Katatonia en el Circo Volador

Metal para un corazón que cae.

La banda sueca de metal progresivo Katatonia, se presentó en nuestro país el domingo 28 de agosto con su tour Fallen Hearts of South America 2016, para tocar las fibras más sensibles del corazón de su público y hacerlos vibrar con su estilo exquisito y oscuro.

A las 8 de la noche las luces del escenario principal del Circo Volador se apagaron. Entre humo, gritos y emoción salieron al escenario Jonas Renkse (voz), Anders Nyström (guitarra), Niklas Sandin (bajo), y los nuevos miembros Daniel Moilanen (batería) y Roger Öjersson (guitarra), para impregnar el aire de notas musicales llenas de eso que solo ellos saben crear.

Una atmosfera lúgubre y melancólica envolvió el lugar para dar paso a “Last Song Before the Fade”, canción de su nueva producción The Fall of Hearts. El público se entregó de inmediato y las manos llenas de horns up no se hicieron esperar para alabarlos, aunque no hubo respuesta inmediata por parte de ellos. “Deliberation” y “Serein” tuvieron presencia para seguir enganchando al público y marcaron notablemente dos diferentes momentos de la banda a través del sonido de la guitarra.

El reverb inicial y riff de “Dead Letters” abrió paso al headbanging, y fue así como todas las cabezas empezaron a seguir el ritmo de la canción mientras Jonas Renkse cantaba “My heart couldn't feel more pale, only once could I see clear”. La banda resucitó y sonrió ante un público extasiado.  

El viaje continuaba su camino cuando “Liberation” hizo aparición en los oídos con su ritmo inestable y su estilo decadente, dejando muy clara la versatilidad musical que pueden lograr. “Teargas”, “Criminals”, “Soil's Song” y “The longest year” se juntaron para representar el pasado de una banda con historia, que aprendió a combinar diferentes estilos y géneros llenando sus canciones de emotividad y profundidad.

“The Racing Heart” del Dead End Kings de 2012 abrazó los sentimientos de los presentes y llenó los corazones de recuerdos con su lírica y melodía melancólica; colmada de verdad para el que quería escuchar la historia en sus notas. Las puertas del inframundo se abrieron de par en par y “Nephilim” dio la bienvenida. Los colores en el escenario se alternaban, el morado, verde y rojo cambiaban para darle tonalidades a la música que se escuchaba. El público estaba absorto.

Katatonia comenzó a jugar con las emociones del público a través de la música. La guitarra y batería de “Old Heart Falls” acompañaban a una lírica que contaba historias de amor lentamente. Una guitarra de sonido contundente empezó a tocar y “Leaders” se presentó frente a nuestros oídos potente, sombrío, casi industrial. “Hypnone” y “Buildings” hicieron tributo a los vestigios de algo remoto y bello, e “In the white” y “Forsaker” dictaron los últimos momentos del encuentro.  

El final estuvo a cargo de “My Twin”, “Leathen” y “July”. Al concluir, los presentes recogieron sus corazones y partieron a través de la noche en búsqueda de tu propia oscuridad.   

Ryley Walker – Golden Sings That Have Been Sung

La perfección radica en la simpleza.

¿Qué es la perfección? ¿Qué características le dan a un objeto la calificación de perfecto en una determinada categoría? Estas son algunas de las preguntas sobre las que ha reflexionado la filosofía a lo largo de la historia. Las respuestas son muchas según la época y según el intelectual; sin embargo, la respuesta no está tan solo en la opinión de los filósofos y genios del pasado, múltiples músicos a lo largo de la historia nos han demostrado lo que es la perfección, solo hay que pensar en un Nevermind de Nirvana, The Dark Side of the Moon de Pink Floyd o Abbey Road de los Beatles para darse cuenta de que la música tiene su propia versión de la perfección, concepto del que encontramos otra acepción en Golden Sings That Have Been Sung, el más reciente álbum de Ryley Walker.

Golden Sings That Have Been Sung muestra un claro avance de Walker desde sus dos LPs pasados, Primrose Green y All Kinds Of You. Al igual que el título del material, el disco tiene una esencia retro y nostálgica con un sonido claramente influenciado por el folk rock de los 60 combinado con tintes de jazz y blues. Se percibe la influencia de artistas legendarios como Tracy Chapman, Cat Stevens, Bob Dylan y John Fahey; además de cierta similitud con Jack Rose, Steve Gunn, William Tyler y Jonathan Wilson.

Esta nueva placa destaca por su simpleza: en ninguno de sus cortes abusa de los instrumentos, son notas simples y letras sencillas, pegajosas y, en ocasiones, repetitivas. Todo inicia con “The Halfwit in Me”, una canción con un comienzo calmado en guitarra donde poco a poco empiezan a entrar otros instrumentos, sumiéndote en un estado profundo de relajación y concentración.

Después continúa con “A Choir Apart”, "Funny Thing She Said” y “Sullen Mind”, pistas que combinan jazz y folk. Destaca “Funny Thing She Said”, rola que despierta en la imaginación esa escena en blanco y negro, en el bar con un vaso de whisky mientras reflexionas acerca de ese desamor que acabas de sufrir recientemente.

Posteriormente llegan “I Will Ask You Twice” y “The Roundabot”, los tracks más más alegres, melodiosos y pacíficos; con unos coros pegajosos con los que terminarás cantando “[…] And will you marry me baby? I will ask you twice” y “You can find me in the roudabot”, respectivamente.

Finalmente, el material concluye con “The Great and Undecided”, pista con la característica melancolía y tonos tristes que acompañan al blues; y “Age Old Tale”, el cierre perfecto, con un intro que suena a golpes de lo que parece ser un martillo, evocando imágenes de campos en las mentes de las personas, paisaje característico del folk para continuar con sonidos del blues y jazz, como una compilación de los géneros que integran esta composición.

En conclusión, Ryley Walker demuestra, más que nunca, sus raíces musicales y, aunque aún le falta mucho por alcanzar a las leyendas que iniciaron este género, se nota la evolución que ha tenido con el paso de los años y sus habilidades de composición. El artista norteamericano ejemplifica que un buen material no necesariamente está lleno de notas y melodías complicados y, que la perfección de ciertos discos, radica en la simpleza de sus notas y el sentimiento que le imprime el artista.

Visita el Facebook de Ryley Walker para seguir todas sus noticias.

Entrevista con Jack and The Ripper

Conoce a Jack and The Ripper, participantes del primer VR FEST en México.

La música de Jack and The Ripper suena simple, aunque no lo sea; se confunde con un sonido noventero a pesar de que sus integrantes (Jack y Ripper) apenas probaron esa década; también suenan a banda de Seattle sin importar que sean chicos Condesa. Todo en este dueto parece no ser sacado de otra realidad. Tal vez sea por eso que decidieron experimentar con otro mundo: el virtual.

Hace unos meses el dueto presentó una aplicación en la que, a través de la realidad virtual, muestran el video de la canción: “I tried to sell my soul”. El video es innovador para el rock nacional, no es la primera vez que un músico usa una app para promover su arte (Otaola ya lo hizo hace un par de años) pero sí es la primera vez que se utiliza la realidad virtual para lanzar un video musical. Pero ¿cómo fue que empezó? ¿De donde nació la idea?

“Todo empezó como una aplicación de realidad virtual que desarrollamos por nuestra cuenta”, dice Jack“Sentíamos que a la larga íbamos a aprender más si lo hacíamos por nuestra cuenta, aunque tampoco decimos que las alianzas o las comunidades atenten en contra del arte, todo lo contrario, así como uno desarrolla una idea, existen otras personas que pueden aportar al mismo arte. Pero con esta pieza en específico, al ser la primera, queríamos que todo el proceso fuera hecho por nosotros mismos”, complementó Ripper.

De acuerdo, lo hicieron por su cuenta, por lo que lo lógico es pensar que, además de músicos se trata de un par de graduados en ingeniería de sistemas, o algo así. “Tenía ciertos conocimientos mixtos que luego se tuvieron que utilizar. Cosas como hackear un juego de los Sims y a los 13 años hice mi primer juego en flash. Pero el resto de programación lo aprendí con tutoreales en línea”, dice Jack mientras lo miro sorprendido por lo que Ripper siente la necesidad de explicarme mejor cómo fue que un par de jóvenes pudieron aprender algo tan complejo como la programación de una aplicación y además la realización de un video de realidad virtual: “Teníamos la experiencia de haber aprendido a producir por nuestra cuenta, no es exactamente lo mismo pero la concentración que debes de tener para poder dominar este conocimiento es muy similar”.

Después de entender el proceso de aprendizaje y realización me llega la noticia de que no están conformes con un sistema para celular, tampoco quieren limitarse a un video. Por lo que para el festival VR FEST MX, el primer festival de realidad virtual que se realizó en el Foro Indie Rocks!, desarrollaron una nueva app para poder disfrutar en vivo de una experiencia tecnológica y musical: “El concierto fue una versión tablet y smartphone. El chiste es que el público esté con los celulares. Leemos mucho que existe el conflicto de que los venues no les parece que la gente esté con sus teléfonos, entonces en lugar de prohibirlos esta es una forma de aprovecharlos", comenta Ripper.

Al saber esto pienso ¿qué papel ha tenido, tiene y tendrá, la tecnología en la música? ¿Es tan importante como la música misma? “La tecnología siempre ha revolucionado, ve a Bob Dylan cuando empezó a tocar la guitarra eléctrica, siempre ha afectado. En todo, amplificadores, instrumentos y métodos de grabación y ahora el streaming” opina Ripper, mientras que Jack tiene una visión más romántica del asunto: “Siento que una aplicación es una forma de arte. Cualquiera. Uber es una maravilla, digna de la época de Tesla. El hecho de crearlas y que sean estéticamente agradables además funcionales, para mí, es poesía pura”.

Jack and The Ripper no se trata de una banda que llene un Plaza Condesa, se trata de un par de artistas de la tecnología que buscan desde su trinchera revolucionar el arte a través de una lucha tecnológica. Esto lo logran al ver precisamente a la tecnología como una simple herramienta de difusión y adoptarla como una forma más de creación.

Visita el Facebook de Jack and The Ripper para seguir todos los detalles de la banda.

Trentemøller estrena video para "Redefine"

Mira el video del segundo sencillo de Trentemøller.

El productor danés de música electrónica Anders Trentemøller, se encuentra a solo algunas semanas del lanzamiento de su próximo material de estudio Fixion a través del sello discográfico In My Room.

El primer sencillo que pudimos escuchar de Fixion fue el tema River In Me con Jehnny Beth, cantante de Savages. La canción fue acompañada por un video musical dirigido por Riton Emenius, proyecto de Åsa Riton y Andreas Emenius.

Ahora, el músico originario de Dinamarca, comparte su segundo sencillo “Redefine” con la vocalista Marie Fisker, el cual llega con un visual a cargo también de Riton Emnius.

En este clip somos testigos de cómo dos personas se dejan guiar por la energía y la tensión sexual en pleno supermercado, en el que terminan involucradas bolas chicles y cajas de detergente.

Fixion, que estará disponible en formato digital, CD y vinilo a partir del 16 de septiembre, es un disco que busca la sincronización entre la música y las letras con el fin de crear una mejor experiencia. “Buscaba llevar el álbum a lo más orgánico, donde las vocales destacaran más”, declaró Trentemøller para Indie Rocks! “Estoy en un punto en donde encuentro la composición de canciones tan fascinante como la producción”.

No olvides checar la entrevista completa de Trentemøller en este enlace.

Wilco estrena "Someone to Lose"

De su nuevo álbum Schmilco, la banda originaria de Chicago comparte el sencillo "Someone to Lose".

Hace un par de meses Wilco estaba de festejo con Star Wars, cuya placa había cumplido un año de publicación desde su lanzamiento del 16 de julio de 2015, pero eso no fue todo ya que como parte de esta celebración la banda de Chicago regaló un tema titulado "Locator".

Dicho corte pudo haber sido la insinuación de lo que sería un nuevo trabajo de larga duración por parte de Wilco, pues a los pocos días el sexteto liderado por Jeff Tweedy, anunció la llegada de su onceava placa discográfica bajo el nombre de Schmilco. Fue entonces que "Locator" estaba confirmada para formar parte de este nuevo LP al igual que "If I Ever Was a Child", segundo sencillo que fue compartido el mismo día de la noticia.

Wilco portada

Ahora la agrupación estrena un tercer adelanto a pocos días del estreno de Schmilco; el cual estará a la venta a partir del 9 de septiembre a través del sello dBpm y la canción se titula "Someone to Lose", un tema tranquilo muy al estilo de Wilco.

Recuerda preordenar Schmilco desde aquí, mientras te compartimos "Someone to Lose".

Bon Iver comparte "33 GOD"

Bon Iver está de vuelta con 22, A Million y ahora estrena una canción más.

"33 GOD" es el nombre del nuevo corte de Bon Iver, proyecto liderado por Justin Vernon quien publicará su tercera placa de estudio 22, A Million el próximo 30 de septiembre bajo el sello Jagjaguwar. Este nuevo corte fue grabado y producido en April Base Studios en Fall Creek, Wisconsin, el cual está acompañado de un lyric video.

Previamente, Bon Iver se presentó en el Festival Eaux Claires Music & Arts curado por el propio Vernon y Aaron Dessner (The National) y realizado en su natal Wisconsin, lugar donde fue el estreno mundial de 22, A Million al interpretar completamente en vivo todo el álbum.

“22 (OVER S∞∞N)” y 10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄”, fueron los primeros tracks liberados en versión extendida, los cuales ya puedes disfrutar en todas las plataformas digitales.

Mientras tanto, aquí abajo te compartimos el arte de la portada creado por el artista neoyorquino Eric Timothy Carlson, así como las canciones que estarán incluidas en 22, A Million, y desde este enlace ya puedes pre ordenar la nueva producción de Bon Iver.

Bon Iver 2

Tracklist de 22, A Million:

1. 22 (OVER S∞∞N)
2. 10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄
3. 715 – CR∑∑KS
4. 33 "GOD”
5. 29 #Strafford APTS
6. 666 ʇ
7. 21 M◊◊N WATER
8. 8 (circle)
9. ____45_____
10. 00000 Million

Devendra Banhart comparte "Saturday Night"

Sensualidad al estilo Devendra.

Hace un par de meses te compartimos la noticia de que Devendra Banhart lanzaría un nuevo material discográfico. Su próxima entrega llevará por nombre Ape in Pink Marble y estará a la venta a partir del 23 de septiembre a través del sello Nonesuch Records.

Luego de conocer el primer sencillo con “Middle Names”, ahora el músico nos comparte un segundo adelanto. La canción se titula "Saturday Night", una pieza musical que derrocha sensualidad y que bien puede ser el soundtrack de una noche de pasión.

Devendra Banhart

Recordemos que Devendra visitó recientemente la CDMX para promocionar su libro I Left My Noodle on Ramen Street, el cual viene acompañado de pinturas, dibujos y otro tipo de archivos de la prensa que recogen algunas historias de Banhart en la última década.

Tracklist de Ape in Pink Marble:

01 Middle Names
02 Good Time Charlie
03 Jon Lends a Hand
04 Mara
05 Fancy Man
06 Fig in Leather
07 Theme for a Taiwanese Woman in Lime Green
08 Souvenirs
09 Mourner’s Dance
10 Saturday Night
11 Linda
12 Lucky
13 Celebration

Sigue a Devendra Banhart en sus redes sociales:

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VR FEST MX 2016

¡Así vivimos el primer festival de realidad virtual en México!

VR FEST MX es el primer Festival Internacional de Realidad Virtual en el país y el Foro Indie Rocks! –además del Centro de Cultura Digital– fue la sede designada para presenciar la participación de ponentes nacionales e internacionales que presentaron el trabajo que se hace desde hace tiempo con este tipo de tecnología, con la que podemos interactuar en un mundo virtual.

VR FEST MX fue una experiencia de otro mundo, y de manera literal. Durante el fin de semana, los asistentes al festival tuvieron la oportunidad de viajar a otro mundo no tan lejano del nuestro, gracias a la tecnología que permite crear un espacio inmerso a partir de dispositivos móviles y estáticos para hacer sentir que estamos dentro de una realidad virtual.

Gracias a los espacios VR VILLAGE y VR LAB que se ubicaron en el patio y el primer piso del Foro, todos tuvieron la oportunidad de conocer diferentes mundos virtuales generados por otros medios, además de varios proyectos desarrollados en el país y en el extranjero que se dedican a la realidad virtual y realidad aumentada enlazando algún otro medio como apps, la industria inmobiliaria, videojuegos, marketing, animaciones y cine.

Este festival reunió a desarrolladores, diseñadores, creativos y amantes de la tecnología en un solo lugar por medio de conferencias y experiencias de RV. Entre nuestros invitados tuvimos a ONIRIA, VICON, INTUS, CANVAS y HIDDEN TEARS, quienes ofrecieron conferencias sobre las puertas que nos abre hoy en día la realidad virtual, el funcionamiento, los usos y los alcances de esta tecnología en el futuro, además de la invitación a emprendedores para comenzar proyectos con este tipo de tecnología.

Entre las experiencias que nos ofrecieron nos encontramos con simuladores a través de plataformas como Oculus, Samsung Gear y HTC con vuelos en 360 grados, galerías virtuales interactivas, virtualizaciones por medio de escaneo, y simulaciones de realidad aumentada.

Entre los estantes de diferentes organizaciones que nos introducen a la tecnología y contenido que se realiza en México al mercado internacional, el Foro abrió un área gastronómica que contó con ricos chiles en nogada y hasta botellas de mezcal. Sin olvidar los estantes invitados como PICNIC y obviamente el de Indie Rocks! donde podías adquirir tus revistas de números pasados por si te faltaba alguna en la colección.

Para cerrar el fin de semana con broche de oro, DUX nos dio un performance en 3D con ambiente stereo y nos acompañó Jack And The Ripper con un show musical con AR y AZAIN, un concierto en slow motion, igual que su último sencillo.

Esperemos que la segunda edición esté aún más llena de exponentes mexicanos incursionando en esta industria y sigámosle la pista a este festival.

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Entrevista con Siddhartha

“La música es como otro de los alimentos para el alma”.

Un correo llega a la bandeja de entrada de Editorial. En el asunto se puede leer “Entrevista con Siddhartha”. Y en su interior, el motivo de dicha entrevista: un nuevo disco. Para mi sorpresa, aún siento que fue ayer cuando el músico originario de Guadalajara, Jalisco, nos sorprendió con su álbum El vuelo del pez, pero no es así. Su tercera placa discográfica vio la luz a principios de 2014 y este año está de vuelta con un nuevo trabajo que se antoja escuchar en ambientes soleados y en completa tranquilidad.

La cita es a las 11:15 de la mañana en las oficinas de Sony Music -su nueva disquera-. Muy puntual, me presento en la recepción y ahí está él, registrándose como cualquier persona; pasando desapercibido por esas gafas oscuras que trae puestas incluso por la recepcionista. Intercambiamos miradas y nos saludamos. Ya dentro, me invitan a escuchar su nuevo disco titulado Únicos y acepto con gusto.

“Este álbum lo hice, en una gran parte, en la playa. Es el primer álbum que hago en este entorno y creo que inevitablemente te da cierto mood e impregna a las canciones. Otra parte la hice en Ajijic, en el Lago de Chapala. Creo que es el primer disco que tiene estos tintes de hablar, digamos a nivel emocional, de una relación. Pero también habla de otras cosas como el aspecto humano y hay un par de temas más existenciales de mi persona”.

En total son 10 canciones las que conforman este material el cual fue grabado en la ciudad de Nueva York y Guadalajara, mezclado en Los Ángeles y masterizado en París. Un esfuerzo que estuvo a cargo del propio Siddhartha y de Didi Gutman en la producción. Al momento de escucharlo, es inevitable no desear estar en el mar bajo los rayos del Astro Rey, acompañado por esa persona que piensas de día y sueñas de noche. Es un álbum que transpira paz y tranquilidad, y en el que la naturaleza se convierte en un protagonista más.

“El lugar en el que mejor me siento anímicamente es justo cuando estoy en estos espacios naturales y abiertos. Parte de la intención de haberlo hecho en la playa era estar en este estado de ánimo rodeado de naturaleza porque inevitablemente te transporta y te pone palabras en la boca. Las letras de este disco también sucedieron de una manera muy espontánea y natural”.

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A diferencia de El vuelo del pez, en donde encontramos un par de participaciones como la de Jesús Báez (Zoé) y Caloncho, en este disco hay otro tipo de colaboraciones. “Este álbum lo trabajé con Didi Gutman, entre los dos hicimos la producción. Es la primera vez que trabajo bajo esta fórmula ya que siempre había sido yo el productor de mis discos aunque cabe recalcar que siempre trabajaba con muchas personas y tenía un coproductor. También lo trabajé con Aldo Muñoz, mi socio musical desde hace muchos años, y una pieza también muy importante fue Rul Velázquez”, me explica.

Desde hace unos días, Siddhartha llamó la atención de sus fans al subir unas imágenes en su cuenta de Facebook en donde predominan los colores pasteles y tonos azules, mismos que se van difuminando. Pero esto tiene una explicación: “Estas imágenes las vamos a estar cambiando semana tras semana y representan el paso de la luz durante el día. Va de la noche al amanecer”.

Esto va de la mano con el primer sencillo que se estrenará el viernes 5 de agosto llamado “Tarde”, mientras que el disco saldrá oficialmente a las calles el 23 de septiembre. Ese día, Siddharta emprenderá una gira por diferentes ciudades de Estados Unidos; posteriormente, hará lo propio en México y finalmente visitará algunos países de Latinoamérica en lo que resta del año.

“El disco pasado, digamos que fue un disco reflexivo. Yo estaba en una etapa de cambio de ciclo crucial a nivel personal y este álbum, Únicos, ha sido el reflejo de un periodo de mucho goce y de mucha paz. Como que todo lo que trajo El vuelo del pez y lo que está por venir, y la manera en la que el disco se gestó y llegó hasta su realización, la gente con la que trabajé, la disquera que se integra a esta nueva etapa y todo, como que todo fue viento a favor, entonces siento que a nivel personal refleja un buen estado de ánimo para mí”.

Alguna vez, Carlos Monsiváis escribió en su libro Los rituales del caos que si no fuera por la música, no hubiera salido del vientre materno, y es que la música es tan importante que permea toda nuestra cultura, bifurcándose en estilos y corrientes, por lo que resulta inimaginable no tenerla presente en nuestra vida diaria. Es así como Sidd me confiesa que antes de dedicarse de lleno a esta profesión, estudió Biología un semestre y quizá hubiera optado por ese camino.

“La biología era otro de mis placeres; el analizar la forma y cómo la vida se desarrolla. A lo mejor hubiera estado por ahí pero creo que de todas formas hubiera sido músico, quizá no profesional, pero no me imagino haciendo otra cosa y que la música fuera algo indiferente en mi vida".

La presentación oficial de Únicos tendrá lugar en El Plaza Condesa el próximo 6 de noviembre. En lo que llega el día, aquí te dejamos con su más reciente entrega para que te vayas aprendiendo las canciones y lo disfrutes todos los días.

Angel Olsen – My Woman

Nuestro lado femenino en lo nuevo de Angel Olsen.

El viaje hacia el autodescubrimiento es una friega. Los músicos lo saben; los poetas lo saben; tu vecina, el señor que vende el periódico y tu jefe lo saben. Grandes discos se han compuesto en torno a esa misma realización, sobre el dolor exquisito, la falta de disposición y la renuencia a seguir adelante pese a no acabar convirtiéndote en quién querías ser. El tercer álbum de Angel Olsen, My Woman, podría ser una guía paso a paso del tortuoso proceso, pero no se dejen engañar por el título exclusivo, todos estamos invitados a formar parte del viaje y a sentir las vicisitudes furiosas de la cantautora como si fuésemos ella.

“Still got to wake up and be someone” es uno de los mantras que forman parte de “Intern”, el tema que abre el disco. Si la curiosidad y la confusión prevalecían en su volátil obra anterior, Burn Your Fire For No Witness, aquí acepta con resignación/seguridad quién es, a lo que se enfrentará y lo que perderá en el camino. En medio de los anhelos directos y con una sensación de derrota de “Shut Up and Kiss Me”, el choque en cámara lenta de un desamor de “Not Gonna Kill You” y el último y gentil adiós en “Pops”, Olsen va por cada parada del enamoramiento y el trágico final con una honestidad que ya casi no se escucha hoy en día. Como si los garabatos enojados y las citas escritas apresuradamente en un diario cobraran vida y quemaran el cuaderno donde fueron anotadas.

Claro que, muchos de sus contemporáneos han abordado los mismos temas y puede leerse como algo sin novedad. Es en la cuestión de cómo manejar el canal sonoro en donde un artista hace la diferencia. En el caso de Olsen, ella toma remiendos de las armonías clásicas de los Everly Brothers, los lamentos vocales de Stevie Nicks, las taciturnas ochentenas de Kate Bush y la agresividad impredecible de PJ Harvey. Es una mezcolanza que, al igual que su colega y amigo Mac DeMarco, toma elementos ya conocidos por su eficacia y estética y los hace propios, todo para darle un propósito musicalmente justificado a cada tema.

A todo esto, ¿quién es “mi mujer” de la que habla el disco? ¿Acaso algún ser querido con dedicatoria? ¿Una idealización de Olsen para que alguien la reclame como suya? La pieza central del disco, “Sister”, lo explica muy bien… y a la vez no. “She came together like a dream/but I didn’t know I had” entona con esa voz que suena a k.d. lang arrastrándose después de alguna pelea severa. ¿Será su hermana? ¿Alguna persona de ambigua procedencia? ¿Eres tú, hombre o mujer? Olsen está feliz/asustada/asombrada de que haya alguien del otro lado del espectro, ya sea deseándola o escuchándola. Y por eso quiere que su diario y su corazón, ambos llamados My Woman, sean tuyos para tu propio viaje de autodescubrimiento.