Godspeed You! Black Emperor revela tema de su nuevo álbum

Posted on agosto 30, 2017 by -

La banda canadiense Godspeed You! Black Emperor comparte el track que da apertura a su nueva placa.

A poco menos de un mes de lanzar oficialmente Luciferian Towers, su más reciente material de estudio, Godspeed You! Black Emperor da a conocer el primer corte de este álbum que fue grabado bajo el sello Constellation Records.

"Undoing A Luciferian Towers" —primera de las cuatro piezas que se incluyen en este material que sucede al LP Asunder, Sweet and Other Distress del 2015— es un tema instrumental de casi ocho minutos que nos atrapa en una atmósfera lúgubre que te dejamos a continuación:

Así, esta agrupación de Montreal —inactiva del 2003 al 2009 y en la que algunos de sus miembros han dejado notar su posición política, inclinada al anarquismo, en varios de sus temas— regresa con un nuevo disco que tendremos oportunidad de escuchar en la CDMX a finales de septiembre en la sexta edición del Festival Aural: evento que representará la primera vez que el grupo se presenta en la capital mexicana.

Mientras tanto, esperamos más adelantos del reciente trabajo de Godspeed You! Black Emperor, cuyo estilo post rock experimenta con sonidos progresivos, instrumentales e incluso con texturas minimalistas que los han llevado a ser calificados como expositores del drone ambient.

 

Escucha lo nuevo de Bully

Posted on agosto 30, 2017 by -

"Running", el nuevo sencillo de Bully.

La banda proveniente de Nashville, Bully nos comparte el segundo sencillo de su próximo disco titulado Losing –que estará disponible a partir del 20 de octubre a través de su nueva casa Sub Pop–. Se trata de "Running", una canción que de pronto se convierte en un total caos.

Sobre este track, Alicia Bognanno expresó en un comunicado. "En general, 'Running' se trata de mantenerse distraído desvergonzadamente o inventando excusas para evitar el procesamiento de ciertas emociones".

Disfruta de "Running" y dale play a continuación:

Además, la alineación conformada por Alicia Bognanno, Clayton Parker y Reece Lazarus confirmaron un tour por Norteamérica –programado para febrero y marzo de 2018– en el que visitará lugares como St Louis, Iowa, Minneapolis, San Bernardino, Minneapolis, Chicago, Charlottesville, Dallas, Birmingham, New Orleans, Nashville, Vancouver, Seattle, Denver, Salt Lake City, Kansas y más.

A principios de este mes, Bully presentó su primer sencillo “Feel the Same”, que describe la prisión de una mentalidad maníaca que se queda atrapada en tu propia cabeza.

Escúchala aquí:

Losing ya se puede pre-ordenar en la página oficial de Sub Pop y está disponible en CD, cassette, descarga digital y vinilo. Da clic aquí.

 

#SemanaIR Día 2: Blonde Redhead + Ramona

Posted on agosto 30, 2017 by -

Blonde Redhead seduce nuevamente al Foro Indie Rocks!.

La lluvia, amiga fiel de la melancolía, grata para algunos, insoportable para muchos otros. Fue la primer protagonista en escena, pues desde antes que el Foro Indie Rocks! abriera sus puertas, la lluvia no cesaba, intentando en vano ahuyentar a los fanáticos –que desde mucho tiempo antes esperaban ser los primeros en ingresar al recinto–.

La Semana Indie Rocks! continuaba su andar, celebrando un año más del trabajo y esfuerzo de todos los que hacen posible que nuestros lectores nos hayan vuelto su medio predilecto. En este segundo día, el anhelo de que el sold out del concierto de Blonde Redhead fuera memorable se percibía en el ambiente, aunado a la duda sobre el setlist que en esta ocasión interpretarían, pues la noche anterior la ejecución de inicio a fin del Melody of a Certain Damaged Lemons fue excelsa.

Ramona, banda originaria de Tijuana –y actuales residentes de la Ciudad de México– fueron los designados de encender los ánimos entre el público que a temprana hora abarrotaron la pista del recinto. “Cecilia”, “Colores”, “Dharma” –entre otros temas– fueron atentamente escuchados por el público, reaccionando positivamente ante la animada presentación de la primera banda que cubrió con globos a los asistentes.

El momento se acercaba. La penumbra en la que estábamos inmersos, el clima frío y húmedo del exterior y el trío de músicos frente a nosotros se unían en perfecta sintonía con una interacción más íntima entre el público y la banda en escena. Todos querían el mejor lugar disponible para ver a los hermanos Pace y a la enigmática Kazu Makino, por lo que se veía al público un poco tenso intentando conservar su lugar, esto sin transgredir el derecho ajeno (afortunadamente).

Los integrantes de la banda portaban prendas de color blanco, quizá por casualidad o quizá con el fin de tener armonía no solo en su música, sino también en su vestuario. El público se mantuvo atento y callado la mayor parte del tiempo, admirando la belleza de espectáculo que ante sus ojos y oídos tenían, concluyendo su silencio al inicio y al final de cada canción con fuertes gritos de emoción.

Kazu rompió con el nulo contacto que mantuvo la mayor parte del recital, “gracias” susurra, previo a sentarse en la orilla del escenario, sostener la mano de sus fans en primera fila y cantar con un profundo sentimiento.

La lluvia de joyas musicales nos empapó el corazón, pues los temas ejecutados con muchísima energía y sentimiento conectaron contundentemente con el escucha, notándose claramente en los rostros de los asistentes, algunos disfrutaban con los ojos cerrados, otros sonreían mientras cantaban, otros simplemente nos perdíamos en nuestros pensamientos mientras bailábamos al compás de canciones como: “Bipolar”, “Elephant Woman”, “3 O’clock”, “Doll Is Mine”, “Dr Strangeluv”, “Melody of Certain Three”, “23”, “Equus” entre muchas más.

Leí muchos comentarios sobre la experiencia que se vive al ver a Blonde Redhead en acción, algunos lo definen como algo místico, otros aseguran que el nivel de introspección al que uno puede llegar es fascinante, y muchos más afirman que no puedes dejar este mundo sin antes haber asistido a alguno de sus conciertos. No estaban equivocados.

Mac DeMarco y The Flaming Lips juntos en un EP

Posted on agosto 30, 2017 by -

En este material cada uno versionará tres canciones del otro.

Como ya sabíamos, la agrupación de Oklahoma y el cantante canadiense van a hacer una gira juntos, unos promocionando el disco Oczy Mlody y el otro con This Old Dog. Sin embargo, ahora han llevado esta unión aún más lejos con el anuncio de un EP juntos.

Esta noticia se hizo a través de un video de Instagram en la cuenta de Wayne Coyne, líder de The Flaming Lips. Aún se desconoce el título o fecha de lanzamiento, pero se sabe que contendrá seis temas, con tres covers de los estadounidenses y uno de Mac DeMarco.

Las canciones que interpretará cada uno no han sido reveladas, a excepción de "Chamber of Reflections", sencillo que se desprende de Salad Days, segundo álbum de estudio del músico de Alberta, ya que Wayne lo está tocando en uno de sus videos.

Mac DeMarco estará acompañado de una banda a la que se refirieron como The Mac DeMarco afternoon delight ensemble y se rumora que podría estar integrada por St. Vincent, Miley Cyrus, los integrantes de Broncho e incluso el comediante Fred Armisen y Reggie Watts. Estos comentarios surgieron debido a que fueron etiquetados en el anuncio.

 

The Get Up Kids + Canseco en Bajo Circuito

Posted on agosto 30, 2017 by -

Sonidos de una adolescencia perdida.

¿Por qué esperar a que llegue el viernes para tener la mejor noche de tu vida? Seguramente eso fue lo que pensamos todos quienes asistimos ayer por la noche (sí, en martes) a Bajo Circuito para la presentación –por primera vez en México– de The Get Up Kids.

Fue una de esas ocasiones en las que todo se alinea. Después de una taza de café y una charla sustanciosa, tuve que luchar contra la lluvia y el tránsito de la ciudad para llegar a la cita. Aún tenía tiempo. Los pormenores del viaje por la urbe no hicieron más que aumentar mi ganas por llegar al foro y disfrutar lo que estaba por suceder.

Ya en el sitio –y con mi sello felizmente impreso en la muñeca izquierda– pedí una cerveza y busqué un lugar tranquilo. Tomé asiento. Canseco estaba ya en el escenario y con el recinto a media capacidad se apoderaron de la tarima y nos regalaron temas como “Todo está mal”, “Me salvaré” y “El tiempo y la ciudad”. Para ser sincero he de decir que el público se mostró apático e incluso se llegó a sentir un ambiente de indiferencia por un momento. Pero eso no bajó el ánimo de los de Tijuana ni por asomo. Cerraron con “Sentado aquí” y al final el público respondió con muestras de cariño y aplausos que levantaron nuevamente la energía.

Venía el intermedio.

Dentro de los asistentes podían reconocerse rostros como los de Aldo Camacho (Tungas), Gastón Peligro (Lng/SHT) y Josué Guijosa (Kill Aniston), quienes con el resto del público esperaban a la banda originaria de Kansas City. La gente aprovechaba el stand by para checar sus celulares y cambiar la botella vacía por una nueva o salir a fumar. Poco a poco llegaban más personas y el espacio se reducía más a cada minuto.

Las diez con siete marcadas en el reloj. Se escuchó una guitarra y el show empezaba: “22 years, Mexico City. We are The Get Up Kids”, fueron las primeras palabras de un Matt Pryor que ya refleja sus casi cuarenta años.

Personalmente, The Get Up Kids es una banda que marcó mi vida desde que escuché por primera vez su Something to Write Home About y quizá por eso esperaba una respuesta mucho más calurosa y eufórica por parte del público y los invitados a este show. Tal vez se me olvida que ya no estamos en la primera década de los 2000 y mi etapa emo sale a flote, pero si contemplamos que estábamos frente a la banda precursora de todo un movimiento, razón por la cual en algún momento James Suptic (guitarrista de la banda) pidió perdón, pienso que no estoy exagerando.

En fin, la noche me fue magnífica. Cantar junto con ellos y los cientos de asistentes temas como “The One You Want”, “Valentine”, “No Love”, “Last Place You Look”, "Walking On A Wire" y el clásico “I’ll Catch You” (La canción con la que Mark Hoppus le propuso matrimonio a su actual esposa), fue una experiencia única, una que me llevó a revivir recuerdos de mi gloriosa adolescencia en la que era un simple joven atormentado por el amor prematuro y la música pop-punk.

Cerraron con “Ten Minutes” y sí, en el último set de su presentación nos deleitaron con “Close To Me” y “Beer For Breakfast” (corees de The Cure y The Replacements respectivamente).

Apenas las once y media de la noche, la lluvia seguía mojando el pavimento y con el corazón ardiendo en mi pecho, el camino a casa fue simplemente perfecto.

Liars lanza video oficial

Posted on agosto 30, 2017 by -

El grupo de Nueva York Liars estrena el clip de su primer sencillo “Cred Woes”.

A finales de junio Liars, la banda liderada por Angus Andrew, lanzó el primer corte de su nuevo material discográfico TFCF —ya disponible—después de tres años de ausencia. Hoy, el single cuenta ya con un video oficial dirigido por Yoonha Park, que ha trabajado, entre otros artistas, con Holy Fuck y Washed Out.

El clip de  "Cred Woes" —tema que trata sobre el cansancio que genera un trabajo rutinario que además es mal pagado— nos presenta a un personaje que se dedica a entregar comida en una bicicleta por las calles de Nueva York.

Como parte de la promoción de TFCF —octavo álbum en su trayectoria y primer trabajo de estudio que Angus Andrew hizo sin la ayuda de Aaron Hemphill —este trío de dance y art punk que no deja de renovarse, disco tras disco, se encuentra en una gira que incluye fechas en los Estados Unidos e Inglaterra.

Sin más, te dejamos el clip oficial del primer single de TFCF (Theme From Crying Fountain) —LP del cual ya se nos han dado a conocer los temas “Coins In My Caged Fist” y “The Grand Delusional”— para que lo disfrutes.

Downtown Boys — Cost of Living

Posted on agosto 30, 2017 by -

Cost of Living: La salvación del punk ante todo.

Desde sus inicios en 2014, la banda de Rhode Island ha sido aclamada por la crítica y fanáticos del género. Sin embargo, es tiempo de pasar de una banda prometedora a consolidarse como la nueva sangre del punk, una generación que mira hacia atrás y que solo busca innovar en ciertos aspectos, sobre todo en los temas que buscan defender o atacar.

Downtown Boys inician su primera arremetida con “A Wall”, que hace referencia al famoso muro fronterizo que prometió el presidente Donald Trump a principios de su mandato. Teniendo integrantes con ascendencia latina era un asunto que no podían ignorar. Este tiene un ritmo enérgico pero menos agresivo a lo que nos tienen acostumbrados, por lo que se ve la mano de Guy Picciotto, quien produjo el disco.

Pronto, el grupo vuelve a su clásico sonido con “I’m Enough (I Want More)”, anunciado por el grito de Victoria Ruiz. Hay un buen trabajo instrumental, incluso si se presta atención podemos encontrar un estilo parecido al de X-Ray Spex, pero las estridentes e incomprensibles vocales opacan todo lo demás.

Le sigue “Somos Chulas (No Somos Pendejas)”, que para sorpresa de muchos es una canción completamente en español. Esto no es un acierto por completo, ya que pierde la alusión femenina para las personas que no están familiarizadas con el idioma. A pesar de eso es uno de los temas más sobresalientes del disco y sin duda se convertirá en un clásico de la banda.

En cuestión lírica “Promissory Note” es de lo más destacado, además de que viene acompañado de un ritmo vivaz, en el que se puede ver la gran influencia de agrupaciones punk de la década de los setentas, sobre todo por el saxofón, que hace una incursión excelente.

Con “Because You” hay un cambio notable, pues comienza con un intro aletargado de más de un minuto, aunque después explota con increíble poder en las percusiones y la guitarra, no se justifica. Aun así cabe mencionar que este es otro de los temas bilingües.

Para “Violent Complicity” los instrumentos se vuelven más ligeros, lo que hace que destaquen las vocales. Esto se repite con “I Can’t Wait”, donde los coros son repetitivos pero muy enérgicos.

Ya acercándonos al final tenemos otro título en español, “Tonta”. Este tiene una sólida línea de bajo y un impresionante sonido por parte del bajo. Un buen tema para darle paso a “Heroes (Interlude)”, a pesar de que es común que un grupo de este tipo de declaraciones, el tono de voz no es el correcto y pudo ser cambiado por algo más dinámico.

“Lips That Bite” es una de las últimas sorpresas que tiene el álbum, pues se presenta con todo el estilo de grandes proyectos como The New York Dolls o Tuff Darts. Las vocales son geniales y todos los elementos que la acompaña. Por fin se puede ver una producción que es inmejorable y es preciso destacar el uso de un sintetizador y el increíble solo de saxofón.

Podemos decir que “Clara Rancia” es la última canción, pues “Bulletproof (Outro)” es otra manifestación hablada del grupo, la cual prefiero no comentar y solo pedirles que la escuchen con atención.

Tal vez Cost of Living no sea el disco del año pero será de los más importantes, ya que es el lanzamiento con mayor alcance dentro del punk, un género muy necesario por los tiempos que estamos viviendo. Además, con los temas en español el grupo logra más que representar al sector de inmigrantes en Estados Unidos, sino que se abren paso entre América Latina. Tanto nosotros como tú, lector, le estamos dando la oportunidad a una banda, y quien sabe, tal vez estemos ayudando a resurgir todo un movimiento.

1994 es... 'Definitely Maybe' de Oasis

Posted on agosto 29, 2017 by -

La importancia del álbum debut de Oasis.

La banda de Manchester es una de las agrupaciones más grandes de la historia y todos tienen su disco favorito, algunos prefieren (What's the Story) Morning Glory?, Be Here Now o Standing on the Shoulder of Giants. Sin embargo, uno se destaca entre todos por la inigualable producción, sobre todo si consideramos que fue es álbum debut.

Definitely Maybe es emblemático hasta en el más mínimo detalle, empezando por la portada, creada por Brian Cannon y el fotógrafo Michael Spencer-Jones. Esta, en general, es muy atractiva, pero lo importante son los símbolos dentro de la imagen. Algo que incluso The Beatles logró hasta Help!, Abbey Road y por supuesto Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, muy lejanos a sus inicios. La ilustración de este disco es tan representativo de ese año como el poster de Pulp Fiction o Natural Born Killers.

Para entender el sonido de Oasis tenemos que ver quien estuvo detrás de la producción, pues aunque Owen Morris tomó la mayor parte de las decisiones y es el gran responsable del estilo del grupo, fue con Definitely Maybe la única vez que contó con la ayuda de David Batchelor y Mark Coyle, siendo supervisados en todo momento por Alan McGee. Esto dio como resultado el disco con más dinamismo en cuanto a ideas y con una concepción muy sólida. Además fue la primera y última vez que tuvo a la agrupación original, pues el baterista Tony McCarroll fue reemplazado un año después.

Claro que el éxito de este álbum fue gracias a canciones como "Supersonic", "Slide Away" y el gran comienzo de "Rock'n'Roll Star". Pero esto no solo era un material lleno de hits, iba más allá, era una oposición al género que estaba invadiendo a la juventud de Europa directamente desde América, el grunge. Justo cuando Nirvana crecía a pasos agigantados tras la muerte de Kurt Cobain, su influencia fue cortada de tajo gracias a la intervención de los hermanos Gallagher.  Mientras en ese tiempo las letras hacían alusión al odio y el pesimismo, Oasis llegó con un sonido fresco y optimista, llamando a la gente a dejar la banalidad y buscar la trascendencia con "Live Forever".

Definitely Maybe es el disco más importante de 1994, no solo por su calidad, éxito comercial y grandes temas. Sino por su relevancia histórica, pues le dio un giro enorme a la industria y dio paso a una banda inusitada, tal vez la más destacada de los últimos años.

#SemanaIR Día 1: Blonde Redhead + Rosk

Posted on agosto 29, 2017 by -

La melodía de ciertos tres: Blonde Redhead.

Mientras contemplaba mi propia ironía y esperaba ingresar al Foro Indie Rocks!, un hombre alto y de cabellos rizados y completamente blancos se acercó a la puerta. Alguien lo estaba acompañando, y en el lapso que estuvo ahí, nadie se le acercó a hablarle.

Una vez adentro, me fui haciendo paso hacia lo más adelante que pude. La multitud que acababa de ver la propuesta de Rosk estaba tranquila pero cada vez más aglutinada. Ya cerca del escenario, pude ver al mismo hombre de cabellos blancos subirse y hablar con los técnicos. Algunos en la multitud se emocionaron. Él mismo se puso a acomodar sus guitarras y configurar sus pedales. Era Amedeo Pace.

No hubo grandes pretensiones para empezar. No hubo ni una secuencia de introducción. Las notas de teclado de “Equally Damaged” del disco Melody of A Certain Damaged Lemons (2000) —que la banda se proponía a interpretar completo esta noche— apenas se escuchaban.

En ese momento solo se escuchaba la multitud. Cuando Kazu Makino y Amedeo habían tomado el escenario, todo los “I Love You” que les gritaban eran recibidos con sonrisas tímidas. Luego, tras mover un poco el torso para meterse en el groove de la secuencia que el Ingeniero acababa de lanzar, Amedeo empezó con los primeros acordes de “In Particular”.

Ahora la gente no estaba tan tranquila. Las pulsaciones del bombo de Simone Pace nos fueron moviendo a todos, y de alguna forma acabé más cerca de la puerta de emergencia que está a la izquierda del escenario, una que está en una especie de hueco en el que los graves se hacían todavía más evidentes.

Ahí pude notar en dónde reside gran parte de la magia de Blonde Redhead. Son solo tres en el escenario y no hay bajista, pero el bombo está tan fuerte que al combinarse con las notas graves de las guitarras de Kazu y Amedeo, generan una línea de bajo sutil pero efectiva.

Ni Kazu ni Amedeo dejan de bailar mientras tocan. La suavidad de la primer canción fue contrarrestada por la ruidosa “Melody of Certain Three”. A partir de ahí siguieron con el tracklist del disco, hasta que terminaron “Mother”. De ahí omitieron “For the Damaged Coda” para comenzar con canciones de otras épocas. Siguieron “Where Your Mind Wants to Go” y “3 O’clock” del reciente EP. Luego algunas indispensables como “Dripping” y “Spring and by Summer Fall”.

Cuando una chica gritó en la audiencia: “Elephant Woman”, Kazu le respondió tímidamente: “That’s tomorrow’s program. Can you come tomorrow?”. Cada vez que la vocalista interactuaba con el público, adoptaba una referencia sumamente japonesa, bajando la cabeza un poco y cruzando los brazos. Me dio la impresión que es de esas artistas que se desempeñan mejor cerrando los ojos e imaginando que la audiencia no está ahí, en lugar de interactuar demasiado.

En otro momento, señaló a Amedeo y gritó “He Speaks Perfect Spanish”, luego a
Simone “Him too!”. Pero en lugar de hablar, los hermanos solo comenzaron la siguiente
canción.

"Persephone", lo nuevo de Yumi Zouma

Posted on agosto 29, 2017 by -

Yumi Zouma comparte "Persephone", tema que se desprende del disco Willowbank.

Justo a principios de agosto, la banda originaria de Nueva Zelanda anunció el lanzamiento de su segundo álbum de estudio. Ahora, finalizando este mes y con la fecha de publicación cada vez más cerca, el grupo ha revelado otro adelanto de este material.

El nuevo tema de Yumi Zouma se llama "Persephone". Este mantiene el estilo de la banda, con un ritmo atractivo pero sutil, acompañado de elementos electrónicos. A diferencia de los sencillos "Depths (Pt. 1)" y "December", este tiene un intro que recuerda mucho al synth pop o a los últimos vestigios que dejó el extinto disco pop italiano, dando un giro después de unos veinte segundos, retomando su clásico sonido.

Este álbum será muy importante para la agrupación, ya que nunca habían tenido esta clase de notoriedad, a pesar de que han estado de gira con artistas de talla mundial como Lorde o Chet Faker, además de que han sido comparados con Beach House, The xx y Chvrches.

El disco de Yumi Zouma, Willowbank llegará a las tiendas el próximo 6 de octubre a través de Cascien Records, un sello discográfico de Nueva York que se especializa en proyectos de pop alternativo y música electrónica, como The Legends o Southern Shores.

Puede escuchar "Persephone" justo aquí: