Friendly Fires — Inflorescent

Posted on agosto 14, 2019 by -

Friendly Fires regresa con una sensual y cálida invitación para bailar.

Dicen que la esperanza muere al último, y uno como amante de la música, siempre tiene esperanzas de que sus bandas favoritas que se retiran regresen una vez más a los escenarios. Este es el caso de Friendly Fires, un grupo originario de Inglaterra, que tuvo una agradable presentación en la escena musical con sus dos intensos discos: el homónimo Friendly Fires (2008) y Pala (2011), para después desaparecer de los reflectores.

Al no ser un grupo que haya adquirido gran fama en su relativa corta carrera o haya tenido un salvaje one-hit internacional, su regreso nunca fue una garantía. Sin embargo, en 2017 proporcionaron una grata sorpresa al anunciar nuevos conciertos y en 2018 al volver a sacar material. Incluso, tuvimos la oportunidad de disfrutarlos de nuevo en vivo en México, con su maravillosa presentación en el Corona Capital 2018.

Ahora, ocho años después de su último disco, tenemos Inflorescent (2019), una obra que bien valió la espera. Esta nueva producción mantiene toda la esencia del grupo, pero con mayor influencia en la música disco y menos en el dance-punk de algunas de sus primeras piezas.

Esto lo podemos apreciar con “Can’t Wait Forever”, que desde sus primeras notas nos seduce violentamente a empezar a mover el cuerpo con su tenue bajo y creciente armonía con perfectas trompetas. El ritmo no se detiene con “Heaven Let Me In”, que como lo indica el título, es una verdadera entrada al paraíso. Una cuidada producción de arreglos nos hará sentir un torbellino de emociones y nos pondrá a bailar inmediatamente. La fiebre tropical se mantiene con “Silhouettes”, con unas finas percusiones y un coro altamente pegajoso, de esos que pone a todos a brincar y gritar en un concierto.

Hasta este momento, el material supera con creces todo lo hecho con anterioridad por la banda. Por fortuna, varias canciones que no habían sido publicadas como sencillos, no decepcionan. Tal es el caso de “Offline”, que toma la ruta del jazz y suaves texturas, “Sleeptalking” que rompe el ritmo con su inicio atonal y melodía oscura, y “Kiss and Rewind”, una explosión de scatting y buena vibra. Justo viene “Love Like Waves”, el primer sencillo de la banda en este triunfal retorno y una de las mejores piezas que han compuesto. Energizante hasta los huesos, como un rayo de luz que llega y permea cada célula de tu ser. De inmediato nos recuerda, a su clásico “Kiss of Life”.

El disco todavía tiene varias sorpresas guardas. Aunque no hay una significativa evolución entre una pieza y otra, todas guardan una calidad brutal y contienen detalles suficientes para el más exigente de la banda. “Lack of Love”, se orienta más al techno, con un beat que nos pondrá a mover las extremidades tal como lo hace el frontman Ed Macfarlane, con su particular estilo para bailar. “Cry Wolf” baja un poco la intensidad, para brindarnos una interesante balada romántica, que nos arropa con unos agudos sintetizadores.

Ya para concluir, tenemos “Almost Midnight”, un tobogán de adrenalina con una mezcla de sonidos y sensaciones, que más bien parece un remix. Una pieza divertida y alegre, que cumple efectivamente su propósito. Terminamos con “Run The Wild Flowers”, que regresa a adentrarnos a una oscura e hipnótica selva con sus percusiones y armonía inicial. Una emotiva despedida que simula las ultimas flamas de una inolvidable fiesta antes que los primeros destellos de un nuevo día salgan.

Inflorescent, como su nombre lo indica, es un álbum que juega con sus colores y esencia, a veces pareciendo tener poca variedad, pero destaca por su fuerza y calidad. Una producción que no defraudará a fans de la banda, así como una genial escucha para personas que se inician en su música. Solo queda esperar que podamos agasajarnos una vez más con el show de Friendly Fires con una presentación en solitario en nuestro país.

Entrevista con The Centellas

Posted on agosto 14, 2019 by -

The Centellas: Una propuesta de surf urbano que recupera el valor musical del cine, la necesidad de la democratización cultural y el rol de las mujeres underground.

A inicios de los 2000, la discusión acerca del futuro de la música surf en México se dividía en dos corrientes: Aquellos que temían por una incesante réplica de Lost Acapulco y los que coincidían con Ignacio Pineda (gestor del Multiforo Cultural Foro Alicia). “El surf es un movimiento independiente, subterráneo y que cada vez atrae a más gente. Nunca entrará en lo mainstream, pero puede llegar a ser un movimiento interesante”. 

Las palabras de Pineda resultan significativas en tanto que, pese a su escasa difusión, la Ciudad de México es el referente mundial del surf. La posición jerárquica de la capital mexicana sobre las playas californianas se debe, en gran parte, a la apertura que ofrecen venues como La Calaca Espacio Cultural, Capitán Gallo, Gato Calavera y espacios de tránsito cotidiano, por ejemplo, el Museo del Túnel de la Ciencia en la estación del metro La Raza. 

Como contraposición al pesimismo de algunos exponentes del surf mexicano, en vísperas de la segunda década del siglo XXI las y los artistas de este subgénero del rock & roll exaltan el legado de los proyectos musicales de los 60 (Los Matemáticos, Los Mabbers y Los Temerarios)  y readaptan la estética y el sonido de las bandas que -en su momento- fueron descritas como ‘el efecto Tarantino’ (Bombatomix, Los Esquizitos y Fenómeno Fuzz).  

(***)

A la par de Los Pegajosos, Viernes de Hongos y Los Granujas, se encuentra The Centellas, un trío femenino de surf urbano que -en lugar de seguir la tradición de las máscaras de lucha libre- se presenta bajo el misticismo de las sirenas, poemas sinfónicos, las promesas de la democratización musical y los anhelos de protagonizar una historia poco conocida. “Somos un reflejo del aquí y ahora, mujeres underground y que tocan surf. Somos la minoría de la minoría. Eso es parte de lo que queremos comunicar con nuestra música: Que el esfuerzo te lleva a algo y que en realidad es cuestión de hacer las cosas desde el poder, la energía, complejidad y organización”. 

Desde la perspectiva de Lu (guitarra), Elva (batería) y Nidia (bajo), los meses que separan a su primer cover (“Action Squad”) y al lanzamiento de Espécimen Surf se resumen en la palabra “reto”. Aprendieron a manejar las posibles situaciones de caos durante las presentaciones en vivo, posicionar su música en un entorno en donde predomina lo comercial, solucionar imprevistos logísticos y dialogar con una industria que suele esquivar los puntos neutros y que está acostumbrada a la camaradería (exclusiva) entre varones . 

“[Los músicos, promotores, ejecutivos y representantes] no frecuentan el trato con mujeres y puede que la comunicación no sea tan íntima. De pronto tratar con nosotras tiene algo de complicado. La verdad no sé la etiqueta entre hombres, pero con nosotras no se puede dar. Sí hay una barrera de género, costumbre y etiqueta”. 

https://www.facebook.com/thecentellas/photos/a.148251292559595/383697345681654/?type=3&theater

A 25 años de Pulp Fiction

Para la segunda mitad de los 90, “Pumpkin and Honey Bunny/ Misirlou”, “Bustin Surfboards” y “Surf Riders” en los tiempos violentos de Quentin Tarantino fueron un momento clave para la música y el cine. Al igual que otras bandas de surf, para Lu, Elva y Nidia, seguir los pasos de Los Esquizitos en Sexo Pudor y Lágrimas (“El Planeta Sexual”) y Lost Acapulco en Perfume de Violetas (“Vampiro” y “Olvidemos el Romance (Cojamos ya)”) sería “una forma de ganar aliados a través de una metamorfosis musical”, ya que, además de “ser preservadas en la historia cultural”, las integrantes de The Centellas consideran que musicalizar este tipo de filmes “es una vía para democratizar la música”, pues “acercan trozos de realidades que suelen ser ignoradas y convierten a las Artes en una necesidad social”.

Al seguir en esta línea, The Centellas destaca que dentro del proceso de democratización, su propuesta musical contribuye a partir del libre acceso a los contenidos (de aquí por qué prefieren Bandcamp sobre Spotify), la distribución descentralizada de su material discográfico, el apoyo a artistas locales (les gustaría colaborar con The Surfrajettes) y la preocupación por audiencias que -en programas y políticas culturales- están en un segundo plano. 

Inquietas por la lejanía de las generaciones jóvenes con la música surf, una de las metas a largo plazo de la agrupación es escuchar sus canciones en caricaturas infantiles. “Como ya no podemos regresar el tiempo y Popeye (1929) y La Hormiga Atómica (1965) podrían resultar poco familiares para algunos niños, nos encantaría estar en el soundtrack de Bob Esponja (1999). Es importante que el surf sea conocido por más personas; hay veces en las que se acercan a nosotras y nos dicen: '¿Tocas surf?, ¿Qué es eso y como a qué suena?'”.

https://www.instagram.com/p/ByOfO5eJGah/

“No es por la vibra, pero no suena a The Centellas” 

A mediados del año pasado, Nidia, Lu y Elva fueron invitadas al programa radiofónico de Isaac García y Jorge Huitrón (Amenaza Radio) y en dicha entrevista expresaron que “una de las cosas que más sorprende al público es que la banda solo sea de tres”. Constantemente les recomiendan sumar una segunda guitarra, pero las integrantes de The Centellas están convencidas de su respuesta y decisión: “[Con alguien más] simplemente no sonamos a nosotras: un surf poco tradicional y agresivo”.

Si bien la química musical de The Centellas no se debe precisamente a amistades de antaño, Lu asegura que “es una cuestión de destino y conexiones inesperadas que, a simple vista, podrían parecer de toda la vida”. Desde la experiencia del trío, la devoción en que “las cosas están escritas y pasan por algo” va más allá de las coincidencias; se trata de “todo aquello que incide en la esencia de su proyecto musical”, tal fue el caso de la integración de Nidia en el bajo.

“Estábamos buscando bajista y nuestros amigos nos decían: '¡Ella, Ella, Ella!' Contactamos vía Facebook y agendamos cita. Teníamos contempladas a más chavas, pero en cuanto la oímos fue así de: "No pues, ya te quedas". Incluso había una chica que iba a audicionar; tuvo que cancelar, pero dijo que conocía a una bajista muy buena. Era Nidia”.

(***)

En ningún momento, Elva, Nidia y Lu pensaron en las sirenas desde la charla entre Cirse y Odiseo, pero recuperaron (parcialmente) la unión de Calíope y Aqueloo. Su representación gráfica alude al deleite de la danza y la poesía sinfónica. 

Al igual que las sirenas del mito homérico, The Centellas reconoce el valor de la música como puente entre las personas. Sellaron sus relaciones afectivas con amigos que escuchaban surf y lo adoptaron como un género propio. “Crecí en un entorno muy musical, pero nunca pensé al surf como proyecto. Fue hasta que las conocí” menciona Elva.

Meses antes de la grabación de “Prisma Lunar” viajaron a Perú y una barricada de mujeres con el puño en alto evitó un sabotaje (no intencionado) de aquellos que en las primeras filas se peleaban por el setlist y demandaban la interpretación de “La Llorona”. 

Como a todo músico, les es difícil explicar hasta qué punto pueden conectar con las y los demás, pero por el momento, tienen presente que su vínculo con el público deriva de ser tres mujeres underground que tocan un surf urbano.

“Nos sentimos muy halagadas, en especial por el público femenino. Se acercan a felicitarnos y nos dicen: 'Tocan muy chido. La verdad no le piden nada a esta bola de güeyes'. Eso nos llena de una motivación que supera las palmaditas en la espalda. Es una motivación que funciona a manera de recordatorio: Cada banda tiene sus propios retos, ya sean musicales o personales, pero al final siempre llega a su momento de plenitud”.

https://www.instagram.com/p/B049s6jpNw7/

Coctel Intergaláctico, una propuesta de CDMX

Posted on agosto 13, 2019 by -

Como en un día de campo, una ciudad sin tráfico e historias de otras épocas. Conoce a Coctel Intergaláctico la propuesta de la CDMX.

El proyecto Coctel Intergaláctico emerge de diferentes concursos y venues a cargo de José Arroyo (vocalista), Sebastián Arroyo (bajista) y Luis Manuel (guitarrista). Una banda de canciones propias que tienen como base el rock alternativo. Por lo que en su búsqueda de identidad, a cada una añaden distintos géneros como los son el synth pop, hip hop, balada, regional latinoamericano y psicodélia. Todos estos cambios tienen un objetivo, pues sus letras están inspiradas en la literatura iberoamericana del siglo XX.

Esta banda ha ofrecido presentaciones en diferentes rincones de la Ciudad de México, desde el Metro, el Tren Suburbano, hasta el Caradura, Capilla de los muertos, Foro 246, Bajo Circuito y el extinto recinto El Imperial. También formó parte del Festival Vive Latino 2014 tocando en la carpa Rockampeonato. Posteriormente firmó con ONERpm para lanzar su primer álbum Realismo Fantástico (2017). En 2018 lanzó algunas canciones, y en lo que va del año ya han sumado 8 canciones a su repertorio, las cuales se encuentran en las playlist más importantes de Latinoamérica.

Actualmente se encuentran trabajando de la mano de Julián Navejas, tecladista de Enjambre, quien está encargado de producir su siguiente álbum. El primer sencillo de este material lleva por nombre “Te pido”, una balada llena de romanticismo y juventud. Con melodía simple, pero melosa, llena de paz y tranquilidad. Este tema está acompañado de un video dirigido por Sebastián Arroyo, que nos remonta a las épocas del amor tierno e ingenuo de décadas atrás. Puedes disfrutarlo a continuación.

Otro de los estrenos de este año es “Déjame dormir” una canción más cruda. En la que, con ayuda del piano, le ayudan a dar un sonido melancólico y triste a la canción. Acompañado de un video con una historia desgarradora, a través de una metáfora. No te pierdas de esta historia aquí.

Puedes seguir a Coctel Intergaláctico en sus diferentes redes sociales, para que te mantengas al tanto de lo que estos chicos tienen por ofrecer:

Facebook

Spotify

Youtube

Instagram

Escucha 'Años Luz', el nuevo álbum de Boson de Higgs

Posted on agosto 13, 2019 by -

El synth pop de Boson Higgs llegó para ponerle ritmo a las calles de la Ciudad de México.

El cuarteto oriundo de la Ciudad de México, Boson de Higgs lanzó su primer álbum de estudio Años Luz y ya está disponible en todas las plataformas digitales. La banda está formada por Fernando Portilla, Eduardo Robledo, Marco Romero y Bernardo Gomez-Pezuela, quienes son los encargados de llevar el ritmo de new wave a nuestros oídos con su material de larga duración. Mismo que ya puedes escuchar aquí.

La banda se formó tras la separación de 60 Tigres, cuando dos de sus integrantes formaron Boson de Higgs en 2017. En esta nueva etapa, la banda se enfoca en géneros desde el lo-fI, new wave y dream pop. Cuando Boson de Higgs quedó consolidado, lanzó su primer sencillo "Géminis", con un sonido fresco. Entre la vida citadina, el mundo virtual y la presión social de la cultura tradicional, los cuatro integrantes de la banda se juntan para cantarle al futuro y su forma de ver la vida, transmitiendo un mensaje positivo, pero lleno de nostalgia.

“Es un álbum dedicado a la conciencia del ser humano y su crecimiento integral y espiritual, creando en cada canción distintos vínculos para el desarrollo personal. Para lograr el despertar en las nuevas generaciones, tanto en la parte mental, física, como espiritual”, mencionó la banda en un comunicado.

“El Observador”, fue su segundo sencillo hasta llegar al tercero y último sencillo "Primera Fila", y así dar la bienvenida a la etapa de Años Luz. Además fue uno de los invitados a la Semana IR! junto a Inner Wave. Si te los perdiste, puedes revivir el momento leyendo esta pequeña reseña.

'Once Upon a Time in Hollywood', la nueva película de Quentin Tarantino

Posted on agosto 13, 2019 by -

La novena película de Quentin Tarantino llegó para ser odiada o querida pero no ignorada.

La propia existencia artística del cineasta Quentin Tarantino es el meollo de Once Upon a Time in Hollywood y se revisan algunos temas existenciales, como el declive de un talento descarnado, explosivo y natural (como Tarantino lo ha temido sobre su propio talento, dijo que a los 60 ya no iba a estar haciendo películas), la decadencia de una carrera artística en Hollywood y la estrepitosa caída de una década en general, la tumultuosa década de los 60, del sueño utópico hippie, con el asesinato de Sharon Tate por parte del séquito de Charles Manson a finales de 1969.

Leonardo DiCaprio es Rick Dalton en uno de los papeles más complejos de su carrera, y aunque sé que es ultra pretencioso utilizar términos de enología para estas cuestiones, me veo obligado a decir qué si esta actuación fuera un vino, sería un caldo robusto de considerable añejo lleno de matices, no es Leo 100% sicópata como en el Lobo de Wall Street, o imparable Leo en el Aviador, o Leo el salvaje en El Renacido (Raaaaarrrr! vean todo ese Leo).

Dalton es inseguro, pero con suficiente ego como para luchar activamente contra esa inseguridad, tartamudea socialmente pero no frente a las cámaras, sus años dorados en películas y programas western durante los 50 han quedado atrás, y ahora se enfrenta a la realidad de tener que rejuvenecer su carrera haciendo spaguetti westerns en Italia (algo que le da asco), el rencor y el miedo corren por sus venas, ve jóvenes parados en una esquina y se limita a decir: “pinches hippies”. Rick Dalton hubo muchos a finales de los 60 en Hollywood, los George Maharis, Fabian, y Ty Hardin, actores principales de perfil muy masculino venidos a menos a finales de los 60.

No exagero en decir que podríamos hablar de esta actuación de DiCaprio todo el día, pero del otro lado está su contraparte Brad Pitt, que en esta película es exactamente lo que uno piensa que va a hacer Brad Pitt, estar ahí, verse bien, no decir mucho, irradiar seguridad, como Aldo el Apache la última vez que Pitt trabajó con Tarantino en Bastardos Sin Gloria, o como yo lo vi personalmente minutos antes de la función, bajando por la escalera eléctrica hacia una horda de fans chillantes, sin hacer ni decir mucho, solo firmar muchos autógrafos y… estar ahí.

Pero eso es perfectamente lo que Tarantino habrá visto en Pitt para el personaje Cliff Booth, el doble, “stuntman”, de Rick Dalton, que ayuda a cargar con sus peligros y sus penas, en el set y en la vida; sirve de pañuelo para cuando Dalton anda deprimido, arregla la antena en el techo de su hogar, lo lleva y trae del trabajo. Un amigo/empleado en el que uno puede apoyarse en la vida.

Dalton y Booth conducen el Cadillac DeVille 1966 en crema de Rick por las calles de L.A., tan meticulosamente recreadas de acuerdo a la época por Tarantino y su equipo de producción, que la ciudad se convierte en otro personaje de la historia con el deambular cotidiano de los personajes, es nostálgico y casual como Sharon Tate (Margot Robbie) recorre las tiendas para finalmente entrar a un pequeño cine en Westwood y ver su último papel, uno pequeño, en una película pequeña, durante lo que podemos suponer son sus últimos días.

A diferencia de Cuarón y lo que el vio que andaba sucediendo en la CDMX durante su infancia y lo reprodujo en Roma, Tarantino se imagina que andaba sucediendo en L.A. durante su infancia, donde Polanski tiraba party en la Mansión Playboy con The Mamas and The Papas y el mundo en general era mucho más divertido de lo que probablemente era en realidad.

Pero al igual que el personaje de DiCaprio, hay matices que discernir, y no todo es diversión, Tarantino pondera su propia mortalidad (algo que ya había hecho más o menos en Jackie Brown) y aunque, al final de Once Upon a Time in Hollywood, puede que estés impactado o desilusionado con la violencia exageradísima y ridícula del último acto (ya sabes que va a haber finales Tarantino en una película Tarantino), la oportunidad de todavía disfrutar este cine de autor, con estos presupuestos, tratando material original (ni reboot, ni spinoff, ni secuela, ni precuela, ni versión live-action) es un platillo que rara vez se encuentra en las cadenas de cine hoy en día.

Mira las fotos de la alfombra roja a continuación:

'IRIS' de Justice llegará a cines de México

Posted on agosto 13, 2019 by -

Si eres fotosensible no estás apto para ver IRIS, lo nuevo de Justice.

IRIS: A Space Opera By Justice, es una película-concierto hecha especialmente para disfrutarse en salas de cine. Este filme, dirigido por André Chemetoff y Armand Beraud, y musicalizado por el dúo francés de música electrónica, se estrenará el próximo 12 de septiembre en nuestro país.

Gaspard Augé y Xavier de Rosnay nos llevarán a través de una experiencia única llena de luces y efectos ópticos inspirados en el espectáculo en vivo que promocionó Woman Worldwide, disco que está formado por remixes con los que resumen sus 10 años de carrera en la escena musical.

No te pierdas este increíble filme en el que disfrutarás de sus más grandes éxitos como "D.A.N.C.E", "We Are Your Friends", "Waters of Nazareth","TThhEe PPaARRtTYY", "Audio, Video, Disco" y más.

Te compartimos el cartel oficial a continuación:

Mira el trailer por acá:

IRIS: A Space Opera By Justice se exhibirá en salas de cine de Guadalajara, Querétaro, Puebla, Morelia, San Luis Potosí, Veracruz, Pachuca, Ciudad de México y mucho más. Si quieres adquirir tus entradas date prisa y da clic aquí.

Mantente pendiente de las redes sociales de Indie Rocks! para más información.

 

Matt Bellamy de Muse se casó

Posted on agosto 13, 2019 by -

El líder de Muse, Matt Bellamy se ha unido en matrimonio con la modelo Elle Evans.

Hace algunos meses Kevin Parker de Tame Impala se casó con Sophie Lawrence, en el Valle de Wilwood, Australia, en una celebración donde dieron de comer hamburguesas de una popular cadena de comida rápida. Ahora, Matt Bellamy, integrante de Muse, ha dicho el "sí, acepto" junto a la modelo Elle Evans.

La ceremonia se llevó a cabo en la ciudad de Malibú en la que se reunieron los familiares de ambos y por supuesto, el resto de los integrantes de Muse. En la emotiva boda la decoración estuvo conformada por flores blancas y rosas. Además, el hijo de Matt, Bingham Bellamy formó parte del cortejo nupcial.

La boda se llevó a cabo en total secreto, pero no tardamos en enterarnos gracias al propio Bellamy quién compartió algunas fotografías en su cuenta de Instagram. Algunos detalles que se saben es que el vestido de la novia estuvo diseñado por Martina Liana y que el menú fue bastante exótico.

Algunos felicitaron a los recién casados como son Guy Oseary, Tom Morello, Kate Hudson, entre otras celebridades. 

Aquí un extracto de lo que la pareja bailó como marido y mujer:

Soviet Soviet estrena “Change With The Sun”

Posted on agosto 13, 2019 by -

El trío italiano Soviet Soviet, regresa con nuevas sorpresas, entre ellas una nueva canción atascada riffs y los bajos más potentes.

Soviet Soviet banda integrada por los italianos Andrea Giometti, Alessandro Costantini y Alessandro Ferri, regresa con nuevo material después de tres años. La canción lleva por nombre “Change With The Sun” y sin dudarlo también es un cambio para los italianos. Este abre paso a su nuevo EP que llevará por nombre Ghost (B-sides), material que estará disponible en sus conciertos pues será un cassette rosa edición limitada a través de Coypu Records. Por otro lado podremos escucharlo en versión digital el próximo 23 de agosto a través de Altafonte.

Lo que pareciera un tema tranquilo al inicio, se convierte en un hartazgo de riffs y redobles de tambores que le dan velocidad a la canción. Esta logra destacar en todos los ámbitos, ninguno de los instrumentos se queda de lado ni es opacado por el otro. Sin embargo, el bajo es quien llega a resaltar, la guitarra es brillosa y profunda, mientras que la batería va conduciendo la canción. La voz de Andrea a pesar de las altas notas, nos sumerge en la oscuridad del post punk.

Escucha la nueva canción de Soviet Soviet aquí:

Los chicos de Soviet Soviet, pronto estarán de visita en diferentes partes de la República Mexicana. El 6 de septiembre estarán aterrizando en Guadalajara para presentarse en el C3 Stage/Roofop. Posteriormente, el 7 de septiembre visitarán la Ciudad de México en donde ofrecerán un show en el Foro Indie Rocks!. Finalmente, el 8 de septiembre estarán en Monterrey en donde se presentarán en el Café Iguana y seguir con su gira por Latinoamérica.

Froth — Duress

Posted on agosto 13, 2019 by -

Duress, la aprehensión del sonido.

Existe cierta magia en el ritual de escuchar un disco. No solo es darle play. Es una serie de acciones que nos insertan en un tiempo y espacio pautado por el ritmo de lo que estamos por escuchar. En esta ocasión, es el turno de Froth con su nuevo álbum de estudio: Duress. 

Todo inició como una broma en Los Ángeles, California. Y pocos imaginaron que hoy, siete años después, la banda independiente nos presentaría un disco que deja ver la consolidación de este proyecto musical. 

Todo comienza con “Laurel”. Un sonido estridente nos da la bienvenida. Segundos después, unas guitarras potentes se apoderan del track para dejar a la voz en un segundo plano. El garage rock está presente y algunos toques lo-fi que se dejan escuchar mejor en “Catalog”.

“Dialogue” hace su aparición como una canción digna para acompañarte durante el atardecer. Nuevamente, el sonido de las guitarras cobra relevancia. Las voces se vuelven ligeras y llegan a perderse entre las notas de esta melodía. Y como si fuese la continuación de un puente eufórico, “a2” comienza. 

Un breve silencio se hace presente. Los sintetizadores del track pasado aún resuenan en mis oídos. Sin embargo, un sonido melancólico comienza paulatinamente a tomar lugar. Y siguiendo la línea de los acordes constantes y las voces en segundo plano, “Department Head” y “77” se hacen escuchar. 

La recta final comienza y “John Peel Slowly” nos advierte de lo que se acerca. Una melodía que nos transporta fuera de este espacio. Y todo gracias a la extraordinaria mezcla de sonidos. Donde cada elemento se puede percibir en su individualidad y a la vez, como parte del todo que retumba en nuestros oídos.

Este último track le da paso a una joya de este disco. “Xvaños”. La experiencia exige una escucha con audífonos. Las guitarras cobran vida en cada acorde y los planos de sonido cumplen la función de envolvernos en un aura mística. Las percusiones marcan la pauta, así que solo es cuestión de cerrar los ojos y dejarse llevar.

Como broche de oro, “Slow Chamber” y “Syndrome” cierran con la nostalgia y melancolía que encontramos en la mayoría de pistas de este álbum. Los tintes lo-fi vuelven a cobrar peso. Y para la última pieza, todo recae en las percusiones y guitarras. Las cuales, nos llevan por una onda que culmina en una especie de fase de resolución. 

El trabajo de Tomas Dolas (Mr. Elevator and the Brain Hotel y productor de Sasami) y Joo-Joo Ashworth —productores del material— es destacable. Las decisiones creativas en cuanto al uso de planos sonoros, hacen de este álbum un trabajo que recae en las melodías más que en la voz. Sin embargo, no pierden sentido en la composición.

Con este material, Froth nos deja claro que desde hace tiempo dejaron de ser una broma. Y hoy en día, el trío estadounidense ha construido una base sólida que los permite aprehender un estilo propio que los llevará a donde quieran dirigir su carrera. Así que si aún no escuchas esta gran obra. No esperes más y déjate llevar con este material.

 

Chelsea Wolfe comparte “Be All Things”

Posted on agosto 13, 2019 by -

El tercer single de Chelsea Wolfe lo puedes sentir de una forma muy especial.

La cantautora estadounidense Chelsea Wolfe está por lanzar Birth Of Violence, su próximo álbum a través de Sargent House que podremos escuchar a partir del 13 de septiembre, y mismo que ya puedes pre-ordenar. Anteriormente lanzó “American Darkness”, y esta vez compartió “Be All Things”.

Autonomous Sensory Meridian Response (ASMR) o Respuesta Sensorial Meridiana Autónoma es la versión de “Be All Things" que aún no es la oficial. Chelsea compartió un video en el que lee, con una voz muy suave que apenas se alcanza a percibir, la letra de su siguiente sencillo. Al mismo tiempo se dedica a hacer algunos sonidos, mayormente de naturaleza, y la tranquilidad asecha a cualquiera que lo escucha.

Puedes escuchar la letra a continuación

“He estado en constante movimiento durante los últimos ocho años; girando, moviéndome, tocando en nuevos escenarios, explorando nuevos lugares y conociendo nuevas personas. Un momento increíble de aprendizaje y creciendo como músico e intérprete. Pero después de un tiempo comencé a perder una parte de mí. Necesitaba tomarme un tiempo lejos del camino para enderezar mi cabeza, aprender a cuidarme mejor y escribir. Grabar tanto como pueda mientras tengo 'Mercurio en mis manos', como lo dijo un sabio”, fue lo que compartió Chelsea con respecto a su nuevo tema.

Para Birth Of Violence colaboró con Ben Chisholm y se reunió en el estudio con Jess Gowrie quien se encargará de la batería y Ezra Buchla en la viola.

Además del lanzamiento de su álbum, Chelsea Wolfe anunció una gira en acústico por EE.UU. y se unirá a The Cure el próximo 31 de agosto en el Pasadena Daydream Festival.