Ema, la película musicalizada por Nicolas Jaar

Nicolas Jaar musicaliza Ema, la octava entrega de Pablo Larraín.

El director Pablo Larraín estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia 2019, Ema, un largometraje protagonizado por Mariana Di GirolamoGael García Bernal. La música corrió a cargo del músico chileno estadounidense Nicolas Jaar. No solo es una pieza visual maravillosa, sino que sonoramente da pie a que la historia cobre sentido. La trama es acerca una bailarina urbana y un coreógrafo que regresan su hijo adoptivo por una serie de eventos que desconocemos, sin embargo, se lamentan por ello. La película es ambiciosa y tiene un giro oscuro que convierte esta entrega en un thriller.

Mira el trailer aquí:

Esta es la octava película de Pablo Larraín, director de películas como El Club (2015), Jackie (2016), y Neruda (2016). Ha trabajado con varios actores reconocidos internacionalmente, y no es la primera vez que trabaja con García Bernal. Hasta ahora, puede que sea la película más ambiciosa y pertinente del momento. Larraín se encarga de tocar temas nodales como la reconfiguración de la feminidad y el significado de la maternidad, a través de Ema, una mujer que practica danza urbana. Es a través de sus bailes que podemos ver la intensidad de la misma. Esta película habla sobre esta generación, y toca temas relevantes para Chile, país en el que se grabó toda la película, y también para el resto del mundo. La música es una de las piezas más importantes de este proyecto. Desempeña las razones que llevan a Ema a moverse y a hacer que la trama cobre sentido. La película aún no tiene fecha de estreno exacta para México, pero en España se estrenará el 24 de este mes.

Mac Miller — Circles

Circles: En busca de un equilibrio que llegó tarde.

Cuando el 7 de septiembre de 2018 la noticia de que Mac Miller fue encontrado muerto en su casa en Los Angeles se dio a conocer, el mundo de la música se detuvo por un momento. Más allá de especulaciones acerca de la causa del deceso o la tristeza que lo acontecido generó, se hizo un hueco en la industria que jamás podría ser llenado. Hasta hoy. Circles llega después de un comunicado por parte de la familia del propio Malcom en la que se hacía del conocimiento del público que al tiempo que Swimming fue grabado, un material alterno estaba en construcción: una especie de side-b creada a partir de temas que complementarían el primer proyecto para formar un álbum doble titulado Swimming in Circles, de manera abstracta.

El proyecto es un golpe directo al corazón que se replica en 12 temas que desearíamos poder escuchar en vivo. Podría parecer extraño de entrada, pero el álbum está construido de tal manera que nos hace recorrer un circuito que consta de 12 tramos tan distintos entre sí que, mientras corres por el segundo ya no recuerdas el primero. Pero la magia está en que cada uno de los temas se conecta con el anterior y con el siguiente de una manera simbiótica y natural. Cargado de sentimientos, Circles es una apología a su prematura partida. Específicamente hay una línea en “Good News”, el primer sencillo liberado del álbum, que suena al inicio de un libro que está por concluir una historia: “Why does everybody need me to stay?”… la respuesta se divide en esos 12 capítulos de los que consta la obra póstuma.

El peligro del disco es ser considerado bueno por el simple hecho de ser el legado de una leyenda que falleció, pero supera esa dificultad desde el inicio. Hay una visión del álbum por sí mismo y otra, no distante sino completa, poniéndolo al lado de Swimming: Mientras que el proyecto por el que fue nominado por primera vez a un Grammy se siente como una afirmación de que todo va a mejor y que hay una luz al final del túnel, Circles se antoja más como una nota en un post-it que dice “Lo intenté, pero no está funcionando... así que déjame dar vueltas en círculos por un rato”. Pero al tiempo que es todo lo anterior, también es un epílogo optimista que enmarca el retrato de un artista que encontró en la música el único paliativo para algo con lo que luchaba cada día de su vida: la vida misma.

Musicalmente el disco es sencillo, quizá el que tiene los arreglos y producción más elemental, pero eso es parte del encanto. Lo que pudo funcionar como una maqueta, fue convertido en un disco amable y exquisito para escuchar gracias a las manos de Jon Brion (quien terminó la producción del álbum después del fallecimiento de Miller). Ritmos funk llenos de acentos R&B y con una textura propia de sonidos lo-fi que más que sentirse como beats sobre los que los raps o el canto de Malcom relata sus sentimientos, se notan como atmósferas sonoras por las que Mac camina al tiempo que baila. Los tracks más brillantes son “Everybody”, “Good News”, “Circles”, “Hands Me Down” (este último con la voz del mismo Brion funcionando como interlocutor de los pensamientos del propio Mac) y “Once a Day”. Esto no quiere decir que el resto de los temas sea malo o que merezcan menos atención, pero sí es cierto que los mencionados marcan la fuerza del material como un todo.

A nivel literario el disco se compone de pasajes que van de una sublime tristeza y sutil melancolía a una apenas perceptible explosión de energía y vitalidad: “Well, this is what it look like right before you fall. Stumblin' around, you've been guessing your direction, next step, you can't see at all” son las líneas con las que inicia el viaje, y con las que nos anticipamos a una especie de confesión pesimista, pero después, en “Blue World”, escuchamos “Fuck the bullshit, I'm here to make it all better With a little music for you…”. Y es que esto es lo que hace tan cercano Circles, esas contradicciones aparentes en la que nosotros mismos caemos una y otra vez, ese decir “Estoy bien” cuando por dentro el mundo está a punto de desaparecer. La grandeza de Mac va más allá de acomodar rimas y estructuras rítmicas en compases, su maestría se devela en la manera en la que una historia es contada de tal manera que termina siendo propia para cada persona que escucha sus canciones. 

Al final, el disco no es perfecto, pero hace perfecto sentido cuando se piensa en las circunstancias y se pone al lado de Swimming, con lo cuál no quiero decir que no funcione por su propia cuenta. Este, el primer disco póstumo del artista de Pittsburgh, es un trabajo completo que hace aún más tangible el genio musical y literario en el que Malcom estaba convirtiéndose a sus escasos 26 años. Como un fan lleno de lágrimas en los ojos puedo decir que Circles es ya uno de mis discos favoritos; como un intento de crítico musical, el álbum está ya dentro de mi selección personal.

Elbow en El Plaza Condesa

Emociones de todos los tamaños con Elbow.

La cuesta de enero significa un punto de conflicto económico y anímico para gran parte de la población, pero ni las deudas ni el hastío de reanudar el ritmo de trabajo detienen la pasión por la música y la esperanza de encontrar un mejor mañana. El día de ayer, los gigantes de Manchester, Elbow, convirtió el mesurado espacio de El Plaza Condesa en un lugar lleno de algarabía y buenas vibras al venir por primera vez al país como banda en solitario para presentar su octavo disco, Giants of All Sizes.

Para los que llegaron con premura, tuvieron el deleite de escuchar el dulce y vulnerable folk de su artista abridora, Jesca Hoop. La californiana se notaba tímida pero muy receptora a los aplausos y la entrega de los asistentes que poco a poco llenaban el foro. Acompañada por dos violinistas, Hoop calmó asperezas y embrujó a todos con temas como “Pegasi,” “Memories Are Now,” “Murder of Birds” y “Shoulder Charge,” a la par que empezaba a bromear con el público y lograr una agradable conexión. Un tierno preludio a la bestialidad que iba a acontecer.

Con puntualidad inglesa, el conjunto inglés liderado por Guy Garvey subió al escenario, entre una incrementada euforia de todos sus devotos escuchas. Empezaron con “Dexter & Sinister”, tema en el cual participó Hoop, replicando su intervención en el estudio, cuando colaboró en el disco. El tremendo tema sirvió como formidable punto de partida para que la audiencia supiera modular sus esfuerzos energéticos entre canciones potentes y conmovedoras baladas.

Hablando del factor conmovedor, el inmensamente carismático Garvey quiso agradecer a su público con un discurso que tenía preparado en español. Incluso pidió ayuda con la pronunciación de algunas palabras, y sus súbditos obedecieron sin pensarlo. La emoción de Garvey y sus compañeros musicales era palpable - seguramente tenían aún fresca la sorpresiva recepción que tuvieron en una edición pasada del festival de la cerveza donde fueron invitados, pero nada como ser el foco de atención; la razón por la cual El Plaza Condesa prácticamente lleno estaba ahí, con un entusiasmo y dedicación que pocas veces he visto en un público.

El repaso de los clásicos continuó, desde la oscura “Fly Boy Blue / Lunette,” la electrizante “Station Approach” y la hermosa canción de mar “My Sad Captains.” Garvey incluso destacó el trabajo de Mark Potter (guitarra), Craig Potter (teclados y percusión) y Pete Turner (bajo) en cada canción, dependiendo de su momento de brillar. La banda incluso se salvó de un pequeño contratiempo al no comenzar del todo bien “Magnificent (She Says)”, ante aplausos y risas, para después reanudar ante el aclamo de los presentes.

La velada también tuvo un poco de solemnidad, ya que Garvey contaba algunas anécdotas de la autoría de ciertos temas. Esto fue el caso de “Weightless”, en donde relató el deceso reciente de su padre y el asombroso parecido entre su hijo y él mismo, o “White Noise White Heat,” dedicada a las injusticias provocadas por el incendio de la torre Grenfell hacia las clases menos favorecidas.

Los momentos más hermosos llegaron con las ya legendarias “Mirrorball,” “The Bones of You” y el esperado punch de los guitarrazos y percusiones de “Grounds for Divorce”. Esto fue el primer punto de descanso para todos los involucrados, quienes estaban recuperando el aliento y procesando lo hermoso de la noche. Casi en un abrir y cerrar de ojos, la banda volvió para consentirnos a todos con “Lippy Kids” y a organizar secciones de armonías y vaivenes de brazos con el tema de cierre, la épica “One Day Like This.” 

A juzgar por la sorpresiva respuesta del público, los ingleses quedaron sumamente conmovidos y hasta les faltó extender sus brazos para podernos abrazar a todos. Son noches musicales así que hacen menos pesado un inicio de año lleno de incertidumbres sociopolíticas y que nos aseguran que quizás, solo quizás, el día de mañana podría ser hermoso.

Chester Bennington aparece en una nueva canción

La banda Grey Daze ha lanzado un adelanto de su próximo álbum en el que aparece la voz de Chester Bennington, quien falleciera en 2017.

El ex vocalista de Linkin Park ha vuelto a sonar en los estrenos musicales con un tema inédito grabado por la anterior banda a su exitoso proyecto. Grey Daze era la banda que el artista tuvo en los años 90 con quienes trabajó cinco años en conjunto. Chester Bennington dejó algunas pistas grabadas en esos años y fue de ahí donde pudieron retomar su voz para “What’s in the Eye”.

En la descripción del video en YouTube la banda comenta lo siguiente:

Es la voz de Chester que todos conocemos, recordamos y amamos, pero bajo una luz completamente nueva".

De igual manera la banda detalla un poco acerca de la reunión para volver a lanzar un álbum. En 2017 Chester anunció que la banda se volvería a reunir para concluir con el trabajo que había quedado pendiente. Luego de su suicidio el 20 de julio de 2017 la banda decidió continuar con el proyecto, y con la bendición de la familia de Chester comenzaron a grabar.

En 2018 se adentraron en el estudio para dar continuidad a las canciones que dejaron pendientes en 1998, cuando Bennington comenzó con el proyecto legendario llamado Linkin Park. En 2019 la banda terminó de grabar el disco y será lanzado en unos meses, aún no se sabe si habrá más canciones en las que se incluyan colaboraciones del vocalista.

Por ahora te dejamos a continuación “What’s in the Eye”, lo nuevo de Grey Daze a continuación.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos esta selección de los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Este 2020 llega con mucha nueva música, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 13 al 19 de enero del 2020. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como "Overtime" de U.S. Girls, una suave balada que, en momentos resalta la voz de Meghan Remy; "circle the drain" de Soccer Mommy, con un video tiene una vibra bastante noventera. Desde el uso del fondo desértico, hasta el nuevo look de la artista junto con el contraste de las vibras patinetas de Palm Springs; "Live Like We're Dancing" de Mura Masa, una fresca melodía, repleta de cuerdas y algunos sintetizadores. Al fusionar estos elementos con la voz de Georgia se crea una panorama lleno de energía pura que hará bailar a cualquiera; “C-Side” de Khruangbin y Leon Bridges, una extraordinaria fusión de soul y psicodelia con una letra que nos permite enamorarnos súbitamente; y más.

Escúchalos a continuación y no olvides decirnos cuál es tu favorito en nuestras redes sociales:

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Eminem utiliza sample de Spinetta en su nuevo disco

Eminem lanzó un disco de manera sorpresiva y en este incluye un sample de Luis Alberto Spinetta. Escúchalo aquí.

A lo largo de la historia el sample ha sido un recurso empleado en distintos tracks y, aunque a veces se acusa de plagio por usar sonidos de otras canciones, esto se ha convertido en algo recurrente en los últimos años en especial en la música popular. Hoy Eminem ha dado a conocer de manera sorpresiva su LP Music to Be Murdered By, material con 20 temas y en el que destaca una canción en particular.

Hablamos de "Stepdad", canción que contó con la producción de The Alchemist, Luis Resto y el propio Marshall Matters, nombre real de Eminem. En esta podemos escuchar un sample del tema "Peteribí" de Pescado Rabioso, agrupación que fue conformada por Luis Alberto Spinetta, Carlos Cutaia y Black Amaya.

Este se puede notar en el riff de la canción mezclado con un beat de hip hop. Puedes hacer el comparativo a continuación:

Es importante aclarar que los tres integrantes de Pescado Rabioso están en los créditos de la canción por lo que el uso de este extracto es legal.

¿Qué opinas sobre el uso del sample? Puedes comentarlo en nuestras redes sociales

Mira el video de "I Can't Read '97" de David Bowie

Escucha lo último de David Bowie, una versión acústica de "I Can't Read".

"I Can't Read '97" es la segunda canción del próximo EP a salir de David Bowie, material que se titulará Is It Any Wonder?. Cada track será lanzado semanalmente durante cuatro semanas. Esta fue la segunda canción del EP, el primer lanzamiento fue una versión inédita de "The Man Who Sold the World".

Junto al estreno digital de esta versión de "I Can't Read '97", también se estrenó un video. Originalmente fue filmado en enero del 1997 por Tim Pope en Hartford, Connecticut. En el video aparece Bowie mirándose con atención frente a un espejo, y porta una máscara al estilo del Fantasma de la Ópera. Sobre la misma, se refleja una proyección de él mismo entonando las letras de la canción.

Mira el video aquí:

La canción fue escrita por Bowie y Reeves Gabrels en 1989, y apareció por primera vez en el álbum de de Tin Machine. En 1996 fue grabada de nuevo por Bowie como parte de sus sesiones Earthling, y casi entra en la versión masterizada del mismo, sin embargo, en su lugar entró “The Last Thing You Should Do”. La canción ya está disponible a través de diversas plataformas.

El primer lanzamiento del EP fue una versión de "The Man Who Sold the World" para celebrar el cumpleaños de Bowie y los 50 años de haber sido grabada. La canción se tomó de una sesión grabada en 1997 por la BBC en el cumpleaños 50 del cantante.

 

Is It Any Wonder?, es uno de los dos materiales a salir este año del artista. ChangesNowBowie, es el segundo EP que será lanzado el 18 de abril como un LP edición limitada y como CD, y llegará en el Record Store Day 2020.

Entrevista con Oxomaxoma

Laboratorio para la Desocultación Sonora de la ‘Patamúsica 2020: Sobre descubrir soluciones imaginarias y habitar un territorio y una temporalidad neutral.

(…) Pero los verdaderos viajeros son los únicos que parten

Por partir; corazones ligeros, semejantes a los globos,

De su fatalidad jamás ellos se apartan,

Y, sin saber por qué, dicen siempre: ¡Vamos!

¡Son aquellos cuyos deseos tienen forma de nubes,

Y que como el conscripto, sueñan con el cañón,

En intensas voluptuosidades, mutables, desconocidas,

Y de las que el espíritu humano jamás ha conocido el nombre! (…)

Del poema El viaje de Charles Baudelaire (1861).

¡Probablemente no sería del gusto de Hegel! Con su historia polifacética, mutante y experimental, Oxomaxoma exaspera a todos aquellos que temen por la disociación, la vaguedad y el riesgo. Sin embargo conquista a las y los que se hartan de la precariedad del presente y las versiones limitantes de una realidad que insiste en ser cristalizada. 

¿Se disgregan la libertad y la capacidad de creación cuando la imaginación rechaza su supuesto valor periférico? “La imaginación es la que ha enseñado al hombre el sentido moral del color, del contorno, del sentido, del sonido y del perfume”, escribe Charles Baudelaire. La lírica ambigua -pero no por eso muda- de los 35 años de Oxomaxoma (nos) hacen creer y defender que sí, es cierto, la imaginación consiste en descomponer la creación y dar sentidos distintos a lo que musicalmente corresponde: 

Construir algo que está por encima o debajo del mundo.

(***) 

Desde la perspectiva de José Álvarez, no existe un vacío entre el Laboratorio para la Desocultación Sonora de la ‘Patamúsica 2020, los cantos del Pingo o las veladas en las que se fugaba con sus primos al Salón Chicago. Para los integrantes de Oxomaxoma, la correspondencia entre las raíces y la vanguardia de la banda es posible gracias al desarrollo intuitivo, la asociación del riesgo con el conocimiento y la conexión con el público. 

“Nos concentramos en generar y canalizar toda la energía que tenemos dentro para que toda la gente que nos está escuchando pueda enfocarse en sus puntos sensibles y -de esa forma- active los botones en los que perdemos la sensibilidad hacia ciertas situaciones, cosas o personas”.

Cuando Pepe habla acerca de cómo se relaciona con quien naufraga entre los ritmos de “Con hilos de lata” y “Los que respiran odio” resalta la responsabilidad y congruencia que tiene Oxomaxoma al ser parte de una purga emocional y política. 

El apoyo hacia los temas de Despertar: Chile (2019), así como la recopilación y lectura de testimonios que denuncian relaciones abusivas, negligencia por parte de las autoridades al investigar los casos de desaparición forzada y el repudio por la normalización de la violencia escapa a ser “un acto panfletario”, pues Oxomaxoma tiene claro que la enunciación de consignas conlleva un costo psicológico a nivel individual y colectivo.

“[Dar lectura a la carpeta negra] fue un ejercicio muy interesante. La gente ponía todas las cosas que deseaba obtener y desechar de su vida. Sirvió de desahogo para todos. Fue un momento único y sensible y que por ética y respeto se debe tratar con seriedad. Como tal, ya no hacemos un mensaje explícito, sino que todo se presta para que cada quien lo interprete a su manera y circunstancia. Es ahí donde se construye una forma de conjunción y de acción como público”.

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Para los verdaderos viajeros decretar no es sinónimo de guiarse por fórmulas inamovibles.

En vísperas de su presentación en La Logia Negra, Oxomaxoma contó con el apoyo creativo de Vixen Visual, Resonance, Interzona y Espacio Arterial para despedir al lustro de Con Ojos de Fuego y, con ello, dar paso a la aspereza de Industrial Body Music (2019) e inaugurar una jornada experimental “más fuerte, fúrica, compleja, participativa y con una sola regla: Perseguir la voz”. 

Desde hace poco más de dos años hemos trabajado en este proyecto. Estamos muy orgullosos de nuestro formato vinilo y de nuestros dos CDs: Ambientral y Los Ciclos del Silencio. 

En Ambientral intentamos crear un estado mágico a partir de la distorsión, reverberación y muchas texturas y frecuencias. Es una cuestión muy aleatoria que puede llegar a ser incómoda pero que permite mantenernos en un Apocalipsis de vigencia permanente. 

Por su parte, Los Ciclos del Silencio se caracteriza por dos cosas centrales: la invitación a colaborar con nosotros y la correspondencia entre el tiempo de duración y el número de track. En este material también quisimos dar un tiempo de relax a la gente; el tema número cinco es para que la gente pueda hacer un ejercicio de silencio”.

Con el box set de Laboratorio para la Desocultación Sonora de la ‘Patamúsica 2020 (LDSP), la banda busca poner en evidencia que -bajo una lógica que desconoce cualquier tipo de protocolo musical- el descubrimiento de soluciones imaginarias es un lugar privilegiado para reorganizar el orden convencional a través del “hacer sin hacer” y el habitar un territorio y una temporalidad neutral.

“Podríamos decir que la Patamúsica sirve para nada y es inútil, pero va dando lectura a un manifiesto. En esta ocasión ya no vamos a ser tan combatientes y dejaremos que las cosas fluyan. Todo está al aire para que la gente sea parte de tiempos cambiantes y no de una realidad, sino de un realismo".

(***)

Para Baudelaire, la imaginación tiene que ver con el dominio sobre un oficio y la búsqueda del más allá. Los verdaderos viajeros son los únicos que parten con deseos en forma de nube y un espíritu al que no se le halla nombre u origen. Como los personajes de apetito insaciable del poeta, José Álvarez, Prosumer y Rabdoll son viajeros que se mecen sobre el confín de los mares y que -para no convertirse en bestias- se embriagan por sus deseos de producir la sensación de lo nuevo, del sentido moral del color, el contorno, el sonido y el perfume. Lanzar las raíces sonoras al aire y así demostrar que la libertad y la locura aún nos pertenecen.

Desde los ensayos en los salones vacíos del Colegio de Bachilleres, el riesgo ha sido nuestro elemento habitual para imaginar. Eso y los sueños describen nuestra personalidad como viajeros de diversas décadas y generaciones. Siempre estamos buscando cosas novedosas porque nuestra meta es reconstruir las reglas básicas de la música”.

Se estrenará disco en vivo de Daniel Johnston

Será el próximo 31 de enero que podamos disfrutar de un material en vivo de Daniel Johnston, quien falleciera el pasado 10 de septiembre.

Cerca de los cinco meses posteriores a la muerte de Daniel Johnston, Wilco lanzará un disco en vivo del artista. Se trata de un en vivo grabado en 2017 en Chicago, el cuál fue el último concierto de su gira de ese año, donde compartió escenario con Wilco.

El lanzamiento es un homenaje a su obra, se llamará Chicago 2017. Para Wilco fue “un enorme honor poder trabajar con él”. El disco contará con 13 canciones y será publicado únicamente en plataformas y en formato vinilo limitado a 2,000 piezas. 

Mira la portada y el tracklist aquí:

Lado 1

  1. "The Story of an Artist"
  2. "Like A Monkey in a Zooe"
  3. "Casper the Friendly Ghost"
  4. "Hey Joe"
  5. "Worried Shows"
  6. "Cold Hard World"
  7. "Crazy Love"

Lado 2

  1. "Girl of My Dreams"
  2. "Walking the Cow"
  3. "Funeral Home"
  4. "I’m So Tired"
  5. "Speeding Motorcycle"
  6. "True Love Will Find You in the End" / "Spirit World Rising" / "Funeral Home"

Las ganancias obtenidas serán destinadas a Hi, How Are You Proyect, una fundación que busca eliminar el estigma que la sociedad ha generado sobre las personas con enfermedades mentales mediante pláticas. Cabe destacar que Daniel padecía de bipolaridad y tenía trastornos que lo hacían una persona única.

Ya puedes pre-ordenar el próximo lanzamiento del fallecido Daniel Johnston dando clic aquí. También te invitamos a escuchar "Worried Shoes" el primer adelanto de lo que será esta experiencia en vivo llamada Chicago 2017 a continuación.

Green Day estrena “Oh Yeah!” con todo y video

Uno de los primeros adelantos del próximo material de Green Day ha llegado. Se llama “Oh Yeah!” y se estrenó este 16 de enero.

Green Day ha compartido en sus plataformas de streaming una nueva canción. Se trata de “Oh Yeah!”, la respuesta de sus fans ha sido alta, ya que es un adelanto más de su nuevo material de estudio que se llamará Father of All the Motherfuckers, el cual se estrenará el próximo 7 de febrero.

El video musical parte con una crítica al mundo de las redes sociales. Levanta el debate de lo que la gente pretende ser y como descuidan su verdadero entorno con el afán de pertenecer a algún sitio. También toma como referentes a los medios de comunicación que aplauden la idea y hacen que las personas se desorienten de su ambiente. Finalmente es una crítica con toques de comedia y cinismo, muy a lo Green Day.

El video fue dirigido por Malia James y producido por Hanna Wualicki, en poco más de 6 horas la canción está a punto de llegar 250,000 reproducciones y durante la mañana fue tendencia global en redes sociales.

La canción nos muestra a un Green Day bastante renovado, tiene un estilo fluido y fresco. No es dominada por las guitarras distorsionadas, sino que tiene un orden que la hace una canción diferente en distintos aspectos. Además es un homenaje a un tema de Joan Jett

Esta canción marca el inicio de la recta final para poder disfrutar del próximo material de Green Day en solo tres semanas, te invitamos a escuchar “Oh Yeah!” a continuación.