Latin Alternative Music Conference (LAMC) 2021

Posted on mayo 5, 2021 by -

Conoce los detalles de la conferencia que reúne a diversos exponentes de la música latina.

Del 4 al 7 de mayo se lleva a cabo LAMC (Latin Alternative Music Conference), evento organizado por Industria Works y que, desde el año 2000, ha logrado reunir a diversos expertos en materia musical de Latinoamérica. En esta edición podrás ser testigo de una serie de paneles, talleres, showcases y diversas actividades de aprendizaje.

Día 1: Wonder Women of Latin Music

Tras el éxito durante la primera edición del Latin Alternative Music Conference (LAMC), el panel Wonder Women of Latin Music fue una de las actividades más esperadas durante el primer día de jornada. A lo largo de 60 minutos, referentes de la industria musical en países de habla hispana compartieron algunas de sus experiencias.

Como apertura, Gabriela Martínez (Warner Music Latin America) recordó que “el hacer musical no se limita a los escenarios o a la propia creación como compositores y cantantes”. La participación de las mujeres incluye la tutela y guía para aquellas chicas que aspiran a ocupar los espacios de toma de decisiones en sellos discográficos, festivales y distribuidoras de contenidos. “El camino no es sencillo; implica hacer sacrificios y aprender a pedir ayuda”, señaló María Fernández (Sony Music).

Si bien el tema central era la denuncia de la estructura male dominated, las panelistas optaron por concentrarse en la importancia del tejido de alianzas entre mujeres. De acuerdo con María, “tiene que ver con una forma distinta de pensar la organización”. Durante su intervención, Sandra Jiménez (YouTube) expresó que “la diversidad debe ser una estrategia transversal”, pues en los países de América Latina la paridad y las condiciones laborales igualitarias siguen siendo un tema pendiente. “Sin duda hemos avanzado muchísimo, pero todavía hay muchos asuntos que atender. Por ejemplo me sigue pasando que en las reuniones soy la única mujer”.

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En concordancia con la observación de Jiménez, Alicia Arauzo (Universal Music España) declaró que “es necesario repensar la industria desde sus propias raíces”. Según apuntó, es fundamental que las instituciones educativas fortalezcan planes de estudio y programas de apoyos económicos. Esto con la finalidad de que “desde jóvenes tengamos presente que es posible hacer equipos entre nosotras”. “La apuesta es transformar los modelos de negocio”, aseveró Jiménez.

Como moderadora, Laura Tesoriero (The Orchard) problematizó la recurrencia del síndrome del impostor en las profesionistas que forman parte de dicho sector cultural. “Es una situación que nos atraviesa a todas”, manifestó Arauzo. “Es muy común que pensemos que nuestros puestos dependen de la suerte y no de nuestras capacidades”. Frente a prácticas violentas como el mansplaining, Gabriela González (ASCAP) subrayó la necesidad de “hacer equipos que trabajen desde la empatía, seguridad y confianza”.

Para finalizar, las especialistas expresaron que “en algún momento de su carrera también sintieron que todo se debía a la casualidad de las situaciones”. No obstante, consideran que esta falacia explica el porqué de la existencia de las alianzas de mujeres: todas necesitamos a una mentora que nos recuerde quienes somos y lo que hacemos.

Día 2: Afro-Latino!

La influencia de la música afro-latina existe en cada rincón del mundo y, actualmente, toma fuerza gracias a la combinación de otros géneros que dan como resultado un sonido innovador y propositivo. De esto y mucho más se trató Afro-Latino!, una charla a cargo del reconocido guitarrista, compositor y productor, Carlos Alomar, quien ha trabajado con músicos de la talla de David Bowie, Paul McCartney, Mick Jagger, Iggy Pop y Soda Stereo.

Para mí esta cosa de afro-latino no estoy seguro si es algo de raíces o de actitud. Una vez David Bowie dijo ‘Conoci a este negro se llama Carlos, mira que ritmo tiene, quiero trabajar con él, que funky es’. Me da confusión, pero no en mí mismo”, inició Alomar. 

Por su parte, Sergio George, pianista y productor, platicó sobre sus influencias originadas en un barrio latino, en Manhattan, en la Ciudad de Nueva York. “Yo no conocí nada blanco, me crié un mundo muy negro pero me identifico con todas las culturas”.  

Pero… ¿Hasta qué punto el ser latino abraza lo negro? “Ese afro-latino es tan conocido, ahorita el término se está volviendo más usado pero en Colombia hay mucho camino por recorrer'', respondió Akapellah.

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Aunque todos sabemos que la música no es una cuestión de piel, el racismo es una triste realidad. “El racismo existe en tu posición social. En Cuba, por ejemplo, se dice mucho ‘un negro con dinero es más o menos rubiecito’”, expresó La Dame Blanche, compositora con raíces afro-cubanas que combina beats de hip hop, trap, reggae con reggaetón.

Finalmente Fidel Nadal, ex líder de Todos Tus Muertos y Lumumba, habló sobre raíces. “La esclavitud fue algo terrible, murieron un montón de personas. Argentina es un misterio porque, a comparación de otros países, podés decir que hay un porcentaje menor de negros. Eso es raro porque en Buenos Aires llegaban cientos de miles de negros, entonces todo el mundo se pregunta qué pasó. Mi familia negra fue traída de la esclavitud”.

Showcase: Sounds from Spain

La música no puede faltar, y para dar casi por terminado el segundo día de LAMC, el host Raúl Campos nos presenta Sounds from Spain, una serie de seis showcases en los que participan grandes exponentes de España, tales como Love of Lesbian, Paula Cendejas, Baiuca, Astola y Ratón, La Selva Sur y Amber Figueroa.

Uno a uno fueron tocando a su estilo sus grandes éxitos; quien marcó el inicio fue Love of Lesbian, que aunque recientemente lanzó el LP V.E.H.N., no compartió ninguna nueva canción, por el contrario, complació a los espectadores con canciones como “Allí Donde Solíamos Gritar”, “Belice”, “Club de Fans de John Boy” y culminó con un cover para “Afuera” de la banda mexicana de rock, Caifanes.

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Luego de esta presentación los shows acústicos no pararon y la encantadora voz femenina de Amber Figueroa y Paula Cendejas se vieron acompañadas por una guitarra y teclado, esto para interpretar temas como “Sabaneta” y “Encantados”.

Por su parte, Astola y Ratón y La Selva Sur demostraron que a pesar de contar con una gran cantidad de integrantes, pueden fusionarse en uno solo y ofrecer resultados espectaculares con los elementos musicales básicos. Ambas bandas compartieron canciones como “Ermitaño” y “Pobre Gente Rica”.

Para cerrar este capítulo de sonidos españoles, Baiuca ofreció una presentación al aire libre, donde mostró completamente que la contemporánea música gallega está presente y no tiene problema al potencializar con las influencias actuales para crear una mezcla con la música electrónica. 

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Día 3: Rompan Todo Y Ahora Qué?

A finales del año pasado llegó a través de Netflix, Rompan todo: La historia del rock en América Latina, un documental presentado por Red Creek Productions. El concepto se centra principalmente en la (contra) cultura del rock y su influencia por Latinoamérica. A meses del lanzamiento, parte del talento y producción involucrado en este proyecto se reunió en Rompan Todo y Ahora Qué? un panel moderado por José Tillán (The POPGarage).

Durante la conversación se cuestionó entre todos los involucrados, (Julieta Venegas, Andrea Echeverri, Enrique Blanc, Nico Entel y Juan de Dios Balbi); el registro de este proyecto audiovisual y las historias que han venido póstumo a su publicación. Andrea Echeverri sostiene que uno de los mensajes más bonitos que le dejó el proyecto fueron las ganas de seguir descubriendo música, "a uno le dan unas ganas de escuchar una cantidad impresionante de música", comentó.

Hablar de Rompan todo: La historia del rock en América Latina es explicar la construcción de una cultura que se creó en respuesta a los problemas políticos de América Latina. Es observar a las diferentes figuras que han logrado trascender en la industria. Tillán cuestionó si había manera de comparar el movimiento actual con el de hace 30 años. Las respuestas fueron variadas, pero siempre apuntando al amor y pasión que tienen por la música.

Rompan todo y qué? LAMC

Para mí cuando decís rock me remite a una época donde la música era mucho más derivativa de lo anglo y una de las cosas que privilegiamos en el documental es que lo que quisimos contar era la adopción de un lenguaje mucho más propio y mucho más mestizo. Quizá el trabajo de todos los participantes no necesita del adjetivo rock", comentó Entel.

Ser músico y audiencia de rock siempre representó peligro. Ahora el género es una especie de actitud y cuando se trata de hablar del rock en tu idioma todo queda disperso: “es una etiqueta que ya se gastó tanto, que es posible llamarla de otro modo”, comenta Julieta Venegas.

El panel cierra con un cuestionamiento sumamente interesante, ¿En qué se deben de enfocar los músicos? ¿Hablar sobre sus vivencias los vuelve egoístas? Más bien, hay que crear un balance entre lo que ellos piensan-sienten y describir en sus composiciones los problemas actuales del mundo.

A 15 años del 'Stadium Arcadium' de Red Hot Chili Peppers

Posted on mayo 5, 2021 by -

Otra perfecta maravilla.

A 15 años de su existencia, muchas cosas se han dicho del Stadium Arcadium. Entre los apelativos más destacados están “indulgente”, “excesivo”, “redundante”, “sobreproducido” o los más favorables, como “visionario”, “electrizante,” “espectacular” y “obra maestra.” Incluso lo llegaron a llamar “el equivalente en música a King Kong de Peter Jackson” por todo lo mencionado anteriormente. El consenso se resumía en que el disco era o una cornucopia de éxtasis sónico o una prueba de resistencia. De cualquier manera, escucharlo es una experiencia agotadora, sí, pero altamente gratificante en muchos aspectos.

Stadium Arcadium nos muestra al cuarteto de California en su faceta más inspirada y vigorosa. Después de básicamente resucitar a John Frusciante de una casi muerte anunciada con el devastador tsunami rockero que fue Californication (1999), empezaron a ejercitar músculos líricos y musicales poco explorados anteriormente en By The Way (2002). Anthony Kiedis ya exploraba la madurez plena en sus versos (aunque, afortunadamente, no demasiado), pero la influencia melódica de Frusciante empezaba a opacar al resto de los aspectos principales de su sonido, muy a pesar de Flea y de Chad Smith. Después de muchos acordes y desacuerdos, las bases de Frusciante se reencontraron con la esencia funky del conjunto, comenzando a darle su forma definitiva a este disco.

Para su composición y grabación, reclutaron de nueva cuenta a Rick Rubin para la producción y se reunieron de nueva cuenta en el mítico estudio The Mansion, donde le dieron vida a su ya legendario Blood Sugar Sex Magik (1991). Originalmente se tenía pensado crear un álbum breve, con canciones muy básicas y digeribles y muy al estilo de Meet the Beatles!. Terminaron sacando 38 canciones, gracias a la constante inspiración y vaivén de ideas que confabularon entre banda y productor. Un ejercicio de maximalismo que desafió las convenciones, al mismo tiempo que les recordaba a todos por qué el crear e interpretar como Chili Peppers era tan divertido, intoxicante y hasta poético.

El disco empieza con el cierre de la trilogía de su personaje Dani, aquella chica pobre y sureña que eventualmente se mudó a California para tener una vida endurecida por interminables vicios y demonios, que podría interpretarse con muchos paralelos a lo vivido por los integrantes. “Dani California” representa un mosaico del sueño americano atestiguado por miles de voces femeninas problemáticas que terminan perdiéndolo todo sin haber alcanzado una supuesta plenitud, acentuada por la casi industrial batería de Chad Smith, el intrínseco bajo de Flea, los rasgueos volátiles de Frusciante y las características letras de Anthony Kiedis con romanticismo decadente escondido entre rapeos desfachatados. Cada disco de los Peppers siempre muestra una crónica de cómo es vivir en California en el año respectivo, y el inicio del disco denotaba todavía una nostalgia por un desapego que seguía ocurriendo desde “Under the Bridge”, “Warped” o “My Friends”.

Eventualmente, comenzamos a asomarnos para ver pequeños microcosmos de estas sensaciones en cada canción, como si el disco fuese un avión sobrevolando el smog y sudor de la ciudad. “Snow (Hey Oh)” es un “dejar hacer, dejar pasar” a pesar de una sabiduría acumulada; “Hump de Bump” parece una fiesta en una cuadra o un alboroto espontáneo en el tráfico angelino, muy parecido al inicio de La La Land; “Slow Cheetah” recibe a la locura y el fin de la vida entre experimentos en reversa; “She’s Only 18” retrata la precocidad de la juventud sabelotodo que apenas y toca el timbre; “Strip My Mind” es otro lamento debajo del puente, pero con una mayor sensación de saborear lo dulce de la melancolía y “Wet Sand” los pone nuevamente en modo épico, despidiendo a amores pasados en las playas de Venice Beach.

Y esa es solamente la primera mitad. Tomamos un breve descanso para llenar el tanque y abrumarnos con la belleza delicada de “Desecration Smile”. “Tell Me Baby” es otra parada divertida y tierna para llevarnos después a una propuesta de matrimonio con percusión africana y guitarras infinitas en “Hard to Concentrate”; quizás de lo más vulnerable y honesto que ha compuesto la banda. La travesía sigue oscilando entre lo dinámico y lo meditativo, con “21st Century” y “Make You Feel Better” brindando grandes contrapuntos de energía con “She Looks to Me” o la desgarradora “Death of a Martian”, escrita como tributo al amado perro de Flea.

En su salida, Stadium Arcadium alcanzó grandes ventas, opiniones encontradas y varios reconocimientos, incluyendo el Grammy al Mejor Disco de Rock. Sería también el último en donde participaría activamente Frusciante como miembro fijo de la banda, para partir nuevamente y ceder la batuta al enormemente talentoso Josh Klinghoffer, que reinventaría el sonido de la banda de manera más reservada y enigmática. Pero los dioses musicales volvieron a confabular y nos dieron el regreso de Frusciante a la banda en 2019. Con la inminente noticia de la grabación de nuevo material, la barra está más alta que antes, y está la incertidumbre de saber a qué sonarán ahora y si todo lo aprendido los llevará al siguiente nivel, si es que lo hay.

Al final, tanto la banda como sus seguidores concuerdan que Stadium Arcadium puede ser muchas cosas, pero al final es un testimonio a todo lo bueno —y lo malo— de la banda. Sonaban y seguirán sonando como aquellos chiquillos deschavetados que cantaban acerca de demonios en el semen o fiestas en vaginas o ponerse serios y filosofar acerca de cómo es ser una celebridad, un americano o, simplemente, un humano con el corazón en la mano que probablemente enfiestó demasiado la noche anterior e hizo cosas impensables. Y tienen una manera mística y mágica de que nada de eso suene incómodo, patético o fuera de lugar. Si eso no representa el espíritu de los Red Hot Chili Peppers, no sé qué lo sea, y a 15 años de su lanzamiento, Stadium Arcadium sigue siendo la máxima expresión de esta noción, para bien o para mal.

Entrevista con Wavves

Posted on mayo 5, 2021 by -

La música como medio de expresión.

Wavves se encontraba terminando una de sus tantas giras por el mundo, regresaba a casa y pleanaba los festejos del décimo aniversario del álbum con el que saltó a la fama, King of the Beach. Sin embargo, la pandemia tomó por sorpresa (como a todos) a la banda, que, a pesar del encierro y la cancelación de eventos, encontró una manera de sacar su frustración, creando nueva música y terminando un disco, el primer corte “Sinking feeling” es melancólicamente bailable y aborda el tema de la depresión, algo con lo que Stephen Pope, guitarrista de la banda se identifica.

Creo que es algo de lo que hablamos constantemente, por desgracia (risas), la mayoría de nuestras canciones hablan de ansiedad y depresión. Algunas veces cuando estas en ese estado, aunque no te sientas súper deprimido, estas muy inspirado y las palabras simplemente salen… Encuentro mucho más fácil expresarme en una canción que hablando con alguien, probablemente no es el modo más saludable de hacerlo, pero con la música puedo hacerlo”.

Esto último es una constante para Wavves, que encuentra en la melancolía una inspiración para escribir. En este caso y como muchas otras agrupaciones la banda compuso a distancia, aunque para Pope esto no es raro pues no son una banda que ame el jamming. Por cuestiones de logística (pues todos viven en lugares distintos) la agrupación se manda material que se revisa y se reenvía hasta tener el resultado deseado. Para este disco, aún sin título, dejaron ir otro, que lograron terminar durante el confinamiento, pero que no satisfizo a sus integrantes.

“Es una cosa colectiva que nos pasa, pero no lo sé nunca sabemos cuándo es 'el tiempo indicado', pero creo que después de estar de gira por un buen tiempo y de repente estar en casa, nos generó un estado de ansiedad, así que empezamos a grabar demos, pero no fue sino hasta dos meses después que nos empezamos a enviar material ida y vuelta entre nosotros, de esa manera fue que empezamos a grabar este último disco”.

Dave Sitek es el encargado de dar forma a este disco, sus integrantes lo consideran un miembro más y para Pope el secreto de un buen productor radica en que sea alguien que ponga “el corazón” en el proyecto, además de estar emocionado de trabajar en tu música. En el caso de este sencillo,que ya tenía 4 años de vida en forma de demo, lo que inició como una canción con más velocidad y ritmo, terminó en manos del productor quien le dio la forma que conocemos hoy y que empata mejor con la intención reflexiva de su compositor.

Para este nuevo disco que llegará este año, la banda también regresa a casa, pues esta placa saldrá bajo Fat Possum Records, que editó sus primeros trabajos y con el que esperan el algún punto regresar a los escenarios, aunque en palabras de Pope esto es algo aún muy lejano

Esperamos poder regresar a girar cuando eso sea una verdadera opción, no creo que alguien debería de salir de gira este año, no es completamente seguro. Creo que lo importante es avanzar en la vacunación y que esta sea distribuida de manera equitativa. Ojalá podamos hacer algunos shows este año, pero creo que el 2022 será un buen año para salir de gira”.

Como muchos de los músicos la agrupación se ha visto afectada por el paro laboral que la pandemia representa. Si bien es un problema mayor en estos tiempos, la situación ha sacado a flote el panorama de muchos músicos que deben encontrar otras formas de sustentar su pasión.

“Para la mayoría de los músicos, la única forma de generar dinero de manera constante era tocando en vivo, porque no puedes esperar a ganar algo del streaming, y de vez en cuando alguna compañía quiere usar tu canción. Espero que después de esto la gente le dé más valor al arte, porque a la fecha no conozco a mucha gente que pueda solo hacer música y vivir de ello, incluso para bandas mucho más grandes que nosotros”.

En el caso del bajista su situación se mantuvo estable gracias a que tiene otro trabajo de tiempo completo, como repartidor; Si bien no fue de su agrado la situación se siente afortunado de contar con otra entrada de dinero y por otro lado se lamenta la situación de muchos de sus compañeros de profesión que llevaban algunos meses e incluso años planeando giras para el 2020 que finalmente no se pudieron llevar a cabo.

El nuevo disco de Wavves llegará muy pronto, además de algunos otros adelantos antes de su salida. Con el esperan poder pisar nuevamente territorio mexicano “Hemos estado ahí varias veces tocando en la Ciudad de México y de manera más extraña e inesperada en Cancún (risas). No puedo esperar para volver y ojalá la gente de México este ansiosa también por vernos”.

Entrevista con Jessica Young y Brandon Kim de 'What drive Us'

Posted on mayo 5, 2021 by -

What drive Us, el documental dirigido por Dave Grohl que reúne a iconos del rock en una van.

Entrevistados por el mismo Dave Grohl, miembros de bandas como U2, The Beatles, Foo Fighters, Red Hot Chilli Peppers, AC/DC y Metallica contribuyen con historias de sus inicios como músicos en este nuevo documental que reúne, además, mucho material de archivo y divertidas anécdotas producido por Therapy Studios. 

Lo que caracteriza a este documental de muchos otros en los que ha trabajado o dirigido el líder de la banda Foo Fighters, es que se concentra específicamente en las vivencias que tuvieron las bandas mientras rodaban en sus camionetas desde sus inicios: cómo vivían en ellas, qué comían, cómo realizaban sus ensayos, qué complicaciones tuvieron y hasta momentos desagradables. Cómo abandonaron todo para irse de gira y dedicar su vida a la música y literalmente, rodar por ella.

En entrevista para Indie Rocks!, la directora de fotografía Jessica Young y el diseñador/mezclador de sonido Brandon Kim, nos cuentan cómo fue trabajar en este proyecto y la respuesta que esperan del público. 

Comenzamos a filmar en 2019, yo ya había trabajado en Sound City con Dave y en otros proyectos que tiene para HBO. Su mamá comenzó a escribir un libro sobre las mamás de rockeros (de donde salió mucho material e ideas) y después vino al que nosotros llamamos el Van Doc, en donde incluimos material que hemos recopilado en estos últimos años”, nos cuenta Jessica.

dave Grohl What Drives Us

El inicio de las carreras de grandes músicos reflejaba el poco presupuesto pero mucha pasión al componer y subirse al escenario y eso se demuestra en el documental. Con esto, los colaboradores de Grohl se sienten identificados: “Soy parte de Therapy Studios y ellos, así como Dave, siempre tienen proyectos. Dave nunca para, siempre está pensando en su siguiente proyecto mientras tiene en desarrollo otro. Trabajé con él en Sound City y Sonic Highways, en ese momento estaba como becario pero poco a poco me fui involucrando, Dave confió en mí y me fue llevando a sus proyectos” comenta Brandon Kim, agregado que la experiencia de trabajar en What Drive Us al lado de Grohl ha sido enorme, pues el músico le dio la libertad de trabajar a su ritmo.

Dave es muy divertido, es muy escandaloso y bromista, habla mucho pero es muy buen jefe (jajaja). Hicimos las primeras mezclas, las escuché una vez y me dijo -Ok, sigamos-. He trabajado tanto con él que he aprendido a conocerlo, este proyecto es para él muy especial y grande, por eso tuvo siempre una visión muy clara de lo que quería”.

Poder terminar el documental fue un reto para Grohl y su equipo de producción, aunque comenzaron a filmar en 2019, muchos detalles los fueron ajustando durante el 2020 con muchos cuidados y a veces a distancia. Escuchar los testimonios de St. Vincent, Slash, The Edge, Flea, Steven Tyler, Lars Ulrich y muchos otros artistas, incluso nuevos de los que poco hemos escuchado, nos conectan con sus inicios y también nos hace recordar lo mucho que se extrañan los conciertos en vivo. 

“Vimos el documental terminado y me pareció muy divertido y con un gran mensaje, como dices, también nos pone emotivos porque recordamos lo mucho que extrañamos la música en vivo. Como se muestra en el documental, a veces estás en una van, tocando para tres personas y al otro día en un estadio lleno de fans. Estas historias son muy íntimas y atesoradas por cada músico, por ejemplo, entrevistamos a una banda nueva que son tres hermanos que viajan en su camioneta y su papá es el chofer, lo cual nos parece súper cool. Cuando llegamos a entrevistarlos sacaron cervezas y todo, fue muy divertido”, recuerda Jessica. 

What Drive Us es un inside look de los sacrificios de los músicos y todo lo loco que hicieron para lograr el éxito en sus carreras y poder difundir su música en su país, así como las amistades que forjaron entre ellos. 

El documental se anunció por primera vez el año pasado tras la celebración con un tour por el 25 aniversario de la banda, el cual terminó siendo cancelado debido al COVID-19. Este año, además de estrenar What Drive Us por Amazon Prime (ya disponible en México) la banda originaria de Seattle, encabezará el Bonnaroo Music Festival, un festival de música que será uno de los primeros eventos presenciales a realizarse en septiembre de este año.

Conoce a Astronaut Project y su nuevo sencillo “Girl”

Posted on mayo 4, 2021 by -

Electro dream pop de Lima para el mundo.

El dream pop nace como una respuesta suave y meditada de nuestra sensación sonora interna, dejando suficiente lugar a la experimentación, instrumentaciones pocos usuales y una clara intención de confesión para dar a conocer las historias con las que cargamos. Astronaut Project ha sabido explorar y resginificar este género en toda su amplitud, entregándonos un sonido sincero desde la experiencia latinoamericana.

Astronaut Project (1)

Formado durante 2015 en Lima, Perú, el proyecto lidereado por Alberto Zegarra debutaba ese mismo año con su EP homónimo, brindándonos un primer acercamiento al sonido en formación de Astronaut Project; percusiones electrónicas con momentos de intensidad, arreglos de voces en coros sintetizados y leit motivs de indie electropop fueron los elementos iniciales con los cuales Zegarra trabajaría posteriormente en los discos Dreams (2017) y Panspermia (2019).

Pudiendo notar un avance significativo dentro del estilo de composición, la agrupación partía de sus sonidos iniciales hacia un lado mucho más melancólico y experimental, con la inclusión de guitarras y pianos acústicos, recordándonos a trabajos de Thom Yorke, Radiohead o DIIV, rayando en una dulzura casi bailable.

Con la producción a cargo de Juancho Esquivel y un video animado por L.A.V.A.C.A. artista visual peruana, Astronaut Project regresa este 2021 con el lanzamiento de “Girl”, segundo sencillo después de “Set me Free”, tracks que anuncian el tercer álbum en la carrera de la banda, una regresión a los sonidos clarificados de su primer EP.

Dos almas que están unidas, pero en su afán por explorar el universo terminan alejándose para encontrar algo más allá”, pronunció el frontman sobre “Girl”.

 

 

 

 

Ximena Vasquez: Melancolía y soledad en clave R&B

Posted on mayo 4, 2021 by -

R&B/Hip Hop que retrata la sombría realidad del 2020.

Desde Perú, la cantautora Ximena Vasquez, vuelve con música fuertemente influenciada por la oscuridad y soledad que nos dejó el 2020, se trata de "Pa’ no enloquecer", su nuevo sencillo producido en colaboración con Ar13$, productor y DJ peruano que ha trabajado con artistas como Sara Hebe, Kris Alaniz, Yanna, entre otros.

De acuerdo con Ximena, la canción está inspirada en los sentimientos sombríos de melancolía, soledad y autodestrucción que experimentó durante la pandemia, mismos que la llevaron a componer una de sus letras más crudas, en la que aborda la depresión.

No es la primera vez que muestro lo que siento y mis vivencias a través de la música. Pero sí solía ser más ambigua, solía maquillarla un poquito y al componer en inglés aún sentía que de alguna manera estaba escondida. Esta es la primera canción completamente en español que he compuesto y enfocarme solamente en las melodías y letras ha sido un sueño. Estoy diciendo lo que siento literalmente mientras la canto, sin maquillaje, sin esconderme y es súper liberador”, comenta Ximena respecto a la canción.

Ar13$ aportó su toque al tema proponiendo una base R&B/Hip Hop con tintes oscuros, que lo distingue de las entregas anteriores de la artista. Aquí puedes escucharlo.

Ximena también compartió en un comunicado de prensa que el concepto artístico de la portada de su sencillo fue realizada por el artista gráfico RabiddFish.

Me topé con una ilustración de Childish Gambino donde tenía la misma posición que mi portada y simplemente me pareció una idea perfecta para lo que estaba buscando. Usando sólo mi mano inofensiva para que de mi cabeza puedan escapar esos pensamientos que te causan ansiedad y así ser libre”, comenta. 

Se podría decir que a su corta edad Ximena Vasquez lleva un largo camino recorrido, su carrera en solitario comenzó en el 2016 con el lanzamiento de Midnights, su álbum debut. En este EP de cinco canciones, Ximena logra combinar sus dos grandes pasiones musicales: el soul y el hip hop, trabajo que la catapultó a la fama como una de las grandes promesas de la música peruana.

Sus últimos sencillos "Life" y "Mindgames", este último en colaboración con el compositor Giru Mad Flevia, fueron lanzados durante el catastrófico 2020, mostrando un sonido renovado con influencias, como el indie, el moombahton y la música urbana latina.

Paralelamente, Ximena ha trabajado en el dúo de hip hop Hela Freya, junto con su inseparable compañera Fernanda Perochena, a quien conoció en el 2013 durante su participación en la primera temporada de La Voz Perú. 

Te invitamos a seguirle la pista en redes sociales a estos talentosísimos artistas latinoamericanos, vale la pena estar atentos a sus próximos proyectos y no olvides que "Pa’ no enloquecer" ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

New Order estrena remix de “Be a Rebel” por Arthur Baker

Posted on mayo 4, 2021 by -

El mítico grupo de synth pop se reúne con un viejo colaborador para dar nueva vida a su último sencillo.

A finales del año pasado, New Order nos demostró que seguirá creando música hasta que el tiempo se los permita. Por ello, estrenó su nuevo sencillo “Be a Rebel”, el cual ya cuenta con un nuevo remix a cargo de Arthur Baker, DJ, músico de electrónica y viejo colaborador del grupo.

Arthur Baker convirtió “Be a Rebel” en una pieza nostálgica de los días de baile en el Hacienda y otros míticos lugares para la escena rave. En su remix, extendió los pasajes instrumentales y convirtió un sencillo pensado para cantar en un track indispensable para las nuevas mezclas. Escúchalo aquí.

Arthur Baker es conocido por haberse involucrado en la producción de sencillos para artistas como Afrika Bambaataa, Hall & Oates, Bob Dylan, Little Steven Van, entre otros. A mediados de los ochenta, conoció a New Order, grupo para el que produjo los sencillos “Confusion” y “Thieves Like Us”, los cuales lograron una muy buena recepción.

Anteriormente, New Order había estrenado otra serie de remixes para “Be a Rebel”, que puedes escuchar en este enlace. Así mismo, el grupo también anunció el estreno de su álbum y filme en vivo Live at Alexandra Palace. Mira un adelanto a continuación y aparta este material en su sitio web.

Kenny y Los Eléctricos presenta el mezcal 'Tengo roto el corazón'

Posted on mayo 4, 2021 by -

Pasa ese trago amargo con el nuevo mezcal artesanal de la agrupación de rock nacional.

Dicen que el mejor remedio para esos corazones rotos y dolores de pecho, es un buen trago de mezcal. Bueno, en realidad no se tiene la certeza de que así sea, pero estés o no en condiciones de reparar un corazón roto, ya puedes adquirir el nuevo mezcal artesanal de Kenny y los Eléctricos. 

La banda ochentera de rock mexicano pone a la venta Tengo el corazón roto, un producto premium que rescata un ritual ancestral de producción, con 45 grados de alcohol y doble destilación. Es un mezcal artesanal que “ demuestra su gran personalidad con un denso cuerpo. Excelente para la degustación y para coctelería”. 

Cocinado en horno de piedra volcánica, molido en tahona tirado por caballos, fermentado en tinas de madera de pino y roble a temperatura ambiente, y destilado 2 veces en alambique de cobre, lo que permite afianzar su sabor”.

La banda compartió en sus redes sociales, a través de su Instagram stories, el destilado y el modelo de su nueva botella, que lleva por título a su éxito de 1988 “No Huyas de Mí (Tengo Roto el Corazón)”.

Este mezcal ya está a la venta y tiene un costo por pieza de $580.00 pesos mexicanos, o un costo por caja de $5,999.00 pesos mexicanos, con envío incluido a cualquier parte de la República Mexicana. Accede a través de este enlace para adquirir el tuyo.

Red Hot Chili Peppers habría vendido su catálogo a Hipgnosis

Posted on mayo 4, 2021 by -

De confirmarse la noticia, los californianos se unirían a la extensa lista de grupos que han vendido sus catálogos a otras empresas.

El mítico grupo de funk rock, Red Hot Chili Peppers, volvió a figurar en el ojo público, pero no por estrenar nueva música, sino por la noticia de su unión a la extensa lista de bandas que han vendido su catálogo musical a la empresa Hipgnosis Trust Fund Limited.

Según reportó el diario Billboard, aún no es claro si la transacción entre el grupo y el fondo se ha concretado debidamente. Pero, de ser cierto, se trataría de una negociación de entre 140 y 150 millones de dólares. Con ésta, Hipgnosis pasaría a ser dueña de clásicos del grupo como “Dani California”, “Give it Away”, “Snow (Hey Oh)” y muchas canciones más.

Red Hot Chili Peppers no ha sido el único grupo en integrar su catálogo a este fondo. También lo han hecho Stevie Nicks, Neil Young, Blondie, David Crosby, Shakira, y más. Además, otros artistas conmocionaron a sus seguidores con la noticia de la venta de sus canciones a otros sellos, como Bob Dylan a Universal Music (quien rechazó una oferta de Hipgnosis).

Antes de esta noticia, Red Hot Chili Peppers ya había dado señales de un nuevo álbum, que presuntamente se estrenaría este año, según declaraciones de John Frusciante y Chad Smith para Rolling Stone. Sin embargo, no ha habido avances al respecto. Mientras tanto, no te pierdas nuestro artículo sobre los 25 años de su álbum One Hot Minute (1995).

Mira 'Salimos', el documental sobre la escena musical independiente en Ecuador

Posted on mayo 4, 2021 by -

Conoce y disfruta de las propuestas emergentes de Ecuador a través de la voz y experiencias de su protagonistas.

Salimos es una serie documental dirigida y producida por Felipe Maqui, cineasta argentino radicado en Ecuador. El proyecto retrata a la escena musical independiente ecuatoriana a través de historias narradas por las mismas bandas que la conforman.

La serie conjuga sesiones musicales con vivencias personales de artistas como Paola Navarrete, El General Villamil, La Mafiandina, Lolabúm, La Máquina Camaleón, Joya, La Madre Tirana, La Torre, Soios, Fe y Nicola Cruz.

El primer episodio se estrenó de forma gratuita el pasado 8 de abril y hasta el momento hay cuatro capítulos disponibles en su canal oficial de YouTube. Los demás se publicarán semana a semana hasta el 17 de junio.

El Ecuador es un gran underground en general. Es como un diamante en bruto", expresa Taki Amaru, líder del proyecto de rap La Mafiandina.

Salimos se realizó con el apoyo de La Ideal, un espacio multifuncional creado en 2016 y ubicado en la ciudad de Quito. El lugar ha sido sede de decenas de conciertos y ha funcionado como punto de encuentro para gestores culturales y comunidades artísticas. Asimismo, el proyecto ganó el concurso Cultura en Movimiento - Emerge 2020, organizado por el Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación.

Te recomendamos no perderte capítulo alguno y recuerda seguir al proyecto en redes sociales. Mientras tanto, acá abajo puedes ver el piloto encabezado por El General Villamil.