Shlohmo — The End

La calma en la devastación.

¿Y cuando todo lo que conocemos se acabe, qué se escuchará? Después de cuatro años de búsqueda introspectiva Henry Laufer, mejor conocido como Shlohmo se plantea responder esta pregunta con su nuevo álbum The End, que es una oda a la aceptación del fin inminente en medio del caos.

Ya en Dark Red (2015) su disco anterior Shlohmo mostraba su gusto por encontrar sonidos luminosos dentro de la oscuridad, sonidos que no temen, que se rebelan convertidos en ruido y secuencias alineadas. Para dar la bienvenida a The End podemos escuchar “Rock Music” un tema que comparte la dualidad de las melodías suaves que se deja romper, por la cadencia de los breakbeats que llenan el cuerpo de un movimiento irregular y libre.

Shlohmo nos entrega un disco que se cubre de atmósferas estelares, y nos lleva fuera de este planeta, dejándonos soñar con futuros posibles donde la Tierra no es el único lugar habitable. Sus 13 canciones, necesitan ser escuchadas con atención, relajando el cuerpo y la mente de cualquier tensión, porque no, este no es un disco destinado a la pista de baile sino a la contemplación.

Hay muchas teorías sobre lo que pasa antes de la muerte, y parece que Shlohmo refuerza la idea de que ves pasar los mejores momentos de tu vida en un instante, y pone todos los sentimientos en este disco, desde recuerdos tropicales en “Empty Pools” hasta sampleos espeluznantes que se ponen en segundo plano, de las rítmicas percusiones “Hopeless”.

En medio de la devastación cualquier objeto es suficiente para crear, y es así como este álbum fue producido, con máquinas de juguete y antiguos ejercicios lo fi de este productor. Si bien hay temas que parecen no variar en cuanto a estructura, los arreglos de piano, guitarras y breakbeats logran llenar las atmósferas profundas que se muestran como la espina dorsal de este disco.

Headache of the Year se mete en los más profundo de los huesos mientras “Panic Attack” se llena de velocidad haciendo imposible no recordar, los peores momentos dentro del metro o la preocupación de estar fuera de casa en medio de una fuerte lluvia en la ciudad, deseando que todo acabe de forma rápida o casi mágica con los sonidos de lasers que coloca al final.

The End no es solo una metáfora sobre el final de los tiempos, también lo es hacia las ideas, hacia el significado que debe de tener la música, sus estructuras y su producción, es un álbum lleno de matices, para recordar que somos humanos después de todo y plasma ese sentimiento con sonidos electrónicos tan detalladamente pensados que parecen simples.

Dave Grohl ofreció un concierto en la calle

El líder de Foo Fighters revive sus comienzos musicales en las calles de Seattle.

El pasado 20 de abril, el músico multiinstrumentista Dave Grohl, y la cantante Brandi Carlile, ofrecieron una presentación improvisada afuera del Pike Place Market en Seattle, con la que lograron sorprender a sus fanáticos. Los artistas se juntaron con Tim y Phil Hanseroth y comenzaron a tocar, provocando que miles de personas se reunieran alrededor de ellos. El mini concierto callejero que solo contó unas cuantas guitarras acústicas y las potentes voces de los cantantes, duró alrededor de 20 minutos. 

Grohl y Carlile cantaron “Let it Be” de The Beatles, siendo ésta la voz principal, cerrando su presentación con “Times Like These” de Foo Fighters, un tema perteneciente a su álbum One by One (2002). La cantante realizó la transmisión en vivo de éstas dos canciones en su página de Facebook, con la intención de alertar a los fanáticos sobre el evento.

Mira parte de la transmisión a continuación:

Más tarde en su cuenta de Instagram publicó, una fotografía en la que escribió. "Me puse nostálgica y decidí pasar por mi viejo sitio de autobuses en Pike Place Market con los gemelos y Dave Grohl... honestamente uno de los momentos más surrealistas de mi vida".

'The Beautiful Ones', las memorias de Prince

Tras su anunció en 2018, The Beautiful Ones ya tiene fecha de lanzamiento.

Hace tres años, exactamente el 21 de abril de 2016, la industria musical sufrió una gran perdida tras la muerte del icónico artista, Prince. En este tiempo, se han realizado distintos tipos de homenajes para conmemorar la exitosa trayectoria del cantante. Sin embargo, después de su anuncio el año pasado, por fin saldrán a la venta sus memorias.

The Beautiful Ones será un compilado de materiales que tienen el objetivo de contar cómo Prince se convirtió en Prince. Recordemos que, antes de su deceso, el artista declaró que se encontraba escribiendo sus memorias en colaboración con el escritor y editor, Dan Piepenbring. Por lo que, además de contener estas páginas escritas por el cantante, la publicación incluirá fotografías inéditas, letras de canciones, un scrapbook y una introducción escrita por Piepenbring.

La obra se dividirá en cuatro partes: en la primera se abordará su infancia a través de sus escritos; para la segunda, se retratarán los inicios de su carrera (antes de For You en 1978) con ayuda del scrapbook; la tercer parte, será un recorrido fotográfico por su trayectoria artística hasta su momento más exitoso; el cual se abordará en esta última sección, donde se incluirán anotaciones sobre el tratamiento que el compositor le dio a su más grande obra Purple Rain (1984).

Reconocido por su estilo particular, su exitosa trayectoria y su indudable talento, esta obra biográfica de Prince representará una pieza importante para la bibliografía musical. El lanzamiento de The Beautiful Ones será el próximo 29 de octubre vía The Random House. La preventa ya se encuentra disponible, así que aquí te dejamos el link del sitio para que no te quedes sin tu copia.

Entrevista con Cage the Elephant

Cuando tu mundo se cae en pedazos, y aún así debes seguir, dejar ir, y decir adiós.

Desde Nueva York, Matt Shultz atendió el llamado de Indie Rocks! y nos compartió sobre el quinto álbum de estudio de Cage The Elephant, Social Cues, y la completa transparencia con la que se permitió trabajar, y compartir desde las experiencias personales más dolorosas que sus integrantes han pasado en el transcurso de su carrera.

“Escribimos las canciones de Social Cues pensando en todas las posturas sociales en que caemos todos los días. Estuvimos analizando las micro y macro reacciones, y cómo estas moldean el mundo en el que vivimos. Además, diferentes situaciones difíciles que estuvimos experimentando, depresiones muy fuertes y muertes de personas cercanas nos llevaron a sincerarnos, tal vez más que nunca, en este disco”, compartió Shultz.

De acuerdo al artista, la culpa fue uno de los sentimientos que delinearon su quinta creación. “En medio de la composición del álbum, mi relación se deterioró, mi primo murió, y mi mejor amigo se quitó la vida. Fueron tiempos verdaderamente difíciles”. Entre todo esto, muchos sentimientos encontrados estaban atrapados en los adentros de Shultz, y sabía que la mejor manera de liberarlos era a través de su música.

La portada del disco es una manifestación más de lo que se puede esconder tras un disfraz. “Es interesante observar todo lo que puedes decir o esconder detrás de las señas sociales. Esto es tan engañoso como el amor. Así que pensamos que sería interesante que usar este disfraz, y ver cómo es que uno es capaz de hablar de cosas más personales”. A pesar de tocar los temas más personales de toda su carrera, el músico confesó que no fue difícil hablar desde su dolor, y sus autoanálisis. “Cada que hacemos un disco, siempre buscas algo sincero en lo que puedas creer y que transgreda la música”.

Sobre “Ready To Let Go”, el compositor confesó que fue un tema que comenzó a escribir durante un viaje que hizo a Pompeya con su esposa. Conforme avanza la canción podemos darnos cuenta que habla desde el proceso de desintegración de su relación hasta su divorcio. Los versos y la honestidad de Shultz convierten el tema en uno de los más poderosos del disco. El vocalista también confesó que la sangre del video es símbolo de poder, traición y amor. “La sangre ha sido un símbolo muy fuerte a lo largo de la historia de la humanidad. Aunque no sea algo muy conocido, es símbolo de poder, traición, perdón, compasión, y amor”.

Otro de los puntos más destacables, con lo que todo ser humano puede identificarse en algún momento de su vida son las relaciones tóxicas, cuando se es incapaz de decir adiós por el mero placer de seguir destruyéndose. “Después de algún tiempo te das cuenta que amas más la idea de una relación más que lo que amas a la persona, y es un punto importante a observar para poder dejar ir”, confesó el artista.

Sobre la colaboración con Beck en “Night Running” el músico dijo que fue una gran experiencia trabajar con el multifacético artista. “Compartimos algunos shows, y más tarde fuimos invitados al backstage de uno de sus shows en Nashville. Cuando buscábamos algunos artistas que nos ayudaran con algunos de los temas, llegamos a él, y su influencia en la canción es increíble, le dio un giro completamente nuevo. Nos emociona mucho trabajar con él, y tener varios shows junto a él. No solo es un gran músico, sino un excelente ser humano”.

Sobre la evolución sonora y de las preferencias de las nuevas audiencias, el músico se manifestó entusiasta, y considera que esta evolución representa mayores oportunidades para Cage the Elephant. “No veo a la música en términos de género. Creo que la gente se seguirá reuniendo por el amor hacia la música. Claro que seguirá cambiando la forma en la que la gente vive y ama, pero estoy muy emocionado de poder ir al estudio, seguir evolucionando con la tecnología, y tener más texturas con las que poder jugar”, dijo Shultz.

Como invitados a festivales como el Woodstock 50,  junto a grandes personalidades como Robert Plant, Santana entre muchos otros artistas, Shultz se siente afortunado de ser tomado en cuenta. “Creo que es grandioso ver todas estas figuras reunidas, y ser tomado en cuenta junto a todas estas personalidades. En genial poder ser escuchado por diferentes audiencias, y salir de tu universo”.

“Jenny Of Oldstones” de Florence and the Machine se estrenó en Game of Thrones

Florence Welch se suma a la lista de artistas que colaboran en el soundtrack de la última temporada de Game of Thrones.

La serie estadounidense está llegando a su fin, y la banda sonora está sorprendiendo mucho a sus fanáticos. The Hold Steady y The National, se encargaron de darle ritmo al primer episodio; pero ayer durante los créditos finales del segundo capítulo, la serie lanzó “Jenny Of Oldstones” un tema interpretado por la banda británica, Florence and the Machine.

La canción escrita por Ramin Djawadi, Dan Weiss, David Benioff y el propio George R.R. Martin, es una balada que narra la historia de Lady Jenny y el príncipe Duncan Targaryen, quien renunció a la corona por ella. Durante el episodio, Podrick Payne canta una parte de éste tema sobre un montaje de varias parejas conformadas de la serie.

En un comunicado de prensa, los creadores de Game Of Thrones, David Benioff y D.B Weiss, confesaron las ganas que tenían de que la cantante participara en el soundtrack de la serie. "Siempre hemos sido grandes fanáticos de la música de Florence. El trailer de la segunda temporada con su canción 'Seven Devils' fue posiblemente el más poderoso que hemos tenido”.

Florence por su parte, comentó lo satisfecha que se siente con su recién colaboración en la tan exitosa serie. “La primera vez que lo escuché me sonó como una canción de cuna celta. La música celta siempre ha estado en mi sangre, así que sentí que podía hacer algo con ella. La magia y los ritos en Game of Thrones, por no mencionar las vestimentas, siempre me han llamado la atención. Me siento honrada de formar parte de su temporada final”.

La balada romántica “Jenny Of Oldstones” no formará parte del disco conmemorativo que HBO tiene preparado, pero aún sí podremos escucharla en nuestra plataforma favorita.

Escucha "I'm Still Here", lo nuevo de Modest Mouse

La agrupación estadounidense lanzó de manera digital su sencillo "I'm Still Here"; el lado B del vinilo de "Poison the Well".

En la pasada edición del Record Store Day, Modest Mouse lanzó el formato en vinilo de "Poison the Well". La banda de indie rock anunció que este material se acompañaría de una nueva canción en su lado B. Después de unos días, "I'm Still Here" ya se encuentra disponible en formato digital. Y aquí la puedes escuchar.

Aunque dura poco más de minuto y medio, "I'm Still Here" es una canción en la que resuenan fuertes guitarras mientras acompañan a la voz de Dann Gallucci. En comparación con "Poison the Well", el reciente lanzamiento nos deja escuchar una melodía más bailable y se aleja un poco de su rock característico.

La última vez que escuchamos nueva música por parte de Modest Mouse fue en 2015 con el estreno de Strangers to Ourselves. Después de este material discográfico, la agrupación lanzó una reedición de This Is a Long Drive For Someone With Nothing To Think About (1996) para la caridad. Tuvieron que pasar cuatro años para deleitar este trabajo, ¿será lo único que tiene la banda para nosotros este año?

De cualquier manera, seguiremos escuchando noticias de ellos. Ya que para el segundo semestre de 2019, Modest Mouse acompañará a The Black Keys en su gira: Let's Rock Tour. Checa aquí más detalles al respecto.

Kanye West estrena "Water" durante su Sunday Service

Durante su participación en Coachella, Kanye West decidió estrenar una canción.

Rodeado de una valla y miles de personas observando el centro, Kanye West participó en el último día de actividades de Coachella ofreciendo su ya conocido Sunday Service. Durante su intervención contó con la presencia de Teyana Taylor, Kid Cudi, Chance The Rapper, DMX y Ty Dolla $ign, quienes acompañaron al rapero interpretando algunas canciones.

En esta presentación, West dio a conocer una nueva canción titulada "Water", una balada acompañada de un coro gospel en la que podemos escuchar la siguiente frase. "I might not be as perfect as Christ, but, we're made up of 90 percent water".

Escucha un extracto a continuación:

Durante su servicio —el cual no es religioso— pudimos escuchar algunos de sus éxitos como son "Power", "Father Stretch My Hands Pt. 1", "Ultralight Beam", "Otis", "Fade", "Lift Yourself" y "Jesus Walks". Además, el también productor, lanzó merch especial como playeras, pants, ponchos, calcetines y sudaderas con frases como "Sunday Service At The Mountains", "Trust God", "Holy Spirit" y "Church Socks".

El año pasado informábamos que Ye estaba dispuesto a estrenar su LP, Yandhi, pero el rapero decidió retrasar el material porque aún no "está listo". Tendremos que esperar más tiempo para escuchar la novena placa de Kanye.

Teen Daze — Bioluminescence

Una captura entre lo orgánico y lo digital.

A veces la naturaleza es capaz de hablar. A veces la naturaleza es capaz de hacer sus propios sonidos y crear su música. A veces una foto es capaz de trasmitir distintas sensaciones más allá de lo visual, casi de dar vida a notas dentro de la mente de quien se conecta con esa imagen a través de la mirada. Eso ha sido una constante a lo largo de la carrera de Teen Daze y su creador Jamison Isaak, que en cada álbum y cada single que ha lanzado desde 2012, siempre intenta compartir su experiencia desde lo visual, desde el envoltorio en el arte de su música. Así que su nuevo álbum Bioluminescence si bien no es la excepción, ni es tampoco una desviación a algo que vaya más allá de lo que se podría esperar de él, sí es donde casi podría afirmarse que su concepto y estilo ha quedado definido, y donde sus pretensiones se han materializado.

Y es que ese propósito de fusionar el mundo orgánico y natural con el electrónico y digital, parece más realizado que nunca. Una experiencia de poco más de media hora que, desde la carátula cumple el cometido de darnos una imagen de naturaleza armoniosa, bajo un filtro digital que le da aires mágicos a la postal. Y así mismo resulta el contenido, que se lleva entre trances ambientales, con pequeños shocks de chillwave, con un encanto que a veces nos lleva a las fronteras del dream pop, con pinceladas de house, y sobre todo, con una abducción que pasa de lo cinemático a lo atmosférico a devoción.

Jamison cuida con una precisión quirúrgica este lienzo llamado Bioluminescence, a pesar de que el acabado es siempre difuso, no se le va el más mínimo detalle. Sabe que la neblina nombrada "Near" en sus 4:17 debe ser la inducción, y lo hace entre la naturalidad de escuchar el romper de una cascada (dice aquí aparecen grabaciones ambientales del Océano Pacífico) que deja una brisa por encima de todo el sonido a manera de efectos como el phaser o el flanger, y una ascendencia esporádica de un circulo de teclados eclesiásticos y percusiones esporádicas que esperan su momento con serenidad. Este tipo de cortes se le dan de maravilla, a veces parecen un arrullo hipnótico como "Longing" que también posee las uno de los despuntes de percusión de mayor nerviosismo, pero que cualquier efecto es calmado por la sutileza de "An Ocean on the Moon" y su piano natural extendido hasta la hermosa "Drifts" que apenas se esconde bajo una capa de phaser, pero trayendo a la mezcla unas cuerdas de arpa para hacer lo más cercano a una canción de cuna posible.

El productor canadiense también sube el nivel y da vida a corrientes de chillwave dentro de este álbum. Es "Spring", "Hidden Worlds" y "Ocean Floor" el tridente que marca el pasaje más álgido en Bioluminescence, yendo desde unas pequeñas notas arpegiadas de guitarra y un beat conducido por palmas, hasta un flujo de beats más corpulentos con hi-hats empujando a un momento más propio del house pero sin perturbar su aura de dormitorio, pasando por un cinturón experimental de ritmo inestable, de breakbeats, de sonidos que rompen un poco la ilusión y la magia del sueño con sonidos accidentales de metales, vidrios, campanas, etc., pero a pesar de ello, siempre funcionando a favor, ya que casos así fungen para demostrar que la misma naturaleza es impredecible e incontrolable.

Ocho cortes y 38 minutos en los que Jamison Isaak cumple la primicia de Bioluminescence, haciendo convivir en armonía dos mundos, haciendo que cada uno funcione para el otro y se complemente. Corto en su duración pero permanente en su encantamiento que deja al terminar el recorrido. Porque a veces así deben ser los más bellos momentos.

D'arcy Wretzky grabó canciones con banda de doom metal

Grave Next Door graba sus nuevos temas con D'arcy Wretzky de The Smashing Pumpkins.

Luego de no formar parte del regreso de The Smashing Pumpkins, la bajista mantuvo una intensa pelea con Billy Corgan. Sin embargo, parece que la interprete ha seguido adelante y ahora tiene un nuevo proyecto entre manos, que la ha llevado de vuelta el estudio luego de casi 20 años.

D’arcy Wretzky, ha confirmado su regreso a los escenarios junto a Grave Next Door, una banda estadounidense de doom metal. La noticia fue confirmada a través de las redes sociales del grupo. La agrupación mencionó que la artista grabó algunas canciones con ellos y considera convertirse en integrante de tiempo completo.

La también cantante no se ha convertido en miembro oficial del grupo debido a que su prioridad está en mantener su granja y a sus animales. A pesar de eso, la noticia tiene muy emocionados a los fans, ya que esto marca el regreso de la interprete a los estudios. La última vez que grabó fue en 1999, año en el que la banda trabajaba en los discos Machina/The Machines of God Machina II/The Friends and Enemies of Modern Music.

Aún no se sabe cuándo Grave Next Door hará el anuncio oficial del disco y cuáles son los temas en los que colaboró D’arcy Wretzky. Pero se cree que más información será revelada en las próximas semanas.

The Coathangers lanza el video de "Stranger Danger"

Mira a las integrantes The Coathangers aterrorizando a su ilustrador en el clip de "Stranger Danger".

Esta all girl band de Atlanta, una de las favoritas entre la comunidad HIPNOSIS, publicó su sexto álbum de estudio a principios del mes de marzo. Gracias a la gran respuesta del público ahora la agrupación ha revelado un video relacionado a este material.

El clip que acaba de estrenar The Coathangers es para "Stranger Danger", tema que a pesar de no ser parte de los sencillos promocionales, fue uno de los temas destacados del disco.

El metraje fue dirigido por Matt Odom y protagonizado por Scott Montoya, artista que se encargó de las ilustraciones de su más reciente álbum y un colaborador frecuente.

Esto fue lo que dijo Stephanie Luke sobre el video. "Es una canción que habla sobre tratar de evitar a las personas negativas en nuestra vida, como cuando tu madre solía decirte ¡Stranger danger! Para que no te fueras con alguien malo o peligroso. El video es obscuro con destellos de luz (linternas reales) para invocar ese sentimiento de lo desconocido. Luego tenemos a nuestro siempre tan buen amigo Scott Montoya, a quien hemos secuestrado y continuamos aterrorizando a lo largo del video. De hecho nosotras nos hemos convertido en los extraños peligrosos".

Puedes ver el video de "Stranger Danger" justo aquí: