Festival Mode, la nueva función de Tinder

Posted on mayo 2, 2019 by -

Conseguir pareja en un evento musical será mucho más fácil ahora ¡Descubre de qué se trata!

Tinder, es una red social que se encarga de ofrecer a los usuarios una manera sencilla de conocer a otras personas que se encuentran cerca de su entorno.

Desde su lanzamiento en 2012, la aplicación ha obtenido buena respuesta y reconocimiento, pero aún no es catalogada como una de las más populares del mundo, es por es que los creadores decidieron apostar por una nueva función.

Festival Mode, es un interesante proyecto que consiste en que los usuarios podrán agregar a su perfil su asistencia a algunos de los 12 festivales que se encuentran en la lista, tales como: Lovebox, EDC Las Vegas, Bonnaroo Music & Arts Festival, Foster Horses, entre otros.

Esta acción se podrá realizar con tres semanas de anticipación a la fecha del evento, para que las personas empiecen a seleccionar a los usuarios con los que les gustaría hacer match.

“No es ningún secreto que Tinder es una aplicación imprescindible para los solteros que asisten a festivales de música de todo el mundo, vemos un aumento constante en el uso de Tinder cuando decenas de miles de fanáticos de la música se unen, así que queríamos crear una nueva experiencia que facilite la conexión con otros asistentes al concierto incluso antes de poner un pie en los terrenos del festival", argumentó Jenny Campbell (Directora de marketing de Tinder).

Festival Mode se encontrará disponible por el momento en Reino Unido y Estados Unidos. Sin embargo, Tinder está trabajando para que este nuevo proyecto se extienda a más países para que logres encontrar a una persona especial en tu festival favorito.

“Disciples IV”, la nueva canción de Rey Pila

Posted on mayo 2, 2019 by -

Rey Pila regresa para sorprendernos con un tema synth pop ochentero inspirado en el cine de terror.

Fue en 2015 cuando la banda mexicana lanzó The Future Sugar, su último material discográfico. Hoy, después de cuatro años de ausencia, la agrupación liderada por Diego Solórzano compartió su nuevo sencillo “Disciples IV”, grabado en Sonic Ranch, el cual formará parte de su nueva producción discográfica.

Se trata de un tema con tintes de pop que te remontan a la época de los 80, gracias a la mezcla de sintetizadores y cajas de ritmo. Una melodía que, según la banda mexicana, fue inspirada en las películas de terror que tanto les agradan. Da play para escuchar el single a continuación:

El arte de este sencillo estuvo a cargo de Signalstarr, un artista que ha estado trabajando con la banda últimamente.

“Disciples IV” es el sucesor de “Flames”, sencillo lanzado hace un par de meses que también formará parte del tercer LP de la agrupación.

Rey Pila se estará presentando en los shows que ofrecerá Phoenix en nuestro país los próximos 6, 7, y 9 de mayo en El Plaza Condesa, donde escucharemos en vivo sus dos recientes temas. ¡No te puedes quedar sin verlos!

A 30 años del 'Disintegration' de The Cure

Posted on mayo 2, 2019 by -

Del abismo a la belleza de romperte.

Disintegration no necesita introducción alguna, pues a lo largo de 30 años ha sido la fuente de inspiración a través del tiempo y sigue explotando inmaculadamente bajo la estructura de la música en la actualidad, sigue siendo una obra que por más oscura que sea siempre hay una lluvia de colores en el trasfondo del mismo.

Robert Smith y su The Cure marcan ya una carrera sólida dejando sin palabras a todos aquellos que pensaron que en algún momento caerían en una fórmula repetitiva y Disintegration es importante por eso, es uno de esos últimos grandes discos no solo en la discografía de The Cure sino en historia de la música. Un disco atemporal, sombrío, petrificante y bello poéticamente, depresivo pero reflexivo, interpersonal también ya que el peso de las letras es quizá uno de los puntos más altos que lograron destacar con tanta perfección.

Es un disco conceptual minuciosamente a la hora de escucharlo en su totalidad. El equilibrio musical que uno puede encontrar con cada nueva escucha va brindando mejores panoramas vivenciales y con más conciencia que nunca, hasta que uno entiende que la banda ha respondido dando rienda suelta a su ‘yo’ más valiente.

Musicalmente a finales del 89, estaban muy lejos del sonido de su debut, pero ¿qué acaso no eso es lo que hace a una banda crecer? Disintegration marcó una movida arriesgada, incluso esos picos de sonido en “Lullaby”, “Plainsong” con uno de los sintetizadores más hermosos que se han compuesto y “The Same Deep Water As You”, pueden causar bastante emoción y alcanzar un desequilibrio en “Lovesong” que fue escrita para en ese entonces su prometida Mary y después esposa. La banda construyó y trabajó fuerte en un clímax crepitante que los hará ser recordados por siempre.

Son contados los discos que a lo largo de la historia toman una perspectiva en contra de todo lo que sucede al rededor, mucho más si tomamos en cuenta que Robert Smith escribió más de 30 canciones para este disco y básicamente surgió de una depresión cuando se enfrentó a la idea y momento en su vida de cumplir 30 años, y que creía que se había perdido en la reciente ola de éxito comercial de las grandes expositoras de videos o en la misma radio. Todo eso ayudó sin querer a redescubrir el alma de la banda, el camino por el que siempre habían estado juntos y por el cuál seguirían otros 30 años como hasta ahora.

Disintegration es un álbum triste pero increíblemente hermoso, tan hermoso y triste como el género que inventó la banda. Es sin duda un disco emblemático y atmosférico hasta el extremo, hasta llegar a ese abismo que logra un cierto sonido majestuoso en momentos en que sus predecesores no habían logrado en composiciones como “Pictures of You”, “Last Dance” y “Prayers for Rain” y sobre todo “Disintegration” que da nombre al álbum y es de paso una de las canciones más desgarradoras sobre un amor fallido que se hayan compuesto. Uno se la podría pasar llorando escuchando estas canciones, pero cuando todo haya terminado, te alegrarás de haberlo hecho, porque este disco es realmente uno de los mejores álbumes tristes jamás creados. A diferencia del The Cure “principiante” los arreglos que se incluyen son maravillosos. Es un cuento, un soneto, un mini libro auditivo en el que cada pista fluye naturalmente hacia todo lo demás, dejando la impresión de que acabas de hacer un viaje muy hipnótico en donde al final también vas a repasar tus batallas más tristes, pero por las cuales eres una mejor persona.

Discos que salvan la vidas, sueños, trascienden el tiempo y éste.

Sunn O))) — Life Metal

Posted on mayo 2, 2019 by -

La alta causa del drone y la vida ante la muerte.

¿Alguna vez has sentido que al comenzar a escuchar cierto género al que no estás acostumbrado te abraza inmediatamente?, como si cual demonio blandiera sus alas a tus espaldas y con ellas te envolviera en un frío y desgarrador contacto primitivo, para después susurrar en tu oído: todo va a estar bien. Esa sensación me provocó escuchar a Sunn O))) algunos años atrás, en una etapa de descubrimiento de nuevas experiencias sonoras.

Años de distancia y la sensación sigue vigente, aunque los demonios ahora tal vez son más grandes, los monolitos más altos y los paisajes más escabrosos. “Between Sleipnir’s Breaths”, corceles escoltando la llegada al Mictlán, el golpeteo a las guitarras como zarpazos de un furioso ocelote, en ánimo orquestal del feedback, el preludio de una tormenta inminente, la voz de Hildur Guðnadóttir recitando un ancestral poema de Nezahualcóyotl, cual anunciación de la llegada de los demonios blancos, la profecía virulenta de una extinción, el lamento de Huitzilopochtli, el último vuelo de un quetzal: “That precious bird with the agile neck, we will come to an end”.

“Troubled Air”, inhala desechos, exhala tu bienestar, analiza cada detalle que se desenvuelve en el fino arte del drone: sus texturas punzantes, su maravilloso pesar, el lamento que emanan los bulbos, la luz al final del túnel, las variantes orquestales, dos sujetos emulando una orquesta dirigida por Dante, anunciación y desahucio, el dolor y la gloria que emanan las cintas magnéticas. Sunn O))) tuvo a bien grabar todo este material en formato análogo, y nadie mejor que Steve Albini para mezclarlo y fusionarlo impecablemente. Las mentes maestras también trabajan mejor en conjunto.

El título de Life Metal deriva de una especie de chiste local entre Stephen O'Malley y Greg Anderson, quienes en una fiesta se encontraron con Nicke Andersson, quien fuera parte de Entombed en los inicios de la banda, una de las insignias del death metal en Suecia. Nicke les contó que a principios de los 90 cuando Entombed firmó su primer contrato discográfico, fueron señalados, e incluso amenazados de muerte por miembros del movimiento musical local, acusados de venderse y hacer “life metal”, curioso y hasta cierto punto ridículo señalamiento de aquellos “trves” que no llegaron a ningún lado.

“Aurora” enmarca a la perfección el concepto creativo de este material y los detalles perceptibles a altos decibeles, la masterización impecable que evita que el sonido haga interferencia en nuestros audífonos, y ante la era del streaming, la oportunidad de apreciarlo de diferente forma en una tornamesa, jugar con la ecualización, hacer cimbrar la habitación, tal y como vibran nuestras neuronas. “Novae” pone fin a una siniestra travesía musicalizada por una orquesta infernal. Podría ser arriesgado mencionar que Life Metal es la opus magna de este conjunto, incluso teniendo total dominio de su obra o jactarnos de ser maestros de un género que prácticamente fue creado por ellos mismos. Tal vez falte expandir nuestro espectro sonoro ante la fina artesanía del feedback, nuestro entendimiento sería distinto si supiéramos la diferencia entre el uso de ciertos amplificadores, pero al buen entendedor pocas palabras, a la malévola necesidad de tonos siniestros nunca fallarle, y que este material sea el punto de partida para hurgar entre el ansia creativa de Stephen y Greg, cuyos nombres podemos encontrar en diferentes proyectos tales como Khanate, Burning Witch y Goatsnake, y puede derivarnos a bandas como Boris, Jesu, Earth, Ulver y Merzbow. Larga vida al maldito feedback.

Semana IR! 2019: Entrevista con Atari Teenage Riot

Posted on mayo 2, 2019 by -

Historias de riñas, música y tecnología.

A pesar de que Atari Teenage Riot trae consigo una energía muy violenta, subversiva y desquiciante, Alec Empire resulta ser una persona muy alegre y amigable. Durante 20 minutos exactos pudimos platicar con él y pasarla súper sensacional para sopesar la espera hasta su presentación en la cercana Semana IR!.

Del lejano Y2K a nuestros días

En 1999 éramos unos mocosos adictos a la TV, mientras el miedo al cambio de siglo ocurría, muchos pensaban en el Apocalipsis, invasiones extraterrestres, la rebelión de las maquinas y otras sandeces. Atari Teenage Riot solo usaba tecnología a su conveniencia, viendo a todos volverse locos.

“Muchas de las personas que vivieron esa histeria masiva ahora son padres de familia, trabajan en grandes empresas, en la política o son maestros. Todo aquello fue como un virus que ellos mismos esparcieron, la gente creó muchos rumores, los creyeron y causaron tensión real”, recuerda Alec.

La realidad es que la transición de siglo trajo muchas consecuencias negativas que causaron muchos cambios en todo el planeta y de cierta manera fue el fin del mundo como lo conocíamos.

“En realidad muchas cosas sí sucedieron durante los 2000. ¡Vamos! El 9/11 sucedió en 2001 y eso cambió anímicamente a la gente. Muchas cosas que hoy nos parecen normales vieron la luz en ese tiempo”, hace memoria Alec.

Veámoslo de manera muy burda, eran tiempos en que tus padres te recriminaban por estar tanto tiempo en la computadora y ahora ellos no pueden dejar de mandar fotos de piolines a sus miles de grupos de WhatsApp. Las cosas han cambiado muchísimo.

“La paranoia del 99 fue una cosa muy fuerte, yo sigo creyendo que en cualquier momento puede llegar el fin del mundo, que algo va a pasar mañana y estaremos completamente perdidos. Por eso creo que debemos vivir en el momento y apreciar las cosas de algún modo”, Alec Empire nos da un consejo de vida a partir de una crisis global, ojo ahí chavales.

Violencia genera más violencia

Atari Teenage Riot nació para combatir la creciente plaga neo nazi tanto en Alemania como en todo el mundo, pero hoy en día los neo nazis protegen sus derechos a odiar con la bandera de libre expresión, pero… ¿Qué demonios está pasando con esta maldita ola de fascismo?

“En Alemania está prohibida cualquier cosa nazi y creo que tratan de hacer algo bueno, pero no saben como hacerlo y cometen muchos errores en el proceso. No es buena idea arrestar a alguien por hacer un estúpido comentario en Facebook, debemos explicar por qué está mal pensar así”, exige Alec.

También las redes sociales están haciendo campaña para eliminar esta plaga de odio, pero aún no han logrado descifrar la verdadera solución.

“Creo que las redes sociales lo están haciendo todo mal, hay muchos puntos que no parecen ser muy claros y en realidad hay poca gente que entiende por qué esta situación neo nazi está mal. En redes sociales los discriminan y los atacan el odio con odio, están cayendo en una trampa sin darse cuenta”, sostiene Alec.

Alec Empire está cansado de seguir discutiendo con gente de esa subcultura y le parece increíble que después de tantos años los debates alrededor de todo eso sigan.

“Espero que la gente que intenta eliminar a esa 'gente mala' se de cuenta que estamos respondiendo erróneamente, porque la 'gente mala' puede usar nuestras palabras en nuestra contra, porque al final del día sí existe la libertad de expresión con la que se escudan”, recomienda Alec.

Las grandes disqueras nos dictan la moda

Atari Teenage Riot desde siempre ha usado consolas, computadores y de todo menos guitarras ni baterías, ni ningún otro instrumento tradicional. Desde antes que ellos existieran, muchos artistas han ido cambiando los formatos tradicionales de banda para transitar los caminos de la música electrónica, haciéndonos creer que la música con guitarras está en peligro de extinción.

“Siempre he sido fan de la guitarra eléctrica, yo tocaba la guitarra mucho antes de Atari Teenage Riot. En realidad, a mi me gusta mucho la energía que provoca una guitarra en vivo y cuando compongo, primero lo hago en guitarra y después me voy a la consola a distorsionar la idea y hacerlo más electrónico”, revela Alec.

Y es que muchas veces estar detrás de una consola y una computadora simplifica las cosas, te olvidas de todo el proceso de aprender un instrumento, pero… ¿De verdad está por extinguirse la música con guitarras?

“Creo que el verdadero problema de está idea tiene que ver con cómo ha evolucionado la industria de la música. Actualmente bandas con ese formato tradicional de guitarra, batería, teclado, bajo y demás… se les complica salir de gira y es más caro”, Alec habla con la verdad.

Quizás para las grandes empresas del entretenimiento también es mucho más fácil y mucho más barato promocionar a artistas electrónicos, hip-hoperos apoyados solo por una tornamesa o reggaetoneros con una pista de fondo y están jugando con nuestro cerebro insertando la idea de que el rock debe desaparecer, juego en el que han caído muchos.

“La guitarra es un gran instrumento y no creo que deba desaparecer. Acá en Europa los fans del metal son muy devotos y eso está muy bien, ellos ven una guitarra en el escenario y se vuelven locos con lo que se puede lograr con ella”, dice emocionado Alec.

La guerra de los formatos musicales

Además del gran debate por la desaparición “inminente” del rock y las guitarras, también existe la pregunta ¿El CD, los vinilos y los cassettes merecen seguir existiendo? y por supuesto el papel que juegan los formatos digitales, así como tantísimas plataformas para escuchar música.

“Para mi es muy difícil decidir si deben desaparecer, yo amo los vinilos y creo que es el mejor formato para escuchar música. Pero también me gustan mucho los cassettes, de hecho, nosotros hacemos demos en cassettes para entregárselos a la disquera, siempre lo hemos hecho así”, nos cuenta Alec.

En realidad, Alec Empire nunca nos respondió si estos formatos deberían desaparecer, pero por el amor que le tiene a las diferentes maneras de escuchar música y las distintas calidades de audio que puede obtener de cada una de ellas, suponemos que no quiere que nada de eso desaparezca en pos de disfrutar la música en varios niveles.

“Te daré un ejemplo de qué tanto me gusta escuchar música. Me gustan muchos los 7”de los años 70 porque tienen ese sonido como de radio, tengo unos cassettes de punk de los años 80 que tienen un sonido tan fuerte e increíble que, si me dan CD o una liga de YouTube con el mismo material, no se escucha para nada igual”, admite Alec.

La historia de los disturbios en sus conciertos

Atari Teenage Riot está agendada para abrir la Semana IR! en lo que a mi parecer va a ser la fecha más destructiva de todas y quizás derrumbe cada muro del Foro Indie Rocks! de una vez por todas… pero eso no lo sabremos hasta que suceda. Por el momento los dejamos con un pequeño anecdotario de conciertos que nos dejó Alec Empire para que se vayan preparando.

“Eran mediados de los 90, tocábamos en Italia y de repente entró una bola de neo nazis exigiendo a nuestros fans que se salieran de ahí, eso empezó una riña gigantesca, parecía una pelea de pandillas. Nic Endo cargaba un bat de béisbol mientras cantaba y cuando los neo nazis subieron al escenario ella peleo contra ellos, ¿pues que demonios esperaban?”, ríe Alec recordando.

En otro momento del 97, cuenta Alec que tuvieron que terminar de tajo un concierto por una gran riña que se suscitó en apenas 10 minutos de concierto.

“A finales de los 90, aún estaba Hanin Elias con nosotros, se le ocurre saltar hacia el público. Un guardia de seguridad trata de regresarla al escenario, pero le agarra la entrepierna a propósito, ella comienza a golpearlo con el micrófono y lo deja tirado en el suelo mientras sigue golpeándolo con fuerza, los policías tuvieron que intervenir. Fue una locura”, cuenta muy orgulloso Alec.

Otra historia de descontrol sucedió en Brighton, Inglaterra. Mientras tocaban en un club, de repente se quedaron sin luz, habían sobrepasado los limites de voltaje. La calle y toda la manzana se quedó en completa oscuridad, por su culpa, y el todo el caos que se produjo alrededor de eso duró 2 horas.

Con la música que Atari Teenage Riot hace, no es raro pensar que sean un enorme magneto para sucesos destructivos y mientras Alec reía platicando de estos “bonitos” recuerdos, le surge la idea de escribir un libro de todos los disturbios ocurridos durante sus conciertos. Ojalá lo haga y no se quede en un chiste al aire.

The National lanza "Hairpin Turns" con Gail Ann Dorsey

Posted on mayo 2, 2019 by -

Mira el video que The National preparó para su nueva canción "Hairpin Turns".

Hace unas semanas la banda de Ohio anunció el lanzamiento de su octavo álbum de estudio, una noticia que tiene emocionados a todos sus fans, pues sencillos como "You Had Your Soul With You" y "Light Years" han subido las expectativas de todos. Ahora, la banda comparte un tercer adelanto, el cual viene acompañado de increíbles visuales.

Lo nuevo de The National se llama "Hairpin Turns" y es el tema que cuenta con la participación de Gail Ann Dorsey, bajista y frecuente colaboradora de David Bowie.

El clip que viene junto el sencillo contó con la dirección de Mike Mills. Este cineasta ha trabajado en importantes video musicales, como el de "Party Hard" de Pulp y "Stardust" de Martin Gore. También es uno de los directores favoritos de las agrupaciones AIR y Blonde Redhead.

Esto fue lo que dijo Mills del video. “El video es un retrato muy simple de la banda y de la misma canción: Ves todos los instrumentos que están en la canción de forma aislada, incluso los escuchas grabados en vivo para la versión del álbum, es como enseñarte las pistas que forman la canción. Ves a todos los que contribuyeron de forma independiente, incluyendo a Gail Ann Dorsey, Mina Tindle y Kate Stables, pero tu mente los junta. La bailarina Sharon Eyal es una especie de continuación del personaje que hizo Alicia Vikander para 'I Am Easy To Find'. Pensamos en ella como el subconsciente de Alicia o una sombra que tiene su propia vida en este espacio".

I Am Easy To Find saldrá el próximo 17 de mayo a través del sello 4AD Records. Además The National confirmó su visita a la Ciudad de México para el 16 de octubre en el Pepsi Center WTC.

"Libertades", lo nuevo de Juan Son

Posted on mayo 2, 2019 by -

En colaboración con el baterista de Blonde Redhead, Juan Son lanza un nuevo sencillo. ¡Escucha aquí, "Libertades"!

Hace casi un año, el lanzamiento de "Siento" dio inicio a una nueva etapa como solista en la carrera del compositor jalisciense, Juan Son. Hoy, el músico nos presenta "Libertades", un sencillo en colaboración con Simone Pace —baterista de la agrupación de indie rock, Blonde Redhead— y aquí te lo presentamos.

"Libertades" sigue con la línea melódica que el músico nos ha presentado en sus sencillos pasados. Sin embargo, en esta ocasión, hace uso de un sample de "El Fantasma de la Ópera"; recurso que recubre al sencillo de un aura más nostálgica. Lo cual se complementa con la letra de la canción. "No te voa extrañar, pero jamas te voa olvidar".

Con cada nuevo sencillo, Juan Son nos confirma algo. Sea lo que esté preparando, su nuevo material será un fiel reflejo de su espiritualidad y de su madurez en esta nueva etapa como solista. Así que tenemos que estas pendientes de sus próximos lanzamientos.

Mientras tanto, recuerden que el próximo 11 de mayo, el músico se presentará en el Teatro Metropólitan. Donde contará con la participación del productor y compositor Yamil Rezc — Transgressorcorruptor —. Además, Simone Pace será el encargado de la producción musical de su show, así que no se queden fuera y corran a comprar sus boletos. ¡Aquí lo pueden hacer!

Semana IR! 2019: "Dame Love" de Girl Ultra y Cuco

Posted on mayo 2, 2019 by -

Con una fusión entre R&B y lo-fi, la artista mexicana y el músico chicano nos presentan "Dame Love".

Lo que muchos esperábamos, ya es un hecho. Hoy se estrenó "Dame Love"; colaboración entre la artista mexicana de R&B, Girl Ultra, y el músico chicano de estilo lo-fi, Cuco. El sencillo, de aproximadamente tres minutos y medio, fue mezclado por Phynx y contó con la participación de Wet Baes en la baterías.

El resultado es una melodía que, en complemento con la letra y vocales, nos transporta en un ambiente sutilmente seductor. Sin más, aquí puedes escuchar esta pieza:

El audiovisual de "Dame Love" fue dirigido por Alexis Gómez y Juan Carlos Campos. En él, podemos ver a los músicos recorrer distintos escenarios a bordo de un auto convertible. La fotografía cálida y de estilo antiguo, se fusiona con la melodía lo-fi que nos remite a una balada de los años 70. Y que resulta en una canción perfecta para dedicar.

Poniendo en alto sus raíces mexicanas, Girl Ultra y Cuco nos regalan este sencillo que más que dejarnos satisfechos, nos deja con ganas de escuchar más colaboraciones juntos. Y mientras eso pasa, recuerden que el joven chicano visitará por primera vez la Ciudad de México el próximo 8 de junio, a propósito de la Semana IR!. No te quedes fuera y compra aquí tus entradas.

Aretha Franklin, la mujer que tomó el volante de su Cadillac

Posted on mayo 2, 2019 by -

A bordo de su Cadillac rosa, Aretha Franklin lideró una lucha por la igualdad.

La cantante estadounidense es la indiscutible Reina del soul y una figura indeleble para la cultura popular norteamericana. Sin embargo, ser la gran voz femenina de Estados Unidos no solo tuvo que ver con la música, también sus acciones le dieron valor a sus palabras. La batalla de la artista siempre fue el respeto, pero no esperó a que nadie se lo diera, ella tomó su lugar detrás del volante y condujo una incansable lucha por los derechos civiles.

Aretha Franklin no solo hacía temas para corazones rotos, también cantó en contra de las injusticias sociales y convirtió sus sencillos en verdaderos himnos del feminismo. En una época donde los micromachismos dominaban la vida del sexo femenino. Ideas absurdas como que las mujeres no saben conducir o que se tienen que quedar en el hogar, motivaron a la interprete a responder con un mensaje de empoderamiento.

En 1967, la cantante lanzó "Respect", tema que dos años antes publicó Otis Redding como un sencillo inspirado en las relaciones conyugales. Pero Aretha convirtió la canción en un llamado a la mujer trabajadora, para que exigieran respeto a su pareja. En los tiempos donde el dinero de la mujer era tomado solo como un aporte al hogar, la interprete reclamó las ganancias de su esfuerzo y el sudor de su frente e invitó a que todas hicieron lo mismo.

Aretha Franklin fue una figura que inspiró el empoderamiento de la mujer y no hay mejor ejemplo de eso que "Freeway Of Love", ya que se muestra como la incitadora, pero no en el sentido de una Eva que invita a probar el fruto prohibido, sino como la mujer próspera y aventurera que se hace cargo de la situación. Ella te invita que subas a su Cadillac, no el de su esposo o el de su padre. Es su posesión, su propiedad, algo que nadie le puede quitar.

La cantante fue un símbolo de la fuerza y pasión para las mujeres estadounidenses, pero esa imagen en la que se le ve conduciendo un Cadillac rosa dejaba claro que Aretha también podía ser un Elvis Presley, que la opulencia también le iba bien y que ella podía tomar el volante. Es por eso que cuando murió en 2018, a la edad de 76 años, cientos de mujeres pintaron sus Cadillacs de rosa y acompañaron su carroza fúnebre.

Connan Mockasin en Galera

Posted on mayo 1, 2019 by -

De cuando perdí el aire en Galera o cómo sobrevivir a un Sold Out.

Cuando decides lanzarte a un concierto nunca sabes realmente qué va a suceder. Te enteras del evento, observas el flyer, meditas el precio y dices “bueno, va”; adquieres tu ticket y lo sostienes con emoción hasta el gran día. Pese a lo que muchos pensarían; la experiencia no se limita al artista en turno. Todo influye para que tu noche sea tal y como la fantaseas o bien, algo completamente distinto.

Connan Mockasin, el artista neozelandés regresó a nuestro país y tocó por primera vez en la capital.  Después de casi nueve años de estar lanzando música y marcando su sello en los oídos y sentimientos de miles de personas, por fin tuvimos a Connan en CDMX. Recuerdo cuando en 2015 tocó en Acapulco, dentro del marco de Trópico. Aquella tarde, su set trascendió lo fantástico e hizo que me enamorara del artista, dejándome ansioso de observarlo una vez más.

La noche de ayer, Galera recibió a cientos de fans emocionados por el show, demostrando en su outfit su devoción por el artista, algunos incluso usando pelucas para emular a Mockasin. La fila que daba la vuelta a la cuadra dirigía a los asistentes a una pequeña entrada. Las altas temperaturas que ha vivido la capital y el sold out, daban pistas de lo que se viviría adentro.

Apache O’ Raspi, proyecto de Álvaro Rodríguez, fue el abanderado para comenzar la noche. El músico de Torreón que recientemente dio señas de su dirección sonora, encaminándose al lo-fi con el sencillo “El afecto afecta”, fue bien recibido por los afortunados que ya se encontraban dentro del recinto, mientras el resto aún esperaba en la interminable fila.

Los sonidos suaves continuaron con Molly Lewis, chifladora profesional. Así, es. Lo leyeron bien; lo que esta chica hace es… chiflar. Creando texturas con su banda y generando paisajes armónicos impresionantes. Un preámbulo exquisito para Connan.

Y sí; Connan Mockasin estaba por salir al escenario. El artista pisaba la Ciudad de México por primera vez y los actos previos habían otorgado gratos shows, sin embargo el abrumador ambiente causado por la falta de ventilación provocaba que el ambiente no fuera óptimo.

Mockasin pisó el escenario con su clásico sombrero de marinero y una falda verde. Comenzó a sonar el característico vibe psicodélico comunicado a través de guitarras lo-fi que caracterizan al artista. “Faking Jazz Together” o “You Can Do Anything” despertaban regocijo en el venue. Me esforcé en apreciar los matices del artista, los arreglos de la banda y la textura de las canciones, sin embargo la atmósfera asfixiante me lo impidió.

Lejos quedó el set fantástico de aquel atardecer en Acapulco cuando en Galera algunos simplemente luchábamos por mantener el aire. Me encantaría hablarles más de lo místico que es Connan en vivo, pero tuve que alejarme para sobrevivir.

Mockasin sorprendió con rolas como “Lying Has To Stop” de su proyecto con Sam Dust, Soft Hair, un cover de “I Will Always Love You” de Whitney Houston y la consentida “I’m The Man That Will Find You”.

La presentación por sí misma demostró que Connan es uno de los artistas más importantes de la década y que después de Jassbusters (2018), aún tiene mucho que ofrecer. En cuanto al show; espero y suplico que se hagan conciertos con mayor conciencia de la experiencia del público y su comodidad.