Wolf Alice — Visions Of A Life

Vinimos por el hype, nos quedamos por la música.

Apenas el segundo álbum de esta banda londinense y el hype se empieza a diseminar por el mundo indie, han pasado de venues íntimos a tocar arenas en Inglaterra, a la par que crecen en el ámbito artístico; Visions Of A Life es un viaje por la mente de su frontwoman Ellie Rowsell, y por los temas que se explayan en este conjunto de canciones, podemos entender que es un lugar grande. Sus ansiedades, miedos, inseguridades y recuerdos de algunas personas cercanas a ella, que han tenido que partir, habitan el mundo sonoro de Visions, flotando sobre un melancólico shoegaze o cayendo en picada al ritmo estruendoso del punk rock.

En el núcleo creativo de la banda, está sin duda la complicada personalidad de Rowsell: voluble, intensa pero desapegada, sincera con sus sentimientos, acoge su odio generalizado en “Yuk Foo”, el primer sencillo, dónde quiere chingarse a todos, literal, “I wanna fuck all the people I meet” canta en dicha canción, aunque no quedaba claro si chingar en el sentido sexual o culero, así que le preguntamos; “voy a dejar que tomes lo que quieras de las letras”, respondió, añadiendo que hay cosas que se dicen cuando uno está encolerizado que no las siente de corazón. Y después de despotricar contra el mundo pasa a una historia de amor cinemática en “Don’t Delete The Kisses”, con un final feliz tipo Hollywood porqué, como dijo Rowsell para otro medio: “Fuck it!, regresé y le puse el final que quería”.

No todo funciona bien, el tercer sencillo “Beautifully Unconventional” es medio torpe cuando la banda trata de ponerse muy poppy en esta canción que según Rowsell está basada en los personajes de Christian Slater y Winona Ryder en la película ochentera, Heathers… el video retro que hizo la banda tampoco ayudó. Y otras rolas, como “Formidable Cool”, funcionan más como un relato cuasi interesante sobre las aventuras sexuales de una chica que como algo interesante para los oídos.

“After The Zero Hour” es la canción más especial para Rowsell, según nos contó, por como simplemente emanó de su mente sin mucho esfuerzo, una delicada balada acústica que se contrapone al sonido en general abrasivo del resto del álbum. Mientras que, en lo personal, la canción homónima “Visions Of A Life”, que cierra el álbum, fue el punto alto para mí, una odisea sonora de ocho minutos que me recordó a Jefferson Airplane por alguna razón. Puede que estaba pensando en los ojazos verdes de Rowsell y de Grace Slick, puede que, simplemente, son dos bandas que patean trasero.

Escucha "End Of The World With You" de Calexico

Calexico nos presenta el primer single de su próximo material discográfico.

La banda estadounidense Calexico, ha lanzado un nuevo tema titulado "End Of The World With You", un track romántico con sonidos folk que será la introducción de su próximo álbum The Thread That Keeps Us —cuyo estreno será el 26 de enero de 2018 bajo el sello Anti Records— donde la esperanza y el miedo serán los tópicos principales.

"Hay un poco más de caos y ruido en la mezcla que lo que hemos hecho en el pasado. Ha sido muy importante para el arco de la evolución de esta banda que siempre sigamos probando cosas nuevas", declaró Joey Burns en comunicado de prensa.

Checa el lyric video:

Además, te compartimos la portada del álbum y el tracklist del sucesor de Edge Of The Sun:

The Thread That Keeps Us

1."End of the World With You”
2.“Voices in the Field”
3.“Bridge to Nowhere”
4.“Spinball”
5.“Under the Wheels”
6.“The Town & Miss Lorraine”
7.“Flores y Tamales”
8.“Another Space”
9.“Unconditional Waltz”
10.“Girl in the Forest”
11.“Eyes Wide Awake”
12.“Dead in the Water”
13.“Shortboard”
14.“Thrown to the Wild”
15.“Music Box”
16.“Longboard”
17.“Luna Roja”
18.“Curse of the Ride”
19.“Lost Inside”
20.“Inside the Energy Field”
21.“End of the Night”
22.“Dream on Mount Tam”

Entrevista con Tiger Army

Nostalgia americana. Una entrevista con Nick 13 de Tiger Army.

La sensibilidad de Kearney Nick Jones –mejor conocido como Nick 13 –por el pasado, uno que nunca llegó a conocer, es infecciosa y me inspira a recorrer los catálogos de la música que tanto apasiona a este hombre: el folk tradicional, el hillbilly, el country (de preferencia de los 30 y nada post 1970) y el honky tonk. Sin embargo, está uno tan distanciado de aquellas épocas y regiones de los Estados Unidos, que el temor por lo desconocido empieza a causar un poco de ansia. Hay tanta cosa, ¿por dónde empezar?

“Pues (suspira), hay tantas cosas buenas. Creo que un buen lugar por donde empezar para nadie que ha escuchado la música hillbilly es con Hank Williams, para la gente que ya conoce algo puede que les parezca cliché. The Louvin Brothers son unos de mis favoritos de todos los tiempos, es chistoso porque sus canciones vienen de un folk tradicional y tienen algunas otras que vienen de los viejos tiempos de las islas británicas y son baladas de asesinato, donde el personaje termina matando a su amante porque ella le fue infiel, o algo así, las canciones son algo tétricas pero tienen algo con lo que todos nos podemos identificar, también hay viejas canciones folclóricas en México que hablan sobre temáticas similares; Webb Pierce es otro de mis cantantes favoritos de aquella época, una vez que te adentras en ese mundo hay décadas de buena música que ha sido casi olvidada”, comentó Nick.

Nick fundó Tiger Army en 1996 en Berkeley, California, y empezaron a tener sus primeras presentaciones en el legendario recinto del punk 924 Gilman Street, un referente de la escena musical de la bahía de San Francisco que a esas alturas ya había visto despuntar a grandes actos como Green Day y Rancid.

Tiger Army grabó su primer disco homónimo en 1999 y mantuvo el ritmo de sacar un nuevo álbum cada dos años, hasta que hubo un periodo intermedio de nueve años entre el último disco V (2016) y el penúltimo, Music From Regions Beyond (2007), lo cual podría levantar la sospecha de que el compromiso que Nick siente con la banda se ha ido apagando.

“Sabes es chistoso, cada vez que termino un disco, parece imposible que voy a poder escribir otra colección de canciones, tan importantes para mí que me inspiren a regresar a trabajar en el estudio, pero conforme pasan los meses, empiezo a escribir más y más y termino por reunir esta colección de canciones que yo siento que se las quiero mostrar al mundo. Otra cosa es que me encanta tocar en vivo, no tanto estar en el estudio, aunque si me gusta escuchar como el nuevo trabajo empieza a tomar forma, pero realmente lo más estresante para mí es hacer el disco, más que todo lo demás”, dijo Nick al respecto.

La aventura de Nick 13 con Tiger Army hace su paso por México el 2 y 3 de noviembre en El Plaza Condesa, exactamente a un año de su último concierto en nuestro país (2 de noviembre del 2016); menciona que la lista de canciones para cada noche va a estar variada, sin dejar de lado las canciones emblemáticas de la banda, con la intención de que sea chido ir una noche, y chingón ir las dos (sin que te aburras con canciones repetidas). Hay algo en particular que le sigue atrayendo en deleitar a sus seguidores mexicanos justamente en el Día de los Muertos, o ¿es mera coincidencia?

“Hemos escuchado que muchos latinos de los Estados Unidos se van de vacaciones a México, pero también de pasada a ver a Tiger Army, así que sentimos una atmósfera eléctrica de gente realmente emocionada por ver a la banda. También, habrá canciones menos conocidas y otras que serán especiales para ese par de noches. Hay una energía especial cuando tocamos en –o cerca de– Halloween aquí en los Estados Unidos, es algo similar en México con el Día de los Muertos”, dijo al respecto.

El amor de Nick por la vieja americana no quiere decir que un concierto de Tiger Army sea un Nick 13 en acústico, interpretando viejas canciones de country al estilo de Jimmie Rodgers “El Guardafrenos”, mientras el resto de la banda pela papas. V, el último álbum reinterpreta sus inspiraciones para las nuevas generaciones por medio de un electrizante show de psychobilly y baladas hermosas al estilo de Del Shannon. Sin embargo, Nick sigue teniendo una especial preferencia por la música del ayer, y le guarda un recelo al nuevo catálogo musical que domina en las listas de popularidad.

“Pues, en lo que se refiere a esta llamada ‘música de raíz’ o el rock and roll clásico, creo que como dices es la honestidad y la simplicidad y la pureza lo que me atrae, algo que no siempre encuentras en la música de hoy donde se ve un gran contraste”.

¿Estamos lentamente moviéndonos hacia una homogeneización de la música a nivel mundial por los intereses comerciales, la amplia disponibilidad de los medios digitales, entre otras cosas?

“Absolutamente, noté eso especialmente este año pasado que anduve de tour por todo el mundo. Cada vez que me metía en un Uber era la misma canción de Rihanna en el carro, ya sea que estuviera en Suecia, o en Estados Unidos, o en Latino América. Esta monolítica cultura corporativa que no refleja realmente el país en donde estás, o la cultura de donde estás, y en lo personal, creo que eso no es muy bueno, me gustaría poder escuchar algo que realmente sea de esos países”, concluyó Nick.

Prophets of Rage — Prophets of Rage

Poder en la música y fuerza en las letras.

En un 2017 caótico, lleno de eventos tormentosos para el alma, catástrofes naturales, económicas y políticas en todas partes del mundo, donde la sociedad al estar en medio de todo solo recibe golpes a cada lado que voltea. Es en estos tiempos en que una nueva armada de músicos enfadados llamada Prophets of Rage decide lanzar un disco lleno de poder en su musicalidad y fuerza en las letras para incitar a la rabia organizada contra las incompetentes figuras de poder.

Prophets of Rage, como muchos de ustedes sabrán, está conformada por Tom Morello, Tim Commerford, Brad Wilk –ósea los músicos de Rage Against the Machine– junto a las voces de Chuck D y B-Real, MCs de Public Enemy y Cypress Hill, respectivamente. Y como arma secreta, el poderoso DJ Lord, quien ha estado detrás de las tornamesas de Public Enemy de principio a fin.

Una vez explicado todo esto, vámonos de corrido a ver de qué se trata el álbum debut de este comando elite.

“Radical Eyes” empieza la revolución, desde el primer instante la rabia comienza a invadir nuestros oídos con unos fuertes y precisos golpes de batería simulando disparos de un arma de alto calibre hasta limpiar el cartucho.

Al terminar la canción empezamos a saber de qué va todo esto, lo que encontramos aquí es realmente la continuación de lo que estos músicos comenzaron hace 26 años y dejaron al olvido durante bastante tiempo, el trabajo de RATM. Tan real es esto que hasta tuvieron que pedirle su bendición a Zack de la Rocha, a lo que él solo respondió: “háganlo”.

En “Unfuck The World”, la gente del mundo debe unificarse, vibrar a un solo ritmo y para eso hay que mover el trasero del asiento, levantarse y empezar la guerra contra los que están matando nuestros sueños lejos de la pantalla de nuestra computadora, televisión o teléfono inteligente. Los tiempos están cambiando, las malas vibras ya no deben tener cabida en este mundo.

Entonces nos damos cuenta que las voces de B-Real y Chuck D funcionan muy bien, una es la aguda con buena onda y la otra es la agresiva con muchos bajos, que juntas dirigen muy bien el mensaje hacia tu cerebro. Y claro, tienen ya algunos años de experiencia levantando la voz de reclamo.

Escuchamos el funk de “Take Me Higher”, la psicodelia de “Legalize Me” y el R&B de “Living in the 110”, donde logramos notar la economía de solos de guitarra, bastante reservados y muy ingeniosos, pero cuando estallan hacen unos juegos muy interesantes de notas con efectos de sonido que logran ser muy impresionantes a decir verdad.

Pero es en “Who Owns Who”, donde encontramos algo diferente en los riffs de Morello, suenan muy distinto a todo lo que hemos escuchado del guitarrista, bastante ingeniosos, bastante inteligentes, pegajosos, lo hace muy bien y al final es la prueba de que hacer la diferencia puede estar muy buen si lo intentamos.

La Redada: Un flashback al danzón y los sonidos tropicales

Conoce a La Redada, un sexteto con una melancólica propuesta.

Proyecto nacido en la Doctores, uno de los barrios más viejos y con historia en la Ciudad de México, La Redada ha optado por salirse de lo convencional y explorar en uno de los ritmos olvidados por las nuevas generaciones: el danzón. La agrupación la conforman Feike De Jong en saxofón y flauta, Daniel Llermaly en bajo y guitarra, Fernando Caridi en el inusual theremín, bajo y percusiones, Carlos Icaza en percusión, Oscar Ojeda en los bongos y la conga, y Julian Huerta en el órgano.

Con seis integrantes y más de una decena de instrumentos, se aventuran en crear paisajes rítmicos que se creían extintos. Ellos mismos se dieron a la tarea de crear una clasificación para su música como "el remedio infalible a la escasez de baile en el mundo actual". Y pareciera que el mítico danzonero Miguel Faílde regresará para conquistar al mundo, pero ahora viene acompañado de un órgano que arroja un poco de psicodelia como acompañamiento.

Esos tonos en el órgano y sax que parecieran revivir a Los Monjes, Love Army o Los Saicos, hacen que La Redada sea un proyecto con un futuro prometedor, que más de encargarse de revivir un viejo y olvidado sonido, lo están regenerando. Con tres pistas ubicadas en el streaming de BandCamp, el grupo propone lo hecho por Thom Yorke en su primer disco en solitario, dejar al público usuario comprar sus temas a un precio que consideren justo por su trabajo.

Abrete Sésamo es el nombre de su EP que incluye "Jipi Juarez", "Abrete Sésamo" y "Danzón para Tres". Usando el artilugio de magia como una referencia en su nombre, podría considerarse una invitación a adentrarse a un sonido, que aunque no es un convencional en festivales de música alternativa, el fresco toque de La Redada hace que sea un factor para considerar su inclusión. El baile y la nostalgia sin duda contagiarán a más de uno, descubriendo esos proyectos que pueden parecer sencillos pero dan mucho de que hablar.

Recuerda que La Redada se presentará en el Festival Hipnosis curado por Indie Rocks! a celebrarse el 9 de diciembre, compartiendo escenario con un increíble lineup. Te dejamos su página oficial de Facebook y BandCamp para que les sigas la pista de próximos eventos y noticias.

Aquí su creativo video animado para "Ábrete Sésamo":

 

 

Desert Daze 2017: La máquina del tiempo del Joshua Tree

Nos transportamos al desierto del Joshua Tree para desconectarnos, una vez más, de todo y presenciar uno de los mejores carteles internacionales del año a lado de gente increíble.

Si eres seguidor de esta publicación desde hace algún tiempo –y sin irse tan lejos, de poco más de un año– probablemente leíste algo sobre la existencia de este maravilloso festival en medio del desierto del Joshua Tree.

Para mi fortuna en la vida, esta fue la segunda visita que logro al festival ubicado exactamente en el Instituto de Metafísica de Joshua Tree, en California: un espacio multidisciplinario donde día a día se trata de entender al mundo de “otra forma”. Un lugar diseñado con geometría avanzada por Ding Le Mei, Frank Lloyd Wright (arquitecto del Guggenheim de NY) e hijo Lloyd Wright. Decorado naturalmente por matorrales, arena, los característicos árboles de la zona y en el atardecer, la perfecta silueta de todas las montañas rocosas que lo rodean. Y claro, también mucha arena.

Los festivales masivos se han vuelto complicados para disfrutar en su totalidad, y si hay apuestas nuevas para vivir la recurrente y obligada palabra experiencia, Desert Daze es una de ellas. Les relataré un poco de lo vivido este año.

Musicalmente el cartel ya pintaba de locura desde su anuncio con Iggy Pop, Spiritualized, Courtney Barnett and Kurt Vile, John Cale y Thurston Moore encabezándolo, sin embargo, llegar a vivirlo en comunión con menos de 8,000 personas que van a disfrutar genuinamente la música, se convierte en algo más que una simple conceptualización (actual) de un festival.

Esto es una ceremonia que rinde tributo a la música en medio del desierto, con instalaciones artísticas de talentosos jóvenes que desean trasmitir que no estamos solos en estos cuestionamientos de la vida y nociones. Sin exagerar, por todo el lugar hay regados interesantes proyectos para echar a volar la mente. En el mapa también encuentras puestos de ropa de algodón orgánico, joyería de piedras energéticas, serigrafías de bandas, venta de playeras –con marihuana de cortesía–, etc.

Para comer existen food trucks de todo tipo, por puesto, veganos también. En este lugar, consumas lo que desees consumir, la pasarás bien, todo está empapado de energía positiva y no hay forma de irte al dark side.

Desert Daze es un espacio natural de desconexión de la rutina con tres escenarios, sencillos, sin una marca que los presente. Solo los fierros del stage y en casos, proyecciones cósmicas elaboradas artesanalmente con los aceites coloridos del reconocido colectivo Mad Alchemy.

Mi bienvenida al primer día del festival fue con Prettiest Eyes, un proyecto de psych y noise de LA bastante ponchado –trataré evitar este adjetivo aunque el cartel en general lo sea por completo–, su setlist no bajó de intensidad. Perfecto para arrancar esta aventura. De ahí nos fuimos a ver a nuestro querido Holy Wave, que ya es un proyecto más conocido en México, con su sonido garage psicodélico proveniente de Texas.

La Femme –a muy pocos días de haberlos tenido en México– también estuvo presente con un aguerrido sol, la banda francesa se entregó a un público americano con mucha energía, aún y con los problemas técnicos que enfrentaron al no poder conectar el Korg de Marlon Magnée. No obstante la sensualidad y profesionalismo de los integrantes mantuvo a todos en el hipnótico baile.

Boris se presentó al atardecer, trayendo la oscuridad sonora con el poder de su doom metal para posteriormente dejar camino ancho al show de Ty Segall. Como headliner del día, apareció en el escenario más grande para despuntar con su virtuosismo en la lira portando su traje del Electrical Audio de Chicago –donde trabajó mucha música presentada sin parar durante este año–.

El alma se llenó de felicidad en ese primer día al presenciar el avanzado show de BADBADNOTGOOD. Estos jóvenes con su atrevido estilo de jazz mezclado con toques de hip hop rompen creativamente normas del género, logrando sorprender y conectar con sus escuchas.

Para finalizar el día Angus Andrew, pieza clave en Liars, apareció con el vestido de novia que muestra en la nueva portada de su más reciente material. Con Liars, nunca hay temor de un bajón, al contrario solo quedas insaciable de más noise rock.

En el segundo día la banda mexicana Mint Field se presentaba con orgullo dando inicio a esta aventura. Después JJUUJJUU, proyecto musical liderado por Phil Pirrone (organizador de este festival) llevó a todos al trance con su psicodelia pura –tanto en su vestimenta como en su sonido– en el abarrotado The Wright Tent, un escenario chico con carpa donde se presentan los actos más experimentales y novedosos del festival.

Poco después corrí ansiosa por ver al fin al súper trío Sleep, quienes con una tremenda e imponente pared de amplos Marshall aparecieron ante todos los presentes con el más puro y espeso stoner. Todos nos quedamos paralizados durante algunas rolas, admirando cómo su música tuvo el poder de derribar el sol para inundar el desierto de oscura noche. La intensidad sónica fue gradual, de menos a más, de stoner a doom metal. Los presentes veneramos este show.

En ese mismo escenario King Gizzard & The Lizard Wizard hizo de nuevo su aparición en festival –pues el anterior también estuvieron en el cartel–. Ellos con demasiada gente a la expectativa de un nuevo show para este año tan lleno de nueva música, nunca bajaron de intensidad, estos imparables siete chicos de Australia arrojaron un set tremendo. El poder no bajó al ir corriendo a ver a The Make-Up pues era imperdible ver el excéntrico Ian Svenonius arrojándose al público con su metálico traje de pantalón acompañado. Un frontman de gran respecto y admiración para muchos.

El clímax de la audiencia de aquel segundo día se avistó durante el show de Iggy Pop, la leyenda viva que no para, un ejemplo para miles en la industria. La mayoría de las canciones eran coreadas, la química entre él y el público de aquel día fue tremenda. Una gran noche para cerrar este segundo este personaje de Michigan.

Con pocos años de trayectoria, The Babe Rainbow fue la primera opción para este último día de Desert Daze. Continuaba mi dosis de psicodelia con estos chicos buena vibra, la gente no dejaba de bailar. La curiosidad después me llevó con Weyes Blood, quien me transportó a la nostalgia, a la introspección, un pasaje tranquilo en el fest.

Allah-Las era la banda que no podía faltar a este cartel. Los angelinos lo tienen bastante bien amarrado, un proyecto que ha crecido con bastante trabajo en estos casi 10 años de historia. La oscuridad femenina se hizo visible aquel día con el trío de L.A. Witch, recién firmadas por Suicide Squeeze, levantaron una tarde narcotizada con sus cantos y reverbs.

Alguien en el camino me habló de Khruangbin y lo que más me atrajo en su descripción era ir a escuchar el thai funk que se le atribuía. No cabía ni un alma más en la Wright Tent, y paulatinamente entendía porqué. Este humilde (en actitud) proyecto, tuvo algo bastante novedoso en su sonido y ejecución. Algo muy rico, bailador pero suave, sexy, prodigioso. Vale mucho la pena descubrir de esta forma, en vivo.

GØGGS por otra parte por poco demolía el lugar con su más puro punk. Una necesidad que solo Ty Segall, en conjunto con Chris Shaw y Charles Moothart, logró en un disco homónimo. Al poco tiempo se aparecía Jason Pierce y compañía con Spiritualized, en una noche muy iluminada por el espectáculo que ofrecieron. Bastante emotivo para casi concluir las presentaciones del escenario principal. Y entre Cigarettes After Sex y Unknown Mortal Orchestra, me fui por UMO en contacto con un público como el de Desert Daze. Si algo he notado en Ruban Neilson, ha sido su desarrollo exponencial al escenario, de ser un chico tímido con solo una guitarra, a un personaje atrevido, con más producción hasta en su escenario. Y en efecto, la experimentación y soltura de esta agrupación aquella noche fue tremenda. Una magia interesante que no sé si ocurre con la mayoría de los actos a causa de los elementos que existen en este festival.

Desert Daze es un bello recordatorio de que estos géneros y este tipo de audiencia, no están extintos. Al contrario, esto va para arriba. Es ese pequeño pasto verde emergiendo entre las grietas del cemento.

Las Ligas Menores en el Foro Indie Rocks!

Un paisaje de tormentas, los rasgueos de guitarra de Las ligas menores.

Dream suavecito, de ese que te hace despegar. Useless Youth, fue el cuarteto encargado de abrir el line up de una noche llena de paisajes cósmicos y violentos.

Tomó una guitarra de brillos azules que hacia juego con el color de su cabello y comenzó a tocar. Irreverente y romántico. En el intervalo de sus canciones Diego Puerta a.k.a Dromedarios Mágicos, el chihuahuense favorito de la escena, interactuó con el público haciendo chistes sobre su guitarra de Tatiana o su aspecto físico. La gente lo disfrutaba y reía.

“Pero ahora ya no estamos juntos, la verdad nunca lo estuvimos. Fue una idea que nos hicimos, espero que estemos mejor así”, coreaban, más bien gritaban al unísono esos corazones rotos o los que añoraban relaciones fallidas, pero sabían que la ruptura era la mejor decisión e hicieron de “Fuimos” un himno a su resignación.

La melodía de la guitarra era familiar, pero no era una de sus canciones. “Baby no (baby no). Me rehúso a darte un último beso así que guárdalo (guárdalo). Para que la próxima vez te lo de haciéndolo (haciéndolo). Haciéndotelo así, así, así. Así como te gusta baby...”, cantó. Los que han escuchado o les gusta “Me rehúso” del cantante venezolano, Danny Ocean se limitaron a reír. Pero en general la gente no reaccionó, al menos no cómo lo esperaba Diego por lo que dijo “¿No la conocen? Es reggaetón”. Y continuó con su presentación.

“Decirte cuanto te quiero Foro Indie Rocks!, cantó Drome en “Pistache”, última canción de su set list, donde cambió una parte del coro para agradecer el cariño de público.

Desde que entraron al escenario Pablo KemperMicaela GarcíaNina CarraraMaría Zamtlejfer y Anabella Cartolano la gente comenzó a bailar.

Anabella, vocalista de la banda, dedicó “El baile de Elvis” a Jorge y Arturo de Los Ríos, gemelos que cumplieron años esa noche y que junto a Monserrat Silveira forman Violencia River, promotora encargada de traer por primera vez a Las Ligas Menores a tierra mexa.

Pocos, pero locos. “Accidente” detonó la energía de los presentes, quienes desde esa canción armaron enfrente del escenario el slam y no pararon de saltar, aventar codazos y empujar hasta el último rasgueo de guitarra.

El solo de guitarra de Kemper durante “Hoy me espera”, nos voló los sesos, nos llevó a “un paisaje de tormentas, luna llena, una escena de violencia”, como canta Cartolano en la canción.

“Renault Fuego”, la canción más esperada, era el anunció del ocaso del show. Por un momento nos hicieron creer que había terminado, pero accedieron a las exigencias del público y regresaron a tocar tres temas más. El grupo prácticamente tuvo que huir de la tarima y encendieron las luces del Foro para que la gente entrara en razón, el show había finalizado.

“Puede que no haya un auto y que casi todo sea inventado. Es mejor inventar un buen final para no pensar en…”

Daniel Avery en Normandie

Una noche con Daniel Avery y su lógica del Drone.

 

 

Por: Ross Aguiñaga

El jueves pasado fuimos a ver tocar a Daniel Avery en Normandie, lugar ubicado en el número 15 de la Calle López en el Centro Histórico y que –actualmente– es uno de los spots más activos para escuchar diferentes tipos de música en la Ciudad de México, .

A las 23:00 H comenzaba el set de Koscoy, una DJ mexicana que poco a poco ha ido ganando un lugar privilegiado en la escena electrónica local, gracias a sus presentaciones en lugares como Boiler Room y compartiendo booth con DJs internacionales como Objekt y DJ TLR. Al paso de la noche fue construyendo un set de su acostumbrado techno fino que raya sutilmente en lo oscuro. Así, Koscoy fue logrando que el dance floor cobrara vida y comenzara con una dinámica que continuaría toda la noche entre baile frenético y chiflidos de aprobación.

El siguiente en tomar los controles fue MIJO, un veterano del dance floor mexicano que continuó la tarea de mantener a la gente bailando y preparándola para lo que les esperaba con Daniel Avery. Por un par de horas más disfrutamos un set lleno de cambios de tempo y acertados brincos entre diferentes géneros de la electrónica, desde el techno hasta el trance, incluso sorprendió con “Sandstorm” de Darude.

Finalmente llegaba el momento, Daniel Avery tomaba la estafeta entre aplausos y vítores para comenzar su set con su “Drone Logic”, track que lo hizo conocido en todas partes a los comienzos de su carrera. La gente bailaba y gritaba con una sonrisa en la cara y durante un par de horas más, Avery soltó varios hits y tracks con una dinámica vigorosa que hicieron que la mayoría se quedara hasta el final de su increíble y divertido show.

 

 

Top 10: Covers de "Heroes"

Buenas o malas, aquí están las versiones más recordadas de "Heroes" por su 40 aniversario.

Peter Gabriel

El ex integrante de Genesis lanzó su interpretación en 2010 con el álbum Scratch My Back, buscando un sonido más instrumental que el original.

Kasabian

Este cover fue lanzado en 2006 para la cobertura del mundial de la FIFA, disponible en ese tiempo como bonus track de Empire en la edición estadounidense por parte de iTunes.

Los integrantes de Kasabian tuvieron que argumentar que David Bowie les dio su aprobación, pues su interpretación fue polémica y tenía comentarios divididos.

Oasis

La versión de los hermanos Gallagher salió como B Side del sencillo "D'You Know What I Mean?" en 1997 junto a "Stay Young".

Aunque Oasis estaba en el punto más alto de su carrera, este cover de "Heroes" no es tan recordado.

Blondie

Los neoyorquinos grabaron "Heroes" junto a Robert Fripp, guitarrista de King Crimson y quien también tocó en la versión original.

El tema fue añadido como bonus track del álbum Eat To The Beat en 1979, así como en un disco de 12 pulgadas que incluía la canción "Atomic".

TV on the Radio

La relación de la banda con David Bowie inició cuando este cantó los coros en "Province", tema que se desprende del álbum Return To Cookie Mountain. Como agradecimiento el grupo interpretó "Heroes" para un álbum recopilatorio de War Child.

Nico

El cover de la ex integrante de The Velvet Underground fue una de las piezas esenciales para su carrera en solitario. Primero fue revelado como single en 1983 junto a "One More Chance", a este le siguió un álbum en vivo.

The Wallflowers

Esta versión del clásico de David Bowie junto a "One Headlight" fueron los únicos éxitos del grupo de Jakob Dylan, hijo del famoso músico Bob Dylan. Aunque este cover solo destaca por su uso en numerosos filmes y programas de televisión.

Parálisis Permanente

Una interpretación en español por parte del grupo madrileño. Este fue incluido en el primer y único álbum de la banda, pero a pesar de eso es muy recordado por su buen trabajo instrumental.

Mötorhead

Este es uno de los covers más recientes que hemos podido escuchar de "Heroes", y también de lo último que pudimos escuchar de Lemmy Kilmister. La versión de los británicos formó parte del álbum Under ver junto a versiones de los clásicos de Ramones, Judas Priest y Sex Pistols.

Depeche Mode

Este año la canción acompañó a la banda durante su gira Global Spirit Tour, pero fue durante el Highline Sessions cuando Dave Gahan y compañía mostraron una versión oficial junto a un video.

Mira el nuevo video de Fischerspooner

Aquí el visual para "Togetherness", que cuenta con la participación de Caroline Polachek.

Fischerspooner volvió en junio de este año después de ocho años de sequía musical con "Have Fun Tonight". El tema que fue coescrito y producido por Michael Stipe de R.E.M. y el productor Boots, marcó el regreso del dúo musical de electroclash. El lanzamiento de la canción vino acompañado del anunció de su nueva placa titulada SIR, que en ese momento, estaba fechada para el 22 de septiembre, pero desde entonces se ha retrasado hasta febrero de 2018.

Mientras tanto, el grupo lanzó hoy un nuevo video de su single "Togetherness", que tiene por acompañante a la vocalista de Chairlift, Caroline Polachek. En contraste con el primer sencillo "Have Fun Tonight" que contiene tonalidades más dance, "Togetherness" es más ralentizada y muestra a un Casey Spooner intercambiar voces sensuales con Polachek.

El clip fue dirigido por Warren Fischer y Casey Spooner, mismo dúo que conforma el proyecto. Además, el clip tiene la aparición de la artista y DJ estadounidense Juliana Huxtable, quién ha remezclado algunos temas de la islandesa Björk.

"Michael Stipe me animó a estar más conectado emocionalmente y a confiar en mi voz", dijo Spooner sobre el álbum en un comunicado de prensa. "También luchó por una voz más en bruto en la producción final. Me enseñó nuevas formas de crear melodías y letras. Este álbum es un documento de esa experiencia".

Fischerspooner aún no tiene fechas de tour para la promoción de SIR, tal vez a consecuencia del retraso en su salida, pero esperemos para 2018 retomen los escenarios. Aquí te puedes suscribir a su newsletter para recibir información futura de la agrupación. El dúo ya ha visitado en un par de ocasiones la Ciudad de México, una en 2010 con la promoción de Between Words y otra en la edición pasada de Corona Capital.