Olof Dreijer lanzará un nuevo álbum colaborativo

Con el tambor metálico como protagonista, la nueva producción musical es anticipada con un primer sencillo.

The Knife, el dúo sueco, se separó en el 2014 con Karin Dreijer estableciendo su proyecto en solitario, Fever Ray, mientras que Olof Dreijer apareció como colaborador de su último álbum. Aunque no habrá una reunión, Olof nos presenta este año un nuevo LP que incluirá a viejos colaboradores de The Knife, presentando el primer sencillo “Hybrid Fruit”.

El nuevo álbum de Olof, Souvenir, se compone como resultado de 10 años de investigación de la historia colonial del tambor metálico, un instrumento que ha sido exotizado y apropiado durante generaciónes y que Olof pretende deconstruir mediante sonidos que desafien las melodías occidentales que se le han adjudicado. Así, junto a Matthew Sims, el productor de Berlín, crean un disco de cinco tracks experimentales. El tracklist es el siguiente:

01 “Liten Karin”

02 “Hybrid Fruit”

03 “A Vessel Of Clay”

04 “Breaths Of Clay”

05 “Across This Mud”

“Hybrid Fruit”, es un track emocional, que acompañado de alientos nos da ocho minutos de un ritmo complejo con ecos sutiles y reverberaciones. El sencillo viene acompañado de un texto interpretativo de la melodía, a cargo de los escritores Nathan Hamelber, Anna-Maria Sörberg y Thomas Hemstad. El texto narra la historia de dos mundos, el occidental y el sur global, de donde proviene el instrumento principal, a través de un personaje principal que descubre la violencia provocada por el imperialismo que ha transformado los cuerpos colonizados. Se lee en uno de los fragmentos:

Es la violencia y lo que conlleva. Se queda en nuestros cuerpos, en la historia, en la gente que nos rodea: La desconfianza de la mayoría (blanca). La desconfianza en los hombres. La desconfianza en las autoridades. La desconfianza en las personas. El cuerpo que llevas, del que se espera que se enfrente a la violencia o que la ejerza. Prepararse para la violencia, vivir cerca de la violencia, negociarla. ¿Hay salida? La historia milenaria de la violencia patriarcal. Violencia sexual, violencia sexual."

Su proyecto redescubre a los tambores metálicos como instrumentos con su propia historia, más allá de la que la colonialidad le ha impuesto. Siendo conscientes de que Escandinavia tuvo un papel importante en la colonización del Caribe, el dúo descubre en su investigación que el instrumento ha sido utilizado para protestas y celebraciones. Interviniendo en la imagen la la pureza nacional con la que ha sido asociado, ya que es utilizado en la música popular sueca, el dúo reinterpreta la canción popular medieval “Liten Karin” y le da un nuevo matiz musical. El disco entonces esta lleno de estas confrontaciones a una historia llena de exotización y apropiación cultural, que desea desmontarse a través de un nuevo tratamiento del instrumento.

Además de el próximo lanzamiento de Souvenir, Olof se encuentra trabajando en nuevo material solitario que también espera poder ser lanzado a finales de este año. Souvenir saldrá el próximo 9 de junio vía Rabid Records. Escucha “Hybrid Fruit” y acompáñalo con el texto interpretativo

El Columpio Asesino y Santi Balmes brillan en “Diamantes”

Luego de muchos kilómetros recorridos los de Pamplona se unen al vocalista de Love of Lesbian para presentarnos una nueva versión de un tema capaz de limpiar la mirada.

A unos días de su presentación en el Festival Marvin Gateway en la CDMX, este próximo 17 de mayo, El Columpio Asesino une sus guitarras a la voz del líder del “Club de fans de John Boy”, Santi Balmes, para regalarnos una versión, que no solo brilla por un instante, sino que conserva la magia de principio a fin, de su tema “Diamantes”, estrenado en 2011 para su álbum homónimo.

ElColumpioAsesino_SantiBalmes_Diamantes

Haciendo referencia al crecimiento personal y los placeres nocturnos que acechan la noche, “Diamantes” enmarca a través de sus sonidos solemnes y estremecedores, una atmósfera llena de una tensión acumulada a base de hipnóticos sónars, arpegios electrónicos, ritmos repetitivos y obsesivos que, al unirse a la voz de Santi Balmes, los de Pamplona consiguen sumergirnos en medio de una catarsis.  

Sumando algunos versos finales en su colaboración con El Columpio Asesino, el vocalista de Love of Lesbian, transfiere una dosis de su esencia, misma que destaca entre los momentos luminosos que se crean a través de los sintetizadores de la banda Pamplona, que ha hecho de este tema un verdadero himno de su paso por la escena musical.

Producida por Daniel Ulecia y los propios hermanos Arizaleta, la nueva versión de “Diamantes” fue grabada entre los Estudios Caníbal de Pamplona y El Tigre de Bilbao. Con un videoclip oficial bajo el sello del artista bilbaíno Ismael Iglesias, especializado en pintura y audiovisuales, con “fantasmas errantes sin solución” y luego de muchos kilómetros andados, El Columpio Asesino se prepara, a lo grande, para poner fin a su trayectoria.

Tiñendo de su verde imperdible esta versión, de uno de sus temas más emblemáticos, y a nada del comienzo de su Gira Amarga Baja en el Festival Marvin Gateway, El Columpio Asesino limpia nuestra mirada a través de una anestesia emocional al lado de Santi Balmes.

Disfruta la sesión de Vondré KEXP x Vive Latino

Distorsión, gritos y caos para escapar

Continuamos en esta serie de entregas audiovisuales KEXP x Vive Latino rumbo a la última edición del festival. En esta ocasión, Albina Cabrera le da la bienvenida al cuarteto mexicano desde El Desierto Casa Estudio.

La enérgica presencia de Ana Cristina Espinosa empodera el concepto de Vondré, la agrupación de rock y grunge que te dejará sin aliento y con los pelos de punta al ritmo de rolas como "Psicopatía", "Lilith", "No Me Impulses A Ser Así", "Se Trata De Ti", "Rotura". Te invitamos a darle play al full performance aquí:

Puedes darle seguimiento a estas live sessions en las que también ha participado talento como Diles que no me maten, Mabe Fratti, Austin TV, Los Cogelones y Sgt. Papers.

VONDRE

Pásate por el canal oficial de Youtube de KEXP y suscríbete para que estés al tanto de novedades y no te pierdas el estreno de las sesiones restantes.

Guía IR!: Rosalía en el Zócalo de la Ciudad de México

El viernes 28 de abril a las 20:00 horas, el Zócalo de la Ciudad de México recibirá a Rosalía, quien ofrecerá un concierto de entrada libre.

El 10 de abril, la jefa de gobierno de la Ciudad de México, Claudia Sheinbaum, anunció a través de redes sociales que la cantante española, Rosalía, formaría parte de una serie de conciertos masivos que se realizan en el Zócalo de la Ciudad de México.

La capacidad de la plancha del Zócalo de la Ciudad de México es alrededor de 200 mil personas, sin embargo, se espera que el concierto de Rosalía supere la convocatoria que han tenido otros conciertos en el mismo lugar, como el de Grupo Firme, que recibió a 280 mil asistentes y, hasta el momento, encabeza la lista del concierto de entrada libre con más asistentes en el Zócalo.

Desde la noche del 27 de abril se reportó que los fans de Rosalía comenzaron a acampar cerca de las vallas de la explanada, donde la intérprete de “Saoko” presentará el exitoso show de la gira Motomami World Tour.

Al tratarse de un concierto masivo, la seguridad correrá a cargo de la administración local, según indicó un comunicado de la promotora de conciertos Ocesa, donde también señaló que Rosalía no recibirá “ningún tipo de beneficio económico” por la presentación de su concierto; mismo que se realizará bajo la producción de Ocesa. 

https://twitter.com/ocesa_total/status/1651685465710264320?s=20

La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México compartió algunas recomendaciones para quienes asistan al concierto masivo.

Los accesos principales al Zócalo serán por la calle 20 de Noviembre y Pino Suárez. Si la asistencia será con niños, la recomendación invita a ver el concierto desde la Alameda Central, donde se transmitirá en vivo a través de una pantalla. 

De la misma forma, 18 pantallas estarán distribuidas en las esquinas de las calles 20 de Noviembre, Pino Suárez, 5 de Mayo y Av. Juárez, desde donde también se podrá seguir la transmisión en vivo del concierto. Además, se contará con seis módulos de atención ciudadana en el área para atender a los asistentes. 

accesosypantallas_Rosalía

En cuanto al transporte y la movilidad, las estaciones del Metro Zócalo y Allende de la línea 2, permanecerán cerradas. Mientras, la operación de las líneas 2, 3, 8, 9 , B y 1, tendrán una ampliación de horario hasta la una de la mañana. El servicio nocturno del Trolebús Línea 1 (Eje Central) operará con normalidad.

Esta presentación de Rosalía en el Zócalo será la segunda fecha de la cantante, en Ciudad de México, en menos de un mes, después de cerrar el festival Ceremonia el pasado 2 de abril en Parque Bicentenario.

recomendaciones_Rosalía

Lee Eye y Simona juntas en “Fantasmas”

Ambas desafían el miedo al desamor con perreo y amor propio.

"Shut up" fue la primera vez que estas artistas trabajaron en equipo. Este nuevo material es un giro de 180 grados con ritmos más rápidos, letras más agresivas pero no por eso menos sensibles.

La canción inicia con un sintetizador de R&B generando un sonido de ambient característico de SIMONA. El cambio llega casi cuando te acostumbras a la vibra de la canción, ahora estamos en un ritmo de perreo que toma un sentido opuesto al principio sin pedir permiso. Así la canción brinca entre diferentes estados y ritmos emocionales.

“No te retractes que no estamos mal, a veces pienso que este corazón me va matar” dice el coro de la canción. Se puede dudar antes de dar el primer paso para sanar. Al final las emociones pesan pero es mejor vivir con ellas antes de dar un paso atrás.

Valeria Castro es Lee Eye. Cantante colombiana que inició su carrera en 2018 y lleva sus inspiraciones musicales a flor de piel. El trap, R&B, hip hop, salsa, hasta el perreo conviven en sus canciones para conmover a la gente mientras lo mueven hasta el suelo.

Simona Sibilia es SIMONA. Compositora y vocalista argentina que se mudó a España para empezar su carrera en 2019. Su música puede considerarse lounge. Su música captura el jazz además de la bossa nova para mezclarlos con ritmos urbanos, reinterpretando lo establecido.

Haz click abajo para escuchar “Fantasmas”:

Nabihah Iqbal presenta “DREAMER”

El nuevo álbum de la artista representa un gran cambio en su carrera musical, con un trabajo crudo y reflexivo.

Nabihah Iqbal, hizo su debut hace cinco años con Weighing Of The Heart, un disco donde la electrónica se unió al new wave y la estableció como una creadora que desde los sintetizadores nos lleva por un recorrido emocional. Continuando por este camino, hoy presenta su nuevo álbum, DREAMER, el cual es el resultado de dos años de trabajo y sirve como parteaguas de su carrera.

DREAMER, ya había sido anticipado con los sencillos “This World Couldn’t See Us”, “Sunflower” y “Dreamer”, canciones llenas de tristeza e ira provocadas por las experiencias límite de la artista. Su reflejo es presentado en una mezcla de sonidos melancólicos pero fuertes, escribiendo su álbum más personal que con un sonido new wave y tonos de los 70s y 80s, nos lleva por un viaje introspectivo que fue resultado de las emociones y sentimientos provocados por eventos desafortunados por los que Nabihah tuvo que pasar.

Retomando a autores como WIlliam Blake y Lord Byron, Nabihah re emerge en la escena buscando reencontrarse tras años de pesadez y encierro, en un viaje technicolor donde el indie pop, el shoegaze y olas de electrónica entre elementos corales, nos transportan a un espacio onírico y cierto trance con tonos psicodélicos. Compuesto por 10 tracks, DREAMER, nos lleva por alucinaciones y un nuevo sentido de libertad que sólo puede alcanzarse tras haberse despojado de todo. Volviendo a lo básico, Nabihah comenta:

Por primera vez, he hecho música donde he sido más paciente con ella. Normalmente, cuando eres un productor de música electrónica, vas al estudio, enciendes tu computadora y comienzas a trabajar en Ableton o Logic y luego construyes a partir de eso. Decidí no acercarme a todo eso durante mucho tiempo y también me vi obligada a este enfoque debido al robo del estudio y por estar en Pakistán, lejos de todo mi equipo. Tuve que dejar que las ideas se desarrollaran en mi cabeza".

No te pierdas este nuevo álbum repleto de melodías que expanden la paleta musical de Nabihah Iqbal y acompáñala en este viaje introspectivo en el que seguramente podrás reconocerte.

The National — First Two Pages Of Frankenstein

La incertidumbre de los adioses y las traiciones de la mente; The National vuelve en su mejor forma para su noveno álbum.

Solo una pandemia podía parar a The National. La agrupación neoyorquina venía de una gira que se extendió desde el lanzamiento de Sleep Well Beast (2017), hasta 2019, con la presentación de I Am Easy To Find. Desde aquel oscuro 2020 sabíamos de la banda a cuentagotas, con sencillos y trabajos individuales. Para mayo del año pasado volvieron los conciertos en vivo y a inicios de 2023 llegó, finalmente, First Two Pages Of Frankenstein, su emotivo nuevo álbum.

El noveno álbum de The National viene luego de periodos de depresión de Matt Berninger, así como bloqueos creativos vividos en la pandemia de COVID. Es una nueva etapa luego de sus últimos tres álbumes en los que se experimentó con distorsiones y ritmos veloces para reventar escenarios, y ahora se apuesta por sonidos solemnes.

La agrupación hace un brillante hincapié en cada detalle sonoro, y la suave voz de Matt Berninger por momentos estalla acompañada de las grandes colaboraciones de Sufjan Stevens, Phoebe Bridgers y Taylor Swift.

Drama, despedidas y miedo a soltar

First Two Pages Of Frankenstein es una obra llena de canciones dramáticas, tristes y al mismo tiempo reconfortantes que hablan del miedo a soltar, de la frustración sobre el momento en el que te das cuenta que las relaciones llegan a su fin.

Parece interesante la especie de continuación de I Am Easy To Find, en el que la banda, principalmente Matt Berninger, hablaba de los miedos a dejar de ser amado. Ahora, el nuevo álbum afronta esa realidad a la que muchas veces no nos queremos someter.

La frustración en "Once Upon a Poolside" sobre "¿Cómo esto llegó a su fin?" o el enojo en "Eucalyptus" sobre qué pasa con las cosas de la casa cuando una persona se va, son el reflejo de aquel caótico momento por el que pasamos a la hora de desaparecer de la vida de alguien.

Aparecen temas como "New Order T-Shirt" o "This Isn't Helping", que hablan de cómo nos aferramos a los recuerdos, a cómo no entendemos que la vida sigue mientras vemos a la persona que amabamos partir. Es muy interesante la forma en la que The National abraza esa crisis a lo largo del álbum.

Uno de los puntos más importantes del álbum es "The Alcott", donde junto a Taylor Swift, The National crea una suerte de reclamo y lamento a una persona que cada vez está más lejos, que duele y que todo momento se arruina. Swift es, de las colaboraciones, quien toma mayor protagonismo, desprendiéndose de la voz de Berninger para responder a los versos.

Sin embargo, rumbo al final, aparecen canciones que son reconfortantes, que demuestran que el paso del tiempo ayudará a controlarnos como "Your Mind Is Not Your Friend", una canción para cuando estás al borde del abismo, que aunque pueda parecer triste, es profundamente humana y recuerda esos momentos en los que la mente nos traiciona y nos lleva a un punto definitivo, sin retorno.

"Send For Me", tema con el que termina el álbum, abunda en esa devoción y en pedirle a la persona que se va, que si lo necesita, te busque, esto mientras pasa la vida y nos enfrentamos a nuevas situaciones difíciles de afrontar.

The National, de lo orgánico a la potencia eléctrica

El nuevo álbum de The National parece un regreso a las raíces. La agrupación vuelve más madura a las canciones apoyadas sobre un piano y baterías orgánicas en la mayoría de temas.

Matt Berninger tiene un performance increíble a la hora de narrar la emoción de cada tema, esto mientras se apoya en las voces de Bridgers, Swift y Stevens.

Parece que las voces femeninas son un 'rescate' a la voz de Berninger, quien desde I Am Easy To Find y su álbum solista, Serpentine Prison se apoya de referentes femeninos, ya sea para responder en versos o para cantar al unísono y enfatizar en los puntos clave de cada canción.

El trabajo en producción de la banda deja un álbum con armonías e intrumentación que van por los pequeños detalles, por encontrar sonidos refinados y por atender la historia de cada tema. En su mayoría con ritmos lentos; sin embargo, con "Tropic Morning News", la banda recuerda su sentido enérgico y toma detalles digitales para fortalecer una pieza que, de por sí, es caótica.

First Two Pages Of Frankenstein es una obra sumamente valiente y honesta, que goza de The National en uno de los mejores momentos de su carrera. Una banda que opta por lo humano y por los matices en vez de las super producciones.

Es un disco que aborda la crisis, que abraza el colapso y que, con los pequeños detalles, ilustra pasajes y momentos dolorosos y hermosos de la vida, de desvivirse por alguien y de aceptar la cicatriz. La agrupación vive uno de sus momentos más humanos con First Two Pages Of Frankenstein.

Posiblemente se trata de un disco con el que identificarás una parte de tu vida, de ese drama por el que todos vivimos y de esa soledad que nos persigue cuando vemos las viejas cosas de nuestra casa o cuando vemos a alguien partir, igual de oscuro, desolador y auténtico que las dos primeras páginas del libro de Mary Shelley.

The Americojones Experience estrena “Sicario”

Con la llegada de su próximo álbum, la banda comparte un nuevo single.

The Americojones Experience es un cuarteto musical con orígenes en la CDMX. Sus integrantes son Americo Jones (vocalista/guitarrista), Sebastian Rojas (guitarrista), Maximo Hollander (bajo) y Raul Ponce (baterista). "Sicario" es su canción más reciente donde los contrastes llenos de frustración se desgarren en riffs de guitarra. 

La banda está cargada de una producción cruda, es una reflexión que tiene un mensaje punk con música rock post apocalíptica. La experiencia al escucharlos remite a un rock de la década del 60. Sólo que mucho menos alegre, más desesperado por aullar las frustraciones del joven capitalino promedio.

"Sicario" continua la evolución natural de la banda, luchando contra lo establecido esta banda parece llegar para quedarse, le guste a quien quiera. La canción nos habla de “un hombre frustrado que se imagina fuera de la ley… su vida pasiva, llena de arrepentimiento por lo que pudo haber sido, se ve contrastada por visiones violentas en contra de las personas que lo rodean”.

The Americojones Experience tendrá una nueva experiencia al firmar con Arts & Crafts México, sello discográfico independiente que los acompañará en este nuevo camino para sacar su material más nuevo.

 

Entrevista con Ali Gua Gua

¡Oí nomás ese cumbión! Sacando los sentimientos de la caja y con una caguama bien helada, la jarochinlanga abraza sus sonidos con Menospausa.

Luego de su paso por el Foro Indie Rocks! en el mes de marzo, acompañada por el punk rock de Las Ultrasónicas y al grito de un “vales madres” de “¡Que Grosero!”, y con la llegada de un nuevo show el 29 de abril, Ali Gua Gua se abre el camino con Menospausa, un álbum que, estrenado durante el mes de febrero, hace de sus sonidos, ritmos, texturas y letras un viaje fantástico cargado de historia, de su historia. Llegando en el punto adecuado Menospausa se presenta para mostrarnos las raíces de la veracruzana.

(Menospausa) viene de este momento específico de crecer como mujer y sentir el declive de tu cuerpo y energía. También es el modo más genuino que tengo de expresión: componer, arreglar, interpretar y hacer canciones”.

Trazando con seguridad y colores brillantes cada uno de los temas que dan vida a este nuevo álbum, Ali Gua Gua da un salto gigante en su carrera al enfrentarse a un proceso de composición por demás auténtico, mismo que es capaz de multiplicar la intensidad de sus sonidos con la etiqueta de un HECHO EN MÉXICO así, en mayúsculas y negritas.

El proceso de composición empezó cuando conocimos a DJ Rambón en Veracruz. Hicimos ‘Flota Maravilla’ y a partir de ahí me di cuenta de que quería trabajar con él en un disco. Me sentí muy identificada con sus beats, sus sonidos y su proceso de trabajo.

Combinando sus sonidos con los de DJ Rambón “hijo de DJ Marcelo quien fue el pinchadiscos de Capezzio, un lugar emblemático de Veracruz durante más de 20 años”, la artista mexicana hace de esta mezcla un verdadero plato fuerte, condimentado por los ritmos urbanos y el sazón de la casa.  

Rambón nació y creció viviendo y escuchando la música urbana, tiene mucha experiencia grabando a artistas entonces justo lo que hace con las voces es espectacular. También ser jarochos los dos nos dio todo un universo personal que no me había tocado experimentar con otros productores”.

Llevándonos de la mano en un recorrido por las tradiciones de este país, pintado de verde, blanco y rojo, Ali Gua Gua consigue impregnar a Menospausa de emoción, de alegría, de fiesta, de baile, de un ¡Viva México, cabrones! Compartido y extendido, que se abre paso a la verdad de cada uno de sus oyentes.

Cualquier cosa que transmita (Menospausa) ya es ganancia. Es lo bonito de la música que una vez que la sueltas significa un sinfín de cosas para otras personas, ya no depende de ti y eso es hermoso”.

Trasladando la honestidad y reconociendo su verdad, como mujer y como artista, desde la mera CDMX, y para el resto del mundo, la mexicana se muestra tal cual es, sin filtros, sin máscaras, con una actitud positiva, defensora de los derechos y rompiendo cada una de las reglas instaladas por la sociedad, Ali Gua Gua hace de su música un conductor de verdad.

No sé es una palabra muy fuerte (la honestidad). La gente dice eso de mi trabajo, así que la acepto tal cual, supongo que ‘no soy fake’, LOL (Laughing Out Loud)”.

Originaria de la ciudad portuaria de Veracruz, con un ADN vibrante bajo los ritmos del rock y un pedal cargado de distorsión, la cantante, DJ y compositora, rompe con las líneas de la geografía para hacer del término jarochilanga uno propio, “a mí me dicen la jarochilanga, vivo en el D.F. (hoy CDMX) pero soy veracruzana. Ni de aquí ni de allá, un lindo mix”.

Experimentando y combinando lo hecho con las Ultrasónicas y su proyecto albiceleste al lado de las Kumbia Queers, la jarochilanga, con todo, menos con miedo, abraza las texturas de géneros como el rock, el punk y el hip-hop para combinarlos con el calor de la tierra que la vio nacer, bajo la percusión de la marimba, para así navegar las olas de los ritmos caribeños de la cumbia, en una música que rinde honor a su apodo.   

No es una idea, es justo ser de Veracruz, que es una licuadora de ritmos per sé. También es no temer a explorar, tratar de no encasillarte en una sola cosa porque nos parece aburrido siempre lo mismo”.

Pasando del rock punk de un Forever Alone en el que Ali Gua Gua tocó instrumentos como la batería, el bajo y las cuerdas de su guitarra, Menospausa se traduce a ritmos más libres, más claros, divertidos, críticos y vibrantes de nuestro México en 14 temas que le han permitido a la artista explorar, aún más, el alcance de su propia voz.  

Son diez años de diferencia entre un disco y otro. Es otra onda mental y física, otro momento en la vida. El primero tiene mucho rock y toco de todo, en este sólo canto, quería explorar más mi voz y vivir el proceso de trabajar en un estudio junto a un productor y colaborar haciendo los temas juntos”.

Haciendo de las colaboraciones de Menospausa algo más que un buen cumbión, la veracruzana viaja a través de los sonidos combinando su esencia con la de artistas como la rapera Mare Advertencia quien desde Oaxaca y uniendo, a la vez, su voz con la fusión musical de Son Rompe Pera dan vida a un tema que prepara los pies para una pista de baile incendiada por la electrocumbia de Ali Gua Gua.

Se fueron dando en realidad (las colaboraciones), admiro mucho a cada artista que colaboró. También hay otros músicos como Luis ‘Monje Loco’ Figueroa que tocó guitarras y a quien conozco desde los 6 años, y luego tocábamos en la iglesia heavy metal. Gabriel Juárez Romero quien aportó trompetas, El Turko, un amigo rosarino que contribuye con el trombón, en sí es muy mi pandilla. Soy fan de la lírica y el flow de la Morada 'Purple' o La Valdéz, de La Dinastía, en fin, soy fan de todes, de Mare Advertencia, Miss Bolivia y Son Rompe Pera”.

Alistándose para abrir las fronteras y comenzar una gira por Europa durante el verano, Ali Gua Gua, influenciada por Rita Indiana, Snow Tha Product, Alaska, Lety Servín, Amandititita, Chavela Vargas, Casia Eller y Honey Dijon crea con su álbum un nuevo mundo de sonoridades, habitado por sus tradiciones más arraigadas y con un “Salir el Sol”, su canción más personal dentro de este nuevo proyecto, marca una pauta importante y un capítulo diferente en su carrera en solitario.  

He ido con grupo y he tocado como DJ, sin embargo, sería la primera vez que voy como DJ y MC, y presentando un disco mío. Así que se siente nuevo, como la primera vez, tengo muchas ganas de compartir música con la gente de allá que siempre aprecia cuando un músico latino hace el esfuerzo de cruzar el charco y performear sin ser deportado”.

Tomando poco a poco su ritmo y orgullosa de ser DJ, Ali Gua Gua define este camino en solitario, fuera de las Ultrasónicas y Kumbia Queers, como algo único, “cantar requiere más y ya no se diga armar una banda, pero no descarto nada y seguimos aprendiendo en el camino”. Con un vinyl de 7” en puerta, una gira y la promoción de su disco, la veracruzana, con corazón chilango, inyecta a Menospausa el imaginario de nuestro país, para mostrarnos, por medio de su música, porque “los mexicanos somos unos hijos de la chingada”.

Ivana comparte sus emociones en su nueva canción, “Odiarte”

La cantante regiomontana estrena un nuevo single donde se sincera con sus escuchas.

“La letra es un poco autocrítica, habla de una relación que no funcionó por miedos propios y de querer odiar a la otra persona para no tener que lidiar con tus sentimientos y así poder sabotear tu felicidad en paz”, dijo Ivana.

Esta canción vive en un conflicto, en vez de tener un punto de vista específico, la lírica cuestiona a su escucha. Cualquier persona ha sido egoísta en algún momento cuando las cosas no funcionan, "Odiarte" reconoce que culpar a la otra persona está mal, pero que puede ser inevitable para poder existir con las emociones que se tienen.

El estilo vintage del video musical queda perfecto para la ocasión. La artista está sola en un automóvil, cada uno de sus recuerdos se transmite en una vieja televisión análoga. La memoria es de menos calidad, un poco borrosa, porque la persona que vive en ellas poco a poco se confunde entre los recuerdos y las emociones encontradas.

Ivana inició su carrera musical durante la pandemia en el año 2020. A pesar de estar en un momento difícil, actualmente es una de las nuevas promesas del pop mexicano con más de ocho millones de streamings en sus plataformas.

Haz click abajo para escuchar "Odiarte".