“Aura”, lo nuevo de Cuco

Posted on julio 11, 2022 by -

Cuco estrena una canción de amor.

Como parte de los sencillos principales de su próximo álbum Fantasy Gateway, Cuco comparte “Aura”, una canción que comparte la letra en inglés y español, como es costumbre del material de este cante que ha marcado ya una generación completa de artistas latinos.

“Aura” habla del amor que Cuco está sintiendo, un track que llena de sentimientos a cualquiera y es perfecta para dedicar y demostrar cariño, invitar a salir a quien te gusta o, decirle a alguien que siempre contará con tu compañía.

Con un ritmo totalmente bailable y pegajoso, además de un coro que se queda grabado en la mente por horas, Cuco logró que “Aura” fuera una canción que seguro le encanta a sus fans y a cualquiera que la escuche.

El single es parte de su segundo álbum Fantasy Gateway, que tiene como fecha de estreno el 22 de julio y contará con la participación de artistas como Kacey Musgraves, Adriel Favela, y DannyLux.

Así como “Aura” lo manifiesta en la letra, la voz de Cuco y la musicalización de la canción, el cantante México americano se coloca con el título de pionero dentro de la nueva generación de adolescentes que crean música en Latinoamérica.

Dale play a "Aura":

Rage Against the Machine vuelve tras 11 años

Posted on julio 11, 2022 by -

El Alpine Valley Music Theatre en Wisconsin, fue el escenario que atestiguó su regreso.

La noche del sábado 9 de julio por fin se dio el regreso de Rage Against the Machine con su Public Service Announcement Tour, donde hizo vibrar el Alpine Valley Music Theatre, en East Troy, Wisconsin, con un setlist de 16 canciones. La fecha para este tour, estaba pactada originalmente para comenzar en 2020, pero fue postergado en dos ocasiones debido a la pandemia por COVID-19.

Entre las canciones que la banda estadounidense de nu metal hicieron sonar durante el show fueron, el tema de apertura, "Bombtrack", “People of the Sun”, "Bulls on Parade", “Bullet in the Head”, "Testify", “Tire Me”, “Wake Up”, "Guerrilla Radio", “Without a Face”, “Know Your Enemy”, “Calm Like a Bomb”, “Sleep Now in the Fire”, “War Within a Breath”, también versionaron "The Ghost of Tom Joad" de Bruce Springsteen, “Freedom” y finalizaron el espectáculo con "Killing in the Name".

Como sabemos, la agrupación fue uno de los que se pronunció en contra de la corte estadounidense por la derogación de la ley Roe vs Wade, es por ello, que los miembros de Rage Against the Machine, no hablaron durante todo el show, en su lugar, sus fans pudieron ver en sus visuales mensajes de protesta relacionados con el aborto y migrantes. 

En la pantalla pudo verse un mensaje que decía: Aborten a la Suprema Corte, también hacían mención del costo financiero del parto forzado, mientras que, mostraban imágenes de un helicóptero descendiendo sobre un grupo de migrantes, un agente de la patrulla fronteriza posando con un dron y policías con armas desenfundadas mientras detenían a un hombre.

RATM, donó la venta de las entradas, en total 475,000 dólares de los tres primeros shows que ofrecieron, a organizaciones de derechos reproductivos.

Mira su regreso aquí:

Ilse Hendrix — Lo que fue

Posted on julio 11, 2022 by -

Lo que fue, lo que es y lo que será, el debut de Ilse Hendrix.

Ilse González Villarreal, mejor conocida como Ilse Hendrix, presenta su álbum debut, Lo que fue, lanzado de manera independiente. La cantautora y productora originaria de Torreón busca consolidar un trabajo de casi cinco años de carrera con estos 10 temas, reafirmando también, su posición como uno de los actos de mayor proyección dentro de la escena mexicana.

Formada como cantante de ópera y con varios sencillos a cuestas, Hendrix apuesta por estilos pocas veces explorados en nuestro país, mezclando sonidos R&B, dark wave y electrónica, con la tradición nacional del despecho y sus géneros propios.

Surgido del final de una relación, Lo que fue es justo eso, lo que fue, pero también lo que sigue siendo, porque las relaciones amorosas son, encuentros, reencuentros y desencuentros, e Ilse Hendrix está dispuesta a explorar todas estas facetas desde la experiencia propia. “Luna Blanca”, primer tema a destacar y co-escrito con Eduardo Maldonado, fusiona el bolero con el electro pop, combinando la clásica guitarra acústica con un beat suave, moderniza uno de los géneros más arraigados dentro del imaginario mexicano.

“Artificial” una balada con arreglos de música de viento, que se apoya casi en su totalidad en la interpretación de Ilse, sencilla pero directa, donde no sólo muestra su capacidad técnica, también la de transmitir sentimientos. Por otro lado, “Poco a Poco” juguetona, sensual y en tonos R&B, es el tema más desenfadado del disco. Versa sobre el deseo, la causalidad y la indecisión, una propuesta de empoderamiento.

Por último, “Sobrenatural”, un cierre duro al disco, con beats obscuros y pesados, habla sobre el miedo y el arrepentimiento de volver. La canción más destacada del disco, en la cual la letra, la música y la voz, se encuentran en su punto más alto.

En conclusión, es un buen debut, con notas altas y bajas. La combinación de español e inglés, por momentos le quitan ritmo, siendo las canciones en nuestro idioma las que más resaltan, ya que expresan mejor lo que se quiere decir. En términos musicales, tiende a ser muy correcto y limpio, tendiendo un poco a ser cuadrado. Podría decirse que falta un poco de riesgo, pero ¿Qué más arriesgado que abrir plenamente el corazón?

 

Last Dinosaurs en el Foro Indie Rocks!

Posted on julio 10, 2022 by -

Un regreso lleno de puros hits y muchísima energía.

La pandemia nos robó en 2020 una presentación de Last Dinosaurs en México. Ayer, la primera noche sold out en el Foro Indie Rocks! redimió la espera. El cartel mostraba hora de inicio 20:00 h, por lo que los fans se veían formados afuera del recinto desde las 17:00 H.

20:00 H en punto… la mitad del foro ya estaba compactado al frente listo para brincar y cantar. Sin embargo, dieron las 20:15, las 20:20 y las luces seguían prendidas. Ráfagas de aplausos y gritos sonaban esporádicamente mientras la espera continuaba. 20:30 las luces se apagaron, pero no eran Los Dinos. Who dis? muchos nos preguntamos. Se trataba de NORTE, trío de Sinaloa que prendió los speakers en vivo con su sencillo “El tiempo”. Agradecidos por la oportunidad, lo dieron todo durante media hora, cerrando con un “Gracias por escucharnos, compren nuestra merch para que podamos pagar deudas and shit”, a lo que nos reímos, pero también recordamos lo importante que es apoyar a las bandas emergentes. 

La mayoría no sabíamos que otra banda tocaría a continuación. Para muchos, dos teloneros ya es demasiado, así que no estaban muy receptivos. Llegó Useless Youth, a quien también tocó escuchar en el concierto reciente de Beach Fossils en Frontón México. Con un audio bastante saturado y un público un poco predispuesto (y francamente desesperado), no tuvieron la mejor recepción. Se comenzó a ver la rotación del público aprovechando el tiempo para ir al baño, afuera por un cigarro, etc. No obstante, los Useless dieron lo mejor e incluso apareció el vocalista de NORTE para colaborar en una canción. 

En fin, el set terminó y al momento toda la gente se echó para adelante con tal de estar más cerca de Los Dinos que ahora sí saldrían a continuación. En 15 minutos, a las 22:25 las luces se volvieron a apagar y vimos entrar a los hermanos Caskey (guitarras), a Michael (bajo) y a Dan (batería). Estábamos listos.

lastdinosaurs indierocks2022 Fausto Jijón Quelal-3

“Take your time” abrió el concierto que duraría hora y media, lleno de hits y muchísima vida. “Casi tres años nos tardó regresar, pero estamos felices de estar aquí”, dijo Lachlan Caskey en un muy buen español. Siguieron con “Collect Call” y “Bass God” que fueron cantadas completitas por todos y que mantuvieron bailando a todos. La energía se estaba construyendo poco a poco y cuando siguió “Andy” los brincos comenzaron. “Forget about” nos dio un respiro para tomar aire un momento y dar un trago de nuestra bebida. 

“La próxima canción está dedicada a la CDMX. Los amamos mucho CMDX. Los apreciamos tanto” fue la apertura para la carta de amor que Los Dinos nos hicieron. “CDMX” resonó en el foro con todas las manos arriba y muchas fotos. Si algo hay que reconocerse en esta audiencia es que no hay fans a medias. Todos se saben todas las letras, por lo que en cada canción hay cantidad de celulares grabando. 

Incluso las nuevas canciones como “The Hating” y “Flying” se sintieron como si fueran hits ya bien sonados y esperados. Tan esperados como “Weekend” y “Apollo”, en las que todos en serio perdimos el suelo entre tanto brinco. Después de “Evie” Sean nos dijo que venía la última canción y que éramos lo mejor. “Repair”, temazo coreado por todos con los celulares en alto. 

Salieron del escenario y obviamente los esperamos. El encore es una piedra angular de todo concierto. Los dinos salieron de nuevo, sonriendo y plenamente felices. El público comenzó a pedir al unísono "Honolulu", a lo que Lachlan contestó “¿Cómo lo saben?”, como si nos la pudieran quedar a deber. Así, cantada por todos, disfrutada al 100 sonó “Honolulu” y seguida por “Eleven”, la canción que cerraría esta noche. 

Esta vez, no hubo Dr. Simi, pero antes de partir Los Dinos recibieron una playera de Pumas que el baterista se puso al momento, mientras que Sean tomaba del suelo una máscara de Spiderman, diciendo que teníamos las ideas más originales de cosas que aventar en conciertos. Definitivamente, Los Dinos y los mexicanos tenemos una conexión especial, que seguro se notará igual en el concierto de hoy, que a nada de ser sold out también promete una fiestota. 

A 15 años de 'Our Love To Admire' de Interpol

Posted on julio 10, 2022 by -

La reafirmación de una identidad mediante sonidos más complejos y oscuros.

El tercer trabajo discográfico de Interpol, Our Love To Admire fue lanzado un 10 de julio de 2007, y es un parteaguas para la carrera de la banda neoyorquina, pues no solamente se estaba posicionando como una de las agrupaciones más sonadas de la nueva ola del post punk revival, sino también porque dejaba su contrato con Matador Records para firmar con Capitol Records. Esto implicó que Interpol dejó de ser independiente, ya que este nuevo sello tenía un mayor alcance en comparación al anterior, además de ser el único disco oficial fuera de Matador Records.

Por otro lado, la producción estuvo a cargo de Rich Costey, un punto clave para el nuevo sonido del LP, pues evidentemente, su estilo con puentes culminantes en las canciones y música con un tempo relativamente rápido, había quedado un poco en el olvido. En esta entrega la banda se decantó por sonidos estridentes, pero también lentos y sí, Rich tuvo mucho que ver en ello, ya que plasmó su propia firma en gran parte de este corte.

La apertura del elepé se da con "Pioneer to the Falls", una pieza que demuestra la línea nueva bajo la cual se manejaría la agrupación. La voz grave de Paul Banks nos conduce hacia una balada que describe sensaciones profundas, hasta llegar al clímax que va liderado por un trémolo de guitarra, y que nos hace vislumbrar por dónde irán nuestros oídos en esta entrega.

Mientras tanto, en "No I in Threesome" escuchamos a Daniel Kessler impregnarle su propio sello en cada nota de la línea melódica de la guitarra, alcanza a mostrar su soberanía y su propio concepto musical. Por otro lado, si vamos más adelante, nos encontramos con "The Heinrich Maneuver", la epítome de este disco, pues claramente tenemos sonidos muy sólidos, características que perdurarán en las producciones consecuentes y que nos harán saber a qué suena Interpol.

Para este momento, podemos describir la huella de la banda, que su construcción se ve bien lograda con riffs simuladamente grumosos y una batería que lleva el tempo hacia una energía sin precedentes. De hecho, el tempo es un juego constante y punto clave, se hace tenue la marcha habitual en algunos de los tracks como "Pace is Trick" o "Rest My Chemistry", ya que el tratamiento de los silencios tiene un papel principal. Que si bien, no significa que no hayamos escuchado esto con anterioridad, sin embargo, aquí se hace más notable dicho recurso.

El cierre de esta obra llega con "The Lighthouse", una canción profunda que mantiene un rasgueo lento de cuerdas que circulan en un vaivén en crecimiento hasta sumergirnos en la voz melancólica de Paul junto a sintetizadores fugaces.

Our Love To Admire es ese álbum que construyó y constituyó a Interpol como una agrupación referente a la escena del rock alternativo, las letras y la música se comportan de una manera peculiar, pero con un trasfondo claro, que nos permite saber hacia dónde se dirigía la banda. Los destellos de su sonido se esclarecieron y se potenciaron, lo que ocasionó que posteriormente los músicos nos entregaran discos más complejos y pulidos, por lo que este tercer corte ayudó a reafirmar lo que hoy en día es Interpol.

A 20 años de 'Yoshimi Battles the Pink Robots' de The Flaming Lips

Posted on julio 10, 2022 by -

Todos los que conoces un día morirán…

Estoy casi seguro de que ocurrió un evento cataclísmico y psicodélico el día que Wayne Coyne dio a luz a The Flaming Lips. Quizás Marte se cruzó con Urano o hubo varias auroras boreales por encima de las calles de negocios mundanos, comida rápida y usuarios de estupefacientes recreativos en Oklahoma, EE.UU. Tras años formativos con canciones empleando eufemismos no tan sutiles al sexo o a la violencia y cantando acerca de cultos y condimentos, el conjunto comenzó a madurar gracias a la inclusión de temas más serios y empáticos en sus composiciones, a la experimentación musical y, sobre todo, a la ambición.

Comenzando con Zaireeka, su intento de sonido surround en tiempo real que le daba al escucha cuatro discos para ser reproducidos en simultáneo y siguiendo con The Soft Bulletin, su obra más coherente, meditativa y adornada que recordaba a las sinfonías intrincadas de Brian Wilson, Coyne y compañía apuntaron sus horizontes ahora hacia un futuro en apariencia jubiloso y delirante lleno de seres artificiales y misticismo, pero con una fuerte carga melancólica y fatalista por debajo - su trabajo más humano hasta ese entonces, valga la ironía. Esa sería la historia de Yoshimi Battles the Pink Robots.

The Flaming Lips_2022

“La prueba comienza… ¡ahora!” Es así como inicia su décimo álbum de estudio, en medio de ruidos de una muchedumbre enloquecida, esperando un magno espectáculo. Pero lo que pareciera ser una lucha de gigantes es más bien un directo lamento de desamor y decepción. Al final, todos libramos una pugna en solitario, y “Fight Test” es un enorme testimonio a la dicotomía que siempre manejan los Lips en sus canciones, en este caso siendo un tema con música esperanzadora y letras en el otro espectro. ¿La prueba fue superada? Como dice Coyne en el estribillo, “es un misterio”.

La dualidad es otro tema recurrente del disco, y acto seguido se propone el eterno dilema que hemos encontrado en las novelas de Asimov: ¿puede un robot sentir? “One More Robot / Sympathy 3000-21” cuenta cómo una unidad sintética busca sentimientos de amor, solo para averiguar - como muchos de nosotros - que quizás todo esté mal y equivocado. Pero mientras un simbionte tiene un dilema terrenal, nuestra guerrera protagonista que le da título al disco se prepara para su propio conflicto.

Coyne y su banda le dedican en el tema, que da nombre al disco, una hermosa porra a Yoshimi, una niña heroica quien se prepara vigorosamente para hacerle frente a una horda de malignos robots rosados. Pero lo que pareciera ser una sinopsis a un alucinante animé es una metáfora a la lucha contra el cáncer, el verdadero gran mal que atenta contra la humanidad. Solamente la pureza de corazón de Yoshimi y una colisión de baterías duras, sintetizadores elásticos y gritos ensordecedores son la solución para detener este cataclísmico evento. El final es explosivo, y la prodigiosa karateca gana la pugna por mantenerse con vida… pero sigue el vacío. ¿Acaso la conquista de la muerte no le da significado verdadero a vivir? Según los Lips, no es suficiente.

Reinicia la búsqueda de preguntas y respuestas con la minimalista y emotiva meditación acerca del amor y el odio de “In the Morning of the Magicians”, con arreglos barrocos que recuerdan a la genialidad orgánica de The Soft Bulletin. Luego la banda levita sobre los edificios en el relajadisimo viaje de “Ego Tripping at the Gates of Hell” mientras entran en negación, lamentando un momento especial que quizás no llegará y que ni siquiera saben cuál están buscando.

La decepción vuelve a asomar su desagradable tez en la psicodelia espacial de “Are You a Hypnotist??”, en donde Coyne compara a una amante traicionera con una hipnotista demencial, y mejor se dedica a encontrar algo de consuelo entre silbidos de pájaros, rayos de sol y guitarras de ensueño con “It’s Summertime”, aunque ni todo el color del universo le asegure la felicidad.

Y bien, la única solución ante todo es la aceptación. Saber que solo estamos aquí un rato; que la belleza debe aprovecharse en cada aspecto; que no podremos llevarnos ni los sentimientos ni a las personas al otro plano y que la vida se va de corrido. “Do You Realize??” se volvió un himno y un grito de esperanza de los 2000’s gracias a estas exploraciones, envueltas en una inmaculada canción pop electroacústica y pegajosa que resonó especialmente por tener todavía muy fresca y presente la situación abismal del 9/11. “All We Have Is Now” lo asevera de manera serena. Yoshimi, sus aliados y la ciudad que protegió ya pueden estar tranquilos y dormir sin temer a los monstruos mecánicos o a la todavía peor amenaza que es la mortalidad.

Y como si fuese secuencia de créditos de película o serie, los Lips condensan todas las emociones previamente vividas y escuchadas en la brillante pieza instrumental “Approaching Pavonis Mons By Balloon (Utopia Planitia)”. Es así como concluye una obra sonora tan llena de complejidad y simbolismos como de beeps cósmicos, chillidos y distorsiones. Si estaban ya refinando su fórmula musical, aquí es en donde The Flaming Lips alcanza la consolidación en sus letras y marcaría el resto de su carrera: mostrándonos que las batallas por la humanidad no necesariamente las ganará la ciencia, la milicia o hasta el amor. A veces solo hay que estar en paz con uno mismo.

Celest en el Foro Indie Rocks!

Posted on julio 9, 2022 by -

Celest reafirmó su lugar como una de las bandas más prometedoras de la escena musical mexicana ante un Foro Indie Rocks! que rozó el sold out.

Por más que el cielo hacía ruido anunciando un aguacero torrencial, nada más no cayó ninguna gota y si hubiera ocurrido, no importaba porque todas las personas que querían ver a Celest ya estaban al interior del Foro Indie Rocks! y en punto de las 21:00 H el recinto acogió a decenas de fans que esperaban ansiosos ver a su banda favorita.

La velada comenzó con Aceros Del Pacífico, un power trío que supo ensalzar el ambiente y poner a todos a gozar de una mezcla entre guitarras eléctricas, ukelele y sintetizadores. Movimientos asertivos con la cabeza, aplausos al ritmo de la batería y pura buena vibra fue lo que se vivió con este proyecto que tiene apenas poco más de cuatro años de existencia, pero que con su autenticidad y buena química no cabe duda de que los veremos más veces tocando en la CDMX. “Ceremonia”, “No. F”, “Góndola”, “Kinda Koolaid” y “Suck Up The Burn”  fueron las rolas que mejor recibimiento tuvieron por parte de los asistentes que se impacientaban por ver a Celest en el escenario.

Después de un show de media hora de Aceros del Pacífico y de otra media hora de espera, Celest se plantó en el escenario del Foro Indie Rocks! y la gente se le entregó desde el primer acorde a la agrupación liderada por Florencia Quinteros. El show comenzó de manera tibia, pero todo estalló cuando “Hombre Artificial” sonó y Florencia agradeció al público. Sin dar tiempo de llevar media cerveza ingerida, Celest soltó la primera canción considerada como una consentida del público, “Acompáñame” y esta fue cantada en los coros por todos en el recinto, algo que dejó notablemente sorprendida a Quinteros.

Celest_Foro Indie Rocks_David Durán (1)

“Tsumi” hechizó al público que, como si estuviera embrujado, cantaba y aplaudía al ritmo de la canción sin equivocarse en ninguna parte y sin que nadie en Celest se lo pidiera. “Ahí lles va una que no hemos tocado nunca en vivo” dijo Florencia antes de tocar “Brújula” y al terminar este tema salió Francisca Valenzuela a cantar “Revelación” en sustitución de León Larregui, pero el público aún así agradeció la colaboración con gritos de emoción. Para cerrar este pasaje del concierto, Celest tocó uno de sus mayores éxitos, “La Carretera”, en esta canción la banda dejó todo sobre el escenario, se veía que cada integrante estaba entregando lo mejor de sí con cada nota y cada acorde tocado. Nadie que haya vivido el concierto de ayer puede quejarse de que Celest se haya guardado algo, la banda expuso sus mejores virtudes y eso se agradece demasiado.

Sin duda alguna, una de las canciones que más levantó los decibeles y que seguro dejó a más de uno con dolor de garganta o afónico al día siguiente fue “Andar”, por un momento fueron las voces de todos los asistentes las que se escuchaban más que la potente voz de Florencia. Las luces del escenario se apagaron y la batería hizo que una secuencia con iluminación color azul corriera a la vez que Celest tocaba “Transparente”, aunque con esta canción bajó de intensidad el concierto y dio la oportunidad a varias personas de ir por otra cerveza o de ir al baño.

El momento estelar de la noche llegó con la presencia de Christian Jean de Reyno en el escenario para cantar “Lejos de Mí” junto a Celest y de inmediato los celulares se levantaron para grabar un momento para los propietarios de los mismos. Después de un pequeño encore, Florencia salió a escena solamente con una guitarra acústica y pidió silencio para homenajear con “Fantasmas” a todas las personas que han partido de este plano existencial y el público le concedió ese gesto a la cantante, aunque no faltó quien ya estaba pasado de cervezas y se dedicó a mentar madres a todos los que le pedían que guardara silencio. El concierto finalizó con “Hasta Que El Tiempo No Nos Separe”, pero el público se quedó con ganas de más ya que aún después de que el staff subiera a desmontar todo lo utilizado por Celest, nadie se movía de su lugar y fue el personal del Foro Indie Rocks! el que le hizo saber a los que esperaban alguna canción más que el concierto había terminado.

Escucha “ya no puedo más”, el nuevo sencillo de Niño Viejo

Posted on julio 8, 2022 by -

Escucha una fusión de folk y garage rock que te llenará de nostalgia.

Baruch Argil, conocido por su proyecto Niño Viejo, nos sigue entregando material para disfrutar de su propuesta musical. Esta vez regresa con “ya no puedo más”, un sencillo nostálgico y en el que podemos percibir un gran salto dentro de la consolidación de su estilo. Este lanzamiento se une a “Luces” y “ser feliz”, que son los sencillos que completan sus entregas del año (hasta ahora), y que marcan un camino después del lanzamiento de su EP Espiral (2021).

 

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Dentro de “ya no puedo más” podemos encontrar la fusión de los distintos géneros que Barcuh maneja dentro de su paleta sonora. Destacamos como dominantes al garage rock dentro de la propuesta musical, y al folk dentro de la propuesta lírica. La fusión de ambos géneros nos deja un producto que nos recuerda a lo mejor de The Verve y a más proyectos ingleses que dominaron la radio en los años noventa.  Escucha el tema a continuación:

Este lanzamiento no es del todo nuevo, ya que podemos disfrutar de una versión demo de 2016 en el canal de YouTube del artista, acompañado de un lyric video. Podemos encontrar varias diferencias entre las dos versiones, siendo la de 2016 más acelerada, pero con una esencia repetitiva. En cambio, la versión actual, nos permite apreciar una mayor profundidad de texturas dentro del desarrollo del sencillo. Además, el ritmo más pausado de la nueva versión, le aporta un extra a la personalidad nostálgica del material, que comienza a rosar las fronteras del shoegaze.

Este año, ha sido uno muy productivo para el artista oriundo de Baja California, y estamos emocionados por lo que tenga preparado para este segundo semestre. Estaremos atentos a más lanzamientos y anuncios de Niño Viejo, puedes visitar sus redes para disfrutar de toda su propuesta.

 

Watkins Family Hour versiona “(Remember Me) I'm the One Who Loves You” junto a Fiona Apple

Posted on julio 8, 2022 by -

La nueva versión del clásico de Johnny Cash formará parte del nuevo material de Watkins Family Hour.

La agrupación dirigida por los hermanos Sara Watkins y Sean Watkins, Watkins Family Hour, acaban de estrenar un sencillo que se desprende se su nuevo material, Watkins Family Hour's Vol. II. Este es el segundo sencillo que le sigue a "Hypnotized", un increíble cover del tema de la banda de art pop, Tune-Yards.

El sencillo es una nueva versión del entrañable tema escrito por Stuart Hamblen, que originalmente fue cantado por él en 1950. Posteriormente, el tema fue interpretado por Johnny Cash en 1957 como parte de su debut, Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar.

Hoy, en compañía de Fiona Apple, Watkins Family Hour le da un giro al tema country, que amenizado por un suave violín y una amable guitarra, nos recuerdan que siempre habrá alguien que nos ame dispuesto a escucharnos.

El volumen II de Watkins Family Hour contará con colaboraciones de artistas como Jackson Browne, Jon Brion, Madison Cunningham, Willie Watson, entre otros. El álbum llegará el 19 de agosto a través de Family Hour.

Escucha “Garza”, la nueva canción de Cancamusa

Posted on julio 8, 2022 by -

“Garza”, una canción para sentirte libre.

La baterista, cantante y compositora Cancamusa, estrenó su nuevo single “Garza”, que es el cuarto adelanto del próximo disco de la artista chilena, mismo que se estrenará en octubre de 2022 y hasta ahora se sabe que las iniciales del nombre son “A.M.”

“Garza” es una canción en la que la cantante da a entender agilidad, un tema que lleva a los escuchas a un mood muy enérgico, pero a la vez relajado, ya que es un track que Cancamusa imaginó para caminar, correr, manejar, andar en bici o disfrutar en medio de la carretera directo al mejor roadtrip de la temporada.

Este single fue grabado en la Ciudad de México, compuesto por Cancamusa y producido por Sinclavi, quien también produjo el disco pasado, Cisne: Lado Negro. El estreno viene acompañado de un lyirc video en donde se puede observar a una chica andando en bicicleta, una toma que se repite durante toda la duración del single.

Es una gran canción para disfrutar de paseos por las calles de cualquier lugar, que cada persona se imagine siendo una garza que vuela libre, que se aleja, que quiere vivir con tranquilidad, que está dispuesta a buscar nuevos caminos y disfrutar bailando ese cambio.

Dale play a "Garza":