Escucha “Troubles A' Comin” de The Rolling Stones

Este tema inédito vendrá en la reedición especial del aniversario 40 del disco Tattoo You.

The Rolling Stones cumplirá 60 años de trayectoria el próximo año y parece que la celebración está por comenzar antes de tiempo, ya que ha sido anunciado que el 22 de octubre saldrá el relanzamiento de su decimosexto disco de estudio Tattoo You (Universal Music, 1981) en una edición que todo fan de la banda comandada por Mick Jagger querrá tener en su colección.

El primer adelanto de esta nueva edición fue "Living in the Heart of Love" que fue grabada en la época del Tattoo You pero no fue incluida en el disco. Ahora, el segundo sencillo "Troubles A' Comin" fue lanzado hoy y el hype por escuchar las nueve pistas inéditas que contendrá el boxset de aniversario está por los cielos.

El box set va a tener adentro mucho material extra, la versión de súper lujo traerá cinco LPs; habrá una versión especial en vinilo rojo exclusivo del sitio de The Rolling Stones que solo traerá el disco Tattoo You remasterizado en vinilo con la portada del álbum enfrente; una edición con cuatro CDs y una solo con la remasterización del material original.

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Las ediciones más completas ( la de cinco LPS y la de cuatro CDs) traerán nueve canciones inéditas, los temas en vivo de un concierto de la banda en el estadio de Wembley en 1982 y un booklet de 128 páginas. Todas las ediciones las puedes pre ordenar en este enlace.

 

Kali Uchis lanza nueva versión de “Fue Mejor” junto a SZA

Bits que te atrapan por sus peculiar ritmo.

La esencia de Kali Uchis regresó para amenizar nuestra playlist con la versión renovada de  “Fue Mejor”, junto a la cantante SZA, un tema que te atrapa por la sutil combinación de R&B y ritmos latinos, y el cual forma parte del álbum Sin miedo (del amor y otros demonios) lanzado en 2020.

La colaboración fue anunciada a través de redes sociales con la imagen de ambas artistas posando bajo una tenue luz roja. Más adelante, Kali agradeció la participación de SZA por transmitir un “espíritu tan amoroso, puro y abierto”.

En las líricas de la canción se perciben suaves e hipnotizantes coros y unos bits que hacen énfasis en el dolor y superación de un amor perdido. Los versos más destacables son “Fue mejor volar para no caerme. No, amor, no me duele perderte, Ya no estoy, pero nunca olvidas. Hay cosas que se tatúan sin tinta.”

Respecto al audiovisual, dirigido por Daniel Sannwald, refleja la añoranza de un amor que se esfumó con el tiempo  y que ahora queda como un nostálgico recuerdo. La intérprete aparece acostada en un cuarto luminoso y conforme avanza el video se traslada en diferentes escenarios, entre ellos, dentro de una jeep y en llamas.

Cabe mencionar que hace tres meses la artista colombiana compartió la misma canción en acústico y con una atmósfera tranquila para detonar su voz. Ambas versiones recibieron la aprobación de sus seguidores con halagos entre los comentarios. 

Sin miedo (del amor y otros demonios), el resplandor de Kali

Si algo caracteriza a Kali Uchis es el hacer buena música e hipnotizarnos con sus profundas líricas como “Dead to Me” y “After the Storm”, tracks que forman parte del proyecto discográfico Isolation en 2018 y que le consiguió la fama mundial dentro de la industria musical, considerado entre los más influyentes de sus carrera. 

Sin embargo el resplandor de Kali fue en 2021 que con la llegada de Sin miedo (del amor y otros demonios), mismo que ganó el premio a Álbum Pop Latino del Año en los Billboard Latin Music Award de este año; así como el primer lugar a la canción “Telepatía” en los Latin Airplay y Latin Pop Airplay, según datos Billboard.. 

Por el momento Kali Uchis se presentará este ocho de octubre en la 34 edición de La Herencia Hispana, donde recibirá el reconocimiento Inspira.

 

 

Habrá edición en 4K de la película '101' de Depeche Mode

"Es increíble poder ver la película de DA Pennebaker y este período de nuestra carrera presentado bajo esta nueva luz de alta definición", Depeche Mode.

Buenas nuevas para los fans de Depeche Mode, ya que el 3 de diciembre saldrá la remasterización de la película 101 de la banda dirigida por D.A. Pennebaker, Chris Hegedus y David Dawkins de su concierto del 18 de junio de 1988 que marcó el final de su gira Music For The Masses en el Rose Bowl de California, tendrá una resolución en 4K y se editará un box set con algunos souvenirs exclusivos.

Esta nueva edición de colección tendrá en su interior un Blu-ray con el filme, los dos DVDs de la película con material extra que salieron originalmente en 2003, dos CDs con las 20 canciones del concierto, una réplica del póster con el que se promocionó la cinta cuando fue estrenada en cines, el libro Photo Mode de Anton Corbijn, un libro de 48 páginas con fotos de Depeche Mode en la gira y una tarjeta con un código para descargar la película en alta definición. Aunque si lo prefieres, también puedes comprar solamente el Blu-ray de la película.

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Si no quieres dejar pasar la oportunidad de tener este material de lujo en tus manos, ya puedes pre ordenarlo en la página oficial de Depeche Mode.

 

Escucha lo nuevo de Limp Bizkit, “Dad Vibes”

La canción formará parte del próximo disco de la banda que aún no tiene fecha de lanzamiento.

Tal cual al estilo que adoptó el líder de Limp BizkitFred Durst, la nueva canción de la banda lleva por nombre "Dad Vibes" y esto significa que el sucesor de Gold Cobra (Flip/Interscope Records, 2011) está cerca de ser estrenado, aunque Durst y compañía siguen sin ser claros con respecto a cuándo saldrá y si tendrá canciones inéditas o si contará con los sencillos que han lanzado de 2011 a la fecha.

 

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"Dad Vibes" es totalmente lo que ha sido Limp Bizkit durante toda su carrera: rap, metal y letras provocadoras. Aunque la canción es corta, dura solo dos minutos, es un hilo de luz en la sombría espera de todos los fans que han clamado por música nueva de la agrupación. Esta canción se podría decir que fue estrenada en la pasada presentación de Limp Bizkit en el Lollapalooza de este año, la cual fue la última presentación de la banda este año, ya que cancelo todos los conciertos que tenían agendados después del festival.

Aparte del estreno de este sencillo, que significó el regreso de Limp Bizkit después de siete años de haber sido estrenada "Endless Slaughter" en 2014, también fue lanzado un lyric video en el que se ven las animaciones de personas corriendo hacia ningún lugar y que cuenta con los cameos de Jean-Claude Van Damme y el mismo Fred Durst en su versión de "papá noventero".

Esperemos que el siguiente sencillo no tarde otros siete años en salir, mientras te dejamos el video de "Dad Vibes".

“Olha a Chuva”, lo nuevo de Francisco, el Hombre

Segunda bengala de sonidos amazónicos.

El quinteto de raíces brasileñas vuelve a ponerse bajo el reflector con el estreno del segundo adelanto rumbo a Nada Conterá a Primavera. La agrupación ha prometido la entrega semanal de música nueva hasta el lanzamiento oficial del álbum, que llegará vía Difusa Fronteira como el cuarto en la carrera del proyecto.

“Olha a Chuva” sigue la línea de rítmica tropical y sonidos selváticos marcada por el sencillo que da nombre al disco, lanzado el pasado 23 de septiembre. Guitarras vibrantes, líneas de bajo, tambores, baterías, teclados y percusiones lanzadas desde todas direcciones son solo algunos de los elementos que le dan forma al festivo track.

Más allá de la explosión de sonoridades a la que nos tiene acostumbrados el pachanga folk de Francisco, el Hombre podemos destacar el trabajo vocal realizado por los integrantes en colaboración de la llamada “Reina de Carimbo”. Ionete da Silveira Gama, mejor conocida por su nombre artístico como Dona Onete, se ha convertido en un ícono dentro de la cultura popular brasileña, realizando trabajos de preservación y estudios antropológicos sobre ritmos tradicionales.

“Olha a Chuva”, grabado desde LAB Sound Studios en São Paulo, Brasil con producción a cargo de Mateo Piracés, se coloca como un retrato a flor de piel de los sonidos al sur del continente.

Marc Bolan: La estrella que debe seguir brillando

En el natalicio del músico, analizamos su corta pero exitosa carrera.

Cuando se habla de los inicios del glam rock a muchos les llega a la mente Ziggy Stardust, el extraterreste andrógino que David Bowie creó a principios de los setentas. Otros tienen como referencia a Iggy Pop con sus pantalones brillantes o a Lou Reed con la cara llena de maquillaje pero de entre todos los personajes que sentaron las bases del género el más importante fue Marc Bolan. Un joven de Londres que fue olvidado con el paso de los años dado su fugaz ascenso y final, pues murió a la edad de 29 años en un accidente de auto. No es de nadie la culpa el poco recuerdo que se tiene del británico pero no por eso deja de ser importante su re descubrimiento, dada su relevancia para la historia de la música.

La visión estética del joven inició a los 17 años cuando se unió a una agencia de modelos, a pesar de que aparecía en catálogos con ropa elegante y para muchos fue uno de los primeros representantes del movimiento mod –que tiempo después retomó Paul Weller el cantante vestía ropa de mujer por diversión aunque después, motivado por la liberación y ambigüedad sexual del momento, comenzó a usar maquillaje y a diseñar su propia ropa, basándose en cortes femeninos y llamativos. Eso sumado a su abierta relación interracial con la corista Gloria Jones lo hicieron un referente de la revolución sexual.

Pero Bolan no solo era una imagen también era un magnífico y dedicado guitarrista con un estilo parecido al de Eddie Cochran, acercándose mucho al rockabilly. Su ritmo casi nato y el sonido de su Gibson Les Paul fueron algo único e irrepetible, sin embargo influenció a muchos otros interpretes como Poison Ivy de The Cramps, John Squire de The Stone Roses e incluso Mick Ronson, famoso colaborador de Bowie con quien tenía una enorme rivalidad a pesar de ser buenos amigos. Aunque tal vez el músico que más ha reconocido su idolatría al líder de T. Rex fue Johnny Marr, ex integrante de The Smiths.

Se puede afirmar que no solo fue uno de los precursores del glam, ya que otros géneros se basaron fuertemente en su legado, como el goth, el punk y el new wave. Es por eso que tantos músicos le han hecho tributo a lo largo de los años, siendo los más importantes Siouxsie & The Banshees, Bauhaus, Adam Ant y Billy Idol. Entre sus canciones más versionadas están "Bang A Gong", "Debora", "20th Century Boy" y "Cosmic Dancer". Marc Bolan es el pilar que sostiene casi 50 años de historia musical y debe ser recordado, no solo en bandas sonoras de cine y televisión, sino como una verdadera figura de la cultura popular.

 

Entrevista con SOJA

La paz en el silencio que llevó a la creación de Beauty in the Silence.

“El concepto original se desarrolla con un poema que mi padre solía leerme y dice 'Go Placidly Amid the Noise and The Haste' (anda plácidamente entre el ruido y las prisas)…Hace dos discos hicimos uno llamado, Amid The Noise and Haste y este álbum es la parte dos de eso. La siguiente línea en el poema es 'Remember What Peace There May Be in Silence', así que decidimos llamarlo Beauty in the Silence”, menciona Jacob Hemphill cuando le preguntamos cuál fue el concepto del nuevo álbum de SOJA. Sin duda los miembros de la banda de reggae también pudieron encontrar en medio del caos de la pandemia la belleza existente estando con uno mismo, dentro del silencio y la tranquilidad que en la actualidad pasa por desapercibido.

La inspiración para la creación y composición de este disco viene de lo más interno de Jacob, de una retrospectiva en su vida. “Desde hace 20 años me he centrado en ir y moverme y realmente no sabía cómo comportarme cuando nada está pasando. Cuando viene el silencio realmente no sé donde está la belleza. Así que es algo en lo que estoy luchando para tratar de descubrirlo y siento que no soy el único…Si miras la naturaleza, ves que los animales están bien con el silencio, las plantas están bien con el silencio, pero los humanos nos hemos convencido a nosotros mismos de que la competencia y acumulación es el objetivo de la vida”.

La grabación de este nuevo disco comenzó antes de la pandemia donde todos se encontraban grabando juntos en un estudio, pero cuando inició el confinamiento tuvieron que hacerlo locaciones diferentes.

Y encontramos algo hermoso que es cuando nadie te dice 'haz esto o haz aquello'”.

El líder de SOJA expresó su amor por México y la manera en cómo percibimos la música en este país. “En México no es música de vacaciones, es realmente música. Sabes, en algunos lugares donde vamos la música reggae es estar en la playa con una copa en la mano y bailando con alguien…En México, la música reggae se toma en serio, como el hip hop, rock, es tomada seriamente. Esos son nuestros lugares favoritos para tocar donde la música reggae no es música de vacaciones sino música”.

Más allá de haber platicado sobre su nueva producción, Jacob Hemphill también nos contó que desea que todo en la industria vuelva a como era antes; de esta manera SOJA está en espera para que los conciertos puedan ser seguros y así tener la facilidad de planear una gira en donde México estará totalmente contemplado.

Es un futuro desconocido”.

Antes de despedirse, Hemphill agradeció a quienes conforman la industria musical y que han pasado momentos muy tensos y preocupantes durante casi dos años de no estar activos.

“Gracias a cada uno dentro de la industria musical, porque todos hemos estado en silencio durante tanto tiempo y queremos regresar a la música en vivo”.

Y una vez más manifestó su cariño y el de la banda hacia sus fans; sus seguidores quienes están con ellos y siguiendo su música, la parte medular de una banda.

 Y sobre todo quiero agradecer a los fans porque sé que necesitan esto, ellos han esperado y han estado en nuestra carrera, y no podemos esperar para estar con ellos de nuevo”.

Es evidente la importancia que tienen los fans mexicanos para SOJA, y no sólo de los fans sino en general de todo lo que conforma este país y hace que muchas agrupaciones estén interesadas en pisar estas tierras.

The Specials — Protest Songs 1924-2012

La música como instrumento de comunicación ante problemas sociales.

Con un retroceso a la música de décadas pasadas que expresó diversos acontecimientos sociales en varias partes del mundo, The Specials, creó un álbum de covers con canciones que manifestaron cierta intranquilidad en su momento y que tal vez quedaron un poco al olvido con el paso de los años.

En Gran Bretaña, a finales de los 70, el reggae al igual que el punk había dominado muchos barrios ingleses, tomando estos géneros musicales como un escape a los problemas sociales y la llegada de personas de otros países a ese territorio, convirtiéndose en una música de protesta. En ese mismo periodo empezó a surgir otro género que también se trasladó del país caribeño y tuvo un auge en la ciudad inglesa Coventry, uno que al igual que el punk y reggae fue mal visto en la sociedad, ska británico, con un ritmo más “bailable” y un estilo que lo ha caracterizado hasta hoy en día. Es así que, The Specials formó parte de las primeras bandas que dieron paso a este movimiento musical.

The Specials dio al clavo cuando escribió y produjo "Ghost Town" en 1981, en un contexto crucial en el cual Inglaterra se encontraba con diversos cierres de industrias y un caos social. Los problemas de una generación o un sector en uno o varios territorios al mismo tiempo, así es lo que dice su nuevo álbum. Protest Songs, que narra las distintas inquietudes en diferentes lugares y fechas en las que los artistas que las escribieron fueron conscientes de lo que no estaba funcionando en esos momentos, de las adversidades a las que ya se enfrentaba la humanidad o el deterioro de los recursos naturales. Tal como se describe en "Everybody Knows" (canción original de Leonard Cohen), los creadores del "Ghost Town" interpretan este poema en donde cada verso escrito contiene una simbolización diferente como: la crisis del SIDA 1988, desigualdad social, desgaste del planeta. O lo que cuenta "Listening Wind", la cual también fue creada en la década de los ochenta, una pieza producida por Brian Eno y David Byrne, que sería interpretada por la banda Talking Heads. Pero, The Specials no dejó de lado los ritmos africanos que componen a la pieza original, para así, cantar de nuevo la historia de Mojique y su espera días antes de la llegada de los estadounidenses a África. La banda inglesa se apropió de estas letras, combinándolas con su estilo musical para cantarlas como ellos lo harían. Con ese particular ritmo de ska, reggae y otros arreglos, pero a su vez sin despegarse tanto de la creación que hizo el artista original. Para "Freedom Highway" del gospel y soul de "The Staples Singers", expone el racismo y la lucha por los derechos civiles  en los años 60 y los nativos de Coventry, tomaron esta canción y ejecutar una combinación de gospel con ska.

Otro ejemplo es el que da "More Trouble Every Day", y el hartazgo ante saturación de noticias maliciosas o inclusive falsas de la televisión. La letra fue escrita por legendario Frank Zappa en 1965, pero Terry Hall y compañía crearon una versión en donde agregaron un solo de guitarra. Entre otros artistas que son retomados en este álbum está: Malvina Reynolds, Big Bill Broonzy, Bob Marley y más. Es un disco importante que debe ser escuchado con atención, ya que cada una de las canciones en él, refleja distintas sociedades en contextos diferentes que no disipan mucho de lo hoy vivido. Parecería que estas problemáticas no son alejadas a los que hoy en el 2021 se presentan en el mundo.

Macie Stewart — Mouth Full Of Glass

Sentimientos a brote.

Macie Stewart es una chica multinstrumentista que se da a conocer por formar parte del proyecto de Ohmme, un dúo en el que los sonidos de rock predominan en cada canción. Pero en esta ocasión podremos disfrutar de la música de Macie Stewart en una nueva etapa ya que acaba de lanzar Mouth Full Of Glass su álbum debut en solitario, en el que podremos deleitarnos con ocho temas bastantes íntimos en los que desborda miles de sentimientos.

Mouth Full Of Glass inicia de una manera muy tranquila con “Finally” tema que nos deleita con suaves melodías y nos recuerda que en todo momento debemos ser honestos con nosotros mismos. Pasando a sencillos más íntimos tenemos “Garter Snake” el cual se hizo en colaboración con Sen Morimoto donde Stewart reflexiona sobre lo inevitable que puede llegar a ser la soledad en algunos momentos y lo hace a través de delicadas notas de voz y suaves notas de guitarra combinadas con el increíble saxofón de Morimoto.

Para “Mouthful of Glass” podemos percibir dulces y tiernas melodías que te convencen de inmediato a seguir escuchando cada una de las notas del tema una y otra vez. Dándole continuidad a las melodías dulces tenemos “Golden (For Mark)” con toques nostálgicos en los que Marcie nos armoniza con delicadas melodías de guitarra y la claridad que tiene en sus notas de voz.

El tema más acogedor que tiene el álbum, sin duda, es “Where We Live” una balada que transmite paz y tranquilidad al alma con la inigualable voz que caracteriza a Stewart. En el tema “What Will I Do” podemos apreciar unas ligeras notas de piano que se combinan perfectamente con notas de guitarra creando un increíble contraste en los coros.

Guitarra acústica, violonchelo y notas orquestales es lo que podemos apreciar en “Tone Pome” el tema más corto del álbum, que muestra la facilidad que tiene Stewart al crear música con distintos instrumentos. Finalmente llegamos a “Wash It Away” en el que podemos escuchar nuevamente notas de piano, guitarra, al igual que arreglos de trompeta realizados por Ayanna Woods, un tema que trasmite ánimos y muestra que comenzar de nuevo, no está mal, sin importar que haya en nuestro pasado, siempre debemos seguir adelante.

Macie Stewart nos dejó deslumbrados con este nuevo material, cada tema es un nuevo descubrimiento sobre nosotros mismos, cada uno desborda un sentimiento, una enseñanza, un pensamiento, un hábito con el que es fácil de identificarnos. Mouth Full Of Glass es una representación de la esperanza que tenemos día con día sobre los cambios y la empatía que debemos tener, expresa que lo único que necesitamos para sentirnos bien es tiempo y espacio para sanar.

MNKYBSNSS estrena “You Can Not Save Me”

Date un trip con la música de estos colombianos.

El dueto sensación de la música electrónica colombiana está de regreso. MNKYBSNBSS, proyecto conformado por Mono Urina y Kike Velez está de estreno con su nuevo sencillo titulado "You Can Not Save Me", que además es el tercer adelanto de su próximo álbum de estudio, del cual habrá más información pronto.

A partir de una esencia minimalista heredada del viejo techno, "You Cant Not Save Me", crea una atmósfera que se corresponde con la colorida portada a cargo de Arturo Betancourt. El track, además, cuenta con invitados de primer nivel, pues fue producido por Filip Nikolic (quien ha trabajado con Poolside, Azealia Banks, entre otros) y masterizado en Nueva York por Joe Lambert (colaborador de Moby y Nicolas Jaar). Dale play a continuación.

MNKYBSNSS no ha dado más detalles de su próximo álbum, sin embargo, ya es posible adivinar el rumbo que tomará con el estreno de los anteriores sencillos "Pixelated" y "Haze". El dueto actualmente se encuentra celebrando su regreso a los escenarios, pues se ha presentado en diferentes foros de Colombia durante los últimos meses. Seguramente, pronto habrá más información de su nuevo material, así que sigue al proyecto en redes sociales para que no te pierdas sus actualizaciones.

 

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