Corona Sunsets en Playa del Carmen

Corona Sunsets: la fiesta que no te puedes perder este verano.

Dos días antes de Corona Sunsets, celebridades, influencers y medios fuimos convocados a vivir una experiencia fuera de lo común. Un avión privado aguardaba nuestra llegada. Iba a dormirme cuando de la nada, ¡pum!, la iluminación se volvió tornasol y la canción de "Doctor Preasure"elegida por Dj Paper, levantó a todos de sus asientos, como si tuvieran un botón al que solo le faltaba activarse para bailar. Cuando empecé a preocuparme por la estabilidad del avión, el set desapareció como si se tratara de un truco de Copperfield.

Llegamos literalmente a un paraíso. De inmediato, probamos el ceviche de pescado más memorable del viaje. Casi pedimos que le compusieran un himno. Tras instalarnos, tuvimos la oportunidad de platicar con Caloncho, quien cálidamente nos contó sobre su gira Mon La Fruta y lo mucho que le gustaban los nuevos discos de Elsa y El Mar, Rodrigo Morante y la música latina. Después de eso nos regaló un show totalmente íntimo, en el que incluso jammeó con los invitados.

 

Al siguiente día, nos enlistamos en las diferentes actividades que ofrecía Casa Corona: paddle board, snorkel, yoga, clases de mixología y papalote. Ya peinaditos y arregladitos, nos llevaron a un escenario secreto en la que nos esperaban las mezclas insanas de Loui Fresco, del que por cierto todas estaban enamoradas, y cuando la fiesta parecía llegar a su clímax, Poolside hizo lo que quiso de nuestros cuerpos. Debo decir que esperaba algo más fresa de este último dúo, pero me sorprendieron con su selección indie que hizo temblar el hueso que no sabías que tenías.

Al otro día nos llevaron a la gran celebración de Corona Sunsets en Playa del Carmen. Una espectacular producción vistió el Griffin Stage y el Crown Stage, donde pudimos escuchar propuestas musicales como Duke Dumont, Bakermat, Sam Feldt y José Padilla, responsable de popularizar la música chill-out, así como talentos nacionales entre los que figuraron Disco Ruido!, los nuevos favoritos del rock electrónico en la escena mexicana.

Los más de 6,000 asistentes pudieron disfrutar de un mercadito de diseño con artistas locales, ofertas culinarias y productos especiales que enriquecieron la experiencia y nos hicieron sentir parte de la tribu. La edición especial de Cerveza Corona, contenida en un envase de aluminio, llevó la degustación fría a otro nivel y gozó de gran popularidad en las barras que se montaron en Playa Mamita's, convirtiéndose en el protagonista de coctéles como el Coronita Sunsets, hecho a base de maracuyá.

El domingo nos despedimos de Corona Sunsets. Sin embargo, la celebración aún no termina, ya que se tienen 3 fechas más que harán temblar de diversión las playas de Acapulco, Puerto Vallarta y Puerto Progreso. Si desean vivir la experiencia, consulten la página oficial de Corona Sunsets y corran, porque esta edición fue un total sold out a solo dos semanas de efectuarse.

The Claypool Lennon Delirium comparten un lyric video

Checa el lyric video para la canción “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)” de The Claypool Lennon Delirium.

El extraordinario proyecto entre Sean Lennon y Les Claypool, llamado The Claypool Lennon Delirium hoy dio a conocer un lyric video para el primer sencillo “Cricket & The Genie (Movement I, The Delirium)”, canción estrenada hace algunos meses que formará parte del álbum titulado "The Monolith of Phobos".

El visual compartido tiene un estética colorida y psicodélica, así es como también se ha descrito que será el diseño físico del vinil y CD que estará a la venta a partir del tres de junio de este 2016 por medio de ATO Records.

Claypool Lennon _ Monolith Phobos

Para este experimento musical, el legendario bajista de Primus afirmó: “Sean es un mutante musical después de mi propio corazón. Realmente refleja sus genes, no sólo por la sensibilidad de su padre, también por la perspectiva única y abstracta de su madre”.

Escuchemos este sencillo que realmente une el talento, rareza y genialidad de ambos:

También realizando esta nota, encontramos que ya está a la escucha el audio oficial del sencillo titulado "Bubbles Burst" que formará parte de esta nueva producción:

Animal Collective lanza serie de álbumes en vivo

Animal Collective pone en distribución grabaciones en vivo en respuesta a una ley discriminatoria.

 

Father John Misty, Bruce Springsteen, Mumford & Sons, Pearl Jam, entre otros artistas, han cancelado presentaciones en Carolina del Norte en respuesta a la aprobación de la ley HB2, una propuesta que, además de negar que las personas transexuales puedan usar el baño del género con el que se definen, atacan los derechos de la comunidad LBGT, afectando sobre todo garantías laborales que atañen los sueldos y los despidos.

La posición de Animal Colletive, si bien resultó ser distinta, apoya de otra manera esta problemática a la que se enfrenta este estado. "Recientemente, Carolina del Norte aprobó una ley, conocida como HB2, que dicta cuáles sanitarios las personas transgénero pueden utilizar y que ataca los derechos de los ciudadanos LBGT, anulando sus derechos de demandar ante cualquier violación de sus garantías laborales. Consideramos que cancelar nuestras presentaciones, como otros han hecho en protesta por esta ley, sería una decepción para nuestros fans, así que decidimos continuar con lo planeado. Dicho esto, nosotros no apoyamos cualquier tipo de discriminación o de fanatismo", declaró la banda en un comunicado.

Después de definir su postura, Animal Colletive anunció que han estado grabando y mezclando algunas de sus presentaciones en vivo. Para levantar consciencia en torno a la lucha por la igualdad, la banda declaró haber escogido dos de sus recitales favoritos para ofrecerlo a la venta a través de su Bandcamp bajo un modelo "paga lo que quieras", similar al utilizado por Radiohead para In Rainbows. El dinero de las compras será destinado a Progress NC,  fundación sin fines de lucro que busca el progreso social y económico de Carolina del Norte.

Aquí abajo, te dejamos una de las canciones de su presentación en el Teatro Fonda en Los Ángeles, para que te animes a adquirir esta placa y así apoyes la causa de Carolina del Norte:


También, recordamos esta versión de "Banshee Beat", tema de su placa Feels, una presentación en vivo con mucho poder:

 

A Love Electric en el Foro Indie Rocks!

Analogías psicóticas del mundo en la música.

Hace menos de un año que la banda A Love Electric comenzó a recaudar fondos para la producción de su nuevo material discográfico, titulado Psychomonde. Esta placa ya es una realidad, y el sábado la banda decidió presentarse ante su público mexicano para dar gracias a las personas que apoyaron su proyecto mediante las plataformas digitales con un concierto muy al estilo de su disco para el que invitaron a artistas como Alex Otola, Patricio Iglesias y Los Músicos de Joséque se encargaron de darle un toque muy divertido y festivo a la presentación del disco.

Los primeros en salir al escenario para precalentar los cuerpos y los oídos de los asistentes –con melodías para bailar suavemente y deslizarse al ritmo del jazz y funk– fueron Los Músicos de José, que demostraron su versatilidad y energía en todo momento con canciones como “La Dejada de Ir”, “Us 7” y un poco de hip hop. También presentaron algunas canciones de su homenaje a Perez Prado como “Mambo en Saks”, “Cayetano” y “Lupita”. Después de levantar los ánimos de los presentes, cedieron el escenario a la banda principal. 

A Love Electric demostraron de qué están hechos. La agrupación comenzó interpretando “Hush, Pocket Full of Bones”, “Lift Me”, “Be The Evolution” y “Tlalpan Girl” con mucha energía y entusiasmo antes de invitar a subir a Alejandro Otola, con quien interpretaron la canción “This Means Love” y comenzar a darle contundencia a su presentación: el público se movía, gritaba y aplaudía para acompañar el sonido de los músicos invitados al show. Poco después, llegó el final del tema “Jungle Eart” y con él subió Patricio Iglesias, quien ejecutó “Wheres Her Money From”.

Terminó la canción y Todd Clouser convocó Loli Molina para acompañarlos con la voz en “This” dedicada a sus padres, quienes se encontraban en el foro viendo el espectáculo. “Barrio” fue otra de las dedicadas. Después, iniciaron un tiempo de música improvisada y melódica, abriendo paso a los breakdancers que bailaron con la música en medio de la pista. De pronto, en el escenario estaban todos sus invitados interpretando “Bread and Circus” que inauguró una tremenda locura antes de terminar con “Telemasque” y “War Pigs”.

Visita el Facebook de A Love Electric para seguir todas sus noticias.

Grimes comparte video para "California"

Escenarios surreales se conectan dentro del nuevo video de Grimes.

Claire Boucher, mejor conocida como Grimes, entregó al mundo el año pasado su disco Art Angels, el cual, de manera casi unánime, recibió las mejores críticas y fue descrito como un "un triunfo", además de ser nombrado uno de los mejores discos del 2015. Desde este lanzamiento, la cantautora no ha tomado un respiro. Su rostro fue la portada en múltiples revistas e imagen de la nueva fragancia de Stella McCartney. A la fecha continúa de gira, y recientemente subió al escenario de Coachella. Próximamente, tomará el de Sasquatch!, Glastonbury y Lollapalooza.

Hace unas semanas, la canadiense mencionó que estaba trabajando en nueva música, por lo que es una sorpresa que nos comparta el video que acompaña a "California", canción que se desprende de Art Angels. El visual fue codirigido por Grimes y su hermano Mac, quien también participó en "Kill V. Maim".

Al ritmo de una versión alternativa de la que se encuentra en el disco, el video captura a la cantante en escenarios tan desconectados entre ellos pero que tienen sentido dentro del concepto que Grimes siempre ha manejado. Claire baila usando una coqueta falda tableada en un estudio de arte con muchas esculturas, en un colorido gimnasio y en unos shows surreales.

Brian Eno – The Ship

Más que un “nuevo álbum”, Brian Eno crea una pieza audiovisual.  

40 años de carrera lo respaldan. Sin embargo, Brian Eno ya no solo es un músico, sino un artista integral que abarca muchas otras formas de arte, y para muestra está su reciente álbum: The Ship.

Con sólo cuatro temas, este material traspasa la línea de ser sólo un disco para convertirse en una pieza audiovisual. Seguro, si has ido a un concierto de música experimental en un museo y conoces la trayectoria de Eno, se te hará demasiado familiar. Y si esto te ha ocurrido es precisamente porque Brian fue pionero en este tipo de composiciones.

¿Cuántas veces habías escuchado la voz del artista a lo largo de su trayectoria discográfica? Han sido contadas, sólo a principios de su carrera en los 70 y esporádicamente en algunos otros discos. El ambient acompaña este último material, incluso el dark ambient en sus tres primeras pistas.

“The Ship” también es el nombre de la primera canción. Inicia con una atmósfera melancólica y oscura. La lentitud de los sintetizadores te lleva a una imagen donde caminas a lo largo de los restos de una catástrofe: hay incertidumbre, aunque sabes que algo pasó ahí. A esto se adhiere la voz de Eno completamente procesada y con un estilo gregoriano, que bien te pueden llevar a la meditación o a sentir una profunda nostalgia. Después de 21 minutos y casi bajo la misma línea, le sigue su segunda pista de 18 minutos: “Fickle Sun (i)”, pero en ella hay mayor consecución en la melodía. Después, en “Fickle Sun (ii) The Hour is Thin” parece que escuchas al autor recitar una pieza poética musicalizada con piano. Finalmente, el álbum se ilumina con “Fickle Sun (iii) I’m Set Free”, cover a The Velvet Underground que remite a la época glam del artista.

El creador de The Ship menciona en su sitio web que este material nació a raíz de dos hechos: el primero, su fascinación por el surgimiento trans-cultural, resultado de la arrogancia entre imperios durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente, el hundimiento del Titanic, ese barco imponente e insumergible que pudo ser el mayor triunfo del hombre sobre la naturaleza.

Estoy convencida que el arte de una obra reside en la reacción que ésta provoca en su espectador o en su escucha, y realmente, este álbum logra una variedad de reacciones muy rica. Es estruendoso, con una enorme carga emocional y visual que, además, evoca los primeros años de carrera de Eno.  

Si bien, el autor ha creado composiciones pensadas para ambientar obras artísticas o para que estas funjan como tales, es válido sólo disfrutar sus piezas en tu reproductor de música.

Entrevista con Azain

La música puede jugar el mismo papel que la amistad.

Lo curioso de convertirte en artista es que no logras darte cuenta del potencial que tienes para desarrollar tu creatividad y ver hasta dónde puedes llegar. Se dice que el mundo conspira entre coincidencias y casualidades. Aunque, a veces, resulta trabajo del destino, amigos que están a nuestro favor.

Para Gibran Azain Ongay Montalvo, líder del proyecto Azain, todo surgió de una manera muy extraña y distinta. Un día decidió exhibir sus pinturas en una galería. Después, surgió la idea de componer un soundtrack que estuviera en función de sus piezas de arte y que más tarde sería un disco. Empezó a tocar en compañía de sus mejores amigos, sin planes futuros de transformarse en un proyecto.

Gibran fue apoyado por sus cuates, incluso ellos se contagiaron de esa chispa emprendedora. El alter ego de Azain comenzó en solitario, pero tomó fuerza gracias al soporte incondicional que le brindaron. Normalmente, los integrantes de una banda reúnen sus composiciones para llegar a un resultado. En este caso, el crédito fue totalmente unilateral, identificándose con un sonido que viaja del post-rock al shoegaze.

“Mi manera de componer es sin rumbo, es decir, sin una idea fija de a quién quisiera sonar. Al final, inconscientemente, uno toma influencias de todo lo que escucha. Por ejemplo, solía escuchar mucho a Sigur Rós. Me gustan mucho los sonidos atmosféricos del post-rock y del shoegaze, pero también las voces altas y la experimentación. Actualmente, mucho del sonido en vivo es ya de los cuatro que formamos Azain”, comentó el líder del proyecto.

Azain ha publicado dos álbumes de estudio: Azain (2013), creado en una lengua inventada y Amoureux (2014), totalmente en francés. Ahora, está por venir un tercero: Hospital Dream. “Grabé los dos discos en mi habitación con mi iPad, mis instrumentos y con muchos sonidos encontrados para generar las percusiones y baterías -aunque logramos grabar en vivo con algunas artimañas-. No tenía los recursos suficientes para ir a un estudio de grabación, pero tenía las ganas y me empeñé en hacer dos discos con la mejor calidad posible”, enfatizó Gibran.

Azain transmite y contagia lo que uno trae en el alma, cerebro o donde se almacenen sentimientos y sensaciones. “Los sentimientos más presentes en nuestra música son la melancolía, el temor, la tristeza, pero también la felicidad, una un poco extraña porque siempre contiene algo nostálgico y existencial”, nos platicó.

Sobre cómo se desempeña la banda en un escenario, Azain dice que le apasiona cantar, Suri se motiva más por tocar, Dangu Fly se mueve más por vivir experiencias y pasar tiempo con ellos, sus mejores amigos, y a Alejandro le gusta golpear y sacar todo tocando en la batería, además de presionar para que los shows suenen cada vez mejor.

La contemplación, sensibilidad y apegos sentimentales son los ingredientes más importantes en un concierto de Azain. Para que el resultado sea inquietante, se inclinan por bases melódicas y armónicas, crean matices y vaivenes en sus canciones. Igualmente, buscan hacer explotar algunas partes del set, meter más intensidad y cantar con todo el aliento. Además, se hacen valer de visuales que en ocasiones producen Gibran, y en otras los organizadores o colectivos de los eventos. Con pocas presentaciones en su haber -Club Atlántico, Franz Mayer, Live Ethereal Sessions-, para Azain resultó más personal el concierto que dieron en Radio Unam.

Sigue a Azain en Facebook para mayor información.

Pastilla en el Lunario del Auditorio Nacional

20 años de Pastilla.

Pastilla cumple dos décadas de vida y lo festejaron en el Lunario del Auditorio Nacional con un concierto lleno de buenas canciones desde su disco debut homónimo hasta su mas reciente material, Sentidos Saturados.

Con una nueva alineación y hasta una nueva actitud, Victor Monroy -voz y guitarra-, Jesus Michel -guitarra-, Hiram Sevilla -batería- y Eduardo "Yayo" Gutierrez -bajo-, llegaron desde Los Ángeles a festejar sus 20 años. Pastilla siempre ha sido una banda indie en toda la extensión de la palabra, aunque alguna vez hayan pertenecido a una disquera transnacional.

Se han convertido en una de las pocas agrupaciones de culto del rock nacional con una base de fans muy solida y extensa, a pesar de que su carrera nunca ha despegado del todo gracias a su inconsistencia y cambios de alineaciones, y aunque se extraña en el sonido a Adrian Monroy —quien era uno de los dos compositores—, Victor Monroy ha sabido continuar con la música al hombro hasta festejar 20 años con un concierto muy nostálgico y significativo, tanto como para ellos como para sus fans.

Tocaron casi 40 canciones, un pedazo de cada álbum que recordaba, a su vez, un pedazo de vida de cada uno de los ahí presentes, en un Lunario lleno a topeVictor Monroy, el vocalista y líder de la banda, se mostró conmovido y contento cuando con solo guitarra en mano y su voz cantó "Ensenada", canción contenida en su album Hey de 2003. El público la cantó a todo pulmón y se sintió un gran aire de nostalgia, como si todos estuviéramos dolidos esa noche, como si todos estuvieran pasando por lo que Victor transmite en esa canción. "Pobre de mí, Pobre de mí", un lamento simple y sincero. A fin de cuentas eso es lo que hace un buen compositor, transmitir emociones, y esa noche las hubo de todas y a granel.

Aunque ya no cabía nadie en el recinto, con "Amor Metal" y "Amarte" la gente se animó a hacer un pequeño slam. Enseguida, uno de los momentos álgidos de la noche llegó cuando tocaron "Mortal", todo un himno indie con el que lograron conmover aún más a la audiencia con un outro largo y conciso con el que la nueva alineación demostró que están muy bien compenetrados.

"Solamente" fue otro de los buenos momentos de la noche. Aunque todos los temas fueron coreados de principio a fin, las canciones del Vox Elektra tuvieron más presencia, demostrando que ese disco llegó para quedarse en los canales del buen rock en español. En un muy buen concierto, aunque con una producción simple —al menos esa noche—, Pastilla nos hizo recordar que lo único que importa es la música. Parece que tienen para otros 20 años para quitarles la comezón en el corazón a sus leales y sufridos fans.

A Place To Bury Strangers en Caradura

La primera edición de Indica Fest en la Ciudad de México fue una locura.

Indica Fest llegó a Guadalajara con un cartel en el que aparecieron Peter Murphy, A Place To Bury Strangers, Pompeya, Teen Flirt, Marlento, .Stendal y otras agrupaciones con sonidos propios que se repartieron en dos días con sede C3 Stage. Por su parte, Caradura fungió como una extensión del festival para los chilangos. Tres bandas fueron suficientes para que el resultado fuera loquísimo.

¿Qué tiene el ruido que nos encanta? Es un misterio. Probablemente, ya perdimos la cuenta de las veces que A Place to Bury Strangers ha visitado nuestro país. La última vez que los vimos fue en Nrmal. Un show que creíamos ensordecedor -no sabíamos lo que nos esperaba después-. Lo único que sabemos es que su noise y rock experimental es droga para nuestros tímpanos.

Marlento fue la banda elegida para abrir el telón del Caradura. Daniel Barrera, Esteban Pizzimenti, Eder Perales, Abel Alvarez y Yan Cervantes nos visitaron de Guadalajara. Ellos transmiten un sonido post punk y experimental. Dos guitarras eléctricas, un bajo, una guitarra electro-acústica, teclados y batería generaron toda una revolución de sonido que logró hacer clic con el público. La agrupación se mostró muy agradecida de tocar en el ex D.F. “Se siente muy chingón tocar aquí en compañía de dos bandas muy talentosas”, recalcaron al cierre de su show.

El público se mostraba ansioso por ver al trío de Brooklyn, Nueva York: APTBS, pero aún faltaba presenciar a .Stendal, quienes vistieron el escenario con luces amarillas, dándole un toque más artístico. Abdón, César, Benjamín y David portaban unas capas negras que impregnaban de misticismo su presentación. Nos gustó el concepto elaborado que hay detrás de su synth pop y dark wave. Estos muchachos te hacen bailar, juegan con tu mente. Aunque, a estas alturas, nuestros oídos eran vírgenes todavía.

Casi daba la media noche y A Place To Bury Strangers estaba más que listo para volvernos locos. Oliver Ackerman, Dion Lunadon y Robi Gonzalez aparecieron entre atmósferas de humo y luces geométricas nacientes. Sus movimientos son tan rápidos y de inmediato contagiaron a todos con su rudeza -olas de movimientos corporales con un nivel de intensidad y fuerza brutal-. Dion nos amenazaba zigzagueando con su guitarra en dirección a nuestras caras. Sonaron “Straight”, “Dissolved”, “In Your Heart” y “Dead Beat”. Oliver entregó un estrobo de ledes al público y este hizo lo propio para pasarlo de mano en mano, jugueteando hasta crear un ambiente de hermandad.

Como en sus más recientes presentaciones, APTBS no dudó en bajar del escenario para deleitarnos con mucho más distorsión y ruido, mezclándose entre la gente. Perdimos el control. El contacto era muy natural, muy liviano. El synth de Dion sacaba chispas y todo se convirtió en un culto al ruido. Nuestros tímpanos conocieron el amor. Algunos afortunados compraron unos ear plugs para aislar el sonido, uno de tantos artefactos que trae la banda neoyorkina como mercancía oficial. Ellos sí procuran a sus fieles seguidores. Es curioso que, siendo tan destructivos, fuera del escenario son las personas más normales del mundo. Sonríen, bromean con la gente. Esperamos que regresen y nos sigan instruyendo.

¡Escucha el nuevo disco de Radiohead!

Dale play al nuevo álbum de Radiohead.

Habían pasado cinco años desde que no escuchábamos un nuevo material de Radiohead... Hasta hoy. La banda británica compartió el preview de su noveno disco, llamado A Moon Shaped Pool.

Previamente, habían borrado el rastro de sus publicaciones de Facebook, Twitter, Instagram y su página web, para finalmente anunciar, hace unos días, que el nuevo disco estaría disponible hoy por la noche.

Radiohead disco nuevo

Después de compartir los sencillos "Burn the Witch" –junto con un video grabado en stop motion– y "Daydreaming" –acompañado por un visual dirigido por el cineasta Paul Thomas Anderson–, ahora podemos reproducir completamente esta producción discográfica, que con suerte podremos escuchar en vivo los próximos 3 y 4 de octubre en El Palacio de los Deportes.

Radiohead - A Moon Shaped Pool

Tracklist:

1. Burn The Witch
2. Daydreaming
3. Decks Dark
4. Desert Island Disk
5. Ful Stop
6. Glass Eyes
7. Identikit
8. The Numbers
9. Present Tense
10. Tinker Tailer Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief
11. True Love Waits

El disco cierra con "True Love Waits", un tema que data de 1995 y  que solo había podido ser apreciado en shows en vivo. ¡Que lo disfruten!