Entrevista con Hello Seahorse!

Híper, y las sensibilidades en tercera persona.

Un antes y un después, es una línea divisoria y transparente en este momento en la vida de Hello Seahorse! donde Híper, es un álbum que sigue siendo lo mismo en su esencia; en general y en el presente, el ser uno de los grandes íconos favoritos de lo emergente y del género indie, es como la banda se ha ganado un lugar desde los melancólicos 2000, donde se ha saboreado poco a poco el disfrute de lo ganado a través de los años.

Híper se convierte en su quinto álbum de larga duración bien visualizado, pero para la agrupación queda claro que el tiempo es solo un factor, ya que después de varios años de carrera parece que son un pez sobre el agua al ser los expertos en disfrutar lo que mejor hacen: la música. Con Híper se estuvo en ardua labor junto a varios productores, donde la banda comparte que nunca había hecho esto antes, por lo que trabajar con varios de ellos se convierte en un factor además de interesante, en algo muy novedoso en cuanto a temas de producción y musicalización.

Sentimentalmente, todo este gran proyecto es así. Hello Seahorse! siempre ha sido muy emocional y una de las etiquetas con las que se carga y nos han puesto es la de la nostalgia, y eso se puede sentir desde siempre, desde los inicios de nuestra carrera, pero la realidad es que, a pesar del tiempo, y a pesar de siempre buscar cosas interesantes para nuestro público, no nos hemos alejado tanto de lo que siempre hemos sido. En Híper  y con cada material, una canción, un concierto y una gira es importante que nosotros los artistas le demos un significado”, respondió Denis al compartir parte de las emociones que se han plasmado en cada rola.

"Lo que transmitimos es lo que haces a nivel conceptual, recuerdo que, yo le decía a Burgos que quería hablar de otras cosas y otras emociones, contar otras historias, y en ese sentido yo me clavé mucho en que este disco hablara sobre la variedad de emociones por las que nos movemos como personas, pero no solo Hello Seahorse! sino toda la gente, todos ellos que día a día están en el verdadero plano, en una vida real".

Denise, Burgos y Bonnz hacen la introspección de lo que en sus letras se ve reflejado, por lo que ella comenta de una manera satisfactoria lo que ha envuelto experimentalmente, en cada representación desde Bestia hasta Arumina.

Yo soy una persona que le llama mucho la atención la psicología del ser humano y la manera en que interactuamos, el cómo nos relacionamos es algo que siempre hemos tratado en nuestras historias, pero en este disco queremos adentrarnos aún más, 'Melancolía' trata este aspecto, queremos ser un poquito más puntuales con esos temas y las emociones, para darle un concepto muy real y tangible en todo el disco que ya salió hace un mes".

"Estamos celebrando con mucha alegría Híper, además de los casi 18 años de carrera que llevamos y lo comenzamos festejando en grande con un concierto en el Pepsi Center WTC, donde tocamos esas rolas que vienen como parte de nuestra historia, y que le dimos un lugar a algunas otras que no fueron parte de lo que se estuvo trabajando para este material", comentó Bonnz para Indie Rocks!

"Medianoche" es otra de las rolitas que vino cargada de aceptación y con mucha singularidad, remató Denise, "... y nos habla de ese amor que siempre debe estar presente en la vida de cada ser de este planeta".

Hay referencias propias en las historias que contamos, pero también se cree que cuando hablamos de emociones que son tan universales como el amor o inclusive el desamor, hay muchas historias y canciones que ya hablan sobre este sentimiento; sin embargo, la idea que queremos transmitir es que tú cuentes tu visión de lo que es el amor, por lo que las rolitas que hacemos sí son historias universales donde se vea que no estamos contando ningún hilo negro, sino que simplemente es como las percibimos nosotros y en ese sentido, creo que es una de las maneras en que nos hemos relacionado con nuestro público, porque cuentas esas historias donde las personas que te están escuchando y sobre las que influyes, se relacionan; pero no importa si viene de mi propia historia, ¡porque sí!, por supuesto que hay muchas de nuestra personalidad, lo mío y lo interno, pero el público es quien también tiene algo qué contar".

La voz de las personas expresada a través de éstas singles, es otro de los factores que también dará el toque especial a Híper, ésta, será la faceta de la agrupación donde ya se tenía pensado trabajar con algunos tintes cinematográficos. Denise Gutiérrez muestra su versatilidad con esa espinita que tiene desde hace tiempo, al platicar que la actuación es otra de las inquietantes y no solo para ella, sino para todo el grupo.

Trabajé mucho en inspirarme en películas de historias contadas por otras personas, que de alguna manera yo interpreto. Al final del día eso es la música, es eso donde también no vas con tu público contando específicamente lo que querías decir con esa canción, no literal, porque la idea es que siempre, la gente interprete la música, por lo mismo yo veo la película de tal manera y la interpreto a mi manera, veo y observo, y así es como puedo contar otra historia". Este tipo de arte de su ser y personalidad se transmite mirando historias a su alrededor; el poder sentirlas es una tarea para también poder prepararlas y finalmente presentarlas".

"Las personas son seres llenos de emociones en donde en este plano terrenal se tiende a interpretar de mil maneras con un fin. Sin embargo, tenemos canciones sueltas y muchas otras escritas hasta este momento, y es importante que con cada material se busquen nuevas maneras de creación y de inspiración, todo esto es lo nuevo que nuestro público podrá ver en nuestras próximas presentaciones".

Hello Seahorse! deja en claro que cada detalle en este proyecto, es preparado desde las ganas y emociones del power trío que fue orientado a apostar por un sonido más electrónico, y esa es otra sorpresa que se pudo percibir en la reciente presentación.

Quisimos transmitir todo esto en vivo, por lo que es un show que no se había presentado en la Ciudad de México con nosotros, es la primera vez. Por ahora hemos estado de gira por Estados Unidos varias fechas y ahora estaremos por el interior de la República, pero la Ciudad de México es la primera que tuvo este show especial y por esta novedad es por lo cual estamos muy emocionados. No hay músicos invitados que nos acompañen en el transcurso del concierto, y queremos también que eso fuera una reiteración donde fuimos solo nosotros tres en un show más orientado al baile y la música electrónica en donde estamos todos conectados, y que podría parecer que al ser más electrónico o más cuadrado fuese un show que está abierto a la improvisación, como ir leyendo un poco al público en lo que nos fuera guiando", compartió Bonnz. También estuvimos preparando una producción muy padre de visuales y luces con el equipo de producción, lo que hizo que fuera algo completamente nuevo".

Hello Seahorse! siempre trata de dar experiencias únicas y diferentes constantemente a su público y hace un año específicamente, se presentaron en el Metropólitan con un show completamente diferente a esta nueva faceta, y eso es considerado muy valioso desde cada labor, porque son personas que piensan siempre en primer lugar en sus fans y saben que constantemente deben buscar la innovación para que cada experiencia sea muy distinta, y por este aspecto, la gira que ha comenzado la banda es completamente nueva, lo que hace emocionante lo que falta por descubrir de Híper. Ellos saben perfectamente que la fórmula es ganar o morir.

"La gente nos ha dicho —¡Wow! yo los vi el año pasado con la gira de Arunima y esta gira es distinta— Es bien valioso e importante para nosotros. Y como sorpresa esta ocasión estuvo con nosotros la banda Dear Boy abriendo el concierto, nos llena de orgullo y emoción poder compartir estos momentos con ellxs, y estamos seguros que en viceversa será así, porque estuvimos compartiendo varias fechas en junio en la gira por California y estamos muy contentos que llegaran a la Ciudad de México para nosotros".

Denise Gutiérrez ha sido una chica que también ha trabajado de la mano con Fármacos para la rolita "Nuestro Infierno", con ello nos cuenta la historia de lo que fue colaborar con Diego Ridolfi sin dejar a un lado su proyecto más fuerte con Hello Seahorse!

Siempre he tratado de hacer colaboraciones porque es algo que de alguna manera es una herramienta de aprendizaje y en el caso de Fármacos, es una historia muy bella porque Diego y yo nos conocimos durante la pandemia, comenzamos a comunicarnos vía chat e hicimos videollamadas para mantener la comunicación, luego se viene a vivir a México y el año pasado, lo invitamos a presentarse junto a nosotros en el Metropólitan y justamente, le tocó cantar la única rola inédita de la noche que era 'Fantasma En Casa', pero la versión de 'Resplandor' y ésta (también incluida en Híper) vendrá más adelante en un material en vivo de este mismo espectáculo".

La agrupación cuenta con unos planes a futuro a corto plazo, pero al no estar concretados en un 100%, la banda prefiere mantener sigilosamente unas colaboraciones que hasta no ver la luz, no podrían ser confirmadas. En cuanto a la vocalista, podemos esperar futuras rolas en compañía de otros artistas, Burgos sigue produciendo música desde su estudio con otras bandas y músicos, en cuanto a Bonnz, comenta que también sigue con su otra faceta de Dj y produciendo algunos beats para otros artistas con enlaces de hip hop.

"Estén pendiente de todas las fechas que tenemos de esta gira que no se termina con el Pepsi Center, sino que tenemos muchas más ciudades a las que vamos a llegar aquí en México, les invitamos a que nos sigan escuchando con todo este disco que se impregna de mucho cariño y sobre todo, sigan apoyando a la música hecha en México, pues entendemos perfectamente que la música es universal y que se debe consumir todo tipo de música pero, hoy en día se está dando una cuestión muy importante en un país como México, no dejen fuera a todos los artistas y las bandas, la promesa de ambos lados es que los artistas haremos música para ustedes, pero necesitamos que el público siga escuchando la música que se hace sobre todo en este país", es como remató en entrevista Hello Seahorse!. No te olvides de dar click para checar las próximas presentaciones.

La mezcla de cine y música, sentimientos y sensibilidad, factores que son una combinación nueva que se visibilizan en Híper, por lo que no debes perder la oportunidad de agregar estas rolitas con ambiente electrónico y con el sello del orgullo altamente mexicano.

 

Yumi Zouma y Meltt en el Foro Indie Rocks!

Dos polos mellizos que se fusionaron en un remolino de emociones intensas y llenas de ilusión.

Así comenzaba la noche del jueves 19 de octubre en el Foro Indie Rocks!, entre una multitud inquieta pero paciente por ver a su grupo favorito. La gente platicaba en esa espera; jóvenes bebían y permanecían atentos a cada situación, y fue a partir de las 20:30 H que comenzó este viaje.

A través de un recorrido musical largo y tendido, el público fue templándose en el foro para estar listo en cuanto llegara la agrupación estelar de este concierto. Bajo ese contexto, primero la banda canadiense Meltt, subió el escenario. Por supuesto, los aplausos no se hicieron esperar y entre muchos gritos de amor, el indie rock retumbó en el recinto con sus tintineantes riffs.

Meltt con 16 canciones conquistó a toda la sala; “Into the Blue”, “Do You Ever Wonder?”, “S.O.S”, “Blossoms”, “Soak My Head” y “Love Again” son solo algunas rolas que hicieron saltar de emoción al público, o al contrario, con calma entraron al corazón de las personas que cerraban los ojos para sentir profundamente el cosquilleo que producían.

Conforme pasaban las canciones, los fanáticos de Meltt se emocionaban más y aunque por un momento una de las guitarras falló, el grupo supo cómo resolverlo con serenidad, al mismo tiempo que denotaba agradecimiento por la espera y la tolerancia de las technical difficulties que en realidad, no duraron mucho.

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Sin duda Meltt tuvo un caluroso recibimiento, incluso los fans con entusiasmo aventaron regalos, entre ellos un típico Dr. Simi. Por eso, los chicos al finalizar su actuación con “Deeper Water” respondieron afablemente y se acercaron a convivir con los que estaban más cerca; entre abrazos y saludos de mano, firmaron discos, playeras y hasta brazos.

Después de unos minutos, apareció en escena la banda estrella, Yumi Zouma, e inmediatamente todo se transformó. Se volvió un ambiente muy dulce: melodías suaves que acompañaban al juego de luces en un mundo rosa, verde y amarillo, colores que predominaban y lograban la lucidez de vivir una ilusión. Además, la vocalista Christie Simpson con un atuendo flawless agregó terneza a sus expresiones del rostro y a los sutiles movimientos corporales, así como a cada canción que interpretaba.

Su voz fue guía de una travesía dreamy, y con tracks como “KPR”, “Crush (It’s Late, Just Say), “Powder Blue”, “Cool for a Second”, “Southwark”“In Camera”, los asistentes fluían libremente, hecho que motivó a corear “Christine, Christine, Christine…”, respondiendo ella que “nunca había escuchado decir su nombre tantas veces”. Asimismo, Josh Burgess y Olivia Campion participaron y con su personalidad en acción, enérgicamente motivaron a continuar el sueño.

De esta manera, dos estilos musicales hermanos se mezclaron: de la intensidad del indie rock a lo atmosférico del dream pop, el Foro Indie Rocks! fue testigo de una unión auténtica y alternativa. La potencia de Meltt con la suavidad de Yumi Zouma, produjo una colisión afectuosa y así expiró la noche. Dejando un aire de satisfacción por haber visto a dos extraordinarias bandas presentarse por primera vez en México.

Lisbon Girls estrena “¿Cómo Será?”

Una canción con versión en inglés y español.

Lisbon Girls banda de pop e indie pop, proveniente de New Orleans estrenó su doble sencillo “¿Cómo Será?”, en esta canción podemos ver como la banda continúa ahondando en un sonido que coquetea con sintetizadores R&B y románticos con mucha influencia de Los Pasteles Verdes y Los Ángeles Negros pero manteniendo un toque muy fresco, actual y pop que nos lleva por distintas fases del pop romántico, así como cada canción nos pasea por una fase diferente de las relaciones y el enamoramiento. 

“¿Cómo Será?” es una canción que le canta al deseo de estar con una persona tanto física como espiritualmente. Se trata de una rola que entre melodías románticas le canta a la añoranza de un amor que no se sabe si será para siempre. 

Con este sencillo Lisbon Girls se proyecta cada vez más como una banda sólida y con un sonido redondo haciendo de este estreno un sencillo doble en inglés y español, y viene a marcar una nueva etapa en la banda luego de su último lanzamiento con su EP Favores el 25 de noviembre del 2022, un material que cuenta con un total de cinco canciones, que se pasean entre las influencias de ritmos latinos y una suave línea hacia el chillwave con toques groove del pop.

El estreno de la rola vino acompañado de un visualizer realizado por el músico y artista visual Lucho (@quien.es.lucho) quien también forma parte de la agrupación como bajista.

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Escucha 'I Promise', el nuevo EP de Slothrust

La banda alternativa originaria de Massachusetts tiene mucho que ofrecer y seguro no dejarás de escucharlos.

Tras el reciente lanzamiento de su destacada versión de "Pony" de Ginuwine, el dúo compuesto por la compositora principal, guitarrista y esteta Leah Wellbaum y el baterista Will Gorin, ubicados como Slothrust, presenta su nuevo EP titulado I Promise, el cual ya está a la venta a través de Dangerbird Records.

Slothrust EP_2023

Además, con este lanzamiento la pareja estrena su último single llamado “Maybe Maybe”, junto a un visualizer dedicado a la reflexión de lo que significa ser humano y conectarse con uno mismo. Pues como bien describe Slothrust:

‘Maybe Maybe’ trata de sentir una conexión erótica más fuerte con la naturaleza que con otras personas. Líricamente, nace de un espacio no dualista y de un profundo deseo de estar en conexión con el cosmos y el tiempo dramático".

Asimismo y a punto de cumplirse una década desde su debut, Wellbaum y Will Gorin buscan las claves de los secretos con Slothrust, mientras hurgan en las cerraduras rockeras, haciéndolo avanzar con una inclinación expansiva y poco convencional.

En tanto I Promise, se centra en una astuta y estruendosa versión de la clásica canción del R&B freakytime de los noventa, cuestión que se puede escuchar en sus sencillos, “Pony”, "Magic Glow" y ahora en “Maybe Maybe”.

En cuanto a la instrumentación, escuchamos que la batería y el bajo están anclados a la maníacas melodías de guitarra y los instintos del pop que en conjunto brillan con guiños líricos; resultando una magia ceremonial. ¡Reproduce el EP una y otra vez!

Slothrust actualmente está de gira con The Front Bottoms, y continúan su carrera en directo con una serie de fechas anunciadas recientemente para celebrar el 10º aniversario de su LP Of Course You Do.

 

Mon Laferte estrena “No + SAD”

La chilena reivindica la ironía y la autoaceptación.

¡La espera terminó! Mon Laferte vuelve a la escena musical con su más reciente lanzamiento "No + SAD". Una melodía que anticipa su octavo álbum de estudio Autopoiética y se destaca por su estilo de ritmos vibrantes y sombríos.

A través de este single, la autora de "Tu falta de querer" se despoja de las críticas y el juicio social con ayuda del sarcasmo. Asimismo, incluye un sample de Los Ángeles Negros y utiliza la ironía y el humor pesado como herramientas creativas para explorar temas de valor propio y la liberación de las expectativas externas.

En sus propias palabras:

En general me río mucho de mí misma en todo el arte que hago".

El videoclip, dirigido por Camila Grandi y filmado en Tepito, México, convierte metafóricamente a la artista latinoamericana en un objeto de consumo. Además, la producción cuenta con la participación de Las Gardenias, un grupo de fútbol travesti y transexual que destaca la importancia de la resistencia en un mundo diverso. ¡No olvides darle play!

Mon Laferte sigue mostrando una faceta más reflexiva y atrevida. Esta nueva obra promete ser un hito en su carrera y un adelanto emocionante de su próximo álbum Autopoiética, cuyo lanzamiento está previsto para el 10 de noviembre de 2023.

 

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Holly Macve y Lana Del Rey estrenan “Suburban House”

La compositora nacida en Irlanda, Holly Macve estrena su primer sencillo colaborativo con la voz de Lana Del Rey.

La cantante y compositora Holly Macve, ha compartido este 20 de octubre su sencillo “Suburban House” una canción que surge de la gran amistad que tienen ambas artistas y que se dio a través de un DM por Instagram que le envió Macve a Lana y que dio comienzo a su historia de amistad. 

"Suburban House” es la continuación de “Beauty Queen” sencillo que lanzó la artista hace un mes atrás como primer lanzamiento de Macve en dos años y que además viene como apertura de un proyecto de mayor duración que saldrá a inicios del 2024 y que ella describe como su narración más honesta.

Ambas artistas sienten admiración mutua y para ellas fue un enorme placer poder compartir juntas esta canción que además habla sobre vivir en una casa suburbana de los años 50 a las afueras de Londres a lo que la artista comenta: 

A veces siento que mi intuición escribió esta canción para mí. Vivía temporalmente en una casa suburbana de los años 50, en las afueras del oeste de Londres. Era como una cápsula del tiempo y no había cambiado desde los años 70.

Unos meses más tarde visité a Lana mientras estaba en Los Ángeles y compartimos nuevas canciones. Le toqué esto en vivo y ese fue el comienzo para que se convirtiera en un dúo. Cuando la escuché por primera vez cantar el segundo verso fue como un sueño, su voz era tan perfecta para la canción y sonaba celestial... No hace falta decir que soy una gran admiradora suya, ella es una inspiración para mí de muchas maneras diferentes. así que cuando me envió un mensaje de texto, quedé bastante conmocionado (por decir lo menos)”.

Al describir su colaboración con Holly Macve, Lana comentó:

Desde que escuché la música de Holly supe que tenía una de las voces más hermosas del mundo. Su impecable y emocional voz me ha inspirado durante los últimos seis años y me encantan sus canciones, y estoy especialmente orgulloso de participar en ésta”.

De esta colaboración también surgió la participación como apoyo de Holly Macve en el show de BTS Hyde Park de Lana Del Rey a principios de este año.

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The Vaccines estrena “Sometimes, I Swear”

Una mezcla que profundiza en la búsqueda de pertenencia.

Finalmente, la esperada canción "Sometimes, I Swear" de la influyente banda británica de rock, The Vaccines, ya está disponible. Esta emotiva melodía se erige como un adelanto de su sexto álbum de estudio, Pick-Up Full of Pink Carnations, que prevé su lanzamiento el próximo 12 de enero de 2024 a través del sello Thirty Tigers.

El líder de la banda, Justin Young, compartió que la inspiración tomó forma durante un momento de reflexión en su residencia en Londres.

Creo que la necesidad innata del ser humano de formar parte de algo, de conectar con los demás en una comunidad o una congregación".

Este single inédito sucede al éxito de "Heartbreak Kid", que fue aclamado como un auténtico clásico del grupo. Te compartimos que el nuevo álbum, producido por Andrew Wells, captura una magistral esencia del pop con guitarras clásicas, influencias de la década de 1960 y equilibrios de euforia con matices de nostalgia.

Además, explora temas que van desde la pérdida de la inocencia hasta el sueño americano, pero siempre impregnados de gratitud por los lugares y las personas que han dejado una huella en sus corazones.

¡Atención! Las buenas noticias continúan y es que también acaban de anunciar su regreso a los Estados Unidos en una gira junto a The Kooks en la primavera de 2024, en ciudades como Atlanta, Nueva York, Chicago y Los Ángeles.

 

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“Kalimba Muere por Chemo”, lo nuevo de Los Viejos

Entre gritos de “chale, chale, chale”, esta banda sí vuela y comparte nuevo tema y su videoclip.

La banda mexicana de punk rock, Los Viejos, regresa con una nueva canción que tiene un peculiar título “Kalimba Muere por Chemo”, la cual fue grabada en Topetitud, estudio de Alex Patri y Vesubio 64 por Miguel Fraino, y forma parte de su EP Cuentos Desde La Grifa. Así, esta rola resulta ser un nuevo cuento.

En esta ocasión, Los Viejos reinterpreta un fragmento de la película de 1992 llamada Pandilleros: Olor a Muerte 2, donde uno de los personajes llamado Kalimba muere en un trágico accidente al lanzarse de una azotea por inhalar chemo que, por si no lo sabes, chemo es pegamento, un producto químico.

Sin embargo, en esta versión renovada Los Viejos al estilo muy punketo dotan de un final alternativo, pues nuestro personaje Kalimba tiene otra opción, acercarse al reino de las plantas y pasarla bien. Pero ¿por qué contarlo? si puedes ver el video.

Cabe señalar que el material fue mixeado y masterizado en Earhammer Studio por Greg Wilkinson y el arte fue elaborado por El Manchón. Además, fue animado con técnicas de Inteligencia Artificial es decir, cuadro por cuadro.

Esta canción ya la puedes escuchar a través de todas las plataformas de streaming, como Spotify.

 

Odesza en el Palacio de los Deportes

Un adiós que, con suerte, no será el último.

Odesza regresó a la CDMX tras casi cinco años de ausencia para presentar su asombro espectáculo, The Last Goodbye, en el Palacio de los Deportes, acompañados de varios actos teloneros de dance como TOKiMONSTA, The Midnight y Bob Moses.

A pesar de que el set de TOKiMONSTA contuvo todos sus éxitos, no logró prender al poco público que había llegado temprano al recinto, el cual lucía bastante vacío e incluso tenía algunas mantas negras sobre las gradas desocupadas.

The Midnight salió puntual al escenario y, aunque la audiencia seguía algo apagada, fue su saxofonista quien se robó el show para realmente regalarnos los primeros momentos de baile de la noche.

El Palacio de los Deportes finalmente empezó a llenarse previo a Bob Moses, quienes salieron algo tarde a su presentación. A pesar de que sonaban bastante bien, sus canciones no terminaron de encender a la gente.

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Justo a las 23:00 H, Odesza salió al escenario sobre dos plataformas con escalones a los costados. No habían pasado ni 15 minutos cuando empezaron a derrochar energía e increíbles visuales, además de un excelente juego de luces, fuego y hasta papelitos de colores.

El impresionante show elevó la adrenalina de todos los asistentes gracias, no solo a la potencia de la música, sino al espectáculo visual. Entre varios músicos con tambores y trompetas, luces, láseres e invitados especiales como Jack Froggatt de Mansionair, Naomi Wild e Izzy Bizu, el dúo estadounidense hizo valer cada segundo de un set que recorrió toda su carrera sin dejar de emocionar a cada espectador.

Cabe mencionar que, debido a que el concierto terminaría pasadas las 0:00 H, mucha gente salió antes del final para alcanzar transporte, algo que quizás se debió considerar al momento de planear los horarios.

Quienes disfrutamos del show completo estábamos bailando, brincando, o siendo hipnotizados por las luces, visuales y coreografías de sus tamboristas. Algunos de los momentos más excepcionales de la noche fueron "Say My Name", "Line of Sight", "Higher Ground" y el reciente sencillo, "In The Rain". No obstante, el cierre perfecto vino de la mano de "The Last Goodbye", canción que le da nombre a esta mágica gira con la que Odesza demuestra que, más que decir adiós, están consolidándose como uno de los actos en vivo más innovadores del dance a nivel mundial.

Entrevista con Acid Mothers Temple

No hay un protagonista, sólo existen pistas para alcanzar el sonido del cosmos.

Japón suele ser un país asociado con la industria del entretenimiento, desde el City Pop en los 80, pasando por el anime, manga; entre demás productos que definen una serie de arquetipos. Estos elementos son consumidos por un público que siempre está buscando algo nuevo.

Ante una nación con una industria cultural tan masiva, Acid Mothers Temple planteó su postura en una plática exclusiva con Indie Rocks!. 

La llamada industria musical de Japón ni siquiera sabe que existimos, por eso nunca hemos actuado en ningún festival en Japón, y apenas nos han mencionado en revistas, radio, televisión u otros medios en los últimos 28 años.”

Siendo así, ¿Qué ocurre al tomar distancia de esta industria musical? Frente a lo establecido, ellos escogen seguir el cosmos, sin tomarse las cosas a pecho. Kawabata Makoto (integrante y miembro fundador de A.M.T.) menciona. (Somos) “Música estúpida para gente estúpida. ¡Lo estúpido no siempre significa algo malo!”. Desde la separación radical del ego es como las cosas empiezan a cambiar. 

Siguiendo la ruta sónica cósmica ellos se han dado cuenta que es un camino solitario. Al indagar en cómo han sido los cambios frente al transcurrir del tiempo respondieron. “Realmente no lo sabemos, porque siempre nos hemos distanciado de lo que llamamos la ‘escena’ ya sea en Japón u occidente”. 

Al mirar los años que lleva en este camino Makoto reafirma. “Solo por si mismo,como será. En otras palabras, guiados por el sonido que llega del cosmos.”

Acid Mothers Temple regresó a la CDMX al Foro Indie Rocks! presentando Paralyzed Genius Brain junto con un nuevo integrante en su constante cambio de miembros, Shozo Sawano, en su primera gira por Norteamérica. 

Cuando se habló sobre las expectativas del re estreno Makoto fue al grano. “¿Qué puedes esperar? Lo sabrás cuando lo escuches”. 

Acid Mothers Temple recorre el camino cósmico en su gira tocando piezas que terminan por llevarlos a caminos inesperados.

Para mí, la música no es algo que yo ‘creo’ (...) Yo recibo sonidos del ‘cosmos’ y los reproduzco para que otros puedan escucharlo. Por lo tanto no es una expresión propia. Al contrario, al añadir mi propia personalidad, la ‘pureza’ de la música se pierde, así que el tema es ‘Cómo no expresar mi ser’. La palabra clave cuando tocas música es ‘altruismo’”, dijo Kawabata Makoto.

Este trip musical no tiene un protagonista humano. Estar en un concierto de esta banda solo conlleva a una decisión, dejar atrás el ser para que la música manifieste al cosmos mediante un intermediario, El miembro fundador reconoce esto. “La música me enseña que debería tocar”. Makoto puede ver que esto tiene un límite pero frente al fin él solo tiene una conclusión. “Quiero hacer tanto como pueda, mientras me sea posible.”