Copenhell 2019

El metal es leal.

El pasado fin de semana se celebró la décima edición el festival Copenhell en la capital de Dinamarca, y con un sold out total se demuestra una vez más que el heavy metal es el género musical más leal de todos.

El lineup de este décimo aniversario fue liderado por bandas como Tool, Slipknot, Slash, Lamb of God, Rob Zombie, Refused, entre muchos sub géneros más del Metal.

A diferencia de muchas partes del mundo donde el heavy metal tiende a ser juzgado como una escena agresiva, en Copenhell los daneses rompen los paradigmas con mentalidad primer mundista.

Copenahell se ha convertido en uno de los refugios metaleros más anhelados en Europa. Es un evento seguro y socialmente responsable en temas ambientales e igualdad de género. El festival y las bandas alzan la voz para que las mujeres rockeras se sientan seguras y protegidas por la comunidad e industria.

Refused fue uno de los que en su discurso mostró molestia por la poca cantidad de bandas femeninas en el lineup. Por el otro lado, Lzzy Hale con Halestorm representó con unos vocales potentes y una guitarra majestuosa al sexo femenino.

Los días de verano en Escandinavia son muy largos con mucha luz solar, pero al caer la noche, la decoración y concepto del festival nos sumergen en un ultramundo infernal.

Es un lugar que une a la familia y amigos en armonía y permite rockear el estrés por cuatro largos días, donde la gente alcoholizada cuida del uno al otro, mientras la música puede parecer agresiva, la energía transmite hermandad.

Terminado el dia, después de la euforia y borrachera, los asistentes se forman y suben ordenadamente a los camiones que facilita el gobierno de la ciudad, demostrando que el gobierno también apoya la escena.

La industria musical esta drásticamente cambiando y muchos festivales grandes caen en banca rota, pero con este décimo aniversario, Copenhell muestra que el metal es leal y rentable.

A 50 años de la visita de The Doors a México

Sin mitos.

Con el complejo de Edipo a cuestas. Enfundando provocadores pantalones de piel. James Douglas Morrison empuña una ensangrentada daga y camina con la bragueta abierta, mostrando un puñal de carne henchido también de sangre. Para el final de noches que intentamos morir, aun debían transcurrir poco más de dos años.

The Doors pactó cuatro conciertos en tierras de legendarios sacrificios humanos, la antigua Tenochtitlán, donde profecías y representaciones quedaron encarnadas en un hombre barbado, que, como Quetzalcóatl, venía de lejanos feudos. Morrison, barbado sí, llego volando, también, pero en un Boeing 7371.

El viernes 27 de junio de 1969, fue la primera de las funciones, la cuarta, el lunes 30 de junio. Las bandas teloneras, fueron Leo Acosta y su Orquesta y Pop Music Team*, esta última hizo sonar piezas de su único y censurado disco, Society is a Shit, donde temas como "Tlatelolco", provocaron enlatar su música durante casi 30 años.

Finalizada la psicodelia de la banda mexicana, el Rey Lagarto tomó el escenario, sacudió sus escamas, erizó su cola, atizó su lengua y a los 1000 asistentes, presentó a Las Puertas de la siguiente manera. "Juan Densmore, Ramon Manzarek, Roberto Krieger y yo… Fidel Castro"2. Entonces, a través de 10 amplificadores3, el órgano Gibson Kalamazoo4 de Ramón, pronunció las más demenciales notas sonoras.

Concluido el recital, se abrieron las puertas a veraniegas noches mexicanas de una farsante ciudad que montaba salvajes caballos de hipocresía. "Los Jinetes en la tormenta", sedientos, pararon en la más elegante discoteque de la Zona Rosa, Sergio's Le Club5, propiedad del actor con orden de aprehensión por tráfico de estupefacientes, Sergio Villagrán6.

Al reconocer quién entraba en la disco, lo que fuera que sonara dejó de hacerlo por "Hello, I love You", lo que provocó un grito de Jim, "Take that Off!". El asistente del gerente de giras subió a la cabina de audio y, reemplazó el "Hola, Te Amo" por "In A Gadda Da Vida". Recuperada la tranquilidad, Jimbo fue presentado con algunos distinguidos parroquianos, después tomó, entre otras cosas, Morrison Special y fumó puros Montecruz Las Palmas7.

Las puertas de la percepción fueron derribadas a patadas por el poder político, abrieron paso al hijo menor del presidente Gustavo Díaz Ordaz, Alfredo Díaz Borja**, quien vistiendo una chaqueta tipo Nehru y aparentemente drogado, llegó hasta el camerino de The Doors donde a pesar de no ser bienvenido, fue recibido diplomáticamente8. Otro encuentro documentado entre Alfredo Díaz y The Doors, es la visita que hicieron al Museo Nacional de Antropología, abierto exclusivamente para los liderados por Morrison9. Ciertas memorias de Díaz Borja, son leyendas que visten fastuosas pieles confeccionadas de alegóricas fantasías. Imaginaciones que mudaron a intoxicadas notas, publicadas en la débil y cooptada prensa que destacaban. “Esta presentación es arriesgada pues el grupo tiene su fama fincada principalmente entre la juventud”10. Otro escandalizado informe periodístico revelaba. The Doors toman cerveza en plena actuación”11.

La memoria gráfica en el México de esas presentaciones, la conservamos por los click de la cámara del escritor de la revista Rolling Stone, Jerry Hopkins. Sus imágenes concilian el olvido. Mantienen joven a Morrison, quien sin demora descendió hasta el nivel 27 del inframundo. De esas tierras fúnebres han brotado negras flores, algunas han marchitado y quedado en el abandono, no así el paso de medio siglo de aquellos cuatro conciertos.

Notas:
1, 2, Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 43, 46.
Redacción, 28 de junio de 1969, Anoche debutó el conjunto “The Doors”, Nacional, El, pag. 13.
4, 5 Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 47.
6 Jiménez, Armando, 1997, Cabarets de antes y de ahora en la Ciudad de México. México, D. F. Plaza y Valdéz Editores. Pag 142.
7, 8 Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 49, 46.
9 Manzarek, Ray. 1998, Light My Fire, My Life With The Doors. New York, New York. Berkley Boulevard Books.
10 De la Rosa, Rodolfo, 27 de junio de 1969, Los “The Doors” en México, Nacional, El, pag 12.
11 Perete, Ricardo, 29 de junio de 1969, ¡Corte!, Excelsior. Pag 4 – C.
* Pop Music Team. Su vocalista, Jorge Berry, trabajaría en la cadena de televisión Televisa. El baterista, Julio Vigueras, fue director del Conservatorio Nacional de Música.
** Alfredo Díaz Borja, fue integrante de las bandas, Kaleidoscope, Renaissance, Love Syndicate (palomazo Jim en 1970), Wingman y Lucrecia, banda telonera de Alice Cooper en Monterrey, Nevo León, en 1980.

Esteman visitó la Casa Indie Rocks!

"El amor es libre", lo dice Esteman en su nuevo video.

El cantante y compositor colombiano, Esteban Mateus Williamson, visitó la Casa Indie Rocks! y en entrevista con Daniela Galván, nos platicó acerca de su próxima participación en la XLI Marcha del Orgullo LGBT+ este sábado 29 de junio y de su nuevo video "Amor libre".

"Cuando se empieza a hablar de la comunidad y de más formas de amar es porque muchas veces las personas, algunos padres de familia o en diferentes lugares más religiosos, dicen que no hay que meter a los niños, pero los niños son lo que menos prejuicios tienen. Cuando un niño ve a dos mujeres que son mamás y que tienen una familia lo ven como un referente de amor y nada más. Un poco el tema de hablar con los niños es que hay que integrarlos en este tema y no ocultarles nada, porque muchos de esos niños nos lo van a agradecer cuando se estén formando. Por eso hay un personaje en el video, una niña que era bailarina y dijimos bueno, su personaje será una niña que se identifica de una manera más masculina, simplemente eso, se está descubriendo y se encuentra con su hermana que es más femenina y ella a través de su baile y su actitud, sigue adelante".

Mira la entrevista a continuación:

Si aún no has visto el video de "Amor libre", aquí te lo compartimos:

Reactor 105.7 solo transmitirá música continua a partir del 1 de julio

Algunas estaciones del Instituto Mexicano de la Radio han anunciado que transmitirán solo música debido a un recorte presupuestal.

El día de ayer durante el programa Réplicas de la estación de radio Horizonte 107.9 el periodista Ricardo Raphael anunció su renuncia debido a los recortes de los cuales está siendo víctima el grupo radiofónico. Esto provocó que diversos locutores de algunas estaciones hermanas lanzarán el hashtag #IMER_SOS y confirmar que en efecto habrá un cierre de cuatro estaciones y la reducción del 35% de su personal debido a decisiones presupuestales. Además se dejará de transmitir 2900 horas de contenidos.

 

Las estaciones que cerrarán son Radio Mexico Internacional, Música del Mundo, Interferencia HD y Jazz Digital.

Reactor 105.7 –que desde 2006 le dio un giro a la transmisión de música dando apertura a nuevos artistas y géneros– compartió que a partir del 1 de julio dejará de realizar programas en vivo y únicamente habrá música.

Natalia Szendro, quien recientemente ocupó la gerencia de la estación escribió en su cuenta de Twitter:

 

¿Qué dice el gobierno sobre esta situación?

Jenaro Villamil, quien está a cargo del Sistema Público de Radiodifusión del Estado Mexicano mencionó que la crisis por la que está pasando el IMER la "deben resolver pronto" ya que los medios públicos son indispensables. Por su parte el presidente de la república, Andrés Manuel López Obrador durante la llamada mañanera externó no saber sobre la situación y declaró. "No se van a debilitar a los medios públicos, van a ajustarse los medios públicos para que también haya austeridad, pero sí son trabajadores que cumple una función se les va a respetar".

Desde Indie Rocks! mandamos todo nuestro apoyo al IMER.

Lust for Youth — Lust For Youth

Urgente pop de una juventud desolada.

Amor. Necesidad. Urgencia. Preocupación. Dolor. Desesperación. Desinterés. Guitarras. Teclados. Pop. Decepción. Pet Shop Boys. Oscuridad. New wave. Actualidad. Vida. Muerte. Universo. Microorganismo. Tristeza. Llanto. Alegría. Lujuria. Rencor. Armonía. Error. Insultos. Miseria. Perversión. Eurodance. Felicidad. Dios. Explicación. Misterio. Desamor. Clima. Egoísmo. Fascismo. Tiranía. Inundación. Tecnología. Ayuda. Olvido. Miedo… el diccionario de palabras que propone y sugiere el nuevo álbum de la banda formada en Dinamarca, Lust For Youth, se origina en una preocupación general que es posible rastrear en la geografía musical del orbe, sin importar el género al cual esté anclado. Hay un consenso, el mundo y el individuo están girando fuera de su eje, se encuentran en medio de una crisis, en un punto de quiebre, un clímax narrativo en donde intervienen factores morales, psicológicos, emocionales, económicos, políticos y sociales. Una era inestable que se descubre cuando hacemos conciencia de ello.

Si una ramificación del fascismo se ha instalado en algunos países con consecuencias como la intolerancia hacia el inmigrante, el abandono de la otredad, recortes presupuestales a los sistemas estatales, una política miope hacia el cambio climático, nula visión a la sobrepoblación y la arquitectura de un nuevo espacio, entre una veintena de otros puntos drásticos, también el aislamiento del individuo ha crecido con resultados preocupantes, la depresión y ansiedad como enfermedades silenciosas y poco atendidas, así como la intolerancia hirviendo en redes sociales y la adicción a las series televisivas. Estas son las “grandes preocupaciones” de las que habla la banda en su sexta y homónima producción, Lust For Youth.

En sus 36 minutos que abarcan los ocho cortes, el ahora dúo que forman Hannes Norrvide y Malthe Fischer se muestra sólido y eficaz en el electro pop de corte ochentero que han ido puliendo desde International hace cinco años. Alejado ya del sonido cuasi drone, de las atmósferas viscosas y del ambiente oscuro, galopa más rápido en un movido y pegajoso eurodance, y desde ahí Lust For Youth suelta tres cañonazos guiados por una guitarra que marca la agenda, “Great Concerns”, “Adrift” y “By No Means”, conectados con el sonido de Pet Shop Boys y su beat adictivo. Un sentir de frescura y diversión. En sus letras abundan las ansiedades modernas, el temor a la soledad, la indiferencia del entorno y la desesperanza hacia el futuro.

El álbum es también un paso hacia adelante de una banda que ha ido experimentando con su propio sonido desde el origen, las referencias al pasado cada vez son menores, y en cortes como “Insignificant” y “Adrift” desatan los cables de los synths y dejan que ellos tomen el control, prolongando la música hacia un horizonte lejano. ¿Hacia adónde podríamos mirar cuando el presente es desangelado? Hacia el frente, hacia arriba, a lo lejos, en un estado de euforia, galopando como marcan los beats del proyecto danés. El acierto es la consistencia de cada tema, el sentido circular y la potencia. Parece mentira que las letras puedan ser de carácter existencial en medio de la alegría de algunas canciones tan rápidas, tan urgentes, desesperadas por abrirse paso, por romper, por cruzar, tan desesperadas como lo estamos cuando ansiamos ver a nuestros padres, amigos o amores y corremos hacia ellos. Tan desesperadas como a veces nos podemos sentir en una convulsiva vida. Si Compassion fue la transición de synth pop, en este álbum se edifica ese puente. ¿Podríamos llamarlo Eurowave? Una oleada que nos arrastra. Una oleada que nos empuja con mucha fuerza en “Great Concerns” desde su primer riff. Tras el intro atmosférico nos posee, nos involucra, nos lleva, nos guía.

El detalle de este álbum es la brevedad, la extensión del alivio, la prolongación de la cura, el tiempo de sanación. El álbum no concluye lo que abre, no cierra la totalidad, deja espacios sin rellenar. El atino de International era su orden y duración. En Lust For Youth no han cicatrizado las heridas, no ha concluido la idea, el concepto no se ha establecido del todo, el diccionario aún sigue abierto y los ocho cortes ya han finalizado. “By No Means”, el encargado de terminar, es dopamina en extremo, una revolución de pop agitándose en las piernas y los brazos, subiendo hacia el cerebro, viajando por la sangre. Es explosión. Emoción. Sentimiento. Amor. Desamor. Tristeza. Soledad. Angustia. Ansiedad. Depresión. Pop. Pop. Pop. Energía. Urgencia. Desesperanza. Esperanza, esperanza, esperanza, porque esa no nos la va a quitar nadie y por el contrario, álbumes como este, nos la da.

Entrevista con Black Flag

Mike V de Black Flag: Más allá del hardcore.

Greg Ginn, guitarrista, compositor y cantante, ha dicho en reiteradas ocasiones que Black Flag se trata de las canciones. Es verdad que durante algún tiempo, los policías norteamericanos estaban alertas cuando veían algún afiche que pregonara la visita de la banda a las ciudades. Poco a poco, el fenómeno de Black Flag fue asociándose a presentaciones legendarias que terminaban con problemas con la ley, movilizaciones masivas de jóvenes que atacaban lo que simbolizaba la autoridad. El hazlo tú mismo encumbrado. Y a pesar de que sí, se trate de las canciones, Greg Ginn también dice. “Black Flag se trataba de saltar de la cornisa y hacer las cosas”.

El próximo 28 de junio del 2019, Black Flag se estará presentando en la CDMX y tuvimos la oportunidad de platicar con Mike V, quien es el encargado de los ya míticos micrófonos de la banda.

Mike Vallely es una persona ocupada. Si buscas su biografía, encontrarás que es patinador, músico, actor, personalidad de la TV, doble de películas y jugador de hockey, además de padre de familia. “Creo que todos tenemos la capacidad para encontrar tiempo para las cosas que nos importan y por las que tenemos pasión. Tienen que hacer sentido, financieramente, a la par de otras responsabilidades. Soy capaz de sortear las cosas. Greg y yo somos grandes amigos y su música es muy importante en mi vida, me preguntó si quería salir de tour y cantar sus canciones. Eso hizo sentido y estoy muy emocionado de hacerlo”, dijo Mike.

Black Flag goza de un peldaño importante cuando se habla de bandas influyentes. Algo así como The Velvet Underground de los ritmos más frenéticos. Cuando le pregunto a Mike si cree que en la actualidad siguen sirviendo de inspiración, responde. “La música sigue siendo relevante. Es vibrante. No está atrapada en el tiempo. Tal vez muchas de las otras bandas que vinieron al mismo tiempo que Black Flag, ya sabes como el punk rock y esas cosas, no toda la música sigue viva. Quizá te siga gustando escucharla y te traiga buenos recuerdos, pero la música de Black Flag sigue viva. Si la descubres en este momento te hablaría porque no está encapsulada en el tiempo, entonces, los nuevos músicos, los fans más jóvenes o cualquiera que tenga exposición a su música, puede ser afectada emocionalmente por ella porque son grandes canciones, pasaron la prueba del tiempo”.

A la par de su influencia en otras bandas, existe un simbolismo importante en el aura de Black Flag. ¿Tenían un mensaje? ¿Lo siguen teniendo? Mike responde. “Tendrías que preguntarle a Greg —porque no soy el cantautor— acerca del mensaje y no da entrevistas, entonces buena suerte. No sé si Black Flag tenga un mensaje necesariamente pero es muy fácil de identificarte. ¿Cuál fue la primera canción de Black Flag lanzada? 'Nervous Breakdown'. 'Estoy a punto de tener un ataque de nervios, mi cabeza realmente duele, si no encuentro una manera de salir de aquí, voy a enloquecer'. Ahora, ¿quién no se puede identificar con eso? Todos en algún momento de nuestras vidas nos hemos sentido así. Creo que Greg encontró la manera de relacionarse directa y literalmente. Además de la energía de las canciones, simplemente se las arreglaron para crear música que no existía antes y que se erigía por sí misma. Son canciones escritas maravillosamente, sin encasillarlos en hardcore o punk rock, son simplemente grandes canciones. Black Flag es mucho más grande que los géneros a los que han sido atados, van más allá de esos estilos”.

Mike Vallely parece ser un hombre que cumplió un sueño. Ahora es vocalista de una banda por la que sintió inspiración temprana. Cuando me cuenta de la primera vez que escuchó a Black Flag, hay cierta ensoñación que viene con el recuerdo. “Tenía 14 años, era septiembre de 1984 en mi secundaria. Había un muchacho ya sabes, diferente, con el estilo del punk rock. Me acerqué a él porque quería ser su amigo y me dio un cassette y la primer canción del casete era 'Rise Above' de Black Flag. Estaba muy emocionado de descubrir nueva música, pero no tenía idea de que iba a escuchar algo que me cambiaría la vida. Cuando puse esa cinta y empezó esa canción, incluso antes de que empezaran las vocales, la música, la introducción, el sonido de la guitarra y la energía en ella no sonaba como algo que hubiera escuchado antes. Era la primera vez que escuchaba música que me hablaba a mí. Que sentía que esa música estaba escrita para mí. Que entendía esa música, que me identificaba con ella. No era algo que se sentía lejano como el rock de estadio, lo sentías inmediato, te sentías importante y con accesibilidad. Y luego empezó la voz y voló mi cabeza. La agresividad, la energía y luego el coro, ¿sabes? 'Rise Above' para un adolescente de 14 años esto era algo muy importante. Muy importante. Entonces claro que lo recuerdo y cambió mi vida y es la mejor música que jamás he escuchado”.

Acerca de la distribución y descubrimiento de música actualmente, dice que él solo escucha Spotify, pero las mismas canciones de siempre. “Tal vez solo soy viejo y me gusta lo que me gusta y no quiero proyectar esta forma en la que soy con nadie más”, dice. Sus hijas descubren más música que Mike V.

En cuanto a los planes de Black Flag, comenta. “Ahorita solo vamos a girar. Greg y yo tenemos una gran relación, no tenemos planes inmediatos de sacar un disco. nos enfocaremos en los viajes en el tour, en tocar los mejores shows que podamos. Aunque tocamos las canciones viejas del catálogo de Black Flag creemos que podemos darles una energía correcta y un espíritu correcto y esperamos que sean expansivas y que la gente se pueda identificar con ellas y no solo las vean como viejas canciones. Claro que todo el mundo viene a escuchar justo eso, pero queremos inyectarles vida y no solo tocarlas como sonaban en los discos, sino realmente tocarlas en el momento, no solo estamos interpretando, sino darles la oportunidad de ser libres, de que vayan a donde quieran ir, liberar las canciones. y creemos que así, vamos a dejar a la audiencia en un mejor estado que como los encontramos, no queremos que solo digan 'ok ya los vi, puedo quitarlos de mi lista de pendientes', queremos que la gente tenga una experiencia, queremos tener una experiencia compartida con nuestro público”.

Entrevista con American Sharks

Entre el rechazo a las políticas culturales tomadas por el gobierno de Donald Trump, la depresión post tour y el apoyo a artistas visuales, American Sharks reafirma el valor musical de Austin. 

Por el número y la relevancia de los festivales –basta recordar el SXSW–, así como por la popularidad turística de la Dirty Sixth Street y la variedad de clubes nocturnos –ejemplo de ellos The White Horse y King Bee Lounge–, se considera a Austin como la capital mundial de la música en vivo y como sede de bandas de psych rock que buscan dar resonancia al legado de 13th Floor Elevators. 

Por supuesto el valor cultural de Austin va mucho más allá de lo que Terrence Malick retrató en las escenas de Song To Song (2017), pues además de ser un sitio referente para la trayectoria artística de Iggy Pop y John Lydon, alberga proyectos independientes que buscan dar continuidad a las tradiciones musicales de la región. A la par de la toma de la batuta del soul por parte de Tameca Jones y Jackie Venson, el trío conformado por Nick Cornetti, Will Ellis y Mike Hardin se presenta como “un combo de Black Sabbath, Motörhead, The Stooges y Mutoid Man”.

Desde la perspectiva de los integrantes de American Sharks, lo más característico de la escena musical de la capital texana es que. “A pesar de que la mayoría de las bandas fija como meta el psych de mediados de los 60, cada una tiene su propia vibra. Hay muchos grupos de punk y metal, pero cada quien con lo suyo”. 

Además de estar de acuerdo con las descripciones de Bearded Gentlemen Music y Rock n’ load -a punk cum metal band Nick y Will declaran que el ADN de American Sharks estaría incompleto si se omitieran la depresión post tour y el balance entre el espíritu fiestero y el compromiso que tienen con su público.

“Enfiestamos muchísimo. No podemos evitarlo, así comenzó la banda. Eso sí, cuando estamos de tour no podemos enfiestar tanto ni todas las noches. Tenemos una responsabilidad con las personas que nos van a ver. Tratamos de mantener una relación de 50/50”.

A diferencia de lo que sería para otros músicos (por ejemplo, Jamie Hince) “el momento más anhelado”, volver a la rutina -que para ellos significa dormir en su propia cama y sentarse a tomar una copa de vino con tranquilidad- se presenta como una transición complicada pues implica “no ver a tanta gente “ y, por lo tanto, “no compartir de forma colectiva la energía a la que se vuelven adictos durante tres meses”. 

“Volver a casa puede ser algo duro o al menos lo es para nosotros", expresa Will quien -al igual que sus bandmates- considera que el mayor privilegio de la música como profesión es la conexión que establecen con personas de distintas partes del mundo.

“Nos consideramos afortunados por viajar mucho y conocer personas que nos dan su opinión y comparten sus ideas. Siempre encuentras a alguien que vale la pena. Estamos seguros de que si nos dedicáramos a otra cosa, nuestras oportunidades de conectar de manera tan íntima serían muy pocas. Definitivamente la situación no sería similar a la que tenemos actualmente”.

A seis años de "Iron Lungs" y "Demon With Glass Sword"

Durante los últimos meses, los integrantes de American Sharks empalmaron sus salidas nocturnas con el acompañamiento a RED FANG y Black Elk en los escenarios y la escritura de las nueve canciones de 11:11 (2019). Al aludir al título del track final de su álbum debut, el trío adoptó “una visión más de estudio”. A diferencia de American Sharks (2013), la producción de temas como “KLUDU” y “The Fear” ya no se guiarían (exclusivamente) por la suerte de “poner todo en un CD”.

“Muchas cosas pueden surgir a partir de una broma. Después de Monster Baby and The American Sharks tomamos la decisión de formar nuestra propia banda. Comenzamos con cinco canciones en fiestas en donde solo había agua y cerveza. Nos tomamos las cosas en serio y cuando vimos la respuesta por parte del público, supimos que era tiempo de agendar fechas y pensar en algo que se acercara un poco más al formato de un álbum”.

Con el apoyo de The Ending Records, Nick, Will y Mike ampliaron su biblioteca musical a mediados de mayo. Además de la edición en vinilo, la promoción de 11:11 estuvo acompañada de un constante recordatorio: La merch es importante, ya que no solo es una forma de financiamiento, sino también sirve para apoyar el trabajo de artistas locales. “Para nosotros, la venta de camisetas y otros artículos (el más reciente es el weedwizard7) es una forma de compensar el consumo de nuestra música a través de servicios como Apple Music y Spotify”.

Por su parte, los integrantes de American Sharks no se asumen como una banda que “reserva mucho tiempo para charlar sobre cómo debe ser la imagen”. Para preservar su estilo -mismo que rescatan “no puede ser tan serio ni furioso”- suelen recurrir al trabajo de artistas que conocen la estética urbana o con los que mantienen una relación de amistad, tal es el caso de Johnny Akihito y Becky Cloonan.

Con Trump como presidente, ya no fue lo mismo llamarse American Sharks

Dentro de un ambiente hostil hacia el crear artístico, el trío considera que una de las formas de lidiar con las partidas presupuestarias en la administración de Donald Trump (por ejemplo la supresión del financiamiento federal a los Programas Nacionales para las Artes y las Humanidades ) es el apoyo mutuo entre músicos, artistas visuales, diseñadores y gestores culturales, ya que a partir de este “la burbuja de rechazo al mandatario puede ser más grande”. 

Para ellos, después del 20 de enero de 2017 llevar en su nombre uno de los adjetivos más comunes de los discursos de los republicanos “ya no resulta divertido”, pues ya no están seguros de que exaltar la bandera de los Estados Unidos sea algo de lo que se pueda estar orgulloso. “En algún momento pensamos quitar el American. No es agradable vivir en un país en el que cada día sucede algo malo. Nunca estuvimos ni estaremos de acuerdo con Donald Trump o con el partido. Es una mierda lidiar con personas con esa mentalidad. Austin es como una burbuja, pero la mayor parte de Texas lo apoya”.

(***)

Durante sus visitas, los integrantes de American Sharks tratan de ser cercanos a las personas y los lugares. Recuerdan sus entrevistas y los espacios en los que tocan las canciones favoritas del público - entre ellas "Overdrive", "Let Me Go" y "Spare The Rod"-. La mayoría de las veces logran establecer una relación entre los clubes extranjeros y los locales. Al visitar el Caradura, no dudan en compararlo con el ambiente del Nightly Spirits.

"Nos gusta este lugar porque se parece a algunos de los pubs de Austin, la capital mundial de la música en vivo".

King Gizzard and the Lizard Wizard comparte "Organ Farmer"

Como parte de su próximo material, King Gizzard and the Lizard Wizard se pone rudo en su nuevo sencillo.

Luego de dar a conocer Fishing for Fishies, la banda australiana King Gizzard and the Lizard Wizard ha revelado que liberará un nuevo material titulado Infest the Rats’ Nest’ en el que incursionarán en el trash metal. La fecha de lanzamiento será este 16 de agosto a través de Flightless Records.

Es por eso que se ha liberado el sencillo y el videoclip "Organ Farmer", en el que podemos ver a los integrantes llenos de tatuajes en el cuerpo mientras destruyen un auto y son parte de una fiesta bastante salvaje, esto bajo el lente de John Angus Stewart.

Dale play a continuación:

Sobre este nuevo proyecto Stu MacKenzie declaró. “Cuando tenía cuatro años un niño mayor de mi colegio escuchaba Rammstein, me hice amigo de él e hicimos una actuación donde tocamos ‘Du Hast’. Esa fue mi introducción al heavy metal y pronto Rammstein me condujo a Slayer, de Slayer a Kreator y después a Sodom".

El nuevo LP ya está disponible en preventa en el sitio web de la banda.

Bleached estrena “Rebound City”

Por Guillermo Muñoz

“Rebound City” se desprende de la próxima producción discográfica de Bleached, la cual se estrena el siguiente mes.

Bleached, la banda estadounidense de punk rock y pop punk formada por las hermanas Jennifer Clavin y Jessica Clavin, nos comparte su nuevo single titulado “Rebound City”. Este sencillo estará incluido en su próximo material discográfico Don't You Think You Have Had Enough, el cual se estrenará el próximo mes 12 de julio a través de Dead Oceans.

A lo largo de la canción podemos escuchar una guitarra distorsionada que lidera toda la melodía, mientras que la letra nos relata diferentes encuentros románticos después de pasar por un rompimiento amoroso, claro, sin dejar a un lado las consecuencias que conllevan estas decisiones.

“Esta canción es una pequeña historia de los errores que he cometido… excepto que no hay errores, todas son lecciones. No hay arrepentimiento. Escúchala a alto volumen!”, afirma Jennifer Clavin.

Aquí abajo te dejamos el nuevo sencillo para que lo escuches.

Aquí te presentamos la portada y el tracklist de este nuevo álbum que está por estrenarse.

Dont You Think You Have Enough? Tracklist

1. "Heartbeat Away"
2. "Hard to Kill"
3. "Daydream"
4. "I Get What I Need"
5. "Somebody Dial 911"
6. "Kiss You Goodbye"
7. "Rebound City"
8. "Silly Girl"
9. "Valley to LA"
10. "Real Life"
11. "Awkward Phase"
12. "Shitty Ballet"

TOP 10: Discos que cumplen 20 años en 2019

¿Tus gustos musicales siguen siendo los mismos ahora que hace 20 años?

Hay quienes consideran que 1999 fue el mejor año para la música, ya que había una gran variedad de temas que sonaban en cada rincón del mundo. Seguramente recordarás a los Backstreet Boys, Lenny Kravitz, Pearl Jam, entre otros artistas que formaron parte de ese año.

Para refrescarte un poco la memoria, hemos preparado un TOP 10 de los discos que cumplen 20 años de haber sido lanzados. Prepárate, porque lo que sigue, viene lleno de grandes éxitos que efectivamente, marcaron el final de una década.

Play de Moby

El quinto álbum de estudio del compositor estadounidense, Moby, fue lanzado en la primera mitad de 1999. Este material fue su primer éxito total, tanto, que fue escuchado en televisión, cine y comerciales. Recordarás de este gran LP, temas como: "Porcelain", "Natural Blues", "Why Does My Heart Feel So Bad?". Te compartimos a continuación el álbum completo par que puedas disfrutar cada uno de estos temas:

13 de Blur

El grupo británico, liderado por Damon Albarn, estaba lanzando hace 20 años su sexto álbum de estudio. Uno de los proyectos más importantes para Blur, ya que significó un cambio en los sonidos tradicionales para innovar con la música experimental, la electrónica y la psicodelia. Además, significó la partida de su productor Stephen Street, para darle la bienvenida a William Orbit. Un LP, que habla sobre el amor y su pérdida. Si quieres ponerte romántico, te recomiendo que lo hagas al ritmo de este gran álbum:

Miami de Babasónicos

El 23 de abril de 1999 fue un día que cambió por completo a la banda argentina de rock ya que, con su quinto álbum de estudio, definió el estilo musical que le conocemos actualmente. En 18 canciones Babasónicos realizó una sátira social a los problemas que vivía Argentina en aquella década. Da play a continuación para escuchar este cambio tan revolucionario:

Enema Of The State de Blink-182

Todos hemos escuchando hablar por lo menos una vez sobre este emblemático álbum de la banda estadounidense, Blink-182. Producido por Jerry Finn en California, este material mostró la salida del baterista Scott Raynor, quien fue sustituido por Travis Barker. Un proyecto que llevó a los videos musicales de sus sencillos a posicionarse como los favoritos de MTV. Escucha ahora "All The Small Things", y otros de los grandes temas que conforman este LP:

The Fragile de Nine Inch Nails

La tristeza que este álbum refleja quizá no es la misma que en otros discos de la banda estadounidense, lo que sí es verdad es que rompió todas las expectativas de los fanáticos de Nine Inch Nails. Un álbum doble que inicia con el final, y termina con el principio, el cual definió Trent Reznor como: "Una temática de cosas cayendo". No temas escucharlo y piérdete un rato en el ruido de las guitarras de "We're In This Together":

Make Yourself de Incubus

El segundo semestre de 1999, trajo consigo el tercer álbum de la banda liderada por Brandon Boyd, quien en 13 canciones, consiguió que sus fanáticos los identificaran por sus nuevos sonidos y por tener una mejor producción musical. Temas como "Drive""Pardon Me" llegaron a estar entre los tres primeros lugares del Billboard. A continuación te compartimos el álbum completo para que puedas escucharlo:

Californication de Red Hot Chili Peppers

El séptimo álbum de la legendaria banda de rock alternativo se hizo presente, un LP producido por Rick Rubin que marcó el regreso del guitarrista John Frusciante a la banda. Un álbum de grandes éxitos que muestra en cada uno de ellos, emociones y sentimientos encontrados. El material más vendido de Red Hot Chili Peppers con 16 millones de copias alrededor del mundo. Revive este gran proyecto escuchándolo ahora:

The White Stripes de The White Stripes

El proyecto conformado por Jack y Meg White, lanzó hace 20 años su álbum debut a través de Sympathy for the Records Industry. Un LP de 17 canciones que mostraba una interesante propuesta musical de blues y garage rock. "Todavía siento que no hemos rematado nuestro primer álbum. Es el más crudo, el más poderoso y el álbum más Detroit de sonido que hemos hecho", comentó para un comunicado de prensa Jack White. Descubre a continuación todos los temas que conformaron este álbum:

Surrender de The Chemical Brothers

El tercer álbum de los oriundos de Manchester llegó con un proyecto interesante lleno de colaboraciones con las voces de: Noel Gallagher, Jonathan Donahue, Bernard Summer, Primal Scream, entre otros. Un disco donde la electrónica se hizo presente en temas como "Hey Boy Hey Girl". Te compartimos a continuación este LP que te pondrá a bailar.

Slipknot de Slipknot

Es el primer álbum de la banda estadounidense que marcó en cada tema la esencia de la agrupación al ritmo del metal alternativo. Bajo la producción de Ross Robinson, Slipnknot logró con este proyecto posicionarse en el número 51 de la lista Billboard 200 y obtener un doble platino. Adéntrate en el mundo de Corey Taylor y su banda escuchando completo este disco: