Liam Gallagher alza la voz respecto a la salud mental

Es importante tratar la salud mental, parte del mensaje en el nuevo sencillo del músico inglés.

Con un emotivo video, Liam Gallagher muestra su postura sobre la salud mental, específicamente la varonil, en alianza con la asociación Talk Club.

El alguna vez cantante de Oasis compartió un audiovisual para el quinto sencillo de su más reciente álbum C'Mon You Know (2022), se trata del tema "Too Good For Giving Up", dirigido por Ryan Vernava y Liam Achaïbou, donde vemos a un hombre cargando una enorme versión de sí mismo, hasta que un grupo de extraños le ayuda con el peso y se libera, dando a entender que podemos tratar nuestros males con otras personas que han pasado por lo mismo, no estamos solos con nuestros problemas.

Esto fue gracias a Talk Club, una organización que busca ayudar con los dilemas de salud mental, fundada por Ben Akers luego que su mejor amigo Steve Yates cometiera suicidio en 2014.

Desde hace unos días, Gallagher adelantaba el estreno de éste video con una publicación en su Instagram oficial, en donde le vemos posando con un cartel que dice: "How are you? Out of 10?", que podría traducirse "¿Cómo estás? ¿Todo bien?" (que suena mejor a decir "estás de a 10"). En el post comenta:

Todos conocemos a alguien perjudicado por el suicidio que tristemente se ve en su mejor momento".

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El compositor explicó que también ha perdido mucha gente por esta razón y que es importante hablarlo, es por eso que se suma a la causa y que con éste sencillo quiere ayudar de cualquier forma posible, el video ya está disponible, aquí te lo compartimos.

Recuerda que Liam Gallagher se estará presentando en México este 19 de noviembre, como parte del festival Corona Capital 2022.

Entrevista con Beach Bunny

Hasta en las galaxias más lejanas es un reto expresar nuestros sentimientos.

Beach Bunny es el proyecto liderado por Lili Trifilio quien estará presente en la próxima edición del Corona Capital. Antes de que eso suceda, en Indie Rocks! platicamos con Lili acerca de su trayectoria, inquietudes, curiosidades y su más reciente álbum Emotional Creatures. 

Al escuchar las primeras notas de “Entropy”  nos atrapa, una voz en la lejanía comienza a endulzarnos el oído. El encuentro con Lili no es diferente; nos recibe con una sonrisa, es la primera en hablar y antes de contestar toma su tiempo para pensar. “Emotional Creatures fue grabado en la primavera del 2021, pero en esta ocasión se vivió un proceso muy recreativo. Trabajar con Sean O’Keefe (también productor de Fall Out Boy) fue divertido, nunca se sintió como trabajo”. 

Mientras exploramos la discografía de Beach Bunny escuchamos canciones con las que podríamos identificarnos, ese lejano pero persistente sentimiento de llegar a casa después de un largo día de escuela, aventar la mochila y escuchar nuestra música a todo volumen mientras nos imaginamos en una escena de 10 Cosas Que Odio de Ti. 

Terminé escribiendo lo que sentía; soy honesta con mis emociones”.

Aun sabiendo que hay otra persona al otro lado del mundo que siente lo mismo que nosotros, no siempre es fácil expresarse. “Soy muy emocional, pero a veces me costaba trabajo”, comenta, “algunas canciones fueron más difíciles que otras porque no estaba segura de qué temas quería hablar o cuáles quería mantener en privado”, nos cuenta.  

Desde que vemos la portada nos transportarnos a otro mundo, otras galaxias, pues de eso se trata explorar nuestros sentimientos de encontrarnos con lo desconocido. Lili retoma la ciencia ficción para plasmarlas en sus videos en donde también reconocemos referencias a Star Trek, Star Wars y Dr. Who, pero no es coincidencia. 

Durante la pandemia, mientras escribía esos temas tan personales, también veía ciencia ficción para evadir mis sentimientos o evitar pensar. Así que me gustó capturar esa esencia en esta etapa de mi vida”. 

Trifilio está acompañada por Jon Alvarado, Matt Henkel y Anthony Vaccaro quienes se reúnen en el estudio hasta conseguir un material íntegro. “Usualmente estoy en mi recámara y escribo algunas ideas, luego grabo un demo de mi voz mientras toco la guitarra o el piano y les mando los borradores. Después, ellos tienen completa libertad de añadir sus partes, pero al final salen cosas que no planeamos”, confiesa entre risas. 

Beach Bunny es un proyecto que comenzó en 2016 con algunos EP’s, singles y 2 álbumes que han cautivado los corazones de muchos, pero en el que definitivamente podemos ver un crecimiento personal y musical de Lili permitiéndose experimentar entre diferentes estilos y facetas. 

No recuerdo lo que estaba pensando cuando tenía 17 años, pero siento que aún escribo como antes. Mi experiencia personal y mi gusto musical impacta en mi escritura”. 

Si recuerdan proyectos como Diet Cig, siguen enamorados de Best Coast y buscan el grrrl power de Bikini Kill, este proyecto no los va a decepcionar, pues en algunos temas podemos encontrar esa esencia noventera que, inesperadamente, está reviviendo entre guitarras pop. 

“Era muy joven, soy más de los 00, pero siento que la música adolescente de ese tiempo sonaba así como los inicios de Miley Cirus o Demi Lovato; estoy segura que quien compuso esas canciones se inspiró en bandas de los 90’s. Al crecer escuchando esa música definitivamente influenció mi escritura, era algo que no esperaba, pero no lo llamaría un revival. Parece que apenas han pasado 10 años desde ese momento”. Te entendemos. 

En los últimos 10 años hemos visto un crecimiento y avance con respecto al tema de género y no solo en eso, sino en la forma en que la industria musical se está manejando. Como mujer, muchas veces tienes que dejar atrás tus ideales para poder lugar contra un orden establecido, pero en el caso de Trifilio es diferente, pues durante este tiempo ha aprendido a comunicar lo que siente y lo que quiere, pero lo más importante ha sido rodearse de un equipo que la escucha.

Lo que más he notado es que el Internet está dictando qué es lo más popular en lugar de que lo ‘popular’ sea tema de conversación”. 

Faltan pocos meses para que Beach Bunny se presente en el Corona Capital, siendo uno de esos proyectos liderado por mujeres de los que estamos orgullosos. Y así como nosotros, Lili se encuentra igual de emocionada. “No tengo expectativas, solo quiero divertirme. He estado fuera del país solo 1 vez cuando en el verano visité España y Portugal para un festival así que espero practicar un poco mi español”. 

Asimismo, el tema de la cuota de género no pasó desapercibido. “Estoy agradecida por la invitación, pienso que es bueno resaltar los proyectos sin que trate exclusivamente del género. Veo que hay más bandas mixtas y algunas bandas de puros hombres y son muy buenas, pero otras…” hace una pausa para pensar lo que va a decir, pero sabemos lo que va a decir, “no son tan buenas. Estoy segura que todos en el festival harán su mejor esfuerzo”. 

Es bueno ver que en los últimos 5 años ha cambiado todo, pero sobre todos los medios que escriben más sobre proyectos femeninos”. 

Mientras esperamos su presentación y Beach Bunny termina su gira de otoño, Lili ya tiene planes para el invierno: “Volveré a escribir, quizá el próximo año o el que sigue saque otro álbum, me enfocaré más en mis canciones. Ese es mi siguiente paso”.

Prepárate para su presentación y no te olvides de escuchar Emotional Creatures. 

Javiera Mena — Nocturna

Un salto al interior de Javiera Mena.

La reconocida artista chilena Javiera Mena se encuentra de estreno con el lanzamiento de su quinto material discográfico llamado Nocturna, que con 11 temas logra llegarnos hasta el alma.

Lo primero que podemos escuchar es “La Isla de Lesbos” un tema que ya habíamos escuchado, el cual nos envolvió entre sintetizadores neón y ritmos electro pop de fiesta. Continuamos con “Debilidad” que en compañía de pegajosas melodías, la artista chilena habla y muestra la debilidad que tiene a la pista de baile.

Para “Peligrosa” la letra habla de lo que somos capaces por amor, asimismo, el ritmo se vuelve por completo eléctrico con unos toques de sensualidad que Javiera contrasta con su voz. Los sintetizadores elegantes se escuchan en “Sombra” donde se puede notar un jugueteo de sonidos experimentales perfectos para una noche de baile con las amigas.

Nocturna cuenta con dos colaboraciones, la primera la podemos apreciar en “Diva” en compañía de Chico Blanco, un artista español que le da una excelente vibra a la canción, dónde su principal tema es no dejar pasar ningún momento y disfrutar de la vida. La segunda colaboración la podemos escuchar en “Dunas” con Myriam Hernández, una de las icónicas cantantes de los 80, lo que quiere decir que el tema tiene temas retro que combinan muy bien con la letra.

Llego el momento de escuchar uno de los temas más melosos del álbum, perfecto para dedicarlo a tu persona favorita “Me Gustas Tú”. Sonidos retumbantes y parpadeantes se hacen notar en iluminativos segundos que nos gustaría capturar en “Eclipse Total”.

La magia de los ritmos trascendentales los podemos sentir en “Corazón Astral” un tema crudo y real en el que nos podemos sentir reflejados. Casi para finalizar podemos escuchar “Sincronización” uno de los temas más lentos del álbum que a través de melodías melosas logra relajarnos.

Finalmente, hemos llegado a “Culpa” el tema encargado de cerrar Nocturna con toques muy al estilo de Javiera Mena logra cautivar con sus letras refrescantes. Esta nueva entrega se siente como un paso al interior de Javiera con sus melodías melosas por momentos y divertidas por otros.

 

Aladin Fox — Aladin Fox

Líricas de conciencia y un subibaja de sonido con el nuevo disco de Aladin Fox.

Como si se tratara de una pintura llena de colores, texturas y un excéntrico juego entre luces y sombras, así puede ser descrito el nuevo material discográfico de la banda mexicana de synth pop Aladin Fox, la cual estrenó su segundo álbum de estudio; se trata de un disco homónimo de la banda, el cual además marca su regreso a la música en idioma español.

Este disco está barnizado con un sutil velo de dream pop caribeño que transporta al oyente a una atmósfera selvática y calurosa, pues cada una de sus 11 canciones expresa la paz del lugar en donde fueron grabadas, esto entre los bellos paisajes de Chetumal, Quintana Roo, donde se encuentra “El Barco”, estudio de la banda que vio nacer a estas melodías.

La agrupación mexicana hace música desde el año 2016 y sus creadores son Vicente Palomo, César Cervera y Salvador, quienes formaron la banda luego de que intercambiaron maquetas sonoras de forma virtual, sin imaginar que su proyecto escalaría sin precedentes.

El disco titulado Aladin Fox refleja la amistad que existe entre los integrantes, quienes además de crear un innovador álbum que fusiona géneros como el new wave, dream pop y rock setentero, también resulta un material enriquecido con una lírica transformadora, que invita al espectador a deleitar cada tema con fluidez, energía y elevadas vibraciones.

 

Por si esto no fuera suficiente, la agrupación además rinde homenaje al jazz con inclusión de este género en canciones como “Rola 1”, con la cual —como es de suponerse— aperturan su reciente álbum extendido. De esta forma, Aladin Fox se desprende por algunos instantes de su esencia ochentera y noventera del disco pasado Dancing on the Lights para innovar con nuevos matices, géneros y sonidos.

En este lanzamiento discográfico, actualmente disponible en todas las plataformas, también podremos encontrar los temas “Zeppelin”  y “Ba’laa”, canciones que se entrelazan  paralelamente y que, a través de sus profundas letras, buscan brindar al espectador una experiencia sonora y un viaje profundo a algún recóndito paraíso con aroma tropical.

Para la realización de este álbum Aladin Fox contó con la colaboración de Francisco Sánchez (miembro de O Tortuga, Hawaiian Gremlins) , quien estuvo en el home studio de la banda y los acompañó a grabar todas las segundas guitarras y arreglos del disco, que promete sorprender hasta a los más escépticos gracias a su atrevida e innovadora propuesta.

Aladin Fox_album 2022

A 35 años de 'After Chabón' de SUMO

La eterna mañana de SUMO, previo a la muerte de Luca Prodan, cumple 35 años de historia.

Estadio Obras, 10 de octubre de 1987. La legendaria banda SUMO, que no era tan legendaria en ese entonces, sale a dar uno de los últimos conciertos de su historia, un par de meses antes de la muerte de su líder, el italiano-escocés-argentino Luca Prodan, quien se consagró en la historia de la música latina por tener una actitud diferente, y por catapultar al rock de Argentina a otra dimensión, y After Chabón es un claro ejemplo de ello.

Esa noche del 10 de octubre en el Estadio Obras no hubo new wave, peinados modernos y chicos que hacían música mientras se veían bien. No. Hablamos de una banda de rock conformada por seis inquietos músicos que reinventaron de muchas formas lo que puede hacer una agrupación de rock y recordaron que se trataba de la pasión y de la identidad.

After Chabón es el último disco de SUMO, banda conformada por Luca Prodan, Roberto Pettinato, Ricardo Mollo, Germán Daffunchio, Diego Arnedo y Alberto Troglio.

Este álbum es considerado por Luca Prodan y por buena parte de la opinión como el mejor disco de la banda, que ya venía de golpear fuerte con Llegando Los Monos, un disco que incluía hits como "Estallando Desde el Océano".

La diferencia, quizás, es que en After Chabón no habían "hits", sino que eran canciones que convergían en un universo único, donde era posible pasar del post punk al reggae (no te imaginarías a Bauhaus haciendo reggae ni a Bob Marley haciendo post punk), y a otros géneros musicales.

Esta versatilidad es ejemplo de lo que siempre fue SUMO, una banda protagonizó una exploración de sonidos que marcó un parteaguas para la música argentina. Bandas como Los Fabulosos Cadillacs, que se inspiraron en Luca Prodan para buscar nuevos ritmos, son el ejemplo de ello.

After Chabón, indispensable para conocer al rock argentino

Cuando volteamos a ver atrás en la historia de los grandes discos del rock argentino, y del latino en general, After Chabón aparece como una pieza 'de culto'. La banda fue pionera en el post punk en Latinoamérica, que en buena parte se debió a las influencias de Luca Prodan en el Reino Unido.

Luca Prodan, quien era el líder de la banda, dejó sus responsabilidades debido a que la adicción a la ginebra no le permitía desempeñarse plenamente. Fue así que el protagonismo recayó en el resto de la agrupación, que dejó 12 temas plagados de diversión, energía y astucia.

Ricardo Mollo se convirtió en uno de los mejores guitarristas del rock argentino, Pettinato se volvió un referente de la música experimental y en buena parte esos legados nacieron en SUMO. After Chabón es una cátedra de cómo un disco con sonidos punks, de reggae y de rock puede ser fino, sofisticado y sobre todo: valiente.

Luca Prodan apenas escribió letras para cinco canciones, el resto fueron improvisadas en una tarde en el estudio. A pesar de lo improvisado, el álbum logró temas inolvidables y sobre todo un vínculo identitario, del cual hablaremos más adelante.

After Chabón dejó temas inolvidables como "Crua Chan", con sonidos que recordaban las antiguas guerras en el Reino Unido; "No Tan Distintos", "Ojos de Terciopelo" y "Percussion Baby" como psicodélicas obras reggae y "Banderitas y Globos", "Hola Frank" y "Lo Quiero Ya" como grandes temas de post punk.

Luca Prodan: De una cama de hospital en Europa a una crónica invaluable de la cotidianidad argentina

Cuando Luca Prodan vivía en Europa supo de la muerte de su hermana, quien estaba con su novio en un auto e inhalaron sustancias nocivas. La situación llevó al vocalista de SUMO a una recaída en drogas, lo que le dejó en la cama de un hospital, a punto de perder la vida.

Años antes, cuando Luca Prodan estudiaba en el prestigioso colegio Gordonstoun School (mismo en el que estudió el rey Carlos III), hizo un amigo que años después se fue a vivir a Córdoba, Argentina. Su nombre era Timmy McKern, y este le regaló una postal de las montañas argentinas, lo que inspiró a Prodan a emprender un viaje a Argentina tras su hospitalización.

Resulta curioso que luego de aquellos antecedentes, y luego de la guerra por las Malvinas, Luca Prodan, quien fue forastero, lograra dar una de las canciones más hermosas del rock argentino: "Mañana en el Abasto".

El tema cuatro de After Chabón narra una mañana cotidiana en las calles de Buenos Aires, refiriendo al abasto como una zona de alto flujo de personas que se encuentra repartida entre los barrios de Balvanera y Almagro.

La pista musical, un poco incierta, narra lo que ve una persona al caminar por el abasto, desde los jitomates podridos que andan en el suelo a la mirada perdida de una mujer, así como el transporte público y ese constante andar de la cotidianidad en una urbe latina.

"Mañana en el Abasto" suena a canción de cuna por momentos, y su sentido nostálgico conmueve y desde luego que puede generar identidad con el argentino, quien en muchos casos abraza este tema especialmente de toda la baraja de After Chabón.

After Chabón es un disco único, probablemente de los primeros en los que escuchamos a una banda de rock jugar con el reggae, sin el peso del mainstream y dedicado a lo suyo. A 35 años de su lanzamiento te recomendamos desempolvarlo y darle una nueva escuchada.

Travis en el Velódromo Olímpico

Enredadera de nostalgia y felicidad efímera.

Observamos cómo el tiempo avanza demasiado deprisa y a muchos nos escuece el ritmo en el que suceden las cosas. Todo es efímero; como aquella inmensa felicidad que una vez habitó en la mente y en los corazones de los integrantes de Travis, la agrupación que hace 21 años lanzó al mercado su tercer álbum de estudio The Invisible Band (2001). Esmerándose en navegar entre las ondas de la honestidad resultó este material que congratuló a los escoceses y que por ende merecía una celebración a lo grande.

Después de atravesar un año complejo que les impidió salir de tour, la banda se propuso conmemorar el vigésimo (primer) aniversario del LP en distintos lugares del mundo, incluido México. Posterior a su presentación el Festival Coordenada, la banda aterrizó en la CDMX, específicamente en el Velódromo Olímpico.

Travis_Velodromo Olímpico_David Durán (10)

Siendo de lo más puntuales, Travis apareció en el escenario del recinto en punto de las 20:00 H. El aire frío corría con fuerza en esos momentos, sin embargo una vez que se empezó a colorear la portada del álbum sobre la pantalla de fondo; se nos erizó la piel a todos. Pronto escucharíamos esos clásicos como "Sing", "Side", "Flowers In The Window", y el resto de las canciones de The Invisible Band que fueron resonando en orden de aparición.

En pequeños bloques, Fran Healy hacía pausas para expresar distintos sentimientos; algunos de ellos ligados a la celebración, otros sobre su cariño por México y algunos otros para enfatizar que no son una banda de UK, sino de Escocia; esto último con un toque de seriedad pero al mismo tiempo con una pizca de carisma.

Una vez que el último riff de "The Humpty Dumpty Love Song" sonó con fuerza en el recinto. La banda se preparó para la segunda y última parte del show en la que interpretarían temas como "A Ghost", -extraído de su último LP 10 Songs (2020)-, "Closer", "My Eyes", "The Line Is Fine", "Turn".

En menos de dos horas, Travis nos hizo viajar en el tiempo. Logramos mirar las cosas con nostalgia y ofrecerle al tiempo una buena cara. Actualmente todo es efímero; pero si algo te hace feliz solo es cuestión de que te dejes llevar. Vive el momento. ¡Abraza los momentos felices, conviértelos en un gran recuerdo!

El otro John Lennon: Escritor humorista, dibujante del absurdo

Desde su nacimiento un 9 de octubre, hasta su asesinato en 1980 la vida de John Winston Lennon se caracterizó por una montaña rusa de situaciones dignas de una novela.

Su infancia ausente de padres, la rebeldía contestataria de su temprana juventud, la genialidad musical que lo llevó a dar vida a una de las bandas más influyentes de todos los tiempos, ese tórrido romance que lo hizo añadir el apellido Ono a su nombre, su implacable faceta como activista en pro de la paz, los cuatro disparos que impactaron su espalda una noche de diciembre.

Lo que pocos discuten, a pesar de que pronto se hizo manifiesto en su camino artístico, es su amor por la literatura y el dibujo. Matriculado en el Liverpool College of Art exploró con el dibujo y las artes gráficas –antes de ser expulsado un año antes de su graduación por su pésimo y desafiante comportamiento–.

A principio de los años sesenta después vendrían The Beatles, cuya historia ha sido tantas veces contada. En medio de la vorágine de su fama, uno de tantos días, el escritor norteamericano Michael Braun le realizó una entrevista a Lennon, e indagando en los pormenores de su vida, se topó con que el famoso beatle tenía también un romance con las letras y el dibujo –actividades que realizaba compulsivamente entre gira y gira–.

Por iniciativa de Braun, una serie de manuscritos y dibujos fueron presentados al legendario editor Tom Maschler, quien rápidamente buscó ponerlos en el mercado. Así se inició el camino paralelo que la histórica figura de Lennon recorrería.

El proyecto de un primer libro pronto se puso sobre la mesa. Muchos de los textos y dibujos que lo compondrían habían sido escritos durante sus años en la escuela de arte agrupados en un diario cuadernillo titulado  Daily Howl. Nuevos escritos se sumaron a los viejos y el 23 de marzo de 1964 se publicó In His Own Write. Opera prima de 31 relatos cortos, poesía e ilustraciones creadas bajo la óptica del sin sentido y el humor negro.

Un breve prólogo de Sir Paul McCartney introduciría la primera edición que vendió 50 mil ejemplares en un día y que llegaría a ser traducida a varios idiomas. Juvenil, absurdo y políticamente incorrecto, Lennon fue comparado con escritores de la talla de Lewis Carroll o Arthur Conan Doyle.

Transigiendo las normas incluso del lenguaje mismo, el autor utilizaba palabras incluso desconocidas para él, tejiéndolas con un ingenio intraducible, satirizando desde la televisión pasando por la literatura, su ciudad natal, hasta su misma historia.

El 24 de junio de 1965, bajo petición de la editorial, un segundo material llamado A Spaniard in the Works fue publicado. A diferencia del primero, este significó una labor no tan agradable para el escritor, quien se sintió presionado al crear los textos y más de treinta dibujos que lo componen. No obstante el libro fue reeditado tres veces en un solo trimestre, vendiendo un total de cien mil copias.

De acuerdo con su contrato editorial, un tercer libro debía publicarse en el 66, sin embargo el compromiso no fue cumplido, al menos no en tiempo.

Los textos de esta tercera entrega fueron inspirados sobre todo por el embarazo y nacimiento de Sean Lennon, hijo que tuvo junto al amor de su vida Yoko Ono. El manuscrito estuvo perdido durante un par años, siendo recuperado después de su asesinato y publicado en 1986 bajo el título de Skywriting by Word of Mouth. Dibujos, diarios de viaje, relatos y reflexiones lo componen y para algunos, es considerado como su única autobiografía.

Un par de libros más aparecieron después de su muerte Ai: Japan Through John Lennon's Eyes: A Personal Sketchbook (1990) y Real Love: the Drawings for Sean (1990), libro que reúne una serie de dibujos infantiles dedicados a su hijo.

Otros escritores nutren la pluma de aquellos que escriben, en el caso de Lennon podríamos nombrar a Poe, Wilde, Carroll, Doyle y Tolstoi por citar solo algunos nombres.

Conmemorando su nacimiento, y en la búsqueda de enriquecer la figura de uno de los grandes artistas de la historia moderna, quisimos abrir las puertas de su mundo literario. En tus manos lector, está entrar e indagar en ella.

Noche Hipnosis: ADULT. en House of Vans

Noche de intenso baile casquivano con ADULT. en su regreso a México en House Of Vans.

House of Vans es el lugar donde la imaginación da rienda suelta con instalaciones de arte, talleres y escenarios de conciertos, inspirando continuamente a cada persona que corre, rueda o pisa cada uno de sus espacios y fue precisamente en este idílico entorno que una mágica noche Hipnosis se vivió el pasado 7 de octubre con el regreso de ADULT. a México.

Desde las 19:00 H los asistentes se dieron cita a las afueras del recinto que resulta un santuario para la comunidad sobre ruedas, entre la multitud —organizada en una extensa fila— se podían apreciar con notoriedad los atuendos en color negro, los cabellos alocados y una amplia variedad de gafas techno que no necesitan de los rayos de Sol para hacerse presentes.

Con un protocolo que revisó el certificado de vacunación anti-covid de cada asistente, el acceso fue calmado y minucioso, todo con la intención de que los presentes disfrutarán con seguridad una noche llena de baile, arte visual y potente energía.

En punto de las 20:00 H el concierto arrancó en la zona más amplia dentro del arquitectónico e innovador inmueble, las luces se desmayaron y de inmediato fue perceptible la sinergia de los presentes, quienes recibieron con furor a Iván Devon sobre el escenario, un músico mexicano que puso a vibrar el espacio con su peculiar estilo sytht punk, post punk y dark wave.

Transcurridos 50 minutos, la energía no hacía más que subir y con un efusivo cierre Iván Devon abrió paso al segundo artista de la noche, se trató de Antonio Armenta, cuyo nombre artístico es Werner Karloff, alías con el cual firma sus experimentos sonoros que giran alrededor de los sintetizadores.

Con un estilo intenso, el productor originario de la Ciudad de México siguió con la línea enérgica que ya predominaba en el lugar y a través de su propuesta darkwave y post-punk evocó que la magia y la oscuridad que brotaba del electronic body music (EBM) en la década de los 80.

Dieron las 9:50 de la noche y el artista chilango agradeció la entrega del público, acto seguido se marchó del escenario y las vibraciones aumentaban, la gente no podía esperar más para ver en escena a la banda estelar de la noche: ADULT.

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Baile intenso y entrega total con el regreso de ADULT a México

En punto de las 22:40 H el prolífico dúo de electro punk hizo su arribo al stage con una potencia electrizante, con la cual de inmediato hipnotizó al público con temas como “Kick in the Shin”, “I Am Nothing” y “Nite Life”, para posteriormente seguir con irradiantes temas como “We Know How to Have Fun”, “Idle (Second Thoughts)” y “Blank Eyed, Nose Bleed”.

Con su característico sonido distópico, que destaca por poner sombra a cualquier género o estilo definido, el grupo formado por Nicola Kuperus y Adam Lee Miller regresó a México como parte de su gira internacional, y con llegó la Noche Hipnosis, lo cual representa una probadita de lo que se viene en la quinta edición del evento más lisérgico en tierra azteca.

Con casquivanos y potentes bailes, los presentes se dejaron envolver con la mezcla de cajas de ritmos, sintetizadores analógicos y elementos electrónicos que ADULT. muestra en cada una de sus obras, las cuales integran géneros como el punk, pop y techno, lo que representa una fiel propuesta auditiva que va más allá de la música dance, y así lo demostraron durante más de una hora de show en la capital mexicana.

Francisca Valenzuela presenta video para “Detener el Tiempo”

Una canción que habla sobre ese momento perfecto que nos gustaría inmortalizar cuando estamos con una persona.

Ese momento cuando estás con alguien y no te gustaría que se acabara, lo único que deseas es “Detener el tiempo”, ese es nombre del tema de la cantante chilena, Francisca Valenzuela, que hoy estrena un video musical.

“Detener el Tiempo” se desprende de su aclamado disco Vida Tan Bonita, elegido por Billboard como uno de los mejores álbumes latinos del año 2022 y se colocó en el Top 50 de la lista “The Best Albums of 2022 So Far” de la revista Rolling Stone.

VidaTanBonita-FranciscaValenzuela

Una mirada al backstage y a los conciertos en vivo de la artista, muestra lo que los fans pueden esperar durante los shows de la chilena. El videoclip fue grabado totalmente en vivo desde el Echoplex de Los Ángeles, donde Valenzuela compartió escenario con Camilo Séptimo y además logró un sold out.

Francisca Valenzuela se ha consolidado como una de las artistas más importantes del pop chileno y este año acompañará a Café Tacvba en su gira en Salt Lake City, Denver, Phoenix, San Diego, Santa Bárbara y Anaheim.

Además, pisará tierras mexicanas el 13 de noviembre con una presentación en el Lunario del Auditorio Nacional en la Ciudad de México. Checa todas las fechas de su tour aquí:

FranciscaValenzuelaTour

 

Emir Kusturica and the No Smoking Orchestra en el Pabellón Oeste

UNZA UNZA TIME: SALVAJE KUSTA.

Hay personalidades que cautivan por su genialidad, por su carisma, por sus múltiples y exitosas ocupaciones, por ser literalmente una orquesta de saberes y posibilidades. Estamos ante uno de estos casos excepcionales en los que la leyenda y la persona están unidos por una especie de halo que los hace parecer seres sacados de otra realidad. Este director de cine, arquitecto, actor, músico, guionista y quien sabe cuantas cosas más, nos deleitó con un recital que nos transportó hasta los profundos confines de la más underground comuna gitana, es ni más ni menos que Emir Kusturica.

La cita fue en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes y la pista de baile fue pre-calentada por Los Kamer, banda originaria de Ixtapaluca, Edomex, que han conquistado Europa con su música gypsy-balkan . Fue una apertura salvajemente adecuada y con estilo punk que puso a bailar y corear al público ritmos gitanos fusionados con tintes mexicanos.

El escenario se pintó de azul y se llenó de humo cuando apareció Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, vestidos con elegantes uniformes y unos enormes sombreros mexicanos al grito de “viva México, viva Serbia!”. Enseguida apareció entre el público la bandera de este país de Europa del Este de donde son originarios los músicos y que llevan orgullosamente su música y cultura alrededor del mundo.

EMIR KURSTURICA PABELLON CUERVO BERE RIVERA-15

Saxofón, acordeón, teclado, batería, bajo, trompeta, violín y guitarra son las armas con las que TNSO nos recetaron una alta dosis de música balcánica, se bailó y cantó a la vida a través  de salvajes y atrevidos ritmos gitanos que en un instante se apoderaron de los presentes y nadie podía dejar de saltar, reír y disfrutar.

Emir Kusturica se unió como bajista de TNSO a mediados de los 80 y no tenía un papel estelar dentro de ella, todo fue distinto en 1999 cuando optaron por cambiar el nombre de la banda a Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, debido a la relevancia que Emir había obtenido a nivel global ganando dos veces la palma de oro en Cannes con su filme Papá está en viaje de negocios y por la épica comedia negra Underground, así como diversos premios y reconocimientos en todo el mundo. En 2001 dirigió Super 8 Stories un road movie que cuenta las pericias y el camino de la banda.

El enérgico recital fue una oportunidad para Emir de compartir su admiración hacia la Revolución Mexicana que, en sus propias palabras, fue la primera revolución popular del mundo. Habló un poco sobre Pancho Villa y Francisco I. Madero a lo que el público respondió al grito de “Zapata vive, la lucha sigue! Zapata y Villa viven, la lucha sigue y sigue!”.

Lamentablemente el Farewell Tour  es la despedida de los escenarios para Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra, agradecemos que hayan considerado a México para esta gira en la que demuestran que los gitanos son ciudadanos de todo el mundo y son capaces de contagiar con su esencia a cualquier persona sin importar quién sea ni donde este.