The National estrena video

Posted on octubre 23, 2017 by -

Los oriundos de Cincinnati estrenaron visual para su melancólico himno "I'll Still Destroy You".

Los liderados por Matt Berninger estrenaron un clip para uno de los temas más animados de su más reciente placa: Sleep Well Beast (4D Records). Los estadounidenses se han encargado de hacerle una gigantesca promoción a su álbum, girando por distintas ciudades en Europa y cerrando sus conciertos con distintos covers a temas de consagrados como Talking Heads, New Order, Queen y Cat Power.

En el clip surrealista, The National actúa en un pequeño escenario junto a un hombre que está realizando un striptease. En una pieza musical que poco a poco se abre camino hacia un clímax más grande, el espectáculo se bautiza como una fiesta con confeti y champán en el aire, dando lugar a que la multitud suba al escenario durante la estruendosa crisis final de la canción. El video filmado en Dinamarca, se rodó en una hora en Dope & Korruption, un bar emergente creado por uno de los directores que ofrece arancini, trufas de chocolate, prosecco y música clásica. Durante el video, el bar fue cerrado por oficiales de seguridad daneses y destruido al día siguiente. "I'll Still Destroy You" fue dirigido por Allan Sigurðsson y Ragnar Kjartansson, quien ya había colaborado con The National en el clip de "Sorrow".

Con 16 años de carrera y siete discos larga duración, The National logró su posición más alta en charts en los Estados Unidos hasta la fecha, llegando al número 2 en Billboard. Además, obtuvieron el #1 en el Reino Unido, Irlanda, Portugal y Canadá. La banda recibió su posición más alta en un total de once países. Sin duda fue un gran año para la banda, quien tiene confirmadas fechas hasta junio de 2018 en All Points East, un nuevo festival que se llevará a cabo del 25 de mayo al 3 de junio de 2018 en el hermoso Victoria Park al este de Londres. En su presentación de headliner, The National tendrá de special guests a The War On Drugs, Future Islands, The Districts y Warpaint.

Tokyo Ska Paradise Orchestra — Paradise Has No Border

Posted on octubre 23, 2017 by -

Paradise Has No Border. Un repaso musical por la historia de Tokyo Ska Paradise Orchestra.

Después de tres años, Tokyo Ska Paradise Orchestra al fin le dio luz al sucesor de Ska Me Forever, y por las posiciones que ha ocupado en los conteos a nivel internacional desde marzo, le ha ido muy bien. Paradise Has No Border es el álbum número veinte en la trayectoria de la banda de ska japonés, que en años recientes se ha convertido en una de las consentidas del público latinoamericano en general, y en particular del mexicano; baste con recordar sus múltiples presentaciones en nuestro país y la recepción entusiasta que han tenido en cada una de ellas, y no ha pasado desapercibido pues ha sido emotivo para la banda también.

El disco cumple plenamente con las expectativas de los fanáticos, tiene largos pasajes instrumentales, sencillos memorables, e incorpora elementos de géneros diversos, así como de estilos distintos de ska. Canciones como "Believer", "Paradise Has No Border" o "Tenkubashi", son muestras claras del eclecticismo que caracteriza el sonido del disco, con ritmos casi de samba, salsa o con sintetizadores que recuerdan casi canciones de videojuegos respectivamente. En breve, es un largo repaso por la autoridad y maestría con la que la banda es capaz de demostrar naturalidad para incorporar ritmos, habilidad que solo otorgan los años y la experiencia.

Este disco en específico resalta por la gran cantidad de canciones exclusivamente instrumentales que contiene, a decir verdad, fuera de los sencillos, la mayor parte no tiene vocales. Eso no es un defecto bajo ninguna circunstancia, no obstante, algunos pasajes llegan a sentirse un poco largos y monótonos. Sin embargo, el álbum es una pieza sólida que se sostiene por su propio peso en la calidad de la producción.

Cabe destacar también, la mezcla entre estilos de ska que también combina. Es uno de los detalles más importantes puesto que son el reflejo de la versatilidad que tiene una banda con casi treinta años de experiencia. Así, mientras temas como "Girl On Saxophone X" tienen un sonido muy contemporáneo y veloz, otras como "Sayonara Hotel", tienen una melodía mucho más tradicional y bailable. El disco es una pieza que tiene todo el valor en la colección de cualquier fanático del género.

Además, cuenta con muchas colaboraciones de otros personajes que han sido importantes a lo largo de la trayectoria de la banda, tales como la cantante de pop Rina Katahira, o el productor de punk, Ken Yokoyama. Cabe destacar que todas las colaboraciones en esta producción son con personajes de la escena local japonesa, lo cual habla del espíritu de la banda de impulsar y reconocer a otros artistas, antes de juntarse con otros personajes y artistas con tal de tener mucha mayor atención; un gesto sumamente noble y que siempre se agradece.

En general, el álbum tiene un tono sumamente festivo que pone a bailar a cualquiera, y no es para menos, una banda con tantos años de trayectoria tenía que hacer de su más reciente lanzamiento toda una fiesta. El título del disco no podría ser más adecuado; Tokyo Ska Paradise Orchestra es una banda que ha superado las barreras geográficas, del idioma, de los géneros y se ha ganado el fanatismo de millones en todo el mundo con solo producir muy buena música. En efecto, para una banda con calidad y con un sonido tan disfrutable, el paraíso no tiene fronteras.

Entrevista con Kakkmaddafakka

Posted on octubre 23, 2017 by -

La banda cálida que da felicidad: Kakkmaddafakka.

Vivimos en la era del estrés y las preocupaciones, la risa poco a poco se va olvidando, aunque nunca faltan los buenos memes que nos mantienen vivos gracias al ingenio ajeno. Para los artistas modernos, tener una carrera en la industria musical es cosa seria; la búsqueda constante por el éxito los lleva a ser monótonos y a olvidar la parte divertida de estar en el escenario. Todo lo contrario pasa con Kakkmaddafakka, una banda alternativa de Noruega, que busca la felicidad en la música y la comparte siempre en los shows, con hasta 30 personas como crew en sus presentaciones, además de coreografías lúdicas.

Entre risas, tuvimos la oportunidad de platicar con Axel Vindenes sobre las constantes visitas de Kakkmaddafakka a México, de su nuevo álbum Hus, de la importancia que le dan a las redes sociales, qué es el “Whatever Works” y de las canciones que más les piden cuando están en el escenario.

La banda nórdica tuvo una presentación en la CDMX hace unos meses, y vendrá de nuevo el 10 de diciembre y además es parte del Festival Catrina de este año, por lo que México empieza a ser su segunda casa. “Para nosotros, ir a México es muy bueno porque mucha gente nos quiere y queremos a muchos también; los fans son geniales, la comida también y los shows son incomparables y especiales para nosotros, de los mejores que hemos tenido (en el VL14).”, afirmó Vindenes.

Con el nuevo álbum Hus y con el sencillo para los fans, “All I Want To Hear” (disponible en Spotify), la banda se rigió por el lema de “Whatever Works”, que fue la directriz para este material. “Este lema lo adquirimos para relajarnos con las grabaciones, es para gente perezosa (ríe); ‘Whatever Works’ no es el nombre de una regla política, más bien significa que si algo funciona, está bien y sino lo hace, está bien también. Entenderlo y aplicarlo te quita lo sistemático y nosotros lo aplicamos en la vida diaria igual”, explicó el vocalista.

Las presentaciones de Kakkmaddafakka suelen ser explosivas, muy bailables y por ello, inolvidables; basta recordar la memorable en el VL14 y la siguiente en el Caradura, donde todos bailaban y celebraban su show. “Las coreografías en el escenario son naturales, nos hacen ver cool, creo que al menos somos más geniales que un examen de matemáticas (ríe). Disfrutamos mucho tocar nuestras canciones, pero la gente no perdona si no tocamos ‘Forever Alone’, ‘Your Girl’ y ‘Never Friends’; el verdadero problema es que no tenemos tanto tiempo para tocar más canciones; creo que cada una es especial, como una pintura, pero todas suenan a Kakkmaddafakka”, dijo Axel.

Hoy en día, las redes sociales se han convertido en una necesidad personal y, para los artistas, estas son una herramienta para que conozcan más de sus integrantes; así nació la hilarante serie de videos, Nature in Nature, creada por el mismo Axel, que lo muestran dando (o intentando) dar consejos sobre ser un buen scout. “Esos videos nacieron por mí; de hecho, los hago yo solo en mi tiempo libre. Creo que hoy en día, es importante estar en contacto con otros, incluso tanto como escribir canciones; nosotros somos fanáticos del humor y eso se refleja. La gente cada vez es más lista y sabe cuando lo haces por promoverte; se trata de mantenerse activo, pero compartiendo cosas reales y significativas”, anunció.

Ese humor puede ser engañoso y hacernos pensar que nunca tienen problemas; por eso, lidiar con las adversidades también les aqueja. “Viajar nos ayuda con la tristeza; mientras más veo, más conozco. Creer que nada es tan importante, hace que la vida se disfrute más. Prefiero estar en el estudio grabando, pero un músico vive en una dualidad que me encanta relacionar con beber, que es igualmente cansado para la mente y el cuerpo (ríe); depende de cuándo me preguntes porque soy muy flojo; sin embargo, debemos aprender a entrenar el cerebro y acostumbrarlo a la felicidad”, finalizó Axel Vindenes.

Festival Coordenada 2017 en Parque Trasloma

Posted on octubre 23, 2017 by -

Interpol, Garbage y Nortec Collective Presents: Bostich+Fussible encabezaron la edición 2017 del Festival Coordenada.

El pasado 20 y 21 de octubre se llevó a cabo el Festival Coordenada en el Parque Trasloma en Guadalajara, Jalisco. En esta edición el festival contó con cuatro escenarios principales: Indio, Viva Aerobus, Escena Indio y AT&T, además de un espacio denominado Casa Comedy –en donde se presentaron los standuperos Daniel Sosa, Coco Celis, Alex Fernández y Ricardo O'Farrill– y una zona de autógrafos en la que podías acercarte a tus bandas favoritas para pedirles una firma o una foto.

La primera jornada comenzó con poca afluencia debido a complicaciones en el acceso por las pulseras con chip que debieron ser registradas previamente. Sin embargo, el festival arrancó con la banda yucateca Midnight Generation, seguidos de Ruido Rosa y los madrileños Sexy Zebras. Más tarde, en Escena Indio el quinteto londinense Pumarosa cautivó a los presentes con la dulce voz de su líder Isabel Munoz-Newsome.

Por otro lado la banda de Oxford, Glass Animals llenó de júbilo y emoción el escenario Indio con canciones como "Life Itself", "The Other Side of Paradise" y "Crazy", canción original de Gnarls Barkley.

En Escena Indio el set de División Minúscula destacó con el homenaje a Tom Petty y la interpretación de la canción "I Won't Back Down" de 1989. Al finalizar, en otro escenario comenzaba la presentación de la chilena Mon Laferte que arrancó con "Ana", original de Los Saicos y continuó con éxitos como "No te fumes mi marihuana", el cover a Selena "Si una vez" y "El Diablo" en donde presentó a cada uno de los integrantes de su banda.

En seguida llegó Paramore con la energía de Hayley Williams, quién se ganó la ovación del publico cuando en "Misery Business" compartió escenario con una fan que estaba vestida igual que ella.

Luego de haberse presentado en CDMX, Interpol también conquistó el Festival Coordenada con el carisma de Paul Banks, su peculiar acento en español y la majestuosa interpretación total del disco Turn On The Bright Lights. Además, la banda neoyorquina cerró con algunos de sus éxitos como "Not Even Jail", "All the Rage Back Home", "Slow Hands" y "Evil".

Cerrando con broche de oro el primer día de actividades llegó el orgullo mexicano con Nortec Collective Presents: Bostich+Fussible con un set en el que Ramón Amezcua y Pepe Mogt pusieron a bailar a cada uno de los presentes. En este momento de fiesta total se escucharon canciones como: "Tengo la voz", "Tijuana Sound Machine" y "Polaris".

Día 2

La segunda jornada comenzó con más afluencia ya que el acceso fue más ágil y sin contratiempos. Estelares, Ghetto Kids, The Chamanas, La Habitación Roja  y La Toma fueron los encargados de iniciar un día lleno de sol en el Parque Trasloma.

Escuchamos el proyecto Rock en tu idioma Sinfónico mientras mirábamos el atardecer: "Marielito" de Ritmo Peligroso, "Lobo Hombre en París" de La Unión, "El Final" de Rostros Ocultos y la coreada "Cuando Pase el Temblor" de Soda Stereo fueron parte de este nostálgico setlist.

El corto pero emotivo set de la banda de Seattle, Band of Horses concluyó con "The Funeral". Al mismo tiempo, los fans de banda argentina Los Pericos abarrotaban el escenario AT&T y no pararon de bailar y cantar las famosas: “Pupilas lejanas”, “Párate y mira”, “Jamaica reggae” y "Waitin”.

La noche cayó pero no los ánimos, pues la energía de Gil Cerezo, Carlos Cháirez, Ulises Lozano, César Pliego y Omar Góngora de Kinky controló el escenario Viva Aerobus con su mezcla de sonidos electrónicos y su diversidad cultural.

Al finalizar, Shirley Manson y compañía se apoderaron del escenario Indio. Garbage abrió con su más reciente sencillo "No Horses" y siguió con éxitos como "#1 Crush", "I Think I'm Paranoid", "The World Is Not Enough", "Only Happy When It Rains", "Push It" y "Vow".

Los Auténticos Decadentes armó la fiesta en Escena Indio, a esta celebración no faltó ninguno de los asistentes. La batucada masiva se armó y el canto nunca paró. Canciones como "Corazón", "Osito de peluche de Taiwan", "Cómo te voy a olvidar" y hasta el "Himno Nacional Mexicano", seguido de su éxito "La guitarra" estuvieron presentes en esta algarabía.

Finalmente, cerrando una edición más del Festival Coordenada: Molotov, banda mexicana que puso a saltar a todos con "Rap, Soda Y Bohemia", "Frijolero", "Gimme the Power", "Marciano" y "Amateur".

El Festival Coordenada 2017 nos dio una gran sorpresa, la vibra positiva nos invadió y disfrutamos de todos los beneficios que nos dio Plus: zona de descanso, wifi, baños limpios y transportación de escenario a escenario en carritos de golf. Una agradable experiencia con la gente Guadalajara.

¡Nos vemos en 2018!

 

 

PLAYLIST: Tracks de conquista, presentados por AUC

Posted on octubre 23, 2017 by -

Adopta Un Chico e Indie Rocks! te compartimos una playlist con cuarenta canciones perfectas para conquistar a esa persona que tanto te gusta...

La música fluye en varios momentos de tu vida, en la infancia, en la prepa, con tu familia, con tu grupo de amigos, entre otros. Las etapas que vives, estando o no consciente de ello, tienen un “soundtrack”, los momentos y personas tienen rolas en tu memoria.

Hoy, tal vez justo te encuentres intentando ser parte de la vida de una persona en específico, esa de la que no puedes dejar de pensar. Para esa persona especial y para ayudarte a conquistarla, AdoptaUnChico e Indie Rocks! te compartimos lo mejor de nuestro catálogo musical para decirle lo que sientes y encontrar esa canción única que los una.

Te dejamos con cuarenta canciones suaves (Kindness, The xx, Daft Punk y más), clásicos (Spandau Ballet, Morrissey, Queen, The Temptations) y bailables (LCD Soundsystem, Los Amigos Invisibles) para declararle que todo lo que quieres, es estar a su lado:

Conoce el nuevo LAB de Adopta Un Chico donde encontrarás contenido con una gran dosis de Girl Power.

Portugal. The Man en El Plaza Condesa

Posted on octubre 23, 2017 by -

Con un bajista indomable, visuales alucinantes y un homenaje a la historia del rock, Portugal. The Man volvió a la Ciudad de México.

La banda liderada por John Baldwin Gourley, ofreció un show promocionando su más reciente placa de estudio: Woodstock. Los oriundos de Alaska volvieron a la Ciudad de México después de su presentación en Live Out en Monterrey, entregándose a su público a pesar de diversas fallas en el audio y algunos problemas en la pedalera del frontman.

En punto de las 18:45 H, The Chamanas salió a escena con un recinto a un tercio de su capacidad, el grupo del norte empezó su set compuesto de siete canciones. Con grandes éxitos de sus larga duración NEA y Once:Once, el público ovacionó cada canción ejecutada. Y no es para menos, pues Paulina Reza ofreció cátedra, exponiendo una de las voces más sobresalientes en la escena nacional. Con misticismo y folclor, la agrupación cerró su presentación con el tradicional “Corrido de Chihuahua”, fusionándolo con su versión de “Purple Yellow Red & Blue”, canción original de los estelares y que los fronterizos reinterpretan en español.

Después de 40 minutos de que los mexicanos terminarán su show y con al menos tres pruebas de sonido realizadas, Portugal. The Man se apoderó del escenario y empezó su set list con una vibrante ejecución introductoria de “For Whom the Bell Tolls” de Metallica, entrelazándola con “Another Brick In the Wall, Pt. 2” de Pink Floyd,  terminando el prólogo con su original “Purple Yellow Red & Blue”, canción con la que llevan abriendo sus conciertos desde hace varios años.

Los estadounidenses se veían cómodos en el escenario, –o casi todos–, pues mientras tocaban su aclamado éxito “Feel It Still” y "Number One", Gourley se quitó la guitarra y fue directo a la consola de audio a verificar algunos problemas con el staff. El espectáculo siguió e interpretando “So Young”, “So American” y “Rich Friends”, los estadounidenses acompañaban su live act con un increíble espectáculo visual (tal vez lo mejor del show). Destacando en las imágenes, algunas críticas contra acciones gubernamentales y sátiras a la piratería.

“Modern Jesus y “All Your Light” fueron los puntos más altos en la exhibición, pues fue durante el par de tracks que los integrantes de Portugal. The Man dejaron entrever con solos de guitarra y virtuosismo en la ejecución de sus instrumentos, que la psicodelia se puede apoderar de ellos y son capaces de llevar su sonido más allá (mucho más allá), de lo que es escuchar al grupo en estudio. Las extensas presentaciones en ese momento, se dan gracias a que empalman sus pistas con una reinterpretación de Ghostface Killah con "Kilo", y un cover de "I Want You (She's So Heavy)" de The Beatles.

Con un gran dominio en la técnica, visuales que nos transportaban por un minuto a Woodstock y una banda que suena mejor en vivo que en estudio, el quinteto volvió a tocar su hit veraniego “Feel It Still”, acción que sorprendió a propios y extraños. Ante tal rareza y sin agregar un arreglo o una nueva forma en la ejecución, a su show llegó otro sobrado cover, “Don’t Look Back in Anger” de los británicos Oasis. Con dicha canción de los hermanos Gallagher, la banda terminó su número.

Con un público entregado coreando el nombre de la banda, Zachary Carothers (bajista de la banda), regresó y pronunciando “Your City is Unreal, Thank You”, el resto de los músicos volvió y tocaron un par de temas adicionales como parte de un encore.

Es extraño ver que una agrupación con nueve discos bajo el brazo y uno de ellos en promoción, se aventuré a ejecutar tantos covers y toqué un sencillo dos veces en un mismo espectáculo. Con lo bien que ejecutan sus instrumentos en vivo (el bajista con un plus especial por su entrega en las tarimas), Portugal. The Man ya tendría que ser un consolidado y tal vez hasta un gigante en la música contemporánea. Y aunque la banda cumplió a su fanaticada, el show se tornó en ocasiones un tanto agridulce.

 

Null + Void: la obscuridad en los sintetizadores

Posted on octubre 23, 2017 by -

Conoce el proyecto de Kurt Uenala, productor suizo nacido en Nueva York próximo a sacar su disco debut bajo su pseudónimo Null + Void.

Debutando como Kap10Kurt en la compilación The Sound Of Young New York en 2003, Kurt Uenala se hizo rápidamente de cierta fama por lo fino en sus producciones. Su tema "Die Sleeping" fue un clásico instantáneo del synth pop, llamando la atención de fanáticos y artistas de todo el mundo. Eventualmente consiguió ser el ingeniero y programador de Depeche Mode, sin mencionar una larga lista de actos importantes como Soulsavers, Moby y The Kills.

La colaboración con Dave Gahan, fue especialmente fructífera, pues los dos se hicieron amigos, y no pasó mucho tiempo antes de que Kurt comenzara a escribir tracks originales para Depeche Mode. Su amor por los sintetizadores vintage, la música electrónica oscura y la exploración en estructuras de acordes inusuales fue un ajuste natural con la banda. El productor y músico al parecer es de la entera confianza de un gigante como Gahan, pues juntos han creando una mancuerna creativa que aún se refleja en Spirit, participando en la programación del disco y ejecutando el bajo eléctrico en "Poison Heart" y "No More (This is the Last Time)".


Después de un tiempo, la base del nuevo proyecto en solitario de Kurt, Null + Void, tomó forma y comenzó a crear ritmos propios con atmósferas obscuras. Inspirado por la ciencia ficción, la innovación electrónica y el new wave, su próxima placa debut Cryosleep, pone a Null + Void en una prueba de fuego, donde veremos hasta donde puede explotar su creatividad artística. Las actuaciones y colaboraciones con Black Rebel Motorcycle Club, The Big Pink, Light Asylum y Dave Gahan llevan su resonante humanidad a la austera belleza de la música y al frío dinamismo, donde pareciera que los invitados fueron escogidos con mucha precisión para crear una placa sin precedentes. Pero no todo es new wave y synth pop, pues también el músico deja entrever su lado más poderoso homenajeando en algunas ocasiones al techno creado en el mítico Detroit.

Así es Null + Void, un artista experimentado que está tratando de crear su propio camino musical a través de la obscuridad. "Solo empiezo a tocar y veo lo que sale, que el equipo sea impredecible y lo que sea que pase, me guíe", dice Kurt frente a su creación, dejando claro que es un artista intuitivo, que se mueve a través de las emociones y lo que quiere reflejar en el momento. Si eres un fanático del proyecto TR/ST, sin duda este es uno de los músicos que será imposible perderle la pista.

Tracklist de Cryosleep

"Falling Down (feat. Black Rebel Motorcycle Club)"

"Into The Void"

"Asphalt Kiss"

"Where I Wait (feat. Dave Gahan)"

"Come To Me"

"Take It Easy (feat. The Big Pink)"

"Foreverness "

"Paragon"

"Hands Bound (feat. Shannon Funchess)"

"Lost And Blind"

Te dejamos su página oficial, Facebook, Twitter, Instagram y Soundcloud. La placa tiene fecha de lanzamiento el 3 de noviembre y ya se puede preordenar. Para ir calentando motores, aquí puedes escuchar la increíble "Where I Wait", con la colaboración estelar de Dave Gahan:

 

 

 

 

 

 

Moses Sumney — Aromanticism

Posted on octubre 22, 2017 by -

Uno de los artistas jóvenes más interesantes del momento, su primer álbum Aromanticism tiene una confección perfecta de principio a fin.

Más allá de la fecha en la que fue lanzado, el momento de existencia de una obra musical se define en el instante en que cruza tu camino y se te escurre por los conductos auditivos para convertirse en algo trascendental al paso de los días.

Un poco fuera de tiempo nos topamos con Aromanticism álbum lanzado a finales de septiembre del año pasado que imantó nuestra atención con tanta fuerza que creímos imprescindible hablar de el en este espacio.

El brillante músico detrás de los once tracks que lo componen es Moses Sumney, un joven nacido en San Bernardino, California quién tras iniciar su carrera en 2014 con un EP llamado Mid-City Island (grabado por completo en su habitación), logró visualizar su agudeza musical al punto de lograr a colaborar con artistas de la talla de David Byrne, Karen O, Sufjan Stevens, Solange y James Blake entre otros.

Al escuchar a Moses lo primero que salta al oído es el virtuosismo acrobático de su voz que –llena de elasticidad–, se caracteriza por el uso recurrente de un falsete aterciopelado y andrógino. Una voz que además de gran habilidad técnica, posee un grado de sensibilidad y profundidad interpretativa que pocos dominan, y que por momentos parece recordarnos la esencia melodramática de Jeff Buckley.

La segunda cosa en volverse evidente –y que además reafirma su estatus de joven promesa–, es su capacidad como compositor y arreglista, en donde la profunda espiritualidad de los corales religiosos (sus dos padres son pastores), se mixtura con la plasticidad y elocuencia del jazz, el pop, el soul y el folk.

En Aromanticism, Moses narra el viaje que ha emprendido en torno a su experiencia con las relaciones humanas y, utilizando un termino que describe la “inhabilidad para experimentar el amor romántico”, nos plantea una critica a las formas convencionales del amar, haciendo manifiesto que existe un gran poder expresivo a través de la aceptación de la soledad.

A pesar de que el mayor peso dentro de las composiciones es llevado por la parte vocal, la instrumentación –que lo mismo utiliza guitarras, arpa, metales, que cuerdas o secuencias electrónicas– logra construir estructuras de precisa ensoñación, en donde cada sonido ocupa justo el espacio que le corresponde, transportando al escucha a “ese momento previo al quedarte dormido o cuando recién despiertas, en donde estás con un pie en la realidad y otro en los sueños y sientes que flotas”.

Foto Ibra Ake

Durante el recorrido por los distintos tracks que componen Aromanticism es posible encontrar exquisitas colaboraciones de artistas como Thundercat (bajo eléctrico), Paris Strother de King (pianos y sintetizadores) y Matt Otto –ex Majical Cloudz– en la producción, en donde la marca sonora de cada uno queda impresa con pulcritud y precisión.

Cada una de las composiciones tiene algo que destaca, sin embargo “Quarrel” sobresale entre todas por una riqueza estructural y timbrica que se va construyendo monumentalmente a lo largo de mas de seis minutos.

La pieza más conocida del álbum quizá sea “Plastic”, tema originalmente editado en 2014 en donde a través de una alusión a la figura mitológica de Ícaro –“My wings are made of plastic”– Moses hace referencia a su propia fragilidad emocional.

Entre otro de los temas favoritos se encuentra “Doomed”, primer sencillo del disco que quizá encierra en su narrativa la tesis de todo el disco: “Si no se amar, ¿estoy condenado?”. En ocasiones la voz de Sumney nos recuerda a Nina Simone en la profundidad de sus gestos.

En general Aromanticism, es una de esas joyas cuya confección es perfecta de inicio a fin y en donde la habilidad técnica se marida en su justo punto con la capacidad creativa, explorando desde el spoken word (“Stoicism”) hasta el jazz y el clásico. Si pensamos que este es tan solo el inicio de la carrera de Sumney, la sonrisa se vuelve hipérbole esperanzada, pues no se puede esperar otra cosa que un futuro brillante.

Casi olvidamos mencionar que su capacidad en vivo es igual o mejor (porque puedes ver la manera en que la magia ocurre) que en el disco.

Band of Horses en El Plaza Condesa

Posted on octubre 21, 2017 by -

Fiesta casual llena de nostalgia y euforia, cortesía de Band of Horses.

La banda liderada por Ben Bridwell, Band of Horses, siempre se ha caracterizado por poseer un género que se alimenta de otros géneros, pues en sus canciones se puede escuchar soft rock, folk, southern rock y hasta pop. Ayer, esta gran mezcla de sonidos hizo vibrar a El Plaza Condesa.

Antes. En punto de las 20:00 H, Marcela Viejo ofreció un setlist de siete temas que versaron sobre el desamor, esperanza y mensajes ocultos. El dream pop de la exintegrante de Quiero Club se hizo presente con canciones como “Furia”, “Déjame construir” y “Siempre hay alguien”, mismas que formarán parte de su primer disco como solista, Pequeñas Profecías.

Después. Minutos después de las 21:00 H, Band of Horses apareció en el escenario con las famosas chamarras con el famoso mensaje “México is the shit”, del diseñador Anuar Layón. Locura total. El southern rock de la larga pero excelente “Monsters” y la melancólica “The First Song” fueron las primeras piezas de la noche para, enseguida, subir los decibeles y los ánimos con “NW Apt”.

“Estamos muy contentos de estar aquí” fueron las palabras en español del bajista Matt Gentling, antes de darle paso a la enérgica “Casual Party”. Canciones como la armoniosa “Older”, la conmovedora “Marry Song”, pasando por el “Ustedes son magníficos, gracias” de Matt antes de llegar a la lánguida y nostálgica “In a Drawer” y la divertida “Throw My Mess” fueron algunos grandes momentos de la velada.

La rompecorazones y directa “No One's Gonna Love You” y posteriormente la eufórica “The Great Salt Lake” fueron el ejemplo perfecto para demostrar que durante la noche, Band of Horses supo jugar con la transición de los sentimientos al interpretar las típicas baladas nostálgicas características de la banda, para después darle un giro al setlist y tocar unos cuantos temas ruidosos.

Precisamente en ese último tema, los aplausos de los asistentes a la banda y viceversa se hicieron presentes, para entonar por última vez el coro de la canción. Después de hora y media de música, “Is There a Ghost?” y “The General Specific” fueron casi los últimos temas de la noche. Pero faltaba más, así que luego de unos minutos de haber abandonado el escenario, Band of Horses regresó para cerrar con broche de oro con “The funeral”.

Así, la agrupación integrada actualmente por Ben Bridwell, Ryan Monroe, Creighton Barrett, Matt Gentling e Ian MacDougall, demostraron que la salida de su exguitarrista Tyler Ramsey y exbajista Bill Reynolds en mayo pasado no sabe tan mal después de todo.

The Cribs en el SALA Corona

Posted on octubre 20, 2017 by -

The Cribs: Una noche explosiva en el SALA.

Cuando los hermanos Jarman anunciaron su visita a México pronto se hicieron uno de los shows más esperados del año, y es que los de Yorkshire forman parte de una de las agrupaciones más importantes dentro de la escena alternativa en el Reino Unido, sobre todo por haber contado con el ex guitarrista de The Smiths, Johnny Marr, dentro de su alineación.

La noche iba en aumento desde antes de que los músicos salieran, pues los gritos no se hacían esperar cada que salía alguien de la producción. Después de una larga pero entretenida espera, por fin los británicos hicieron su entrada con "Somewhere In My Heart" de Aztec Camera, saludando efusivamente y tomándose su tiempo para tomar sus instrumentos. Iniciaron con "Our Bovine Public", que aunque fue bien recibida no se comparó a "Come On, Be a No-One", pues marcó el inicio de lo que sería una noche vibrante entre el grupo y los asistentes.

Le siguieron "Rainbow Ridge" y "It Was Only Love", que no fueron tan coreadas pero no bajaron el ambiente. The Cribs no soltaba a la gente y nos mantenía efusivos con algunas frases en español como: Viva México y muchas gracias, además de que el baterista aventó una botella de agua al público, lo que provocó un gran celebración y muchos más lanzando sus vasos de cerveza por los aires durante ambos temas.

Pronto llegó la primera canción que hizo reventar el recinto, "I'm a Realist", del disco Men's Needs, Women's Needs, Whatever. Este fue anunciado por la fender super-sonic de Ryan Jarman y aclamada de principio a fin. El guitarrista poco a poco iba sobresaliendo de entre su hermanos, por cómo se desenvolvía en el escenario, además de mantener una postura con el compás abierto que recordaba mucho a Johnny Ramone.

El ambiente parecía inmejorable, pero pronto fue superado con "Hey Scenesters!" que gracias a los cánticos de la gente logró sonar como si fuéramos diez veces más. Ese debía ser el punto más alto de la noche, pero con The Cribs era imposible saber, pues aunque "Different Angle" y "Moving Pictures" no fueron tan seguidas como su antecesora, bastaban unas palabras de cualquiera de los integrantes para recobrar el entusiasmo.

Una de las canciones de su nuevo disco fue anunciada por Gary Jarman y fuera de algunos asistentes casi no tuvo respuesta, sin embargo fue un buen descanso para el intenso camino que habíamos recorrido. Todo dio un giro con "We Share the Same Skies", pues estábamos revitalizados y listos para seguir, la linea del frente volvió a los saltos agitados mientras la gente de atrás trataba de mantenerles el paso.

 "Another Number" y "Burning for No-One" afianzaron el terreno para The Cribs, preparándonos para la segunda mitad del espectáculo. Los ingleses se mantenían enérgicos por y para el público, un gesto bien correspondido por todos. Lo bien logrado por Gary Jarman y compañía se notó con "Wish I Knew You In The 90s", pues la gente no se desgastaba en aplausos, tan solo respondía a la música con gritos y sus cuerpos inquietos.

The Cribs se volvió a aventurar con uno de sus nuevos temas, "In Your Palace", y para sorpresa de los músicos fue un éxito, todos los seguíamos ciegamente. Ni la balada más tranquila podía calmar a las almas del sala que fueron alimentadas una vez más con "Be Safe" y "Mirror Kissers". En este punto, la presentación de los hermanos Jarman ya era algo sumamente notable, le habían dado a su público lo que estaban buscando e incluso aún más.

"Broken Arrow" fue la última de las canciones de 24-7 Rock Star Shit, los primeros asistentes habían caído. En realidad no parecíamos estar cerca del final pero algunos ya habían sido frenados por el cuerpo y muchos otros solo seguían por inercia.

Un suspiro final nos invadió con "Men's Needs", el tema que todos estábamos esperando, algunos salieron corriendo del baño o dejaron sus cervezas sin pagar, para no perderse ese momento. Aunque ya se habían cumplido todas las expectativas The Cribs decidió cerrar con "Pink Snow", siendo despedidos entre las pocas fuerzas que quedaban para los aplausos. Algunos seguían pidiendo más, pero ya no había nada más que hacer ¿cómo puedes mejorar lo formidable?