Conoce el video de "Mayday" de The Go! Team

Por Elizabeth Zamora

The Go! Team estrenó videoclip del segundo sencillo de Semicircle.

Después de compartir "Semicircle Song", el primer adelanto de su reciente álbum Semicircle que se estrenó el 19 de enero por medio del sello discográfico Memphis Industries, la banda nos comparte un audiovisual de "Mayday".

El clip da inicio con un ritmo inspirado en el Código Morse, después se va desarrollando y tornando a una melodía más compleja que utiliza el acompañamiento de Detroit Youth Choir. Además podemos ver un elaborado y psicodélico stop motion dirigido por James Slater, quien ha colaborado anteriormente en otros proyectos de The Go! Team como: "Doing It Right""Grip Like A Vice""Rolling Blackouts", "T.O.R.N.A.D.O" y "Apollo Throwdown".

"El video describe a una mujer que está en problemas, con el corazón roto y atrapada en un torrente de sus propias lágrimas", comentó Slater y agregó. "Como la mayoría de los videos de The Go! Team que hice, es un collage de medios mixtos repleto de café. Esta es una colisión de animación stop frame, que archiva un metraje de desastre, cantantes de coros rotoscópicos y una chica abatida, que están todos enmarcados detrás de una tormenta de lágrimas de papel ".

El material muestra un metafórico grito de ayuda "Mayday", en una literal representación visual de una mujer hundida en su dolor.

Checa el video  y mira de qué se trata.

 

 

Cantante de Sleigh Bells estrena canción

Foto ourlandbandcamp

Alexis Krauss de Sleigh Bells publica un sencillo en favor de los parques nacionales.

La interprete estuvo muy ocupada el año pasado con la publicación del EP Kid Kruschev y recientemente con el lanzamiento del video para "Favorite Transgressions". Sin embargo, la cantante de Nueva Jersey ha encontrado tiempo para participar en un proyecto que busca proteger los hábitats naturales de Estados Unidos.

El tema que acaba de estrenar Alexis Krauss de Sleigh Bells se titula "Our Land" y cuenta con un sonido muy cercano al pop folk y que incluso tiene algunos elementos cercanos al country. Esta podría ser considerada como una canción de protesta y destaca por su sonido acústico, así como por los etéreos coros.

Estas fueron parte de las declaraciones de la integrante de Sleigh Bells. "Inspirado por mi amor por los espacios salvajes y en respuesta a las acciones del presidente Trump contra nuestros monumentos nacionales, escribí 'Our Land'. La canción condujo a una sesión de grabación colaborativa y rápidamente se convirtió en un proyecto cinematográfico, un esfuerzo por expandir el proyecto y contar la historia de Bears Ears y su gente".

El proyecto del que habla Alexis Krauss es un video que viene junto al sencillo, ambos disponibles en su Bandcamp. El metraje estuvo a cargo del fotógrafo, productor y director Chris Vultaggio, quien se especializa en paisajismo. Ambos fueron a una región de Utah, Bears Ears, patrimonio arqueológico y hogar de cientos de nativos americanos, un lugar que la administración de Trump considera una gran oportunidad para comercializar tierras y la extracción de recursos. En las imágenes podemos ver a músicos como Karen O, Edward Sharpe, y Miya Folick.

Todas las ganancias de la canción y mercancía relacionada irán directamente a la fundación Utah Diné Bikéyah que busca reinstaurar la protección de este lugar, declarado monumento nacional durante el mandato de Barack Obama.

Recordando 'White Light/White Heat' de TVU

En su 50 aniversario analizamos uno de los discos más enigmáticos de The Velvet Underground.

Cuando hablamos de la discografía de los neoyorquinos lo primero que llega a nuestra mente es esa ilustración de la entrada del metro de Loaded o la icónica imagen creada por Andy Warhol para su álbum debut con Nico. Pero el material que ha causado más fascinación dentro de los seguidores del extinto grupo fue su segundo álbum de estudio y les voy a decir por qué.

Iniciemos por el peculiar sonido. The Velvet Underground y sobre todo Lou Reed son conocidos por su inclinación a la experimentación y la búsqueda de nuevos sonidos, sobre todo en la guitarra. Sin embargo, la segunda placa de la agrupación llevó ese toque extravagante a un nuevo nivel, con elementos distorsionados que aludían a una esencia violenta y transgresora. Además, contaba con instrumentos únicos, como la viola eléctrica y un órgano Vox Continental, al igual que efectos de audio cinematográfico. Tal y como John Cale describió este proyecto tiempo después. "Fue un disco rabioso ... El primero tenía algo de gentileza, algo de belleza. El segundo era conscientemente anti-belleza".

La gente y la historia detrás de este material también fueron, en parte, responsables de que White Light/White Heat se convirtiera en uno de los objetos más interesantes de The Velvet Underground. La banda se había alejado del dominio, o más bien del subyugo, de Andy Warhol y naturalmente se deshicieron de la modelo alemana Nico. Gracias a que ya no se limitaban a las exigencias del dueño de The Factory y con la notable fama que habían conseguido, lograron traer al mítico productor Tom Wilson, recordado por su participación en el estilo disonante del tema "Like A Rolling Stone" de Bob Dylan.

También, White Light/White Heat fue el ultimo álbum que contó con la colaboración de John Cale, quien podría ser considerado como co-lider de The Velvet Underground junto a Lou Reed. Es bien conocido que entre estos dos interpretes había una enorme rivalidad que causaba una importante tensión en la banda. Se dice que Reed estaba celoso de la calidad de Cale como multiinstrumentalista, así como por su inmejorable preparación. John había estudiado piano en el conservatorio y se le facilitaban toda clase de instrumentos. En aquel disco el estadounidense tocó el bajo, la viola y el órgano.

Para muchos, el segundo álbum de estudio del grupo fue el principio del fin, para otros el mejor disco de los neoyorquinos y el único donde mostraron su verdadera esencia, pero todos debemos estar de acuerdo en que White Light/White Heat, a pesar de su sonido poco amigable, es un disco de gran calidad y un fondo muy interesante.

TOKiMONSTA presenta el audiovisual "I Wish I Could"

Siguiendo con la era Lune Rouge, TOKiMONSTA presenta un clip con alta carga emocional.

El año pasado TOKiMONSTA nos sorprendió confesando que fue intervenida quirúrgicamente a causa de la enfermedad de Moyamoya y que de esta derivó su más reciente proyecto, Lune Rouge. Siguiendo con la promoción de este LP, la productora originaria de Los Ángeles ha compartido el videoclip del sencillo "I Wish I Could", tema en el que colabora la cantante Selah Sue.

Bajo la dirección de Mitchell deQuilettes, este visual nos muestra la estresante vida de un médico en urgencias —interpretado por Isabelle Yamin— quien sufre la pérdida de su padre, lo que la lleva a aumentar sus adicciones hasta tocar fondo y comenzar una nueva vida.

Este tema se que queda fácilmente en la memoria debido a la interpretación de su colaboradora Selah Sue, cuyas líneas mencionan ”I wish I could be better, I wish I could do better, I hope this stays for better, I’ll be longing for peace anew"‘ con un tono agudo que transmite fuerza.

"Significa mucho finalmente poner imágenes a una canción que es tan importante para mí. Después de someterme a dos cirugías cerebrales y no poder crear, esta fue la primera canción que pude completar en mi recuperación ", declaró Jennifer Lee —nombre verdadero de TOKiMONSTA— en comunicado de prensa.

Míralo a continuación:

Se prepara un filme sobre Chuck Berry

Foto chuckberry.com

Se acaban de confirmar los detalles del documental oficial de Chuck Berry.

Pronto se cumplirá el primer año del fallecimiento del guitarrista de Missouri, conocido como el padre del rock & roll. Dado su importante legado y peculiar camino por la industria musical, ya hay planes para una largometraje sobre la vida del interprete, uno de los más icónicos en la historia de Estados Unidos.

Este filme llevará el título de Chuck! The Documentary, y estará a cargo de la productora Cardinal Releasing Ltd, que anteriormente ha llevado a la pantalla grande documentales de la vida y obra de Jimi Hendrix, B.B. King y Nat King Cole.

El proyecto también cuenta con el permiso y la participación de su esposa Themetta Berry y con John Brewer en la dirección. Esto fue lo que dijo el cineasta sobre esta película. "Tengo el gran privilegio de poder producir y dirigir este documental, la historia totalmente autorizada y oficial del legendario Chuck Berry, así que haremos lo mejor".

Cabe mencionar que hace un par de días, en la 60 edición de los Grammy, Chuck Berry fue homenajeado junto a Fats Domino por los músicos Jon Batiste y Gary Clark Jr., con covers a "Maybelline""Ain't That a Shame".

Puedes ver la presentación de Batiste y Clark justo aquí:

 

Natalia Lafourcade comparte el clip "Alma Mía"

Dale play a este video en el que Natalia Lafourcade le canta a los adultos mayores.

Natalia Lafourcade está a unos días de dar a conocer Musas (Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de Los Macorinos), Vol. 2 y como parte de la preventa de este material ha liberado la canción "Alma Mía" junto a un emotivo videoclip.

La clásica canción compuesta por María Grever es interpretada de manera desechufada por la veracruzana, en una residencia de adultos mayores junto a Los Macorinos. En el clip también podemos escuchar un testimonio de una habitante de esa casa quien expone su sentir al estar sola.

Dale play a este visual

Gracias a la primera parte de este material logró ganar el Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum Folclórico, además fue nominada en los Grammy anglo por la terna de Mejor Álbum Latino.

De este nuevo material también presentó el tema “Danza de Gardenias”, una canción que sigue la línea de su predecesor y continúa con los sonidos folclóricos de América Latina.

Si aún no has escuchado la primera parte de este material te lo dejamos a continuación, para que compruebes con base en nuestra reseña como "Todos los temas son interpretados con maestría por una artista en plenitud personal y profesional; sin nada que probar".

Misfits anuncia otro show con alineación original

Glenn Danzig y Jerry Only volverán a tocar juntos luego de su presentación hace un par de años en Riot Fest.

Misfits es una banda de horror y hardcore punk formada en 1977 en Nueva York. En 1983 se disolvió debido a diferencias entre sus integrantes principales y fundadores: la voz Glenn Danzig y el bajista Jerry Only. Los apodados The Original Misfits se reunieron en 2016 para una presentación encabezando el Riot Fest en Denver y Chicago. Después de esa actuación, la banda permaneció en gran parte silenciosa antes de tocar otra serie de conciertos únicos en Las Vegas el 28 de diciembre y en Los Angeles el 30 del mismo mes el año pasado.

Ahora, la icónica alineación regresa con un concierto en el Prudential Center en Newark, programado para el 19 de mayo. En las presentaciones anteriores, la guitarra era ejecutada por el hermano de Jerry OnlyDoyle Wolfgang Von Frankenstein, y el ex miembro de Slayer, Dave Lombardo en la batería, por lo que se espera sea esa misma línea en el nuevo show. La apertura de la presentación será a cargo de los veteranos Suicidal Tendencies Murphy's Law.

Los boletos estarán disponibles el próximo 2 de febrero y tendrán un costo de 98 dólares. El año pasado, Danzig lanzó su undécimo álbum de estudio como solista titulado Black Laden CrownMisfits, sin Glenn, y con Dez Cadena en guitarra y Eric Arce en batería liberó The Devil's Rain en 2011.

Esperemos estos shows ya no sean esporádicos y por fin tengamos en forma la alineación original de Misfits de vuelta para una gira más extensa. La banda ha visitado en diversas ocasiones y con diferentes integrantes nuestro país, pero ver a Glenn Danzig y Jerry Only en la misma tarima sería una experiencia única. Aquí un extracto de su presentación en Riot Fest de Chicago en 2016:

The Smashing Pumpkins se une a Rick Rubin

Foto Brainkiller.it

Según comentarios de Billy Corgan, el aclamado productor está trabajando con The Smashing Pumpkins.

A principios de este año, el músico estadounidense compartió algunas imágenes en el estudio junto a algunos mensajes que suponían una reunión de la extinta banda de Chicago. Esto, al igual que una foto de Corgan platicando con James Iha y Jimmy Chamberlin, ha desatado un sin fin de conjeturas y sospechas sobre el regreso del grupo. Ahora, después de tanta incertidumbre, hay razones para creer que un nuevo disco es todo un hecho y que el aclamado productor Rick Rubin (Beastie Boys, LL Cool J, Public Enemy, Run–D.M.C y más) está implicado.

Billy Corgan usó de nuevo su cuenta de Instagram para detonar opiniones sobre The Smashing Pumpkins. Con una vieja imagen de él –seguramente de la década de los noventa– el interprete mencionó que estaba consciente de lo peculiar que era su vida y mencionó al famoso productor un par de veces. Estos fueron algunas de las declaraciones del cantante: "... Comparto una ventana (curada como está) de mi loca vida. Como ejemplo, actualmente estamos en el estudio con Rick Rubin. Pero a menos que les muestre una foto de Rick sentado como un Buda en una mezcladora, probablemente no lo sabrías".

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También el músico aclaró rumores sobre su estado de salud, ya que hace tiempo publicó una foto de su brazo con una intravenosa junto a una confesión sobre hacer las pases con Dios. Billy Corgan explicó que estaba recibiendo un tratamiento de vitaminas debido a una fuerte gripe, pero que le alegró ver el apoyo y la preocupación de la gente, además de un notable acercamiento a viejos amigos, como lo son sus antiguos compañeros de The Smashing Pumpkins.

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First Aid Kit — Ruins

Ruins, First Aid Kit busca su permanencia aceptando lo perecedero en la vida.

Han pasado casi cuatro años desde que Stay Gold, el álbum que logró poner a las hermanas Soderberg en el mapa, salió a la venta. Un disco aclamado por la crítica por su particular sonido, una mezcla de folk cósmico con elementos de la clásica música estadounidense. Ahora, el dúo regresa con la tan esperada continuación, que demostrará si tienen lo necesario para seguir por el brillante camino que se les ha trazado.

Comenzamos con "Rebel Heart", un gran inicio a pesar de no ser el típico gancho enérgico y cadencioso. Se presenta como un resumen de los atributos de la agrupación, con letras que mezclan el desconsuelo con el optimismo y melodías sutiles, pero perdurables. Sin embargo, lo más sobresaliente es que podemos escuchar al grupo explotar sus increíbles capacidades vocales.

Le sigue "It's A Shame", donde por fin podemos escuchar el confortable sonido de la guitarra acústica, algo característico en el sonido de First Aid Kit. La peculiar sensación derrotista se mantiene en este sencillo, aunque el lado brillante se impone gracias a un ritmo ligeramente más apresurado y el tono de las voces. El estilo es pop de sobra, un acierto por parte de las suecas si quieren lograr el éxito en un género tan complicado como el folk.

Con "Fireworks" nos encontramos con una prom ballad, término usado para baladas de ritmo acompasado y el suave sonido de las guitarras. Este es un ejemplo de lo mucho que han evolucionado las Soderberg, convirtiéndose en artistas versátiles que exploran nuevos sonidos y se acercan a otros géneros clásicos de Estados Unidos.

Aunque justifico las nuevas inclinaciones de First Aid Kit, con "Postcard" llega el primer error del álbum. Este es un tema de country clásico, un género tan simple y básico, que se convierte en algo sumamente pesado e insípido en pocos minutos. No hay nada de malo con el country, pero actualmente debe ser diluido con diferentes componentes para que sea placentero.

Por fin las hermanas retoman el camino con "To Live A Life", una canción que entra dentro del folk, aunque en realidad tiene el tono de una lullaby, o canción de cuna, algo que interpretes como Cat Stevens explotaron durante los años 60. Aunque tiene una agradable melodía, no nos saca el mal sabor de boca del anterior track. Aún así, este sencillo sobresale por la letra, que demuestra un gran avance en la composición lírica, abordando lo efímero y valorando el ahora.

Foto Facebook de la banda

Despertamos del letargo con "My Wild Sweet Love", un tema que deja en claro que las percusiones, las cuales estuvieron a cargo de Glenn Kotche de Wilco, le hacen mucho bien a la música de First Aid Kit. La canción cuenta con elementos instrumentales y varias exhibiciones vocales, pero es la batería lo que mantiene todo fresco y unido.

A diferencia de lo anterior, con "Distant Star" las voces bajan de tono y se dejan atrás esos despliegues prodigiosos de parte de las hermanas Soderberg. Tienen un sonido más ordinario y accesible, pero temo que recae en lo llano y lo tedioso. Aunque pudiera parecer un cambio que nos deja descansar de lo ostentoso, la realidad es que solo agrega más dificultades en el complicado recorrido que ha sido este disco.

Por fin llegamos al tema que le da nombre al disco de First Aid Kit y las expectativas están altas. Sin embargo, pronto la extrañeza y desilusión se hacen presentes, ya que –a pesar de contar con una tonada contagiosa– no es ni de cerca lo mejor del álbum. Tal vez se mantienen esas armonías dulces y los elementos básicos del folk, pero no hay nada que se de a notar y la canción solo se convierte en una más del montón.

Por lo general, cerca de finalizar, un álbum muestra su lado más afable y nos deja desanimados. Pero con Ruins pasa todo lo contrario, llega "Hem Of Her Dress" y nos retoma. Las vocales en su máxima expresión y por fin se recuperan las melodías incesantes. La fuerza de las voces invitan a unirnos, por lo que añadir un coro en los últimos minutos fue algo inmejorable. Sin duda habría sido una buena forma de cerrar el disco.

First Aid Kit concluye el viaje con "Nothing Has To Be True", esta es la canción más compleja y aunque musicalmente no parece de lo más espectacular, si prestas la suficiente atención llega a ser impactante. La parte lírica detona la angustia con su percepción desoladora de lo que puede ser la vida y el presente.

Sin duda Ruins es un material que refleja la madurez que ha invadido al grupo. Tienen las voces, tienen la atención y ahora tienen el talento para plasmar complicados conceptos en sus temas. El problema está en ciertos errores, provocados por una exagerada experimentación. Sin duda, First Aid Kit tiene las herramientas para convertirse en una de las agrupaciones más relevantes del género, pero al incursionar en algo tan difícil como el folk no hay lugar para las equivocaciones.

10 años del álbum 'Youth Novels' de Lykke Li

Youth Novels: Polvosas novelas que nos recuerdan viejos tiempos.

Melodías y deseos en el inicio de tantas cosas como una red social que te llevaría a conocer gente y después a eliminarla de tu vida, tan fácil como un unfollow, tan drástico como un block, y la voz de una cantante sueca en medio de una canción de cuna rezando una esperanzadora alegoría: Follow these instructions, do exactly as I do, lean your shoulders forward, let your hands slide  over to my side, move your body closer, let your heart meet mine.

Y así Lykke Li siendo el ritmo y el beat entró en nuestras vidas y le cantó a lo que ahora es un pasado obtuso, a 10 años de distancia seguimos bailando a escondidas frente al espejo antes de abrigarnos bien y salir de casa en un crudo y sucio invierno aderezado con smog. “I’m Good, I’m Gone” fue para muchos el primer contacto con el tenue ánimo festivo, la discreta alegría, la curiosa maquila a manos de Björn Yttling de Peter Bjorn and John en las consolas.

“Let It Fall” y su tinte puro del pop europeo al que nos introdujo Jens Lekman, que desarrolló Robyn, y que a la vez transfigura en folk como en “My Love” y el recuerdo por los melosos coros de los 50 y la inquietud, tanto a una década de distancia como ahora, de añorar los lejanos tiempos en los que Brenda Lee pedía perdón, Connie Francis le cantaba a la felicidad o Abba reclamaba triunfos tales como ser a la fecha la banda sueca más conocida en el mundo, corona avalada por un museo en Estocolmo. “Tonight” para empoderar el rango vocal y servir de influencia a futuras cantantes, piano y percusiones entre un ambiente gélido, auroras boreales a la vista, -8 grados de temperatura, el eco de las montañas que llegó hasta nuestros caminos habituales.

“Little Bit” y lo que ya nos había enseñado Belle and Sebastian: en la simpleza radica la alegría, con lo mínimo puedes lograr cosas gloriosas, con el sentimiento efervescente puedes ganarte un lugar en los corazones y los carteles de los festivales, buenas reseñas y calificaciones en los medios emergentes, amar discos inconseguibles en las tiendas, pero que puedes descargar ilegalmente para escuchar en tu dispositivo favorito. El lento andar de “Hanging High” para comprender que Youth Novels conjuga tantos estilos diferentes, tantas pulsaciones variantes y timbres precisos: instrumentos casi imperceptibles, coros que encajan a la perfección, ecos vocales que a la larga se convertirían en común denominador de la obra de Lykke Li.

“This Trumpet In My Head” como corto réquiem al inspirador y doloroso rompimiento amoroso que provocó esta obra, de nuevo el susurro y plegaria por el olvido, la trompeta que anuncia un Apocalipsis anímico que debe ser resuelto, la guitarra casi flamenca que dicta un lento final, el redescubrimiento y la redención: si te quieres quejar, yo no soy el departamento de quejas, hazme a un lado, olvida lo que fue, deja ir lo que ya no será. “Breaking It Up” y sus coros enardecidos, la ternura y la experimentación como punto de inicio a una carrera musical que fue cambiando a modo para ganar admiración.

El tiempo vuela, 10 años cambian vidas enteras, pero las voces en eco nos recuerdan que la música nos acompañará a pesar de ya no ser los mismos, así es que un blues introspectivo mientras miramos por la ventana las primeras gotas de lluvia del año que comienza nos recuerda que Lykke Li siempre estará ahí para dibujar en nuestro rostro anciano y aciago una sonrisa.