Tricky anuncia nuevo proyecto

Posted on octubre 19, 2015 by -

Tricky también presenta a su nuevo descubrimiento: una artista llamada Ivy.

Tricky siempre será uno de los productores más ingeniosos e impredecibles del Reino Unido. Después de un año de ausencia —su décimo LP, Adrian Thaws, salió al mercado en septiembre de 2014—, regresa con un proyecto llamado Skilled Mechanics.

Incitando al público a interesarse en él, Tricky presentó a una artista llamada Ivy, originaria de China.

"Estuve en Beijing en un show y conocí al manager de Ivy. ¡Ella es súper diferente! Lo curioso es que había tenido la canción por mucho tiempo, pero hasta ahora me doy cuenta de que no está rapeando en chino. No tengo la menor idea de qué idioma sea, ni la menor idea. Podría hasta ser inventado o algo por el estilo. Lo que sí me consta es que es increíble. Soy afortunado que, con mi sello False Idols, no deba preocuparme por cosas como esta. Nunca voy a tener a un ejecutivo de A&R diciéndome: 'No entendemos nada de lo que esta chica esta rapeando', por el simple hecho de que no necesitamos el apoyo de una radio comercial. Fui muy afortunado en conocerla y definitivamente será parte del próximo álbum de Skilled Mechanics", dijo Tricky.

Skilled Mechanics

El resultado de la colaboración entre Tricky e Ivy se llama "Beijing to Berlin", lanzado en formato digital y versión limitada de 7".

Como mencionamos, aún falta mucho por anunciar, pero vale la pena checar este video, que presenta a Ivy recorriendo las calles, mientras ella rapea en lo que Tricky describe como "su idioma".

Grimes da detalles de su nuevo disco

Posted on octubre 19, 2015 by -

Por fin la espera terminó. Grimes está lista para lanzar su nuevo disco titulado Art Angels.

Desde hace mucho tiempo esperábamos la salida del nuevo disco de Grimes, mismo que tuvo que ser desechado luego de que Claire Boucher —mejor conocida como Grimes— estuviera en desacuerdo con su disquera, ya que consideraba el disco muy comercial.

Tal parece ser que luego de unos ajustes, el sucesor de Visions (2012) será lanzado muy pronto. El título que llevará por nombre este nuevo material será Art Angels y se espera que podamos escuchar nueva música de la cantante la próxima semana.

Por lo pronto, Grimes ha compartido a través de sus redes sociales la portada de su tercera producción discográfica, en la cual podemos ver una especie de ser extraterrestre con tres grandes ojos,  orejas alargadas y puntiagudas, además de un corte bastante peculiar en el que resalta una cola de caballo.

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La obra artística corrió a cargo de la propia Claire. Además, dijo que el primer video de su nueva producción saldrá la próxima semana, aunque no precisó la fecha exacta. También confirmó algunas fechas de su próxima gira por Europa, programada para marzo de 2016.

Recordemos que lo último que pudimos escuchar de la cantante canadiense fue "Go", un sencillo del 2014, que originalmente fue una canción escrita para Rihanna. Para este nuevo disco, Grimes aseguró que incluirá sus influencias noventeras de rock, punk y algo de nu-metal; también explicó que tuvo que aprender a tocar la guitarra, el ukulele, el violín, la batería y el teclado, para poder hacerse cargo de todos los sonidos que quería incluir.

Solo es cuestión de días para disfrutar nuevamente del talento y la belleza de la cantautora oriunda de Vancouver, quien promete apoderarse de nuestros oídos con el sonido synth pop que la caracteriza.

Entrevista con Zoé

Posted on octubre 19, 2015 by -

"Solo puedes cambiarte a ti. Si no te cambias a ti, es medio inútil tratar de cambiar a los demás."

Zoé ha demostrado ser una de las bandas con más talento y visión dentro del rock mexicano. Con casi dos décadas de carrera, en este momento es la agrupación que más euforia, pasión y gritos provoca en cada una de sus cada vez más épicas y multitudinarias presentaciones. Después de cerrar el año pasado con su gira Programatón en el Foro Sol, con un lleno rotundo, del cual próximamente se desprenderá el CD/DVD 81114., Zoé estará pisando el Auditorio Nacional los próximos 2, 3, 9 y 10 de diciembre, para cerrar un ciclo que dará pie a buscar los sonidos y experiencias que abrirán paso a lo que será su sexto disco.

Platicamos con Rodrigo Guardiola y Jesús Báez acerca de lo que es actualmente ver a Zoé en vivo en un escenario tan grande como el Auditorio Nacional, además de cómo, siendo una banda tan importante, no dejan de buscar crecer y nunca se conforman con las glorias que ya han logrado hasta ahora; esa es la clave de su éxito.

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“El Foro Sol fue el cierre oficial de la gira Programatón. Cuando salió la idea del Auditorio, lo que más bien nos inspiró fue ya no apegarnos tanto a Programatón, sino variar otra vez un poco el setlist y agregar unos temas que no estuvieron en la gira anterior, además de adaptar también un poco el escenario. El diseño que se hizo para el concierto en el Foro Sol era muy grande, ni siquiera en la gira lo tuvimos tal cual. Fue hecho especialmente para el Foro, y ahora teniendo estas tres fechas, que en realidad serán cuatro en el Auditorio, le vamos a dar un twist, una versión dos. Está muy divertido tocar en casa cuatro fechas y poder readaptar algunas versiones que nos gustaron de la gira anterior. Muchas se quedarán igual, otras variarán, pero seguro vamos a incorporar unas más. Le debemos un montón a la gente que comenzó con Zoé, trataremos de darles arreglos nuevos a canciones antiguas como “Deja Te Conecto” o “Miel”, comentó Guardiola.

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Cuando hablamos acerca de cómo la banda agota la taquilla de cualquier recinto, nos comentaron que la idea de tocar algún día en el Zócalo capitalino ha estado presente siempre, solo están buscando un pretexto que sea el ideal para que esto sea algo especial. Contrario a esto, años atrás, Zoé comenzó como cualquier banda que buscaba espacios y oportunidades para tocar, tal y como lo fue una de sus míticas presentaciones en el Tianguis del Chopo en 2002. “Esas épocas yo las recuerdo con mucho cariño. Sí estábamos muy chavos y fueron tiempos difíciles, muy duros económicamente, pero ahora que los veo en retrospectiva, yo no cambiaría ni un segundo de lo que hemos vivido, eso fue lo que nos trajo hasta aquí”, dijo Jesús.

Próximamente, Zoé emprenderá una gira por la República Mexicana y parte de California al lado de Café Tacvba, misma que no tocará en CDMX debido a la agenda de cada banda, pero después de esto y sus presentaciones en el Auditorio Nacional, vendrá un año de descanso de conciertos en la capital, para dar paso al proceso de composición de su sexto material que podría salir en 2017. En lo que esto sucede, León Larregui aprovechará para lanzar su segundo disco como solista, además de que Jesús hará lo propio con un EP. “Yo planeo sacar un EP solo mío, además de desarrollar mi carrera como pintor", expresó.

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El fin de año para la agrupación será bastante productivo, ya que estarán tocando en noviembre en Day Of The Dead Festival 2015, festival que se llevará a cabo en noviembre en Londres, Inglaterra, donde compartirán cartel con Savages y The Horrors, además de estar con otras propuestas mexicanas como Sotomayor y Erick Rincón.

Aunque Zoé ya ha tocado en festivales como Coachella, Lollapalooza o Austin City Limits, la banda sigue aspirando a presentarse en festivales europeos. “Se puede, lo hemos intentado. A veces no se ha podido por calendarios. Si le echamos ganas y los agentes de allá comienzan a ver que Zoé funciona en algunos festivales internacionales igual y sí nos invitan. Alguna vez tocamos en Estocolmo en un festival latino, obviamente nos encantaría tocar en más países en Europa. España nos ha costado un trabajo de siete años para hacer carrera allá. Ha sido como volver al Zoé de aquí en 2001, son shows muy pequeños. Lo gozamos mucho, es muy divertido, es un gran país para estar de gira y es muy divertido volver a esa faceta de la banda de picar piedra. Se vuelve otra vez como una gran familia al estar buscando una oportunidad", platicó Rodrigo.

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Entrados en confianza, Rodrigo y Jesús nos compartieron algunos de sus conciertos favoritos vividos en México; algunos de ellos fueron Air en el Auditorio Nacional, Massive Attack en el Teatro Metropólitan, y The Cure y Soda Stereo en el Palacio de los Deportes. También les preguntamos qué se sentía que la gente que los va a ver, se inspire a través de sus presentaciones en vivo. “Una de las cosas más bonitas de esta banda, es que las primeras personas que comenzaron a seguir a Zoé ahí siguen, y se van sumando y sumando generaciones. Ahora al papá que le gustaba Zoé va con su hijo. Ahí la gente se conoce, se hacen novios, se casan, tienen un hijo, le ponen Zoé, el hijo crece, y ahora ese hijo va con su playera de Zoé solo a los conciertos”, platicó entre risas Jesús.

“Realmente hay una responsabilidad mientras te vas haciendo más popular. No puedes andar por ahí nada más pendejeando, tienes que dar un buen ejemplo, así es como yo pienso, y claro que hay una responsabilidad ante la gente”, dijo Jesús. “La gente se identifica con la manera de escribir de León. Es muy bonito tener un contraste de algo medio dark pop, pero con letras que tienen mucha libertad, sensibilidad, y que son muy realistas. Si por ahí hay algo pesimista, es buscando el cambio. Tú no puedes cambiar al mundo, solo puedes cambiarte a ti. Si no te cambias a ti, es medio inútil tratar de cambiar a los demás. Si todo el mundo va cambiando y va siendo la mejor persona que puede, dentro de tus reglas o parámetros, solito se encarrila todo", comentó Rodrigo.

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Al principio, la carrera musical fue muy complicada para Zoé, tanto que los llevó a plantearse la separación en algún momento, pero todo cambió con el sencillo “Dead” en 2005. Ahora, la banda está en un gran momento, haciendo lo que en sus propias palabras se podría definir como el éxito en la vida. “Como dice Rodrigo, si estás contento, eres exitoso. El éxito debe tratarse de la mejor experiencia de vida que te puedas dar, si no, ¿qué chiste? El éxito está en la felicidad de uno, en tu realización como persona, y afortunadamente tuvimos suerte y hemos llegado a un buen lugar", concluyó Jesús.

Hot Chip estrena video "Dancing in the Dark"

Posted on octubre 19, 2015 by -

Hot Chip también revela el remix que le hizo a la canción de New Order,  "Tutti Frutti", con la participación de La Roux.

Hot Chip ha estado haciendo un cover al clásico de Bruce Springsteen "Dancing in the Dark" en sus presentaciones en vivo. El éxito del cover los llevó a incluir la canción en su edición deluxe de su último disco, Why Make Sense?, mismo que será estrenado este sábado 24 de octubre.

Acompañando la promoción de su lanzamiento deluxe, la banda estrenó el video del cover. Dirigido por Keiran Evans, incluye una presentación en vivo en el Webster Hall de Nueva York. El cantante de la banda Talking Heads, David Byrne, hace un cameo en el video, que pareciera ser una recopilación de clips de televisión de los 80.

Al final del video, la canción se transforma en "All My Friends" de LCD Soundsystem, misma que Hot Chip revivió en su show del Webster Hall.

La banda también compartió un remix que le hizo a un track de New Order llamado "Tutti Frutti". La canción forma parte del décimo disco en su carrera, Music Complete, y comparte créditos con Elly Jackson, mejor conocida como La Roux.

Su remix añade una sensación techno a lo que los críticos llamaron "redención de la naturaleza clásica de New Order".

El lanzamiento de la versión deluxe de Why Make Sense? también incluirá el remix de Soulwax a "Huarache Lights", “Cry For You (RAK Version)” y “Huarache Lights (A/Jus/Ted Remix)”.

Deafheaven – New Bermuda

Posted on octubre 19, 2015 by -

Camino al cielo nos volveremos sordos con Deafheaven.

Deafheaven ha levantado ámpula y debate desde la ascensión de su fama gracias al disco Sunbather, ha sorprendido a propios y extraños, ha puesto a analizar a los expertos y aficionados de los medios al respecto de su inclusión en un género en específico, muy metal para la generación Buzzfeed, muy hipster para los educados del heavy metal, no puede ser black metal para los puristas porque no incluye maquillaje ni connotaciones anticristianas, pero puede ser posmetal por sus pasajes instrumentales, mas no posrock… este y tantos debates al respecto de la música de estas cinco almas perdidas que se encuentran gracias a sus influencias —desde Morrissey hasta Emperor sus playeras— y supuran materia oscura de sus entrañas.

“Brought to the Water” como primera muestra para entender la esencia de New Bermuda y su combinación de siniestros riffs, arpegios calmantes y esa voz aciaga y rasposa, inaudible y maldita, irreconocible y tétrica. “Luna” y el frenético movimiento de las muñecas para manipular con palm muting las seis cuerdas que de un conjunto parten a un solitario rasgueo en una sola cuerda, de Mutilation Rites a Explosions in the Sky, en la tónica odiosa que transmuta a gloria es donde radica la importancia de apreciar la obra de la banda.

“Baby Blue” y su arpegio inicial que de nuevo evoca a bandas como God is an Astronaut o Pelican, guitarras que se enredan en el tronco de un solitario árbol que eventualmente será golpeado por un relámpago, de nuevo la voz desencarnada para interrumpir la calma que lleva a un solo y va apenas la mitad de la canción. Piezas más largas que un sencillo para la radio promedio, los clichés de lo instrumental complementados con sampleos de diálogos.

“Come Back” nos transporta de la apacible vista de una playa al infierno helado de un bosque en pleno Noruega, aquellos álgidos y grises territorios donde el black metal encontró su inspiración. Este fuego no incendia iglesias pero sí nuestras mentes aun sin conocer sobre el legado musical y sangriento de Burzum o el episodio de suicidio en la historia de Mayhem. “Gifts from the Earth” inyecta dinamismo a este material que tal vez no haga tanto eco como su antecesor, pero que coloca a Deafheaven como una de las propuestas musicales más interesantes, variadas y energéticas de los últimos años.

Festival Waco 2015

Posted on octubre 19, 2015 by -

Waco, el festival más guapo.

Mientras la mayoría de las miradas y la emoción giraban alrededor de Guadalajara y su Festival Coordenada, nosotros nos embarcamos en un viaje de 12 horas por carretera, para ser acariciados y arropados por el rico calor de Torreón y su guapo Festival Waco.

Waco es un festival pequeño, pero que enamora con su propuesta sencilla. Es como estar en una fiesta en donde no conoces a nadie y estás a muchos kilómetros de distancia, pero que entre la música, los tragos, el baile y la belleza femenina de Torreón, hace que termines sintiéndote más a gusto que en casa.

Después de un largo viaje, un desayuno de campeones y un pequeño descanso para cargar las baterías del cuerpo, por fin llegamos a La Bombonera, una pequeña cancha de fútbol rápido acondicionada con un escenario principal, foodtrucks, carpas para taparte del sol y puestos de mercancía de colores, de esa que los muchachos hipsters tanto anhelan.

La música comenzó con el surf de Los Mecánicos, un trío de adolescentes que a pesar de no haber mucha gente durante su set, trataron de no reflejar el nervio que se les veía en los ojos por tocar en un festival.

El primer momento grande se dio con el pequeño y enamoradizo Dromedarios Mágicos. "Valen mil, yo soy Dromedarios Mágicos, de Chihuahua, Chihuahua. Esto se va llenando cada vez más, como mi corazón de lágrimas", dijo el músico. Dedicando canciones a las morritas y hasta invitándolas a darse una vuelta por la habitación de su hotel, el pequeño Dromedarios estrenó canciones de lo que será su disco debut, además de regalarnos joyas como "Mildred" y "Pistache". Simplemente Dromedarios Mágicos es amor.

Los siempre vagos de O Tortuga dieron su primer concierto en Torreón, el cual resultó divertido. Con su garage surfero de banqueta, los acordes de "Mi Amor es el Mar", "Palma Linda", "Ferrari" y "Ovni", hicieron que los chilangos pusieran a mover los huesos y caderas de la gente que ya tenía ganas de agarrar la fiesta.

Aunque el clima de Torreón se portó buena onda y no nos derritió la cara con su calor —como temíamos—, los hermanos Sotomayor fueron quienes subieron la temperatura de manera Salvaje: "Grita Torreón, no pares". El atardecer ya nos coqueteaba y no hubo manera para no dejarse querer por los ritmos tropicales y sensuales de "Pum Pum", "Morenita" y "Cielo".

"Alce las manos quien aún colecciona discos", con este grito de guerra e invitados de lujo como Serko Fu y gente de Los Caballeros del Plan G, Lng/SHT nos dio una cátedra de rimas y nos sacudió el cerebro con sus verso llenos de verdades con rolas como "El Club de los 27", "Muchacha" y "El punk rock arruinó mi vida".

Antes de que llegara el acto más esperado del festival, Sunsplash dio un set lleno de loops y secuencias tropicales que recordaron a "Alegranza" de El Guincho; un pequeño bocado electrónico que dio paso al fenómeno enamorador de señoritas, Caloncho.

La Calonchomanía se adueñó de Torreón, y vaya que se hizo sentir con los gritos, piropos, miradas de amor y cientos de propuestas indecorosas que la horda de mujeres lanzaba hacia el tapatío. Caloncho derrochó alegría y amor frutal, dedicando "Bésame Morenita" a sus enamoradas, aventando bananas al público, bailando despacito y haciendo que el bonito momento llegara cuando todas las parejitas de enamorados se quisieran romper el hocico a chupetazos.

El sonido pecador tomó posesión de Waco con la cumbia electrónica de El Sonido Satanás, quienes convirtieron la cancha de fútbol en una pista de baile sonidero digna de la colonia Guerrero. En Torreón se baila y se raspa el tacón salvajenemte, ¡sí, señor! La noche llegó a su clímax cuando soltaron un mash up de "Lean On" de Major Lazer, mezclada con "Bidi Bidi Bam Bam" de Selena. Hermoso y épico momento.

Perdidos entre la fiesta como zombis y con varias cervezas en la sangre —que por cierto cuestan la mitad de lo que sale una chela en un concierto en CDMX—, la noche nos fue comiendo de la mano de André VII, La Royale, y Sau Poler, quienes al ritmo de techno duro que trababa las mandíbulas, dieron paso al fin del Festival Waco.

Nos la pasamos tan bien en Waco, que ni las piernas entumidas por las 12 horas de regreso a nuestros hogares nos borrarán la sonrisa de la cara. Total, lo bebidos, apapachados y bailados, ya nadie nos lo quita.

Nacho Vegas en el Teatro Metropólitan

Posted on octubre 17, 2015 by -

Nacho Vegas, cuando la depresión se vuelve pasión.

“Hablo solo, bebo té”, fueron los primeros versos que cantó Nacho Vegas, un asturiano melancólico que bien puede pasar sus tardes hablando consigo mismo, con una taza té, sin otra compañía que sus pensamientos suicidas.

Locación: Teatro Metropólitan (lleno), noche calurosa, quizá demasiado para ser de otoño, aunque puede que se deba a que al recinto no le cabe ni un alma. En el escenario, una tal Vanessa Zamora intenta conquistar al mundo con sus canciones. No lo logra. Sus melodías son aplaudidas, pero no festejadas. Si hubiera calificaciones al estilo escolar, se le pondría 8 por esfuerzo; al menos lo intentó. Otra noche será su noche. Por el momento, Nacho será el que se encargue de conquistar los corazones vagabundos de los mexicanos presentes.

Los acordes de “Dry martini S.A.” empezaron a sonar; una bomba, eso fue lo que significó empezar con un éxito tan grande, asegurándose, desde el inicio, que las miradas, los oídos y los corazones fueran hacia él.

“Adolfo Suicide” y “Me he perdido” fueron las siguientes en sonar. El público, entregado como siempre, cantó y se desgarró el alma ante cada verso que salía de la boca del español, quien permanecía prácticamente inmóvil, como si de un maniquí se tratara; un maniquí con alma de tristeza y un corazón algo oscuro.

Las canciones de Nacho son largas, lo que provoca que cada una sea disfrutada al doscientos por ciento, pero también logra que el tiempo transcurra más rápido; cada melodía que sonaba era rápidamente devorada. “Perplejidad”, “Ciudad Vampira”, “Polvorado” y “Run Run” fueron pasando una a una casi sin pausa; a lo mejor hubo algunas palabras de Nacho —que a la distancia se hacían indescifrables—, fuera de eso todo fluyó con normalidad aunque esa no sea la palabra más adecuada para describir un concierto de Vegas.

“Taberneros” y “Actores poco memorables” fueron muy celebradas, lo cual resulta irónico si te percatas de que sus letras son oscuras, llenas de coraje por el amor que se fue, por la vida que le tocó o por sus complejos: “Es medio maricón y se meaba en la cama hasta los diez”, así se describe Nacho.

Las canciones siguieron pasando. “Gang Bang”, “Nuevos olanes”, “La vida manca” y “Perdimos el control” sonaron, logrando que, sin que nadie lo presintiera, el show empezara a llegar a su fin.

Fue “La gran broma final” la que cerró la primera parte del concierto, que más que concierto a estas alturas ya parecía más un ritual suicida por la naturaleza de la música del español.

Después de una breve pausa, regresó al escenario a interpretar “Luz de agosto e Gijón”, “Vinu, cantares y amor” y “Mercado de Sonora”, con la que, por segunda ocasión, dejó el entablado para hacer otra breve pausa.

Volvió a tomarse unos minutos, regresó e interpretó la canción más esperada; su gran éxito que lo llevó a la fama: “El hombre que casi conoció a Michi Panero”. Así, con un fuerte clímax, justo como empezó terminó. Sin tener que decir palabras, el telón se cerró. Fin.

El Columpio Asesino en El Plaza Condesa

Posted on octubre 17, 2015 by -

El Columpio Asesino y una última noche antes del exilio.

Nubes grises, conato de lluvia que terminó en nada. En la entrada del Plaza Condesa, los revendedores preguntan si te sobran o te faltan boletos para "el triciclo asesino".

Ardió “Babel”, como primera picadura de alacrán en nuestros talones. Por eso comenzamos a mover los pies, envenenados. Con “La lombriz de tu cuello” meneamos la cabeza y cerramos los ojos. “Susúrrame” hizo que nos fueramos a otro lado, pero no había otro lugar donde pudieramos escuchar cómo rechinaba El Columpio Asesino.

“Escalofrío” fue para seguir con esa tónica de martillo roto en nuestra sien; el retumbar de las guitarras, los ecos difusos en las voces, las frases profundas y punzantes que repetimos por inercia. No pudimos detenernos ante el frenético espíritu hasta que nos vimos “A la espalda del mar”, para tener un poco de calma y apreciar cada elemento sonoro. Con “Entre Cactus y Azulejos” seguimos en movimiento y, finalmente, llegamos a la conclusión del recorrido del más reciente disco con “Ballenas muertas en San Sebastián”. Oímos las voces de Albaro y Cristina, que parecen pelear pero luego se abrazan para conmovernos; el bajo, que nos convoca a seguir su ritmo; el incesante golpeteo de la batería; los sintetizadores que complementan el frenético andar.

Siguió “Edad legal” y el eco de una trompeta que emana por sorpresa entre tantos sonidos conmovedores. Los “Diamantes” son para siempre, no como una noche como esta, que nos depara un final entre el ruido, la influencia shoegaze y las letras que dicen demasiado. “Perlas” fue como un tributo de la banda al público, que no dejó de cantar, beber y moverse; no era un baile como tal, solo el movimiento que provoca esa acelerada y única cadencia, carretera y speed. Y cuando pensamos que al fin tomamos al “Toro” por los cuernos, nos embiste. “Gracias por todo”, dice Cristina ante la salida en falso.

La banda volvió al escenario para descarnarse por completo con “Corazón anguloso” y recordar viejos tiempos con “Un arpón de grillos”. En “La marca en nuestra frente es la de Caín” sentimos el golpe de Abel en nuestras cabezas; los oídos que zumban. “Floto” nos llevó a la eternidad, porque dicen que no volveremos a mecernos en este columpio por mucho tiempo.

Siguió “Punk” y frenesí, así como la emoción de una magnífica actuación antes del futuro incierto. Ellos se despidieron con todo nuestro cariño y cantos a cuestas.  Nosotros partimos sin saber si los volveremos a ver pronto; lo que nos quedó de recuerdo no será suficiente.

Mon Laferte en el Lunario

Posted on octubre 17, 2015 by -

Una noche de curación del alma, patrocinada por Mon Laferte.

No están para saberlo ni yo para contarlo, pero hace poco menos de tres meses, me enfermé de la fiebre chilena llamada Mon Laferte. Así andaba por la vida, escuchando sobre esa pandemia que llegaba latente a México; sin embargo, me sentía inmune e indiferente. Pero un día... sin más ni más, el virus cayó en mi cuerpo como un balde de agua fría.

Ayer la enfermedad llegó a su punto máximo, cuando en el Lunario del Auditorio Nacional, cientos de personas nos reunimos para que Mon Laferte, de nombre real Monserrat Bustamante, nos vacunara con su propio antídoto musical. El tratamiento no fue directo, pues antes de sacar el veneno que corría por nuestra sangre, El Viaje de Seth nos preparó para entrar enteros al quirófano del Lunario.

Después de media hora de introducción por parte de (el también chileno) Sebastián, finalmente llegó el turno de darle la cara a la causante de nuestro padecimiento. Y digo padecimiento porque la música de Mon es eso, una antítesis emocional con letras que se sienten, que se viven, que nos hacen sufrir, pero que a la vez disfrutamos.

Ruben Darío dijo: "Cuando quiero llorar no lloro, y a veces, lloro sin querer". Anoche esa cita se volvió real y muchos quisimos llorar y no lloramos, pero otros lloraron sin querer. "Amor Completo" daba los honores y empezaba el set. Los asistentes no solo iban porque querían curarse y sacar el dolor del pecho, Mon Laferte, razón principal de que estuviéramos ahí, se encontraba celebrando. Después de trabajar arduamente, logró sacar su disco Mon Laferte (Vol. 1), y eligió el día de ayer para presentarlo formalmente ante cientos de adoloridos corazones.

En un vestido negro estilo pin-up y dejando ver sus tatuajes, Mon comenzó la operación para sanar nuestras heridas, acompañada de un equipo formado por su increíble banda engalanada con trajes rojos y una actitud que reanimaría a cualquiera. Su presencia nos curó la vista y su música reparó el alma.

Tema tras tema, los enfermos íbamos recuperando parte de nuestra salud mental, cuando de la boca de Laferte salían temas como "Salvador", "El Cristal", "Malagradecido", "La noche del día que llovió en verano" y "La Visita", en ese estricto orden. Estábamos a mitad de proceso y Mon invitó a El viaje de Seth para ayudarla a repararnos. También Rene Mooi hizo lo suyo y en un acto de hermandad cantó "Tornasol" con nuestra protagonista.

Estos actos nos regresaban las esperanzas y de un momento a otro, ya habíamos olvidado nuestro pesar. Rosas volaban al escenario para agradecer a Mon su entrega al sacarnos el veneno con sus melodías. "El Diablo", "Tormento", "Un alma en pena" (solo ella y su guitarra), y "Si tú me (pinches) quisieras" marcaban el final del procedimiento.

Ya enfundada en un sensual vestido rojo, Mon se entregaba con todo a nosotros, y nosotros le respondíamos de igual manera. Puedo asegurarles que no estaba en primera fila al recibir la dosis final, pero desde cualquier ángulo, la magnífica aura de la chilena, resplandecía enormemente.

Parecía que todo había terminado cuando ella y la banda se retiraron, pero el público pedía más, y para complacerlo, Mon regresó para despedirse con un tema que no podía faltar: "Tu falta de querer". Así que queda comprobado: Mon te rompe y te vuelve a armar. ¡Enhorabuena por el gran éxito!

Lee aquí la entrevista que tuvimos con Mon Laferte.

Love La Femme estrena el video "Hoy Me Desperté"

Posted on octubre 17, 2015 by -

Adéntrate en el nuevo y onírico video de Love La Femme, "Hoy Me Desperté".

"Hoy me desperté soñando, y me diste una desilusión...", esas son las primeras palabras de un poema escrito con el corazón; de un corazón roto, triste, desilusionado por la partida de aquella persona que nos hizo feliz, que creíamos que siempre estaría a nuestro lado, pero que jamás regresará. De eso y más habla la nueva canción del dúo mexicano mejor conocido como Love La Femme.

"Hoy Me Desperté" es un tema folk lleno de nostalgia, recuerdos y sentimientos. Asimismo, es el segundo sencillo que se desprende de su EP debut homónimo, el cual se materializó gracias a las personas que apostaron por el proyecto a través de ARCA y Fondeadora, de manera que este videoclip es el resultado de un trabajo colectivo entre el público y el equipo de Cactus Film.

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Para la realización del video se contó con la participación del músico León Larregui, quien se encargó de dirigir, editar y grabar los visuales que dan vida a "Hoy Me Desperté", logrando crear un magnífico trabajo de animación, ya que en él podemos disfrutar de un bello collage de imágenes un tanto retro que nos llevan a dar un viaje por ambientes oscuros cercanos a la psicodelia.

Love La Femme es una banda mexicana integrada por Marión Sosa (voz) y Pablo Valero (guitarra y arreglos). El proyecto surge en la CDMX en 2009 cuando ambos coinciden en Sánchez Dub, una banda en la que fungían como corista y guitarrista respectivamente. Durante ese lapso, Marión comparte sus primeras maquetas con Pablo y la magia hace el resto: ambos deciden unir sus talentos y trabajar en dicho proyecto.

Tanto Marión Sosa como Pablo Valero cuentan con una trayectoria musical y artística que los respalda. Pablo es el guitarrista fundador de la emblemática banda de rock mexicano Santa Sabina; también es productor y compositor de música para cine. Marión es artista visual.

Después de tres años de gestación, lanzan formalmente su EP debut conformado por cinco temas, de los cuales se desprende el que te dejamos a continuación:"Hoy Me Desperté".