Woods comparte el video "Politics of Free"

Llénate de buena vibra con el nuevo video de Woods.

A principios de año, Woods estrenó su novena placa discográfica titulada City Sun Eater In The River Of Light. Luego de presentarnos un par de sencillos como “Can’t See At All” y “Sun City Creeps”, el quinteto estadounidense regresa con un nuevo track acompañado de su video oficial.

"Politics of Free" es una canción bastante alegre que se antoja escuchar mientras das un paseo por carretera y te diriges a un lugar desolado como el bosque o el mar. En el videoclip podemos ver a los integrantes de la banda tomando el sol, nadando en el océano y hasta jugando frisbee. Además de algunas escenas de su presentación en el Northern California Festival.

woods

Las vacaciones de verano ya terminaron, pero sin duda, después de ver este video te darán ganas de emprender el viaje con tus amigos y disfrutar de un día sin responsabilidades.

Sigue a Woods en sus redes oficiales:

Facebook / Twitter

Industrias WIO para Indie Rocks! 06

Industrias WIO es una distribuidora de música digital independiente establecida en la Ciudad de México.

Foeme Foto

Artista: Foeme
Lanzamiento: Incendios I (EP)
Género: Alt Rock / Art Rock / Pop Rock
Locación: Ciudad de México

Facebook

Foeme lleva ya diez años trabajando en este interesante proyecto que parece tener como objetivo, crear canciones en donde las melodías, armonías y ritmos, son suaves y amigables mientras las letras son ácidas y profundas.

En su EP más reciente Incendios I suscriben su forma peculiar de hacer música con gran originalidad y técnica, explorando un poco hacia otros lados como el hip hop en el track 3 “El Fuego” en donde participa el MC Aczino, quien le pone la cereza a este gran pastel.

Pronto tendremos la segunda arte de éste díptico, mientras tanto, aquí puedes escuchar Incendios I en Spotify:

ISLAS

Artista: Islas
Lanzamiento: “Densidad” (sencillo)
Género: Shoegaze / Synth Pop / Dream Pop
Locación: Mérida

Facebook

Ricardo Castillo, guitarrista y vocalista de Elviaje, nos presenta su proyecto solista, Islas.

Bajo un concepto único y muy personal, en el que la música y la literatura épica se tocan en cinco temas que conforman un EP de alcance cinemático.

“Densidad”, como su nombre lo anticipa, abre con fuerza hacia texturas y sonidos envolventes. Desde sus primeros trazos, este es un track que domina el crescendo con maestría. Entre voces oníricas, Ricardo mueve emociones hacia parajes gélidos que proceden de su imaginación.

Esperamos con ansias el EP completo, mientras tanto puedes escuchar este sencillo aquí:

Mondragon Foto

Artista: Mondragón
Lanzamiento: Glas (EP)
Género: Electrónica / Ambient / Experimental
Locación: Ciudad de México

Facebook

Mondragón es un productor musical cuyo trabajo mezcla los elementos más básicos de la música electrónica bailable con géneros como el post-rock, el ambient y la exploración sonora.

Nacido en la Ciudad de México, su formación musical fue autodidacta hasta el 2012, cuando viajó a Canadá para estudiar en la Facultad de Música de la Universidad de Toronto.

Hasta la fecha ha publicado 7 EP’s con distintos sellos nacionales e internacionales: Dada Mortem (WOS, 2012), Constelaciones (Abolipop Records, 2013), Sonido Negro (WOS, 2014), Imposible quebrar el tiempo (Indian Gold Records, 2014), Un día menos (VAA, 2014), Interlude (Abolipop Records, 2015) y Glas (Abolipop Records, 2016).

Es en el presente año cuando el proyecto crece y se unen a el Jimena Garfias (guitarra/drum pad), Erik López (guitarra) y Luis López (batería). Para afianzar este crecimiento sonoro y conceptual, Mondragón publicará su primer LP titulado Presentimiento Complejo a finales del 2016.

Escucha aquí sus más recientes discos:

Para conocer más música de Industrias WIO, síguelos en Facebook y Twitter.

 

Radiohead en el Palacio de los Deportes

El público se rindió ante Radiohead.

Uno de los días más esperados desde 2012 había por fin llegado: Radiohead regresaría a México para presentar su más reciente material, A Moon Shaped Pool a su fiel público mexicano, esta vez con dos fechas en el Palacio de los Deportes. Shabazz Palaces, la agrupación de hip hop experimental de Seattle, se encargó de encender los ánimos. Sus profundos beats y las percusiones emitidas por unas congas lograron su cometido.

Al culminar su presentación, los ánimos y la desesperación de muchos se hacía notar, pero Radiohead no hizo esperar mucho a sus seguidores, pues a las 9:10 las luces se apagaron y se empezaron a escuchar los primeros acordes de “Burn The witch”. Ninguno pudo contener los gritos y los aplausos al finalizar esta canción pero la calma se exigió por sí sola al escucharse el emotivo piano de “Daydreaming”. Al igual que el orden del disco, siguieron “Desert Island Disk” y “Ful Stop” y a pesar de que no son sencillos, fueron bien recibidos por los fans.

Sin embargo, los gritos no se compararon con los que la gente soltó al sonar la memorable guitarra de “My Iron Lung”, uno de los clásicos del grupo. La ejecución fue maravillosa: el “scratch” de la guitarra de Thom Yorke, los cambios de velocidad, el público se rindió y dejó que sus cuerpos se movieran solos. La emoción continuó al comenzar “The National Anthem”, tema incluido en su álbum Kid A.

Un momento de paz llegó cuando un piano fue llevado al centro del escenario y tocaron “All I Need”. La melancólica melodía fue coreada por todos los presentes. La siguiente fue "Pyramid Song", con su peculiar métrica y singular batería.

Para continuar, la banda interpretó “Bloom” y “Separator”, piezas provenientes del experimental The King of Limbs y después “Identikit” y “The Numbers”, temas de su nuevo disco. Con “Bodysnatchers” y “Feral” la gente enloqueció, vasos de cerveza volaban pero todo parecía que a nadie le importaba.

La tranquilidad regresó con “Nude”, una balada que sin ningún esfuerzo conquistó los corazones de los asistentes, quienes al unísono cantaron “You’ll go to hell for what your dirty mind is thinking”. No obstante la paz que trajo esta canción fue interrumpida por dos clásicos, “Everything In Its Right Place”, que fue unida con “Idioteque”. Los fans enloquecieron ante este momento bailable de la noche. Al terminar, la alineación se despidió y se fueron.

La gente no dejó de gritar para que regresaran, hasta que los integrantes subieron y tocaron la joya de OK Computer, “Let Down”. Continuaron con “Present Tense”, incluido en su última placa discográfica y luego le siguió “Reckoner” de In Rainbows. Después llegó, “Planet Telex” de su álbum de 1995, The Bends, y con “Weird Fishes/Arpeggi” dijeron adiós nuevamente.

Tras unos minutos, la agrupación regresó por segunda vez al escenario para deleitar al público con “Fake Plastic Trees”, que no figuraba desde hace bastante tiempo en sus shows. La melodía fue cantada por todos quienes no dudaron en encender las linternas de sus celulares para hacer de este el highlight de la noche, sin duda, a más de uno se les enchino la piel mientras sollozaban “If I could be who you wanted”.

A sabiendas de que los setlist de Radiohead son muy random y que su repertorio es bastante amplio, siempre es posible encontrarse con alguna sorpresa en sus conciertos, y para fortuna de muchos, comenzó a sonar “Creep”. El tema que todos conocen, pero que la banda seguramente odia fue lo que cada uno de los miles de asistentes estaban esperando.

Así fue como concluyó la primera fecha de Radiohead, que a pesar de no caracterizarse por interactuar de manera directa con su audiencia, expresó sus agradecimientos en diversas ocasiones entre canciones.

Aunque es una agrupación que ya lleva varias décadas, su legado ha logrado tocar a las nuevas generaciones, lo que es la prueba más clara de que ante las adversidades, la música nos acompañará en los mejores y en los más tristes momentos.

Miss Garrison – Al Sol de Noche

Al Sol de Noche es el nuevo material de Miss Garrison.

La palabra “atmósfera” está sobre explotada, pero a veces nos preguntamos: ¿qué demonios quiere decir eso? Cuando diferentes vibraciones constantes, etéreas, alucinantes, se conjugan para crear densas capas de sonoridad tan envolventes, atrapantes, tan pesadas que te aplastan el cráneo sin poder escapar, ¿será eso lo que quieren decir? Sea lo que sea, esa potencia contiene Al Sol de Noche.

Proveniente de Chile, Miss Garrison ha bombardeado al mundo con su música desde 2008, con tres discos en su existencia, con variedad de sonidos que entre Fran Straube, Rodrigo de la Rivera y Tomás Pablo Rivera han creado y tanta atención atraída por todo el mapamundi, regresan para hacer todo lo que les plazca como les plazca, esta vez con muchísima más libertad y renovadas energías con tremendo poder.

Cuentan sus mismos integrantes que cada disco pudo ser el último, cada en cuando crisis existenciales y quizás creativas atacaban, pero siempre se les presentaban oportunidades para seguir desarrollándose, entre conciertos, grabaciones y fanáticos exigentes, nunca cesaron.

Las inquietudes se habían acrecentado tanto que un exorcismo sería necesario, era irse juntos de vacaciones o todo acabaría. Unos cuantos días en España, apretándose en un departamento con solo los instrumentos musicales básicos, discusiones y paseos por la playa, lograron que, además de inclinarse más a los recursos digitales, desarrollaran una libertad creativa impresionante y todos sus males se evaporaran con ritmos de trip-hop densos como la niebla.

La magia de Al Sol de Noche, su tercer álbum, está expuesta en la sucesión de acordes, ritmos, vibraciones brutalmente alucinantes que contiene. La voz, la guitarra, el bajo, las baterías secuenciadas, los teclados y sintetizadores, todos funcionan como un solo ente sonoro, no hay un instrumento líder. Esto creó una mezcla poderosamente adictiva, con 41 minutos de música que te atrapa, te cautiva, que podrían repetirse interminablemente sin causar molestia.

Es complicado hablar canción por canción o escoger las mejores, un servidor disfruta de sobremanera la tríada “Sueños”, “Al Sol de Noche” y “Mamba” al intermedio del disco, aunque “LOVE” te aprisiona al comenzar el álbum y “Solitaria” es el fin sin fin, quedará en quien se atreva a escucharlo elegir favoritas en una decena de canciones.

Visita el Facebook de Miss Garrison para seguir todas sus noticias.

Entrevista con Wolfmother

La vuelta de la victoria.

Hace poco más de 10 años, cuando surgieron por vez primera con su EP homónimo, Wolfmother eran considerados una anomalía. El prospecto de un conjunto que prendía o “innovaba” gracias a su estilo contagioso de rock que escuchaban tus papás o tu hermano mayor era algo inusitado en ese entonces en medio de toda la escena llena de post-punk o dance que abundaba en las estaciones de radio y bares de moda. Hoy en día han surgido imitadores por doquier, capitalizando en el revivan del ruido lleno de riffs monstruosos, psicodelia y desenfado que los lobos australianos ayudaron a liberar. Después de tres discos, un desvío en solitario y varios cambios de alineación, Andrew Stockdale, líder y mente maestra del aspecto creativo de la banda, regresa con un cuarto LP, Victorious, que bien podría ser sinónimo de la frescura y energía conservada tras tanto tiempo.

“El título es más como una expresión, una emoción de estar viviendo la vida de forma feliz. Originalmente iba a tener otro título, pero a medida que se fueron dando las cosas en mi vida tuvo más sentido que se llamara así”, nos confesó Stockdale en entrevista telefónica. “Yo quería regresar a mi música, a mis raíces. Para eso tenía que salirme de mi zona de confort y abordar todo el espectro de géneros. Es decir, TODO. Tocar todas las guitarras, los bajos, las baterías. Por eso salió tan ecléctico y victorioso”.

Victorious, aunque considerado una conservación estética del glam y hard rock que los han caracterizado, también ofrece varias sorpresas en el camino, muchas de ellas más acústicas y musicalmente aventureras, distinto a todo lo anterior. Un ejemplo es “Pretty Peggy”, un tema que fue compuesto en tan solo una hora y trae tintes gospel. ‘Pretty Peggy’ es básicamente una historia de amor que yo mismo inventé para una chica imaginaria. Me puse a pensar qué era lo que las chicas quieren escuchar en una canción, el quedarse parado en la lluvia, etc. Uno siempre quiere que la otra persona tenga tu devoción incondicional y sentir un amor puro, pero sencillo. De ahí salió la inspiración y la compuse en menos de una hora”.

“Mi favorita del disco es ‘Gypsy Caravan'. Tiene un buen groove, me gustan los arreglos, las letras y también habla mucho de la felicidad y del momento. Siempre me da gusto cuando la toco en vivo, y también por eso el tour se llama así.”

victorious

Un adjetivo que siempre precede a la música de Stockdale, sobre todo entre sus numerosos seguidores en nuestro país, es que es sexy. Esa sensación que tanto llenaba los himnos agresivos de bandas como Led Zeppelin, Foghat, Thin Lizzy y Blue Cheer en esas épocas siempre ha sido adaptado con una extrema atención al detalle y cariño por Stockdale, misma que ha permanecido intacta. "¿Mi música es sexy? [risas]. Siento que lo sexy de la música es cuando hay calor, bienestar y buenos sentimientos, además de las armonías y el acompañamiento. Cuando trasmites una fiesta o tu felicidad actual, eso es sexy”.

Sus prácticas improvisadas en el estudio –tanto a la hora de componer como de grabar– quizás sean poco ortodoxas para lo que se acostumbra hacer. Sin embargo, la espontaneidad para crear temas de rock sigue siendo tan obligatoria antes como ahora. “Realmente no pienso mucho en las letras al componer una canción. Ni siquiera agarro primero la guitarra cuando entro al estudio. Solo agarro el micrófono y empiezo a hacer sonidos. Sonidos que creo que embonan con una idea que tengo en la cabeza. Después lo grabo, le meto letras que surgen de manera muy inconsciente y creo los riffs. Tengo mucha facilidad para crear riffs”, admitió Stockdale.

No obstante, para la creación de Victorious sí tuvo que recurrir un poco a la disciplina y a un cambio de mares para no sonar tan acartonado y repetirse. Para ello, recurrió a la mano del mítico productor Brendan O’ Brien (Incubus, Pearl Jam). “Él no me conocía a mi ni yo a él”, relató Stockdale. “Yo tengo mi propio estudio de grabación, con 40 guitarras y 35 amplificadores. Decidí irme a California para probar algo diferente. Entré a su estudio, le di 18 demos y empezamos a grabar y a afinar detalles. Simplemente entraba, hacía riffs en la guitarra y arrasamos bien las canciones. A veces nos pasábamos varias horas, desde el amanecer hasta las 11 de la noche y seis, siete días a la semana”.

“Para hacer un disco tienes que ser muy consistente. Cuando tienes una banda y un estilo como el mío tienes siempre que entrar cada día al estudio con la mentalidad de patear traseros y trabajar, trabajar, trabajar. Es bueno descansar de vez en cuando, pero no perder el hilo de lo que vienes a hacer”.

Con su inminente visita a nuestro país, Stockdale admite que siente nervios y cariño por su retorno, ya que tiene gratos recuerdos de sus visitas anteriores. “México es uno de los pocos lugares en el mundo donde cantan los riffs. Ese país y Glasgow en Escocia. Siempre disfruto venir aquí, me causa un poco de escalofríos. Cuando cantan tus riffs es una sensación increíble. Cuando no, no pasa nada; no siempre subo al escenario esperando algo del público. Creo que es bueno tocar en vivo con ninguna expectativa”, musitó emocionado.,

Wolfmother se presentará el 20 de octubre en el Plaza Condesa.

Jake Bugg en El Plaza Condesa

Jake Bugg: amor, esperanza y buen rock.

Con la fuerza y el fragor de un relámpago, Jake Bugg se presentó anoche en el escenario del Plaza Condesa para entregar un show que dejó electrificada a la audiencia que se presentó y que disfrutó de una velada llena de rock durante la hora y veinte minutos que duraron las 20 canciones del repertorio.

Durante el ocaso del día, se fueron congregando a las afueras del Plaza Condesa los seguidores de Jake Bugg. Mostraban un semblante alegre e inquieto al pasar los minutos que los separaban del inicio del concierto. El recinto se empezó a llenar alrededor de las ocho. La mayoría de los asistentes eran muy jóvenes. A su vez había más mujeres que hombres. Muchos llevaban playeras con el nombre de Jake Bugg escrito en ellas.

Charlie Rodd salió al escenario poco antes de las ocho y media para calentar motores al presentar su más reciente producción titulada Sombras. Un sector en particular esperaba la presentación de Charlie, ya que no dejaban de gritar su nombre y se hicieron notar en todo el lugar. Su gig dejó un buen sabor de boca y estuvo a la altura de lo que se espera de un telonero.

A las nueve y media las luces se apagaron y Jake salió al templete. El público gritó lleno de júbilo. Sin decir ni una palabra tomó su guitarra e inició su presentación con “On My One”. “Thank you México City, thank you” pronunció al final. Acto seguido tocó “Simple As This”. Los asistentes cantaban con emoción. Agradecía y presentaba la siguiente canción. Justo antes de “Me And You”, ya coreaban “oe oe oe Jake Bugg Jake Bugg”.

You all sing very well. I’m gonna play a few songs and then i’m gonna bring the band” dijo justo antes de empezar “The Love We Are Hoping For”. Su set acústico de seis rolas también incluyó “The Strange Creatures” y “All That”. La primera etapa fue muy íntima: solo Jake y su guitarra bastaron para entretener al público. Se escuchaba perfectamente bien la voz y la guitarra, estaba muy bien ecualizado y los niveles del audio eran correctos. El escenario se complementaba con luces y una manta con el nombre del músico. No se necesitaba más. Bugg era el centro de atención.

Al colocarse su Fender Stratocaster mientras entraba la banda, el ambiente era de lo mejor: el público estaba completamente entregado. Jake Bugg mostró siempre una actitud llena de entrega y pasión, agradecía todo el tiempo y sonreía. El sonido era increíble y el ambiente era aun mejor. El Plaza tuvo la fortuna de tener un gran show. Los chicos que fueron no dejaban de corear las canciones; de aplaudir al finalizar las rolas; de chocar las palmas y saltar al ritmo de la música. “Muchas Gracias Mexico City” soltó Jake Bugg y todos perdieron la cabeza. El sudor no paraba de volar por los aires y la cerveza de llenar los estómagos.

“Two Fingers” inició el set con la banda: le siguieron “Bitter Salt”, “Seen It All”, “Messed Up Kids” y “Never Wanna Dance”. “It’s really good to be back. We love to play in Mexico, so thank you very much for having us” comentó antes de iniciar “Trouble Town”. Siguieron en la lista "Put Out The Fire", “There's A Beast And We All Feed It”, “Taste It”, “Slumville Sunrise”, “Simple Pleasures” y “Gimme The Love”. Los solos de guitarra de Jake prendieron a todos, eran momentos electrizantes gracias a la distorsión y el ritmo acelerado de la batería.

Antes de “Broken” tomó el micrófono y se dirigió al público: “It’s really an honour to be here. Thank very much to make this evening so special”. Tomó un trago de su vaso rojo y prosiguió: “Smile. I smile, I always smile. You make me smile thank you". Ese momento fue el clímax de la noche. Las voces del público cantaban la letra de "Broken" y él solo dejó a todos emocionados.

Para finalizar la noche tocó “Lightning Bolt”. “One last big thank very much for coming tonight. I aprecciate it. I’m Jake Bugg and this is my band and we are gonna play one more song. Thank you México”. Al finalizar dejó su guitarra, se despidió y salió del escenario.

Con esta presentación, Jake Bugg demostró que tiene el talento para llegar a ser uno de los músicos más respetados e importantes de los próximos años. Su show de anoche fue magistral y rebasó las expectativas que se tenían. Tocó todas las canciones que el público esperaba. Se agradece que los músicos muestren esa entrega y pasión en cualquier escenario y Jake Bugg solo necesitó su guitarra y unos cuantos acordes para dejar su huella en el Plaza Condesa.

Cibo Matto en el Foro Indie Rocks!

Espectacular cierre de Cibo Matto en el Foro Indie Rocks!

Después de cuatro intensos días de fiesta ininterrumpida, hemos llegado al término de la celebración de nuestros diez años. Diez años en los que la música ha sido el mejor pretexto para vincularnos y crear una comunidad cada vez más grande. Debido a ello en Indie Rocks! tiramos la casa por la ventana con lo mejor de la escena nacional e internacional, y para dar fin a la muy aclamada  #SemanaIR quisimos darles lo mejor de lo mejor cerrando con dos bandas de lujo.

Tras la incertidumbre de la presencia de Roger Waters en el Zócalo capitalino y la amenaza de lluvia, concluimos este gran festejo con un aforo repleto, entre amigos, nuevos lectores y ustedes que siempre han estado ahí, dimos la bienvenida a la ya conocida riot band, originaria de Guadalajara: Descartes a Kant, quienes llenos de furia y densos riffs tocaron un repertorio que gradualmente logró headbangear las cabezas de los asistentes.

Las voces melódicas de las vocalistas en contraste con el crudo noise de los bajos y guitarras lograron la mezcla perfecta para calentar la noche, por su acción performatica destacaron: "Perfect Day (Lou Reed)", "Until the day", y "The Robbery", que llegó al clímax con la simulación de un asalto, en donde abordaron a la audiencia. Sandruska Petrova envuelta en su forma más queer se despidió del público con una male voice, logrando un cierre inigualable.

Los congregados solo tenían una cosa en mente: Cibo Matto

El momento esperado no tardó en llegar, entre los gritos de la multitud  y las mentes eufóricas lentamente cayó la voz de Miho Hatori como cristales multicolores: “The velocity of time turns her voice into sugar water”,  esas palabras fueron suficiente para desbordar el éxtasis de este aquelarre.

Tras varios años de espera, los fans al fin pudieron materializar el sueño de presenciar a esta banda neoyorquina, en donde sus integrantes se entregaron plenamente en un ambiente íntimo. Encapsulándonos en una máquina del tiempo con “Check in” y sus sonidos synth pop noventeros pusieron a temblar todo el Foro. Los beats reverberantes flotaban como burbujas que explotaban  para hechizar a los asistentes, detrás de sus gafas oscuras Hatori aprovechó para conversar con la audiencia: “Su ciudad es muy cool” decía con una sonrisa dibujada en su rostro. Durante el concierto hubo algunas fallas técnicas pero eso no bajó los ánimos y reiniciaron el show con una energía más vibrante. Fluctuando en el acid jazz de “Emerald Tuesday”, “MFN” y “Moonchild” las armonías etéreas envolvieron el Foro Indie Rocks! que latía en el corazón de la Roma.

Las luces de neón acariciaban los rostros del público que bailaba en trance al ritmo de “Blue Train” en donde Yuka Honda y Miho Hatori fueron las chamanas que guiaron esta ceremonia. Por supuesto que en su repertorio no podía faltar el funk  fantasmal de “Check in”, “Déjà vu” y “10th Floor Ghost Girl”.  Fue una noche trippy e inigualable en donde desfilaron temas favoritos como “Spoon” y “Bbq”, y pese a la  resistencia de los asistentes tuvieron que dar fin a este espectacular concierto.

Al término, tuvimos la oportunidad de conversar con Miho Hatori que en exclusiva para Indie Rocks! mencionó que estaba muy feliz de estar en nuestro país: “Fue como un sueño hecho realidad”, mencionó enviando un conjuro cargado de buenas vibras para todos sus seguidores.

Friendstival 2016

Cuando la independencia logra su cometido. ¡Gracias por existir, Friendstival!

El esfuerzo por activar una escena musical con la iniciativa de unos organizadores amateurs por juntar en un evento a varios talentos con distinto origen y experiencia, son factores que unidos dan como resultado un acontecimiento especial.

El pasado 1 de octubre en el Foro Niza 40, en un afán de alejarnos un poco del confort de la Roma-Condesa, se realizó el denominado Friendstival, un ejemplo de que definitivamente importa mas el proponer un contenido que haga la diferencia ante la diversidad de ofertas en el entretenimiento (sobretodo ese sábado con Roger Waters en el Zócalo y Cibo Matto en el Foro Indie Rocks!).

Todos los presentes seguro tuvieron estos motivos en común, la apertura y la curiosidad por conocer nuevas bandas, inclusive sin haber escuchado algo de estas previamente, para luego festejar el Do It Yourself, al echarle un ojo y comprar, ¿por qué no?, la playera o los discos físicos de los grupos. De verdad, se encuentran sorpresas que dejan una buena sensación.

Muchas de las propuestas participantes nos dieron razones para seguirles los pasos, como Fausto Leonora, proyecto de la cantante Daniela Navarrrete que combinó la dulce voz con un sonido denso y experimental, usando como recursos a su favor las percusiones, los beats, la improvisación vocal y hasta el uso del zapateado.

También está el caso de Valsian, grupo de Cuernavaca que logro cautivar con una portentosa presencia escénica a través de su rock oscuro y la gran interpretación de su vocalista Eunice; por compartir uno de sus aciertos, no cualquiera logra realizar acertadamente un cover de Chavela Vargas.

Las representantes del hype en cuanto pop latino independiente se refiere, supero expectativas y dieron razones de sobra por las que han recibido mucha atención. La colombiana Elsa y Elmar, que aunque no llevó su acto completo, su versión compacta y su estilo de cantar fueron suficientes para dejarnos buena vibra, que prosiguió con la tijuanense Vanessa Zamora, que con actitud y mucha potencia sonora, dominó el escenario con su pop y country, quizá la presentación mas profesional del día con un show mas que hecho, que incluyó un homenaje a Juan Gabriel con su versión de “Amor eterno”. En ambas cantautoras se notó que disfrutan estar “en vivo”.  

Lo mejor estaba por venir con Sotomayor. Los hermanos Raúl y Paulina junto con su banda, armaron el bailongo con una presentación muy amarrada, con una eficacia que transformó el Foro Niza 40 en una sucursal del Salón Caribe. El ritmo no disminuyó, persistió con el argentino Diosque a través de su sonido electrónico y con un show de mucho movimiento, con mucho colorido.

La presentación mas particular del evento fue de parte de Mondragón, que brindó un set instrumental largo pero entretenido, mezclado con el rock y el new age, que generó un debraye, con sensación psicodélica que nos adentró en el viaje de principio a fin, sin pausas.

El rock hecho con testosterona fue proporcionado por dos grupos con estilos diferentes, pero muy potentes: Sierra León trajo un happy punk con mucho sentimiento que parecía extraído de los dos miles, y For Dummies, que con su punk ruidoso, con mucho poder, logró un trance duradero.

Sin embargo, no todo fue un deleite en el Friendstival, algunas bandas no encajaron en el evento, sin lograr dar el ancho, como Oliver Ken, que sería como la banda que hubiera hecho El Escorpión Dorado; la Galatzia sería Shakespare ante estos supuestos luchadores, con un show lleno de lenguaje soez y humor negro, que no fue del todo bien recibido. O también está Girl Ultra, una versión soft y R&B de Selma Oxor que presentó un set excesivamente minimalista, solo pistas y sensualidad, le faltó ofrecer variedad y elaboración.

Además, detalles como la cancelación del grupo Terr Monsta por causas de fuerza mayor –parte del grupo no llegó por contratiempos–, una asistencia escasa de público al principio del festival –la mayoría eran los grupos o el staff del evento–, la falta de un letrero afuera del lugar al momento de la apertura que indique “es aquí” –la ubicación es algo discreta, sobre una calle muy transitada–, o el uso de un celular para reproducir la música de fondo –hubo interrupción por una llamada entrante–, hacen que la novatez de la organización sea notoria. Pero habría que probar y aventarse, así habrá que tomar nota de estos detalles para pulir la siguiente edición.

El Friendstival es un evento mas que responde a la tendencia por impulsar la escena local independiente con un elenco atinado y exótico, que refuerza la oferta de propuestas como el Raymondstock, el Festival NRMAL o el Festival All My Friends en México, el RuidoFest de Chicago o el Hermoso Ruido de Colombia. A veces arriesgar como sea, deja mas que seguir en la zona de confort. ¡Enhorabuena!

 

Peter Hook & The Light en el Pepsi Center WTC

La luz y la obscuridad de Peter Hook en el Pepsi Center WTC.

El pasado viernes 30 de septiembre, Peter Hook regresó a la Ciudad de México junto con su banda The Light para interpretar Substance, el álbum que recopila  los éxitos de sus dos bandas: Joy Division y New Order.

El Pepsi Center WTC abrió sus puertas en punto de las 19:00 hrs y a pesar de la fuerte lluvia, los asistentes comenzaron a llegar apresurados por la advertencia de una publicación en redes sociales que comunicaba que el concierto comenzaría a las 21:00 hrs, sin banda telonera y que tendría una duración de 3 hrs.

Al rededor de las 21:15 hrs, con un Pepsi Center casi repleto, la banda liderada por Peter Hook salió al escenario, los asistentes gritaban con emoción “Peter”, “Peter”, “Peter” y los primeros acordes comenzaron a sonar, se trataba de “Lonesome Tonight”,  lado A de la famosa canción “Thieves Like Us”.

Conforme avanzó el show, las luces brillantes y parpadeantes nos transportaron a otra época y junto con el sonido de canciones como “Ceremony”, ”Temptation” y “Blue Monday” crearon un ambiente excepcional que nos hizo imaginar estar en la mismísima The Haçienda.

Los asistentes no dejaban de cantar y bailar mientras sonaban éxitos como “Bizarre Love Triangle” y “Thieves Like Us”, hasta que al interpretar “1963”, la banda dio por terminado su set de New Order y  se tomó un descanso de 5 min.

Peter Hook & The Light regresaron al escenario con otra energía, con fuerza y obscuridad comenzaron a tocar “No Love Lost”, que dio paso al set de Joy Division. La audiencia estalló cuando comenzó a sonar “Shadowplay”, canción no incluida en Substance, el ambiente se tornó distinto, todos saltaban y gritaban, como si se tratara de un público diferente, en otra época y en otro lugar.

Las canciones de Joy Division eran las más esperadas de la noche, la banda se entregó totalmente a pesar de que el querido “Hooky” solo se refería al publico con un “gracias”. Durante toda la noche,  los fans no paraban de corear “These Days”, “Digital” y ”Transmission” hasta que llegó el momento más inspirador y melancólico de show,  “Atmosphere” comenzó a sonar y las luces de los  encendedores y los celulares crearon la atmósfera perfecta para recordar al fallecido Ian Curtis.

Finalmente apareció “Love Will Tear Us Apart” y los vasos de cerveza volaron por todo el lugar, Peter Hook se mostraba muy feliz, se quitó la playera y la aventó al publico que no paró de cantar hasta que abandonó el recinto.

El álbum Substance fue lanzado en 1987, concebido Factory Records y creado especialmente para que Tony Wilson pudiera tocar todos los éxitos de la banda en el reproductor de CD de su nuevo Jaguar. Este show fue así, tan especial como un capricho de Tony Wilson.

Setlist:

New Order

“Lonesome Tonight”
“Procession”
“Cries and Whispers”
“Ceremony”
“Everything's Gone Green”
“Temptation”
“Blue Monday”
“Confusion”
“Thieves Like Us”
“The Perfect Kiss”
“Subculture”
“Shellshock”
“State of the Nation”
“Bizarre Love Triangle”
“True Faith”
“1963”

Joy Division

“No Love Lost”
“Glass”
“From Safety to Where...?”
“Komakino”
“These Days”
“Disorder”
“Shadowplay”
“Warsaw”
“Leaders of Men”
“Digital”
“Autosuggestion”
“Transmission”
“She's Lost Control”
“Incubation”
“Dead Souls”
“Atmosphere”
“Love Will Tear Us Apart”

Twenty One Pilots en El Palacio de los Deportes

Twenty One Pilots demuestra que dos músicos con actitud y talento son suficientes para apoderarse de un escenario.

A un año de su intervención en el Corona Capital 2015, Twenty One Pilots regresó a la Ciudad de México para ofrecer su primer concierto en el Palacio de los Deportes y para causar la emoción de sus fans mexicanos. Mientras llovía a lo largo de la ciudad y se vivía el caos que suele distinguir a los viernes de quincena, la gente iba llegando al “domo de cobre” para llenarlo poco a poco. La noche comenzó con la presentación de Camilo Séptimo, agrupación mexicana que interpretó temas como “Resplandor”, “Miénteme” y “No confíes en mí”. Cuando terminó de tocar la banda telonera, la sede ya lucia prácticamente llena y los asistentes ya estaban más que listos para recibir a Tyler Joseph y Josh Dun.

El reloj marcaba las 9:30 de la noche y justo en ese momento se apagaron las luces en medio de un grito colectivo de emoción, la cortina que cubría el escenario cayó al suelo y tras una breve introducción, el dúo apareció usando el mismo vestuario y portando pasamontañas color negro. El show perteneciente a la gira EMØTIONAL RØADSHØW WØRLD TØUR empezó con “Heavydirtysoul” seguida de "Migraine", con el vocalista tirándose al piso, y mientras sonaba “Hometown”,  todos se pusieron a saltar al ritmo de dicha canción en lo que fue un auténtico derroche de energía. Posteriormente, Tyler Joseph desapareció en medio del escenario y, como por arte de magia, apareció en las gradas, entre el público, ante la admiración de los presentes.

Mientras el cantante regresaba al escenario, una cámara le seguía para mostrar su recorrido por parte de las instalaciones del foro. En “Polarize” era evidente que ambos músicos ya habían hecho cambios en su vestimenta y terminando, comenzaron a sonar las primeras notas de “Heathens” en el piano para darle forma a uno de los mejores momentos de todo el concierto.

Cuando el vocalista apareció con un ukelele, llegó la hora de escuchar “We Don't Believe What's on TV” con Josh Dun tocando su batería de forma rápida y con gran habilidad. Ante las indicaciones de Joseph, cada vez que él contaba “uno, dos, tres” en un perfecto español, todos cantaban el coro. Casi al final de “The Judge”, el baterista estaba tocando con el rostro cubierto en una demostración de sus habilidades y mostró que no necesitaba ver para tocar. Mientras sonaba “Lane Boy”, dos sujetos aparecieron vestidos como si esperaran un desastre nuclear y equipados con máscaras de gases, igual que en el video del tema.

La música continuó en un mini escenario colocado entre el público, en zona general, donde se montó una batería al lado de un piano. Después, los dos músicos recorrieron el pasillo que divide la zona general para regresar al escenario principal y antes de seguir tocando, el cantante se pasó a la parte de hasta delante de la zona general y se acomodó para ser sostenido durante un breve instante por sus fans.

Tras escuchar "Ode to Sleep", una mezcla especial de "The Pantaloon/Fall Away/Johnny Boy/Forest/Addict with a Pen/March to the Sea/Kitchen Sink"  y "Holding on to You", los asistentes pudieron disfrutar de un cover de "Jump Around", original de House of Pain. Otro de los grandes momentos del concierto fue cuando se colocó una batería entre el público y el baterista llegó ahí para tocar “Ride” más cerca de sus fans. En “Stressed Out”, el vocalista tocó el piano mientras era acompañado por los fans coreando la letra en un momento bastante emotivo y de piel chinita.

“Guns for Hands” fue una canción más enérgica que puso a todos a saltar. Tyler Joseph se metió en una esfera gigante y estando dentro de ella avanzó sobre el público de ida y vuelta hasta regresar al escenario. Terminado “Tear in My Heart”, comenzó “Car Radio” y ya en la parte final del tema, el vocalista corrió a una mini plataforma colocada casi hasta atrás de la zona general y ahí siguió cantando.

"Goner" y "Trees" marcaron el final de una noche llena de emociones y buena música en la que una vez más quedó claro que los Twenty One Pilots tienen el talento y la actitud que se necesita para llegar a ser grandes en la música.