Posted on agosto 26, 2021 by Ana Rodríguez -
¡Es oficial! Lo nuevo de la agrupación virtual ya está disponible en plataformas de streaming.
Hace un par de semanas Gorillaz ofreció un concierto benéfico para rendir homenaje al sector salud, el cual se ha mantenido al pie del cañón durante este año y medio de pandemia. La agrupación virtual retornó a los escenarios de manera espectacular. La The O2 Arena de Londres fue testigo de este encuentro que sirvió para celebrar un show en vivo después de casi tres años con invitados en vivo y con la dicha de escuchar nuevas canciones. En su momento solo los testigos fueron los afortunados de disfrutar y conocer estas nuevas canciones que finalmente se ven compiladas en un EP gracias a Parlophone Records.
Meanwhile es el nombre de este extended play que se compone por tres canciones "Meanwhile" junto a Jelani Blackman y Barrington Levy, "Jimmy Jimmy" feat AJ Tracey y por último, "Déja Vu" en colaboración con Alicai Harley. Son casi 10 minutos de música los que te esperan con esta producción en la que encontrarás ritmos tranquilos para disfrutar de un perfecto atardecer.
Por el momento se desconoce si Gorillaz está trabajando en algo nuevo, mientras tanto, no lo pienses dos veces y dale play a esta producción:
Posted on agosto 26, 2021 by practicas -
El vocalista de Enjambre colabora para teñir de drama y teatro cada momento del nuevo video.
La canciones son nuestras compañeras de cada aventura, ruptura amorosa o de ese miel sobre hojuelas de cuando nos enamoramos; pero ¿Cómo florecen en la mente de sus creadores? Algunas vienen de experiencias personales, algún mal secreto revelado o una broma...que no era broma.
San Pascualito Rey en colaboración con el vocalista de Enjambre: Luis Humberto Navejas, lanzan el video "Me da miedo la vida", un tema que ha sido abrazado por todo el público desde hace tiempo, pero que hasta ahora no se había podido materializar.
Siendo la segunda canción de su más reciente álbum Animanecia, llega en un momento singular que le dota de un sentido más que poderoso. En palabras de Pascual Reyes, “Me da miedo la vida” es una reflexión anacrónica que habla de cómo la vida “pasa y no avisa”; de cómo a veces puedes estar “arriba y no sabes cuándo vas a caer”.
El video dirigido por Federico Schmucler ya está disponible en YouTube, dale play y sumérgete en un mundo con tintes blanco y negro, muy ad hoc para hacerle frente a los miedos que cruelmente nos regala la vida.
Posted on agosto 26, 2021 by Ana Rodríguez -
La sublime teatralidad del aroma a nostalgia.
Con frecuencia tienes una ligera expectativa de lo que llegarás a presenciar en un concierto en vivo. Hay patrones que se repiten -como el listado de canciones-, no obstante el espectáculo siempre termina siendo diferente por cualquiera u otra razón. En mayo tuve la oportunidad de escuchar de principio a fin el nuevo disco de Daniel Quién, una producción interesante que cumplía con la premisa del intérprete: ”evocar el sentimiento de nostalgia a través de sus historias”, sin embargo sentía que las piezas no terminaban de encajar, faltaba un destello que iluminara a esta melodramática larga duración; aquello que faltaba era definitivamente escucharlo en vivo.
Agosto está próximo a terminar pero no podía irse sin presenciar una de las noches más sublimes: la presentación del sinaloense en el Foro Indie Rocks! Un show estaba programado ¿Qué se podía esperar de él? Todo y a la vez nada. Para fortuna de todos los presentes la experiencia fue fascinante.
Primero que nada el recinto de la Roma recibió a un público joven que esperaba con emoción quizá uno de sus primeros encuentros después de la pandemia. En el aire se sentía este nerviosismo, pero también la euforia por nuevamente conectar con aquellos con quienes admiran. Mientras todos tomaban sus lugares, el cantautor tapatío, Jacinto, arribó al escenario en compañía de su guitarra acústica para interpretar cuatro de los temas que componen a su álbum debut Duerme En Paz (2021), el cantante admitió que su producción no es lo más animada, sin embargo recalcó que es idónea para escucharse en aquellos días difíciles. “Insomnio”, “Flaca”, “Lucía” y el single que da nombre al LP fueron interpretados durante esta velada que apenas empezaba a sentirse animada.
Pasadas las 21:00 H, Daniel Quién hizo su primera aparición sobre el escenario. El cantante portaba un traje completo marrón que hacía juego con el micrófono vintage que le acompañaba. La atención se centraba en sus movimientos y en ese contraste que hacía él solo parado frente a su público. Después de una improvisación musical en solitario llamó a la magic experience band, el resto de amigos que le acompañarían durante el evento. Así resonó “Lo Supe de Ti”; una pequeña prueba de aquel concepto que el mismo apunta hace referencia a su pop barroco.
Cuando el público creía que todo el concierto se iba a tratar de la presentación de Aroma a Nostalgia (2021), el intérprete de “Hubiera” le dio un twist al show, no sin antes llamar a Bratty a que le acompañara a cantar “Otros Colores”. Después de un incontable cambio de atuendos, llegó el momento de presentar Los Milagro, un nuevo proyecto de rock experimental conformado por Daniel Quién, Andrés Jaime (Wet Baes) y Ed Maverick. Sinceramente lo que estaba pasando en el escenario era interesante pero confuso al mismo tiempo. Lo que los músicos estaban logrando era dramático, colorido y complejo.
En el último bloque de la noche el cantante se animó a dirigir unas palabras al público para recordarles que siempre deben de manifestarse tan cual son y no dejar que nada ni nadie los defina. El sinaloense no solo dejó conmovido a los presentes quienes esperaban ansiosos escuchar “Aroma a Nostalgia” y “Nos Queda Mucho Dolor por Recorrer”; comprobando que su proyecto se complementa tanto por lo visual como por lo sonoro.
Daniel Quién evoca no solo el aroma a nostalgia, sino a un sinfín de emociones que se mantienen en un abrasador clímax que explota al verlo interpretar con gran exuberancia aquello que el mismo ha construido. Verlo en vivo es toda una experiencia.
Posted on agosto 26, 2021 by practicas -
El dúo de noise pop comparte el segundo adelanto de Texis.
Sleigh Bells ha compartido "Justine Go Genesis", el último adelanto de su próximo álbum de estudio, Texis, que estará disponible a partir del 10 de septiembre a través de Mom + Pop Music. Pre ordénalo aquí.
El frenético sencillo llega acompañado por un video dirigido por Alex Ross Perry y Derek Miller, que retoma la estética country-retro del tema principal del disco, "Locust Laced", y contiene referencias a películas de terror de los años 80, así como del clásico programa de televisión The Twilight Zone. Velo a continuación.
(ADVERTENCIA: el video contiene luces intermitentes)
La historia de esta canción se remonta al 2018, cuando el productor y guitarrista Derek Miller envió una avance de la pista a la vocalista Alexis Krauss, quien compuso la melodía en cuestión de horas, dando como resultado una inusual mezcla de sonidos que provienen de bandas como Metallica y Spice Girls.
Próximamente, el dúo se embarcará en una gira por Estados Unidos para promocionar su álbum Texis. El tour se dividirá en dos etapas: una en octubre de 2021 y otra en febrero de 2022. Aquí podrás encontrar más detalles sobre los conciertos.
Sigue atento a Indie Rocks! para más novedades.
Posted on agosto 26, 2021 by practicas -
¿Es complejo el amor?, ¿hasta dónde se debe luchar en una relación? las respuestas se materializan en el sensible lanzamiento de Katelyn Tarver.
Tarver emerge como el raro tipo de artista capaz de capturar verdades dolorosas en canciones pop increíblemente encantadoras que te golpean todos los nervios. En "All Our Friends Are Splitting Up", explora la dura verdad de que las relaciones no son perfectas, y hay que luchar para mantenerlas.
En su sencillo, perteneciente al disco Subject to Change que estará disponible el 15 de octubre a través de Compliments Only, documenta un período turbulento en su pasado reciente, arrojando dolor, confusión y la pérdida del sentido de uno mismo. Infinitamente iluminada por su voz radiante, el resultado es el equivalente musical de una conversación brutalmente honesta con un amigo cercano, una que te deja desconcertado, pero con una claridad renovada y una comprensión más profunda de tu propio corazón caótico.
Al principio de la edad adulta, parece que hay un período de tiempo en el que todos los que conoces se están asentando, y luego hay un período de tiempo en el que parece que todos los que conoces se están separando. No es una broma comprometerse con otra persona y seguir con ella, ya que cada uno de ellos todavía se está convirtiendo en lo que es”, compartió Tarver.
Esta canción es una mirada a las complejidades a largo plazo de una relación, sin embargo, la voz angelical de la artista nos hace sentir que no todo está perdido.
Posted on agosto 26, 2021 by practicas -
Entre el rock alternativo, el jazz experimental y la canción, está Bolsa de naylon en la rama de un árbol.
Música que te hace pensar en VHS, granito en la imagen y colores iridiscentes, una extraña mezcla de sonidos y vista desde los ojos de la ecléctica banda, llega el tercer disco de estudio: Canciones, un EP que homenajea tres composiciones con orígenes diferentes, versionándolas al laberíntico estilo de Bolsa.
“Bandera amarilla”, de Fernando Cabrera, “Cairel”, de Mati Mormandi, y “La fantástica aventura”, de Takeshi Ike/Yuriko Mori (opening de Dragon Ball), son las canciones que la banda reinterpreta en su nueva entrega, dejando un poco de lado su ya tan conocido universo instrumental.
La producción de este EP conserva varias grabaciones del demo. Siempre me ha parecido que algunas de las tomas originales, de peor calidad de sonido y/o más desprolijas en ejecución, tienen cierto encanto...”, explica Diego Cotelo, líder de Bolsa de Naylon en la rama de un árbol.
Canciones fue grabado entre febrero y julio de 2021 en el estudio Octágono y su primer videoclip está pronto a estrenarse a cargo de Fede Musso, artista plástico y músico experimental.
Bolsa de naylon en la rama de un árbol se encuentra promocionando Canciones, pues además de ser un EP que sale de su cotidianeidad, cuenta con la participación de Fernando Cabrera y Lola Membrillo.
¿Listo para escuchar 'ruidos no deseados'?
Posted on agosto 26, 2021 by practicas -
Magia, sensualidad y dolor; con esta nueva versión, será un placer traer el corazón roto.
¿Qué los covers son cosa del pasado?, ¿Qué las segundas partes no son buenas? ¡Error! Mon Laferte viene a romper esas voces, y encabeza su Spotify Singles con la famosa canción de la cantautora Billie Eilish "Wish You Were Gay", pero eso no es todo, pues lo hace en español y con esos toques sudamericanos que solo en Chile conocen y nos encantan.
Me gustó mucho esa canción de Billie. Al crecer siempre me encantó escuchar las versiones en español de las canciones de rock n' roll y pensé que esta era una oportunidad perfecta para hacer lo mismo con una canción que amo", señaló Mon Laferte.
Este sencillo de Billie Eilish salió originalmente en 2019 en su disco debut When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, y surgió por una experiencia que vivió a los 15 años con un chico que le gustaba, pero que no estaba interesado en ella; “ojalá fueras gay” era el deseo que Billie tenía en mente para justificar la falta de reciprocidad.
Actualmente, Mon Laferte tiene más de 5 millones de oyentes mensuales y fue la artista chilena con más streams en Spotify durante el año 2020. Si no lo has hecho, ve a escuchar sus nuevos lanzamientos que estarán disponibles únicamente en la plataforma.
Posted on agosto 26, 2021 by Rodrigo Rojas -
Rock hipnótico para iluminar corazones oscuros.
Existen músicos que tienen un compromiso tan grande con su trabajo que jamás dejan de componer. No pueden vivir sin el estudio de grabación y eso deriva en la publicación constante de materiales. Inclusive llegan a formar proyectos alternos para mantener un frenético ritmo de vida y es lo que ocurre con el islandés Hákon Aðalsteinsson. Algunos lo conocen por ser el guitarrista de The Brian Jonestown Massacre pero además encabeza su propia banda llamada The Third Sound.
El combo cuenta con una década de trayectoria y ahora presenta su quinto material en el que prevalece un ambiente misterioso y sombrío. El sonido tiene una fuerte influencia del shoegaze de finales de los ochenta pero también de la psicodelia actual. Se trata de canciones en donde las voces son imperceptibles como fantasmas y las guitarras son las verdaderas protagonistas.
La influencia tomada de agrupaciones ahora legendarias como My Bloody Valentine y Jesus and Mary Chain es evidente. La batería puede ser tan rápida o lenta como las manecillas de un reloj. Mientras que sumado al bajo genera una hipnosis auditiva de la que no se puede escapar. También hay ciertas referencias a Velvet Underground por la manera de pronunciar las palabras. Tal vez es accidental o realmente hubo un fuerte consumo de sustancias psicotrópicas durante la grabación.
A través de nueve composiciones propias al disco logra pasar de la introspección a la explosión sonora. Todo comienza con “Tidal Wave” que parece una pieza que pudo ser creada por Slowdive. A la ecuación se añade un teclado para lograr una canción lenta pero que abre paso a lo que vendrá durante los siguientes 40 minutos.
Mientras que con “Dissociation” se consigue un viaje por el tiempo hasta finales de los sesenta con reminiscencias al trabajo de 13th Floor Elevators con Roky Erickson antes de que perdiera la cordura. La nebulosa voz junto a la distorsionada guitarra genera un ambiente de misterio que se conecta al instante con “Hex” para prolongar el viaje interno.
Con el cobijo del sello inglés Fuzz Club Records el trabajo de The Third Sound se posiciona como un LP necesario para todos los adeptos a los sonidos misteriosos que embrujan oídos. Además también confirma que siempre hay ligeros rayos de luz en lo más profundo de la oscuridad.
Posted on agosto 26, 2021 by Rodrigo Rojas -
Blur, cuando la elegancia se transforma en música que conmueve corazones.
¿Los genios nacen o se hacen? No existe una respuesta definitiva porque hay un poco de ambas opciones. Lo cierto es que hay personas como Damon Albarn que parecen tener un talento nato. Mientras que lo más sorprendente es cuando se conjuga con un trabajo prolífico que parece nunca detenerse. Dentro de sus múltiples proyectos uno muy especial es Blur porque fue el que lo lanzó al firmamento y en muchos sentidos permanece vigente aunque desde hace años se encuentra en la congeladora.
Lograr que una banda se vuelva referente dentro de un estilo musical es demasiado complicado y son pocos quienes lo consiguen. Hablar de reggae sin mencionar a Bob Marley sería un sacrilegio y lo mismo ocurre con el cuarteto completado por Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree y el britpop. No lo inventaron porque eso fue producto de la prensa de la época, pero sí se convirtieron en uno de sus máximos estandartes junto a Oasis.
¿Qué sonaba en la radio inglesa de inicios de los 90?
Cuando Inglaterra estaba a punto de iniciar la última década del siglo XX había dos tendencias que dominaban el panorama de lo que alguna vez se llamó rock. Por una parte el movimiento Madchester estaba en su máximo apogeo. Agrupaciones como The Stone Roses y Happy Mondays eran dueñas de la fiesta y protagonizaron madrugadas legendarias en el club The Haçienda.
Al mismo tiempo, también fue el surgimiento de lo que fue bautizado por los periodistas como shoegaze. Tan solo se trata de rock con voces que no se entienden y guitarra saturadas de distorsión. La santísima trinidad conformada por Slowdive, The Jesus & Mary Chain y My Bloody Valentine generó un tsunami que hasta nuestros días causa movimientos telúricos.
En medio de este panorama apareció Blur en lo que parecía ser un proyecto más de veinteañeros que dividen su vida entre estudiar la universidad y jugar a ser músicos. La diferencia es que para ellos nunca se trató de un juego sino que se tomaron todo bastante en serio. Además gran parte de sus influencias no venían de sus contemporáneos sino de la música que escuchaban sus padres. Por eso siempre se dice que el futuro está en el pasado.
De esta forma, el 26 de agosto de 1991 vio la luz el primer LP de este cuarteto de jóvenes raros que nacieron en la década equivocada. Al menos en esta ópera prima resalta un respeto absoluto por The Kinks en su faceta más solemne y The Who en su versión menos alocada. No es replicar el pasado sino utilizar su influencia para crear algo nuevo.
La portada es demasiado simple y ordinaria pero lo realmente importante es el contenido del material. No es común que la primera canción del disco debut de un grupo sea una composición majestuosa y atemporal pero aquí sí ocurre. La bienvenida a cargo de "She’s so High" ofrece una elegante tranquilidad con unas guitarras que recuerdan a R.E.M. y una cadenciosa batería que muestra un dominio de tiempos.
"There's no other way / There's no other way / All that you can do is watch them play..."
Otra pieza que destaca y también fue publicada como sencillo es "There’s No Other Way" con un Damon novato pero que ya mostraba su talento como compositor. Su habilidad le permite convertir sencillas frases en pegajosos coros que muy pronto se convertirían en himnos de una generación. Tal vez fue el John Lennon de la Generación X aunque por fortuna con un final distinto. Mientras que del lado se la solemnidad se encuentra "Sing" con un deprimente piano que entra por los oídos pero carcome el alma. No es coincidencia que unos años después el cineasta Danny Boyle la haya elegido para aparecer en el soundtrack de Trainspotting junto a un Renton que estaba a punto de traicionar a sus amigos.
Aunque tal vez no se trate del mejor álbum en la discografía de Blur sí es un trabajo que ya muestra rasgos atractivos de un proyecto emergente. La mayoría de los conjuntos requieren años y hasta décadas para poder consolidarse pero aquí hay cuatro londinenses que avanzaron a pasos agigantados y lograron posicionarse como uno de los grupos más importantes del mundo.
Posted on agosto 26, 2021 by Silvia V. Dueñas -
I'm With You y su sabor agridulce.
“Estoy feliz y enojado” es la frase ideal que refleja nuestro sentir de un día como hoy, pero hace 10 años. El 26 de agosto de 2011 Anthony Kiedis, John Frusciante y Chad Smith mejor conocidos como Red Hot Chili Peppers lanzaba su décimo álbum de estudio titulado I'm With You.
Esta producción se veía envuelta de expectativas, emoción e incertidumbre; sin embargo, no consiguió mucho de lo prometido por distintos factores que vamos a explicar y que si bien fue un buen disco, no consiguió pasar de eso: un álbum grato más no especial.
Tras una larga ausencia se podía esperar todo de la banda californiana, ya que habían transcurrido cinco años desde Stadium Arcadium y la banda no había dado señales de vida. Se llegó a pensar que sería su fin y que no había algo mejor que Californication o By the Way pero anuncian I'm With You y los fans vuelven a tener la ilusión de Red Hot Chili Peppers así que ya se pensaba que se estaba cocinando algo prometedor.
En segundo lugar, la salida de Frusciante quien era su entonces guitarrista quién y nos mantenía ya acostumbrados a su peculiar habilidad con las cuerdas y por sus hipnóticos sonidos decidió salir de la agrupación. De manera casi inmediata apareció Josh Klinghoffer quién parecía el sustituto perfecto y al verlo trabajar en conjunto de la banda se desarrollaba de manera ideal, pero pareció no ser suficiente, ya que no representó frescura para la banda y esto es notorio en “Factory of Faith” y “Look Around” donde no logra impactarnos. Sabemos que son Red Hot Chili Peppers por la peculiar voz de Kiedis y el clásico rock alternativo de esos años.
Otra razón por la que no tuvo el impacto esperado fueron las letras y los sonidos que parecían monótonos, ya que no hay algo trascendente. Parecen no sorprender y puede llegar a asumirse algo tedioso, ya que contiene 14 temas donde no hay una trascendencia: el disco arranca de buena manera con “Monarchy of Roses” más no se logra elevar ni subir a un clímax; se mantiene estático.
La máxima aportación que parece tener este disco es “Brendan’s Death Song” la cual está dedicada a un viejo amigo de la banda y la cual muestra una gran intensidad vocal acompañada de un gran sentimentalismo que la banda complementa y logra mantener por casi seis minutos.
Por estas sencillas razones Red Hot Chili Peppers nos regaló un buen disco que en su momento nos emocionó y ahora que han pasado 10 años nos remontamos a esos días en los que un lanzamiento así nos hacía vibrar y emocionarnos. Ahora sabemos que ese no era el fin para los californianos y que lograrían reinventarse, pero de momento tenemos este sabor agridulce que nos dejó este disco.
