Mira 'Justicia Universal', el documental de Dorian

Dorian: Justicia Universal en directo llegó a plataformas digitales.

Dorian está lanzando el documental sobre la gira del disco Justicia Universal, que realizó durante 2019. El tour duró dieciocho meses y tuvo lugar en diversos recintos de España, Estados Unidos, Colombia, Perú, Ecuador, Argentina y Chile. En México, la banda barcelonesa se presentó en el Lunario del Auditorio Nacional, y si quieres recordar qué tal estuvo el show, dale click aquí.

Antes del estreno oficial de la película, el grupo compartió la versión en vivo de “Hasta Que Caiga El Sol", penúltimo track del álbum. Asimismo, mencionó que la canción fue rodada y grabada en Barcelona, ​​Madrid, Burriana, Castellón y Ciudad de México.

¡Dale play, aquí!

Cabe destacar que Dorian: Justicia Universal en directo es presentada por Intromusica y estará disponible en plataformas digitales el próximo miércoles 2 de junio.

Por otra parte, Dorian mencionó en un comunicado que publicará un nuevo álbum de estudio "en algún momento del 2021", por lo cual te recomendamos estar atento a sus redes sociales, así como a Indie Rocks! para próximos anuncios.

Si quieres verlo completo, dale play a continuación:

Primavera Pro Online 2021

Música y encuentros activistas a través de Primavera Pro online. ¡Checa los detalles!

Junio llegó y con muchas sorpresas, en esta ocasión después de anunciar su regreso a los escenarios, Primavera Sound compartió la noticia de que preparaba Primavera Pro Online 2021, un encuentro dedicado para hablar de la música en distintos escenarios: político, económico y social, este último enfocado sobre todo en la comunidad LGBTQ+.

Día 1: Lo queer a escena y lo queer en acción

El primer día del Primavera Pro inició con una conversación para tratar el concepto "queer" y su función hoy en día. El análisis se llevó a cabo gracias a una charla moderada por la activista Norma Mor, quien tuvo como invitados a los artistas Flamenco Queer y Rodrigo Cuevas. ¿Lo queer es el motor de nuestras vanguardias? Es un excelente cuestionamiento para iniciar este diálogo. Pero antes que nada, Mor no ha perdido la oportunidad de cuestionar a sus invitados, el significado de queer y el cambio del concepto a través de los años.

Queer es una forma hermosa de englobar todos los distintos colores de la comunidad LGBT, todo lo que no encaja en nuestra sociedad, todo lo que representa una disidencia de dualidad o de género. Abordar la identidad desde el arte y explorarse a sí mismo. Es no tratar de encajar en los patrones establecidos en la sociedad", expresó Flamenco Queer.

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La música siempre ha sido un gran medio para expresar quiénes somos y lo que sentimos. El flamenco y la música folclórica, representa -para los artistas-, el canal más puro y queer que existe. Con el paso de los años, el folclore ha sido una gran motivación para explorar los distintos elementos estéticos; logrando finalmente una relación entre estos.

El folclore como cultura y tradición.

Tal cual indicaron en la entrevista Flamenco Queer y Rodrigo Cuevas, el folclore cumple una función social y política para desarrollar lo que actualmente hacemos. Ya que hay que aprender a vivir con su identidad con lo que se saben hacer a través de la música. "El flamenco es muy visceral, es muy de los sentimientos. No está bien hacer flamenco con una cara que no te representa", expresó Flamenco Queer.

La relación del folclore y el flamenco con lo queer no es algo de último momento, Carmen Amaya y Federico García Lorca son un claro referente de ello. El folclore es tan escénico, teatral, tiene un mensaje político muy fuerte y está lleno de valores.

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Las redes sociales nos enseñan a clasificar a las personas, el folclore hace todo lo contrario, parece una posición conformista pero es más bien transgresor”, expresó Cuevas.

La conversación cerró en espera de que se cumplan los objetivos de la música: "abrir esa intersección a cosas que todavía no están abiertas". De esta manera la dupla culminó con una presentación totalmente en vivo.

Nuevas políticas de las plataformas de streaming para favorecer a artistas.

Lamentablemente nos hemos enfrentado a tiempos difíciles que han afectado a los diferentes sectores de las industrias, definitivamente una de las más afectadas ha sido la musical ya que sin eventos en vivo, los músicos independientes tuvieron que verse en la penosa necesidad de solicitar apoyo a sus fanáticos para poder sobrellevar el tema de la pandemia. En respuesta, las diferentes plataformas de streaming lanzaron "campañas de ayuda". Spotify y Soundcloud lo hicieron, sin embargo, Bandcamp persiste en seguir donando sus ganancias a los que más lo necesitan gracias a su Bandcamp Fridays. La periodista, Liz Pelly moderó una conversación con Nati Linares de Resonate y Aly Gillani de Bandcamp, para tratar los puntos claves de cada iniciativa.

En los últimos meses ha subido el aumento de reproducciones en plataformas de streaming, también el tiempo ha permitido que las personas busquen nuevas formas de encontrar música nueva", comentó Aly Gillani.

nuevas políticas de las plataformas

¿Hay transparencia en las campañas? Al construir las iniciativas, los representantes de las diferentes plataformas establecen los acuerdos, y para fortuna de los músicos independientes, Bandcamp ha sido de gran apoyo durante el tiempo de pandemia ya que suele donar un porcentaje mayor al 50% y en ocasiones, ha logrado el límite del 100%. Sin embargo una vez que se reinicie por completo el entretenimiento en vivo habrá que plantear si estas iniciativas seguirán siendo válidas o habrá que ajustarlas a las distintas necesidades.

Día 2: Ocioses online: la toma feminista y otherkin del espacio digital

Antes de la pandemia ya existían las reuniones de la comunidad LGBT en espacios underground, no obstante, con el tiempo estos mismos espacios se han intentado reproducir de manera digital con el objetivo de que las personas disfruten del baile y la libertad a través de nuevas plataformas. Meses antes de que el COVID-19 llegara al mundo, Santuario Nocturno Virtual estaba trabajando en un sitio que combina la política y la arquitectura con temas virtuales; el objetivo de esto surgió para poder "crear espacios feministas de fiesta más seguros" y que de igual forma fuesen educativos.

Elena Castro Córdoba (Ontologías Feministas) fue la encargada de moderar esta conversación para tratar el ocio en tiempos de pandemia. Ceréna (Club Quarantine), Neurodungeon y Putivuelta dieron sus puntos de vista, iniciando la charla con una pregunta sencilla ¿Cuáles son las políticas de las fiestas virtuales?

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Cuando iniciamos este proyecto pensamos que solo iban a llegar 10 personas, y bueno, seguimos pensando lo mismo, aunque no sea así. Hostilidad y no racismo, son nuestras políticas. No debe de haber discusión. En el tema virtual como es un chat se regula un poco más", explicó Neurodungeon

Estar en la distancia y en una plataforma diferente no es sinónimo de seguridad. Los diseñadores de estas salas de diversión explican que en estos nuevos espacios la comunidad LGBT sigue sometiéndose a discriminación y comentarios desagradables.

Es complicado ofrecer una seguridad completa. Cuando sales a la calle estás expuesto a una violencia sistemática. Nosotros queremos que en nuestros sitios se sientan bien. Podemos medir la atención a las personas, pero no darles una seguridad completa”, expresó Putivuelta.

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Luego se meten trolls y estudian nuestro comportamiento en las fiestas virtuales. Eso ha sido algo sorprendente. Nos dimos cuenta de que sigue existiendo mucha homofobia en mainstream", comentó Ceréna.

¿Cómo se construyen estos nuevos espacios? Elena Castro comentó que diseñar un espacio similar al que pueden tener en la vida real es complicado, ya que siempre estás tratando de mejorar los detalles para que todo sea mucho más ameno; la decoración, la distribución y sobre todo los avatares.

A la gente le gusta mucho hacerse un avatar, entrar a la sala y conectar con la gente. Ahí es donde nos damos cuenta de las limitaciones”, explicó Neurodungeon.

Pese a lo divertido y cómodo que puede llegar a ser estar en un espacio virtual, hay limitaciones; la computadora, el servidor y sobre todo el Internet. Pero estas plataformas han ayudado a mejorar la interacción en el último año y continuarán como una opción para todos aquellos que lo deseen.

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La rebelión de los algoritmos: IAs en pos de la diversidad musical

¿Quién no ha estado harto de escuchar siempre las mismas canciones? Bueno, si te ha pasado ¿qué has hecho para cambiarlo? Si la respuesta es: "esperé a que mi plataforma de streaming me recomendara una nueva lista de reproducción", este talks es para ti. El investigador Toni Navarro se encargó de moderar una charla muy importante para todos aquellos que aman consumir música de manera online, que a estas alturas de la vida, y viendo el tiempo al que hoy nos enfrentamos, es relativamente normal.

Como invitadas el panel contó con la presencia de Laura Pérez, investigadora de PYBCN, y Thais Ruiz de Alda (DigitalFems). Todo comenzó con un complejo cuestionamiento ¿Vale la pena recomendar cosas similares? La discusión dio pie gracias a un tuit de Rosalía, quien abrió debate desde sus redes sociales. El algoritmo siempre presente obligándonos a consumir lo mismo.

"Lo único que quieren es que reproduzcas la mayoría de cantidad de temas, por eso te ponen rolas similares a los que escuchas. No sé hasta qué punto deberíamos seguir permitiendo esto", comentó Thais Ruiz.

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¿Cuál es la motivación, cuáles son sus objetivos? Excelentes preguntas que si bien, por el momento no tienen una respuesta clara, ya que todas las plataformas mantienen un loop en sus reproducciones, algo que las mismas ponentes definen como: soberanía tecnológica y sus efectos.

"Es importante de que seamos consientes de qué datos estamos generando porque luego es utilizan para recomendarte cosas. Esto se vuelve una burbuja y es aburrido”, agregó Laura Pérez.

Como conclusión, las investigadoras te animan a salir de tu zona de confort y explorar nuevas melodías. Aléjate lo más posible del algoritmo. ¡Rómpelo!

Sandy Stone: La guerra del deseo y la tecnología

El día culminó con la presentación de La Guerra del deseo y la tecnología (y otras historias de sexo, muerte y máquinas), el libro de la artista de performance, Sandy Stone. El investigador Toni Navarro se encargó de conversar con la autora sobre los motivos que le llevaron a escribir esta compilación de ensayos que fusiona un asombroso estilo ácido para explorar temas de identidad, sexualidad, todo englobado en ya su particular estilo tecnológico.

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Existen muchas ideas equivocadas acerca de cómo funciona la identidad de género. Lo trans es todo lo que hay. Quiero averiguar si el ciberespacio y la ficción pueden constituir un campamento base desde donde se dirigirán un golpe de gracia contra el resto de la realidad", argumentó Sandy Stone.

El libro abre un discurso amplio y distinto a cualquier otro que hayas leído anteriormente. La identidad de género es de suman importancia y tratarlo en líneas de la investigadora estadounidense es un deleite. Recomendación.

Día 3: Fransia

El último día del Primavera Pro, además de ofrecer diversas conferencias, también estuvo plagado de actos musicales, uno de ellos fue el de Fransia, la dupla argentina conformada por Francisca e Ignacio quien con sus danzas metafísicas inició su presentación con "Heterotopia", un cover del original de Oliver ft. Yelle; su interpretación en francés fue sensual y cósmica.

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La agrupación recién presentó su álbum de estudio, Mundo Virtual; material del cual se desprende el sencillo "Salto Cuántico", canción que no tardaron interpretar en este pequeño espacio alumbrado por luces ámbar con cambios a neón, rodeados del arte y la naturaleza.

Posteriormente resonó "Telepatía", uno de los clásicos de su LP homónimo. La presentación duro escasos 20 minutos, pero eso solo fue un pequeño adelanto del potencial de Fransia sobre un escenario. Sus melodías se apoderaron de la noche, inquieta y brillante.

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Billie Eilish estrena “Lost Cause”

Girl Power para superar a tu ex.

La joven promesa de la música pop, Billie Eilish ha estrenado el día de hoy (2 de junio) su nuevo sencillo “Lost Cause”, un tema que tiende al R&B y al funk gracias a los espectaculares arreglos de su hermano Finneas, y que posee una poderosa letra sobre superar a alguien que simplemente no vale la pena.

Junto con el sencillo, Eilish estrenó un video musical dirigido por ella misma en donde la vemos divirtiéndose junto a sus amigas en una fiesta exclusivamente de chicas. ¡Dale play a continuación!

Lost Cause” es el cuarto adelanto de su próximo disco Happier Than Ever, después de las canciones "My Future", "Therefore I Am" y "Your Power" recientemente publicadas.

Happier Than Ever, el sucesor del aclamado debut de los hermanos O'Conell, When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, fue coescrito y producido por Billie y su hermano Finneas, sin la participación de compositores ni productores externos. El álbum se grabó a lo largo del catastrófico 2020 y estará disponible en su totalidad el 30 de julio de este año. 

Recientemente la ganadora del Grammy anuncio la gira promocional de su disco, la cual iniciará el 3 de febrero del 2022 con localidades en Estados Unidos y Europa. Esperemos que pronto anuncie fechas para Latinoamérica. 

 

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“Si Tú Te Vas”, la colaboración de Circo y Denise Gutiérrez

La banda reversiona “Si Tú Te Vas” con la voz de la soprano mexicano-estadounidense Denise Gutiérrez.

Circo, la agrupación puertorriqueña integrada por José Luis Abreu aka Fofé (vocalista), Edgardo Santiago aka Egui (teclados), José David Pérez (batería) y Orlando Méndez (guitarra), se une a la líder de Hello Seahorse!, Denise Gutiérrez, para la nueva versión de su sencillo “Si Tú Te Vas”, el cual fue lanzado originalmente en el 2019.

Si Tú Te Vas” es un tema de rock con destellos psicodélicos que nació de un riff entre David, el baterista de la banda, y el batjista y beatmaker puertorriqueño Josué Deprat.

Es una canción que narra un viaje astral donde cada noche, tras un estado de meditación profunda, el alma de un cuerpo vivo sale a viajar entre las constelaciones del cosmos para encontrarse con aquel ser amado que ha muerto físicamente, que ya no existe en el plano terrenal. Este tema nace tras la muerte de un amigo, por sobredosis de droga. Narra ese encuentro místico de las almas que se extrañan mutuamente, llegará hasta ti y sabrás que está ahí porque dentro de sí van a descubrir que hay maravillas drásticas”, comentó Fofé en un comunicado de prensa.

Recientemente Circo lanzó su tercer álbum de estudio titulado Adiós, Hola en diciembre del 2019, después de un receso de 13 años. 

Por su parte, Denise Gutiérrez, participó recientemente en el festival virtual ¡Que Vivan las Mujeres!, que conmemora el Día Internacional de la Mujer, junto a grandes artistas como Natalia Lafourcade y Silvana Estrada. Asimismo, el año pasado la cantante soprano lanzó un podcast junto con el músico y escritor Alonso Arreola a través la plataforma de Patreon.

Si Tú Te Vas (Remix)", la colaboración de Circo y Denise Gutiérrez, fue lanzada bajo el sello La Buena Fortuna Music, y ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. ¡Dale play a continuación!

PREMIERE: Howless presenta video para su sencillo “Levels”

¡Pasos con sabor a nostalgia!

Sara SotoKarla RamírezDominique Sánchez y Mauricio Tinajero llevan poco tiempo dentro de la industria musical, pero eso no ha sido impedimento para que ya estén en boca de todos. Con su melancólica propuesta, los expertos en crear paisajes atemporales, Howless, ha cautivado a un selecto grupo de escuchas gracias al lanzamiento de su sencillo "Levels", tema para el cual presentan hoy su metraje oficial a través de Indie Rocks!

'Levels' surge de la necesidad de expresar y cuestionar diferentes percepciones de la realidad a partir de un sonido híbrido con melodías que denotan nostalgia e incertidumbre. Para el video buscamos expresar esa misma extrañeza atrapada dentro del tiempo, con la estética que nos dieron esos viejos fragmentos capturados en casete de cinta VHS. Nuestra inspiración en ambos casos sería esa época difusa de cambio de década entre los 80 y los 90. Donde el sonido del sintetizador y las cajas de ritmos cedieron el lugar a ritmos agresivos y guitarras con distorsión”, le contó la banda a Indie Rocks!

El metraje llega gracias a la producción de Static Blooms Records, sello con el que firmó recientemente la agrupación de la CDMX, y a través de este podemos encontrar un compilado de imágenes tomadas en VHS de personas bailando y gozando de momentos muy particulares. El sonido de la melodía, -característico de la banda en notas suaves de dream pop y rock-, transfieren su premisa: "vislumbrar los niveles de conciencia son comprendidos por el conocimiento adquirido en una o más vidas".

Te lo compartimos a continuación para que lo disfrutes. ¡No olvides dejarte llevar por la pista!

Actualmente Howless se encuentra grabando su primer EP, material, que aunque aún no tiene fecha de estreno, se sabe que compilará todos aquellos momentos efímeros que experimentamos en algún momento de la vida y ayudará a desprendernos de lo que menos necesitamos.

Boleros, rock y la esencia popular de Parálisis del Sueño

No, no se te subió el muerto, es Parálisis del Sueño.

El rock, el bolero y la balada latina son la insignia de este quinteto oriundo de Santiago de Chile, quienes a través de sus letras plasman relatos en español heredados de la música popular dentro del continente, y con su música encuentran un balance entre el rock alternativo y el pop, que atraviesan la cuerda floja con la estridencia, la calma, el poder y sutileza de sus canciones. 

Desde 2015, esta agrupación ha forjado una serie de eslabones que unen una identidad sonora bastante clara, mostrada en su más reciente producción discográfica, Brígido, su primer álbum de larga duración que fue publicado a principios de febrero 2020, el cual que podría calificar como su carta de presentación sonora en la actualidad.

Para este año, Kotalo Gallardo (voz), Pablo “blosqui” Orellana (bajo), Diego Soto (guitarra y coros), Fabián Paz (guitarra y coros) y Javier Mansilla (batería), vuelven con una prueba de su pesada presencia en vivo, con un EP de sesiones en directo y el primer adelanto “Algo Saldrá”. Si bien este tema fue liberado en formato acústico, el minimalismo inicial permitió a la formación sudamericana experimentar e incluir nuevos arreglos, “una instrumentación más rockera” y brindar la funcionalidad adecuada para este en vivo. 

En esta canción, Parálisis del Sueño agradece y refiere al arte como un salvavidas que los ha mantenido a flote durante estos difíciles tiempos:

buscar y encontrar una guarida que nos permita alejarnos un rato de todo lo que pasa en el mundo desde hace un par de años. En nuestro caso, desde la revuelta social chilena hasta la pandemia que todavía no nos quiere soltar” 

“....en el relato de la canción, se va describiendo el intento de transformar la rabia y la impotencia que se siente en momentos difíciles, y el proceso para convertirlo en algo que nos dé paz y satisfacción, como pasa con la creación artística". describe el conjunto de Santiago. 

Para este lanzamiento, la banda acompaña un videoclip oficial, registrado en el marco del proyecto “Sesión Inmortal” de Agencia Merca, en el estudio Claramut, de Santiago de Chile; con la producción visual de Lion Entertainment, Agencia Merca, y la realización musical de BlackVitamina estudio. 

Escucha Brígido, de Parálisis del Sueño:

Entrevista con Los Ovnis

El músico Armando Vázquez celebra el lanzamiento de su nuevo disco recordando los cafés cantantes, a los amigos y a los mamones.

La banda que hace más de 50 años plantó la primer semilla de la psicodelia en México está de regreso con el disco El Rock Desconocido de los Ovnis, un material que logró traer de vuelta a Armando al estudio. ¿Qué se necesitó para lograrlo? el encierro de una pandemia y una pedrada llamada “el rock está muerto”.

“Comenzó para mantenerme ocupado, tenía mucho tiempo libre y muchas ideas que quería bajar. Te digo, todo comenzó así, pero la verdad es que conforme íbamos avanzando con el disco se convirtió en un proyecto con otras intenciones. La idea de esta nueva música de Los Ovnis es una llamada de atención para no dejarnos vencer ante el Covid pero también a las nuevas modas. Escuchaba a muchos jóvenes decir que el rock estaba muerto y que ya no valía la pena, pero eso no es cierto. Lo que pasa más bien es que las nuevas bandas se rinden rápido y la quieren muy fácil, en esto hay que picar piedra y no solo para que te caiga el dinero y la fama, tienes que trabajar duro incluso para sonar bien, para que tu banda se acople y para que salgan las buenas ideas. Con este nuevo disco quiero poner el ejemplo de que si yo después de 50 años lo puedo lograr ellos también, nomás es cosa de que le sigan dando para que lleguen a la parte buena de las cosas”.

Tomando como punto de partida lo difícil que es el camino de una banda en México, sin importar el año o la época, Armando pudo recordar cómo fue que comenzaron Los Ovnis, bajo el nombre de Los Teddy Bears, y cuántos intentos fallidos hubo detrás de Hippies, el primer disco de psicodelia en México.

Mira, fíjate, desde que empezamos, desde que decidimos meternos en el rock & roll las cosas estaban difíciles. Desde los instrumentos fue un problema, pues mi papá no me iba a comprar una guitarra de 2000 pesos como a los Teen Tops, que eran niños ricos de Chapultepec, nosotros éramos de la Guerrero y le hacíamos como podíamos. Hasta guitarras hechizas nos hicimos en algún momento. Como te digo, nosotros le dimos y le dimos hasta que nos firmó Discos Orfeón como los Teddy Bears. Pero luego decidimos hacer rock y otra vez fue regresar a lo mismo, ahora nos íbamos a tocar a los cafés cantantes donde estaban los chamacos como nosotros. Me acuerdo que cobraban cinco pesos o diez ya con bebida, pero era jugo de naranja o café, no había alcohol. Pero bueno, a nosotros ni nos importaba el dinero, porque todo se iba a los instrumentos y los trajes. Lo que a nosotros nos importaba más era tocar bien, ser de los mejores, pues luego alternábamos con Los Sinners, Los Johnny Jets y Los Boppers, todos muy buenas bandas y todos traíamos pique.”

Cuando nos firma Discos Peers como Los Ovnis en el 65 los problemas no se acabaron, pues ahora lo que queríamos era hacer música original y no versiones en español pero el sello nomás quería que siguiéramos haciendo canciones como 'Enrique VIII' o 'Pequeña Ayuda de Mamá' que era de The Rolling Stones. Nosotros les dimos todo lo que querían, pues hasta sacamos tres discos en menos de un año, que fueron Los Ovnis, Somos Amantes y Napoleón XIV. Fue hasta que les dije a los de la disquera que íbamos a sacar un disco con canciones originales con ellos o sin ellos y así fue como salió Hippies, aunque nos hicieron meter un cover, yo solo les acepté 'Light My Fire' de The Doors. Entonces, mira, fueron ocho años para que por fin pudiéramos llegar al sonido que queríamos”.

Entre tantos nombres y anécdotas, Armando no solo recuerda el ascenso de Los Ovnis con Discos Peerles, también el músico nos confiesa cuál considera que fue el mejor momento de la agrupación, la decepción que lo llevó a regresar a terminar la carrera de arquitectura y las salpicaduras tras la separación del grupo.

“El mejor momento de la banda fue con Hippies, claro, es un disco del que estoy muy orgulloso y afortunadamente se pudo reeditar en el 2000 con los mismos Discos Peerles. Sin embargo, cuando sale ese disco en el 68 también ocurre la masacre de los estudiantes y a nosotros nos avisaron en la disquera que no nos iban a poner en la radio ni nada, porque el Presidente había vetado todo lo joven, todo lo rebelde. Eso me desmotivó mucho, eso y el ambiente deprimente que se sentía fueron las razones que me llevaron a dejar la banda y mejor terminar mi licenciatura. Pero me quedé con cosas muy buenas de esa época, como las competencias que teníamos con las bandas del norte como Johnny Jets que eran de Reynosa, también que mis compañeros pudieran inspirar a otros, como Ernesto de León, que estuvo con El Tri, o Three Souls in My Mind en esa época. A mí me da mucha pena ver que Alex Lora cuando le preguntan de sus influencias dice que Chuck Berry, que Little Richard, pero no se acuerde que Ernesto le abrió el mundo en cuanto a música, pero bueno, tampoco quiero sonar como un Javier Bátiz que según dice que inventó el blues en México.”

Ahora que Los Ovnis y Armando vuelven de lleno a la escena musical en México, el  músico dice sentirse muy optimista por el futuro de la banda, pero también por el futuro de la psicodelia en México.

“Cuando tocamos en el Foro Indie Rocks! sentí muchas cosas, en primera la emoción por ver a la gente entusiasmada y ver a tantos jóvenes, pero también me alegra ver que la gente ya es más alivianada con ciertos temas. Por ejemplo, a mí por muchos años me dio vergüenza decir que fumé marihuana, pero las cosas han cambiado mucho, y no puedes hacer un disco de psicodelia sin haber probado algunas cosas. Así que les vuelvo a decir que no se rindan, que el rock no está muerto porque tenemos mucho lugar para hacer y también para crecer”.

Entrevista con Fransia

Lenguaje musical y metafísico que se vierten en la expansión de un sentir de la humanidad.

FRANSIA es un dúo argentino conformado por Francisca Moreno Quintana e Ignacio Albini, quienes, a pesar de tener una historia breve, su emergencia en el mundo de la música pop hi-fi ha seducido a varios oídos con sus sonidos intensos que se entrelazan con audiovisuales que les dan vida a sus canciones.

En 2018, esta dupla lanzó su primer álbum homónimo, donde resaltan temas como “Aspen” y “Telepatía”, los cuales permiten sumergirnos en la creación de efectos sonoros con influencias en la música de los 80.

Ahora, con motivo del lanzamiento de su segundo álbum titulado Mundo Virtual, tuvimos una charla para Indie Rocks!

Tras unos días de poder conocer esta nueva fase de Fransia en donde los sentidos cósmicos y mágicos están a fuego alto, Francisca habló un poco sobre su sentir a partir de la develación del álbum y cómo ha sido el recibimiento de sus escuchas:

La verdad es algo muy movilizante sacar un disco, ya de por sí es como que quiero que alguien me despierte porque, no sé, estoy como soñando y procesando la información y creo que esto es un, todavía un camino largo de seguir recalibrando la data y procesando la información. Todos los días me despierto y recibo más mensajes de cariño y de amor. La verdad es que este disco salió hace menos de una semana y el recibimiento hasta ahora fue muy especial, muy afectuoso. Estoy soñando, viendo las estrellas…”

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Mundo Virtual como título premonitorio a la pandemia

Por otro lado, hay que mencionar que Mundo Virtual ya estaba sobre el tintero desde hace dos años, por lo que la pandemia no afectó directamente la creación de los tracks ni su producción como tal. Sin embargo, dado el contexto, Francisca comentó que el lanzamiento sí se aplazó de la fecha planeada en un inicio, pues a penas habían mostrado como single el tema que le da nombre al álbum “Mundo Virtual” cuando se declaró la pandemia mundial, casi como si el título hubiera sido premonitorio. Pero, como ya habían compuesto los ocho tracks, solo fue cuestión de afinar detalles de producción por medio de plataformas de comunicación y cada uno desde su estudio en casa.

“Por suerte trabajar con Nacho, que es mi dupla, mi coequiper en este proyecto, es un placer, nos llevamos fabuloso, tenemos una relación de mucha confianza y es como que ya, ehm, no sé cómo explicarlo… Fluye y sabemos lo que queremos a la hora de producir. Nacho siempre es más el que inicia, yo meto mucha mano en todo lo que es la producción y es como que Nacho también confía mucho en mí y yo confío mucho en él. Entonces no tenemos un tira y afloje, es como que ya nos comunicamos por telepatía casi. Así que no fue para nada difícil.”

 

Mundo Virtual sin duda es un álbum que va más allá de lo sonoro, pues también se conecta con lo visual. Esto se ha logrado a través de una serie de ocho capítulos que podemos consultar en las cuentas oficiales del dúo en YouTube e Instagram. Dichos capítulos, como los denominan ellos, son videos explicativos que amplían el mensaje de cada canción y que son una suerte de manifiesto o como una ópera por la forma en la que se entrelazan. La idea de llevar los temas a una serie de clips surgió posteriormente a la composición del disco, pues comenta Francisca que, ella ya había escrito algunos ensayos para sacar los videos mes a mes, y que, a pesar de que las personas no lo entenderían en su momento, la finalidad de hacerlo de esta manera es que el álbum se expanda, y a la hora de tener el álbum completo, se puedan conectar cada uno de los puntos y se pueda vivir toda la experiencia que implica Mundo Virtual.

“Es un mensaje a través de ocho canciones, ocho letras, pero también desde lo visual es de los capítulos, a mí me interesa que ahora la gente entienda que yo puedo escuchar una canción de Mundo Virtual y también puedo ir a YouTube o Instagram y ver el capítulo que amplía el mensaje detrás de esa canción.”

Puedes checar el primer capítulo aquí abajo:

El concepto detrás de lo físico y metafísico

En principio, lo que podemos escuchar en el trabajo más reciente de Fransia es una mezcla de sonidos que se expanden y se combinan con una serie de versos introspectivos, que de forma inminente nos hacen cuestionarnos cuál es el trasfondo del mensaje que nos brinda el LP. A su vez, aborda dos planos que conllevan lo físico, que corresponde a todo lo palpable y también, lo metafísico, que busca la respuesta de las percepciones en una forma más astral. Por ello, Francisca comentó que para ella, más que una dualidad, es algo que converge entre sí.

“Primero, que es parte de lo que soy, cualquier persona que me conoce sabe que esto es el universo que yo elegí como umbral de percepciones, es el universo que a mí me rodea, de lo que hablo, mi red o mis personas saben que yo hablo de estos temas. Y segundo, que al contrario, más que dualidad, sí me parece un desafío, es un gran desafío el que estoy enfrentando porque, lo digo con total humildad, porque esto es todavía un tipo de intento, pero es unir el mundo pop con el mundo metafísico, o de la magia, el mundo de la música pop con el de la magia, eso es, yo lo veo como un desafío, pero lo vivo de una manera muy natural también, y muy fácil porque es lo que me sale como expresión digamos. Y también lo veo como bajar un rayo de luz como en un momento difícil que estamos atravesando como humanidad a través de la música, pero también a través de un mensaje. Así que, en ese caso, bueno, así es como yo lo vivo.”

Asimismo, uno de los temas a relucir dentro de esta red que se teje con los capítulos visuales es “Amor Perfecto”, un track que se enfoca en la forma en que percibimos las cosas y la existencia de un método adecuado de cambiar nuestra percepción desde una forma física en particular. “Cuando nosotros cambiamos la forma de percibir la realidad, esa realidad cambia”.

Esta idea se plasma en el capítulo cuatro “Amor y Milagros”, donde Francisca habla de bajar al punto cero o frecuencia cero, que es el campo de las posibilidades mágicas y donde todos nuestros pensamientos, percepciones y nuestra realidad se calibran. Esto da pauta a trabajar en nuestros sentimientos y todo aquello que irradiamos, para poder transformarse en lo que manifestamos dentro de lo que llamamos el “mundo real”.

La confianza es un factor clave en lo que es el campo punto cero o la quinta dimensión y tiene que ver con la confianza en nosotros, con la confianza en los demás, con la confianza en el universo, en tu 'yo' superior, en los ángeles, en tu doble cuántico, en lo que a vos te sirva como información. Pero confiar en que hay un plan perfecto para cada uno de nosotros y en que estamos siendo guiados y acompañados en esta vida.”

La historia detrás de “Salto Cuántico”

Esta canción conforma un significado que también está conectado con la importancia de confiar en nosotros mismos, y sobre el salto que estamos dando como humanidad. Además, está acompañada de un videoclip dirigido por Úrsula Benavides, que reúne elementos que vemos en el universo de Fransia y que refleja la experiencia de la canción.

“Se le llama salto cuántico porque pasamos de la tercera a la quinta dimensión, salteándonos la cuarta. Y después, bueno, desde un lado más personal, yo creo que salto cuántico es como un mantra que repite ‘no tengo que apagar la luz’, es una afirmación en mí misma mientras estoy brillando en la oscuridad o lo que eso significa para mí. Y es como una auto conversación, es como un loop mental que después da conclusión en el estribillo. Eso es salto cuántico para mí.”

Por otra parte, la artista también nos compartió que ha sido una gran desilusión no poder tocar en vivo su nuevo disco, pues no han tenido la oportunidad de presentarlo en la forma que quisieran. Sin embargo, se mantienen optimistas para que, dentro de este año puedan establecer conexiones y calibrar un show para poder tocarlo en vivo. De la misma manera, comentó Francisca que considera que los conciertos de Fransia son una experiencia mágica, que conlleva un intercambio de energía muy especial, y que realmente necesita de ese contacto e intercambio.

Sin duda la pandemia generada por el coronavirus ha pausado un sinfín de conciertos de forma presencial, pero lo más importante es el optimismo en cómo lo maneja cada artista. Y, en este caso, Francisca reveló que tienen muchas sorpresas para sus fans y seguidores. No se trata precisamente de un show en streaming, pero sí de algo virtual para poder mover su más reciente álbum. A su vez, planean lanzar nuevos visuales que acompañen a sus canciones con sesiones filmadas de maneras distintas.

No tienen planes de lanzar música nueva, pero tienen algunas cosas en el tintero, aunque no están seguros de qué rumbo tomará exactamente. No obstante, asegura la artista que eso se dará de forma natural, pero el sonido de Fransia seguirá estando presente.

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Rostam — Changephobia

Abrazar el cambio, disfrutar el sax.

Productor extraordinario, colaborador de corazón y creador de éxitos. Rostam Batmanglij lleva sorprendiéndonos con su originalidad desde hace más de 10 años. En su segunda entrega, se separa de las cuerdas para esta vez mezclar percusiones vagamente tribales con algo inesperado: jazz. En entrevista, Rostam nos contó que Changephobia es un disco hecho sin presiones, sin preocupaciones y sin miedos. Este álbum se trata de abrazar el cambio. Y el cambio más notable es el uso de saxofón ejecutado por el gran Henry Salomon.

Con cinco sencillos previos al lanzamiento del álbum, ya teníamos una idea de lo que sería la experiencia completa. No obstante, de la manera más traviesa, Rostam escondió la verdadera esencia del disco, dando a conocer las piezas más digeribles, las menos complicadas, aquellas con un mood de buena vibra. “4Runner”, un pop básico (en el mejor sentido) en el que casi escuchas la sonrisa de Rostam al cantar, “From the back of “From The Back Of A Cab” y “The kids we knew” son sencillas, melodías simples, pero a la vez íntimas.

Un atisbo de la verdadera naturaleza del disco está en “Changephobia” en la que comenzamos a escuchar la gloria del sax, deseando que estuviera en primer plano y que no fuera solo un adorno en la canción. Después está “Unfold you”, deliciosa muestra de la sensualidad del saxofón en un ambiente de calma y cero pretensiones.

En territorio desconocido encontramos “Kinney”, en donde el sax compite por la atención contra unas percusiones caóticas faltas de elocuencia. Le sigue “Bio18”, que podría ser considerada la joya del álbum, con el balance exacto entre piano, percusión y voz, con un coro sí repetitivo pero no cansado. Cabe mencionar que entre ellas, la transición es increíble. Están conectadas por un hilo delicado. Admirable.

Carecen de importancia las siguientes tres canciones. “Interlude”, “To communicate” y “Next thing”, parecen relleno. Lamentablemente no aportan mucho más que sonidos aleatorios que parecen solo agregados porque tal vez aislados suenan bien.

No obstante, se rescata el final. “Starlight” sugiere un sueño, un ambiente de canción de cuna para desplegar una letra esperanzadora de agradecimiento y admiración a la compañía de alguien que se siente como una bocanada de aire fresco. Justo lo que se siente después de la monotonía previa.

Si bien la propuesta general es única y muy diferente a Half-Life, por momentos Changephobia aburre y se refiere a sí misma. Por ejemplo, “Starlight” termina siendo demasiado parecida a “Unfold you”. Entre todo, Changephobia muestra evolución, conectando con sonidos que creímos olvidados, pero que vale la pena revisitar.

El giro relajado, moderno y juvenil de Surfeadores Rosa

La juventud quiteña va en tabla de surf y está de rosado.

Si tuviéramos que encontrar un sinónimo de Surfeadores Rosa seguramente hallaríamos en el diccionario algunas palabras como relajación, serenidad, diversión, entre otras; pues estas melodías poseen un antídoto desconocido con el que seguramente podrías despreocuparte, sentarte en un lugar cómodo y simplemente proponerte pasar un buen rato (eso o hacerte codependiente). 

Recientemente, la agrupación sudamericana publicó su más reciente material discográfico titulado Cometas, un EP con cuatro canciones grabadas, producidas y masterizadas por el colectivo El Arkade, mismas que sincronizan el surf, el pop y el rock como insignias principales dentro de este postulado musical. 

En septiembre del año pasado, liberaron “El Azul”, el primer extracto del álbum que comprende de una balada low tempo, que juega con voces conjuntas, riffs de guitarras simples, oleadas de nota abierta y una extraña melancolía que invade pero incita a repetir los casi cuatro minutos de canción. “Esta canción relata el sentimiento de extrañar a alguien, esa sensación agridulce de la espera que se condensa al ver al horizonte”, describen en redes sociales. 

Posteriormente presentaron su segundo single “El incendio”, que por otro lado evoca más energía y además es interpretada por una de las tres voces presentes en toda la producción. Con esta canción reafirman “los aires modernos y relajados que caracterizan a la banda”, puesto que contienen diversos cambios y caídas suaves, junto a la participación vocal de casi todos los miembros del conjunto. 

Es así como este EP se completa con los temas “Dieciséis.” y “Te Veo Pasar”, los cuales de manera continua postulan versatilidad dentro su propio género e imprimen ese aire juvenil que se promete. 

Desde su formación en 2016, Surfeadores Rosa ha pasado del surf rock instrumental, con su EP debut homónimo, a una amalgama pop que pretende clavarse en tu cabeza.