, más tranquila”, contó.

Amor Supremo será un disco que significará mucho para la carrera musical de Carla Morrison, contrario a lo que seguramente las personas esperan escuchar de él, este álbum será muy diferente a su antecesor.

“El disco no es que venga obscuro, aunque no creo que la obscuridad sea algo negativo, sólo creo que todos tenemos un lado más serio y un lado como con otro tipo de deseos. En este disco quiero mostrar una parte mía más carnal y de más mujer. Definitivamente es un disco mucho más atmosférico, lleno de sintetizadores; no hay guitarras, tal vez sólo dos en algunos arreglos. Tiene muchos detalles, probablemente sea un disco que sí sane porque es triste, pero aparte es mucho de aceptación. Siempre que lo escucho me gusta que sea en la noche, te trae muchos paisajes, si piensas en un mar, piensas en un mar frío, si piensas en un bosque, será un bosque lluvioso, es muy interno. Hay muchas cosas pasando en él, no sé si el tequila sea un buen acompañante de este disco como del anterior, probablemente ahora sean las drogas y eso que no hubo drogas incluidas en su proceso”, comentó entre risas.

Carla Morrison

Parte del gran éxito que ha tenido Carla, se debe al contenido de sus letras, mismas que tocan los sentimientos más profundos de las personas que las escuchan y que para este material también tendrán un pequeño cambio, como se podrá notar en una de sus favoritas.

“Yo diría que tal vez son un poco más poéticas, siguen hablando un poco de tristeza y desamor, pero siento que de una manera más madura, no sólo culpando, sino también hablando de mis errores. Yo solía enfocarme en la parte principal de la relación o en la final, y siento que esta vez estoy hablando de lo que conlleva tener una relación, de cuando tú mentalmente tomas la decisión de estar con una persona. En este disco hay una canción que se llama "Flor Que Nunca Fui", tiene una letra muy hermosa, me gusta mucho como la creé. La escribí como alrededor de hace cuatro años, estaba muy impactada por una relación que tenía, la persona con la que salía me trataba muy bien y yo no estaba acostumbrada a que me trataran tan bien, siempre era como muy complejo o muy raro, nos gusta que nos traten mal. Me parecía como muy bonito que me hicieran sentir como una flor que yo no era o que nunca fui para alguien”, confesó.

El primer sencillo de Amor Supremo se llama “Un Beso”, tema que deja ver los primeros cambios de la nueva etapa de Carla Morrison. En parte de esta canción se puede escuchar la frase: “Yo te voy a robar, te voy a secuestrar, yo te voy a robar como un beso”. Así que le preguntamos cuándo había sido la última vez que había robado un beso, además de lo que para ella significa el hecho de juntar los labios con otra persona.

“¡Wow que buena pregunta! Eso fue hace como tres años (risas). Yo siento que el beso es un acto que puede tomarse muy a la ligera, pero definitivamente creo que es como un ingrediente básico de la persona con la que estás y que muy probablemente si no lo hace bien no sigas ahí. Es muy fuerte la firma de un beso de alguien, además de que cuando tú permites que alguien te bese o tú besas, estás dando como gran parte de tu ser por ahí, hay una conexión mucho más espiritual, que física, aunque tomemos muy a la ligera muchas veces a un beso, pienso que es una inyección de amor y a la vez una inyección de ti hacia la otra persona, y en el primer beso, ahí se deciden las cosas”, compartió.

¿Y qué hay del dolor? “Creo que sufrir es una parte vital del ser humano, si no sufres no creces, la vida es muy sabia y te pone en el lugar correcto para sufrir y para crecer, entonces creo que el llorar, el pasarla mal te hace distinguir de cuando estás bien. Si siento que el dolor es un área de oportunidad en tu vida, es como, se va a escuchar algo vulgar, pero es como cuando a una chica le comienzan a crecen los pechos, duelen pero son preciosos”, aseguró.

La música también es algo vital para la vida de muchas personas. “Es muy importante, muy fuerte, en mi vida tiene un efecto impresionante, yo puedo estar muy triste y si despierto escuchando Radiohead, vale madre todo, me siento aún más mal, o más melancólica, si me siento muy mal pongo reggae, porque siento que me va a hacer sentir que todo va a estar bien, es muy fuete, la verdad es que me he preguntado varias veces eso en mi vida, porque para mí es una salvación, me inspira demasiado, no sé de dónde viene ni cómo funciona la existencia y la raíz de la música, pero me parece que es un gran regalo", dijo.

Actualmente, las mujeres están teniendo un gran éxito en la música de nuestro país, casos como el de Julieta Venegas, Natalia LafourcadeMon Laferte y Carla Morrison, son un reflejo de que el trabajo, esfuerzo y mucho apoyo mutuo ayudan a triunfar.

“Me inspira mucho cuando escucho una canción de Julieta, Natalia o de Mon, como que me inspiran, digo: ¡ahuevo es mujer, si ella puede yo también! a mí me inspiran más que sentir que es una competencia, me da mucho gusto que a Mon le esté yendo muy bien, que Julieta haya sacado nuevo disco, que a Natalia la hayan nominado cinco veces al Grammy. Siento que las mujeres estamos para apoyarnos", concluyó.