Superchunk comparte “On the Floor” rumbo a nuevo LP

Tercer adelanto de electric folk para la agrupación.

El proyecto formado por Mac McCaughan, Laura Ballance, Jim Wilbur, Jon Wurster y Jason Narducy se mantiene vigente bajo el espíritu de indie y D.I.Y. con el lanzamiento de su más reciente material, esta vez en compañía de Mike Mills (R.E.M.) en la vocales y Franklin Bruno al piano.

“On the Floor” continúa la línea de efervescencia orgánica retratada en “This Night” y “Endless Summer”, sencillos previos de los estadounidenses, ofreciendo al oído público el tercer adelanto sonoro rumbo a Wild Loneliness, futuro larga duración próximo a llegar a nuestras manos este 25 de febrero vía Merge Records.

Superchunk refresca su sonido en esta nueva entrega, valiéndose de la colaboración de Mills y Bruno para agregar profundidad al estilo de suavidad indie y naturalidad chispeante que ha caracterizado a la agrupación desde sus inicios.

El demo de 'On the Floor' me recordó algo al Reckoning de R.E.M. así que quería que tuviera piano tocado por las hábiles manos de Franklin y, afortunadamente, conseguimos que Mike agregara su distintiva voz en las armonías”, compartió el frontman Mac McCaughan.

Puedes escuchar el reciente lanzamiento ya disponible en todas las plataformas de streaming.

Caroline Spence colabora con Matt Berninger (The National)

Sonidos de intimidad compartida en el nuevo corte.

Caroline Spence se ha labrado una más que fructífera carrera como compositora e intérprete dentro de la escena underground en Nashville, Tennessee, cautivando a colegas y escuchas con su estilo orgánico, letras sinceras y dulzura vocal. En esta ocasión las intenciones musicales de la estadounidense son transportadas junto a la icónica voz del frontman de The National para alcanzar un terreno sonoro aún más profundo, destacando el contenido lírico en el primer corte de Spence durante 2022.

“I Know You Know Me” retrata a base de arpegios en guitarra acústica, arreglos de cuerda profunda y un progresivo crecimiento instrumental el sentir la artista sobre volverse genuinamente íntima a un tercero, dejándole entrar en contacto con la fibra más sensible de la resguardada interioridad.

La canción trata sobre la compleja belleza de ser verdaderamente conocido por alguien, especialmente en esos instantes donde te sientes perdido. Todos tenemos momentos en los que queremos escondernos, es algo poderoso tener a alguien que no te permita olvidarte de ti mismo. [...] La voz de Matt aportó una nueva profundidad a la narrativa y paleta sónica de 'I Know You Know Me'”, compartió Spence.

El recién estrenado track formará parte del nuevo material de estudio de la compositora, próximo a llegar vía Rounder Records con más detalles por anunciar.

Craoline Spence - Iknow you know me (Art)

El David Aguilar comparte el tema “Rumbo Bello”

Una valoración en nuestro andar por el mundo a través de un ánimo luminoso.

"Vivir el presente" es una frase que muy seguido hemos escuchado por parte de un amigo, un familiar o cualquier persona que nos rodea, ya que la ven como un mantra para dejarse llevar por el momento. En el caso de El David Aguilar, él lo interpreta como una forma de apreciar cada segundo de la vida a través de un estado de ánimo luminoso.

Una idea que plasmó en su más reciente sencillo "Rumbo Bello", el cual nos muestra los elementos que componen la experiencia de la vida, los clarososcuros que la viste y cómo la consciencia alrededor de este conjunto de cosas se transforman en el andar por el mundo.

Se trata de una canción meditativa, enfocada en fijar un estado de ánimo luminoso (...) es además muy personal, pues me la compuse para relajar la mente y fijar un estado de alegría e incluso éxtasis", comentó el artista sobre el significado de su canción.

Es así como El David Aguilar es capaz de conmover y conectar con su audiencia mediante su sutil voz melódica y las guitarras rítmicas que siempre lo han caracterizado; una esencia que podrás escuchar a continuación con su nueva canción.

Dale play.

Sunflower Bean anuncia su álbum, 'Headful of Sugar'

Un disco que abarcará los placeres rápidos de la vida.

Sunflower Bean ha anunciado los detalles de su siguiente álbum de estudio, Headful of Sugar, el cual saldrá a la luz el próximo 6 de mayo a través de Lucky Number. Este se posicionará como su tercer material discográfico y lo más reciente de su carrera.

Como un previo al lanzamiento, Sunflower Bean publicó el tema “Who Put You Up To This?" junto con un video musical, el cual nos sumerge en una introspección interna para diferencias lo bueno y lo malo que tenemos en la vida. Un sentimiento que se vuelve cada vez más profundo conforme a avanza la melodía y las líricas de la canción.

El nuevo tema se trata de placeres rápidos, el azúcar de la vida, la alegría que surge al dejar ir todo lo que pensabas que importaba (...) A veces tienes que dejar de ser quien has sido para poder convertirte en quien quieres ser”, indicó la agrupación en un comunicado de prensa.

En lo que respecta al disco Headful of Sugar, este contará con 11 tracks que tomarán relevancia por su sutil toque atmosférico lleno liberación y momentos instantáneos de felicidad que, en cierta medida, serán la continuación del material Twentytwo in Blue que fue lanzado en 2018.

Te dejamos el tracklist a continuación.

Sunflower Bean álbum_2022

1. "Who Put You Up To This?"
2. "In Flight"
3. "Otherside"
4. "Roll The Dice"
5. "Headful of Sugar"
6. "I Don’t Have Control Sometimes"
7. "Stand By Me"
8. "Post Love"
9. "Baby Don’t Cry"
10. "Beat The Odds"
11. "Feel Somebody"

Escucha “Porta”, lo nuevo de Sharon Van Etten

Un canto al abismo de lo personal.

La oriunda de New Jersey, EE.UU., libera su primer sencillo en estos primeros meses de 2022, enfrentando los fantasmas anímicos que persiguieron a la cantante durante 2020 pero que han estado presentes durante todo su desarrollo musical y personal.

Sharon Van Etten (01)

Van Etten comparte, vía Jagjaguwar Records, el corte de nombre “Porta”, valiéndose de baterías procesadas, sintetizadores y sutiles guitarras en overdrive para enmarcar la claridad y estilo vocal que la estadounidense ha logrado tras poco más de diez años de carrera, hablándonos desde la intimidad de su sentir pero apelando a ese sentimiento de quiebre que todos parecemos conocer.

Escribí 'Porta' uno de mis puntos más bajos. Durante la mayor parte de mi vida adulta he luchado con episodios de depresión, ansiedad y mecanismos de afrontamiento, pero he aprendido a dejar que esos momentos oscuros saquen lo mejor de mí. Durante este tiempo me sentí completamente disociada, no lograba conectar con mi cuerpo haciéndome sentir fuera de control", compartió la artista.

Van Etten relata como la cybercompañía de Stella Cook (protagonista en el videoclip del nuevo corte) fue crucial para ayudarle a salir de este complicado pasaje emocional, proporcionándole un lugar seguro para poder canalizar su energía en un proceso creativo más que disfrutable.

Spoon comparte “My Babe”

La banda presenta un tema conmovedor y nostálgico.

La banda de rock Spoon ha liberado su nuevo tema llamado "My Babe", canción que funge como último adelanto de su próxima producción titulada Lucifer On The Sofa, material que se estrenará este viernes 11 de febrero a través de Matador Recordsy del cual se han desprendido sencillos como "The Hardest Cut" y "Wild".

"My Babe" es una balada melancólica que se va transformando poco a poco en un tema más contundente conservando sus riffs acústicos, un tema perfecto para escapar de la ciudad y visualizar otros paisajes. La canción fue co producida por Spoon y Mark Rankin.

Disfruta "My Babe" a continuación.

Lucifer On The Sofa es 'un poco más terrenal' que los lanzamientos anteriores de Spoon,  las personas que escucharon y disfrutaron los últimos discos de la banda serían 'gratamente sorprendidos' para este próximo álbum", comento Britt Daniel sobre el nuevo álbum.

Spoon inicia hoy el tour de Lucifer On The Sofa comenzando por California para así terminar la gira en el mes de junio en Phoenix, Arizona. El nuevo EP estará disponible en formato CD, digital y en vinil con dos variantes de color. Ya puedes pre ordenar el disco en la tienda oficial de Spoon.

Mon Laferte publica el video de “Placer Hollywood”

El video fue grabado durante su Tiny Desk (home) Concert.

Hace unas semanas, Mon Laferte estrenó su tan esperado Tiny Desk (home) Concert, grabación en la que vemos a una Mon llena de luz gracias a su embarazo, pues se le ve más feliz que nunca; y aprovechando este concert, la chilena grabó el video para su más reciente tema, "Placer Hollywood".

"Placer Hollywood" se desprende se 1940 Carmen, su más reciente disco, en este tema Mon transimite una vibra de amor, en donde el festejo y la pasión son parte importante de una realación entre dos almas, pues el amor es más fuerte que todo, logrando así ser la unión perfecta de dos mundos.

La grabación se realizó en Tepoztlán, y sirvió para darle a “Placer Hollywood” ese toque de balada, en dónde no existe la barrera del idioma, pues entre el fránces y el español, se da una mezcla que da al tema un toque único.

Dale play a "Placer Hollywood" a continuación:

10 años sin Luis Alberto Spinetta

El mundo lleva una década sin Luis Alberto Spinetta y su eternidad sigue intacta, repasemos su legado en la música.

"Te amo, porque inventaste el amor, y es tanto tu amor que te volviste canción", cantaba con pasión Dante, hijo de Luis Alberto Spinetta, a quién le escribió "Águila Amarilla" luego de haber partido. Parece que el tiempo se ha ido volando, y es que este 8 de febrero se cumplen 10 años de la muerte de "El Flaco".

Nacido en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Luis Alberto Spinetta fue, y es para muchos, una de las figuras más importantes en la historia del rock hablado en español gracias a su influencia y talento para componer y crear un estilo propio lleno de elegancia y poesía. Su fallecimiento tuvo lugar a causa de cáncer.

Fue líder de distintas bandas en diferentes contextos del rock argentino. En Almendra formó parte de uno de los proyectos que dieron paso al desarrollo a una industria que crecía de a poco en los años setenta; años más tarde formaría Pescado Rabioso, donde llevó el virtuosisimo y la sensibilidad a un nuevo nivel.

En la segunda mitad de los setenta daría paso a Invisible, una de las bandas de rock progresivo que incorporó el bandoneón y toda la influencia del tango. Posteriormente tendría decenas de álbumes solistas y proyectos de gran calibre como Spinetta Jade y Spinetta y Los Socios del Desierto.

Es claro que en el contexto comercial, Luis Alberto Spinetta no alcanzó un nombramiento mediático, pero detrás de grandes íconos quedó su influencia, y no solo de Gustavo Cerati, Fito Páez, Charly García y Andrés Calamaro; el legado de "El Flaco" está detrás de bandas de gran peso en la industria musical actual.

LuisAlbertoSpinetta_

Las canciones de Spinetta.

Durante toda su trayectoria hubo una brillante forma de hacer canciones, de crear historias que acercaban al rock con la filosofía y con el humanismo. A las guitarras distorsionadas y sonidos electrizantes que venían de fuera les puso el tango de Gardel y el de Piazzolla, así como las historias y la elegancia de Borges y de Cortázar.

Con Almendra sería cómplice del inicio de la industria argentina en compañía de bandas como Aquelarre y Manal. Se podría valorar a la banda de Spinetta como algo sumamente innovador, gracias a un deseo de derramar poesía en compañía de esos sonidos que volvían locos a los jóvenes deseosos de conocer nuevos mundos a través de la música. También volvió locas a las autoridades, que no estaban preparadas para ese emocionante viaje.

Con Pescado Rabioso, Luis Alberto demostró su gran carácter como compositor y guitarrista. El acercamiento al blues y el jazz dejaría argumentos para considerarse una de las bandas más potentes de la época, y bajo el nombre de Pescado Rabioso descansa Artaud, considerado por la Rolling Stone como el mejor disco en la historia del rock argentino, fue compuesto en su totalidad por "El Flaco".

Invisible fue un proceso distinto. En medio de una dictadura militar, Spinetta tomó un camino más contemplativo, donde tuvo una de sus mejores etapas creativas. Un Homónimo, Durazno Sangrado y El Jardín de los Presentes dejaron una imagen sensible ante la época dura que pasaba Argentina.

El argentino sabría evolucionar y adaptarse a los tiempos. Con Spinetta Jade, Spinetta y los Socios del Desierto y de igual forma como solista, mostraría una interesante metamorfósis acorde con los cambios que tuvo la música. Nunca se cerró y parecía recibir con afecto las nuevas herramientas para añadir su esencia.

El talento es el hombre en libertad, nace en cualquier persona que se sienta capaz de volar con sus ideas”.

El legado más allá de la música.

Luis Alberto Spinetta dejaría declaraciones importantes de su manera de ver el mundo y la música. Dejaba claro en entrevistas que sus intenciones no eran convertirse en una estrella de rock mientras veía a sus paisanos sufrir por crisis económicas. Por otra parte, veía necesario que se escuchara la opinión de los jóvenes, así como sus ideas y sentimientos.

"El Flaco" quedaría en la historia no solo como un gran artista, también como un gran ser humano.

En lo que al fútbol se refiere, Luis Alberto Spinetta le iba a River Plate, y encaraba la rivalidad con Boca Juniors de una forma poco usual. Entendía que el orígen ambos equipos era la riviera bonaerense, mientras que decía que "tendrían que jugar con las camisetas invertidas para darnos cuenta que el color es una boludez que nos separa".

La gran desventaja para algunos es hacer música por ambición, casi como por obligación, para enriquecerse, o para figurar. A los dos compases sabés qué tipo de trabajo y artista estás oyendo, y ante quién se agacha y para qué”, llegó a declarar Spinetta.

Nadie se salva solo.

Al recordar a Luis Alberto Spinetta y navegar por artículos con declaraciones de diferentes artistas de ayer y hoy sobre la figura de "El Flaco", es notorio que coinciden en elogios... en que es de distintos modos el "padre" del rock argentino.

Charly García decía que Luis era su ídolo. "Si fuera un genio sería Spinetta", llegó a referirse en una presentación en vivo de su paralelo en trayectoria. Ambos hicieron "Rezo por Vos", uno de sus temas más célebres de los dos.

Gustavo Cerati lo tomó como una referencia directa, incluso llegó a versionar "Bajan", de su álbum Artaud. "Recuerdo que no hacía otra cosa que imitar, conseguir reproducir el clima que él lograba en ese disco, con mi banda recién empezando", expuso el líder de Soda Stereo ante medios de comunicación.

Fito Páez, con quien grabó Luis Alberto Spinetta el álbum La La La, lo ha considerado "uno de los más grandes artistas del mundo. Su obra vive aquí muy cerca para quien quiera navegar en alta mar y perderse en ese océano delirante de pura humanidad".

Tras su muerte, Andrés Calamaro le escribió la canción "Belgrano", donde le agradecía a "El Flaco" y lo homenajeaba "por ponerle armonía a la ciudad, por la mágica y perfecta melodía... y el embrujo de tu canto de pájaro cantor que echó a volar".

Antes que nada este pequeño concierto se lo dedicamos a todos los marginados y alienados del mundo, porque cada día más se comprueba que en el futuro van a ser ellos los que van a regir la razón humana", mencionó Luis Alberto Spinetta en alguna presentación en vivo.

Spinetta eterno.

Todos los 23 de enero se celebra en Argentina el día del músico. La fecha coincide con el natalicio de Luis Alberto Spinetta, quien no ha dejado de sonar como el referente de la música que se puso al servicio de su nación, que se hacía cargo de su lugar en la industria y que aprovechaba dicha posición para intentar transmitir un mensaje humano.

Ustedes vieron que los paisajes pueden alterarse no solamente por una maniobra del cielo, sino por una maniobra que, aunque también es del cielo porque de ahí venimos, es una maniobra de nosotros los seres humanos. Las ciudades se desvanecen, se pueden destruir, se pueden sepultar... Pero hay algo que es inefablemente no cambiante, que es nacer".

Combo Chimbita — IRE

Nada podía salir mal con la combinación de elementos que integró Combo Chimbita.

El grupo colombiano Combo Chimbita ha presentado un disco que transgrede todo lo estipulado respecto a la música tradicional caribeña centroamericana combinándola con otros géneros que no parecían ser compatibles. IRE es un álbum que contiene diferentes texturas, ritmos, instrumentos y estructuras, va mutando conforme pasan las canciones y lo dota de un estilo camaleónico lleno de sorpresas.

IRE abre con "Oya" un tema en tono de oración o rezo de más de tres minutos que tiene como misión poner en el mood en que mejor se disfruta el disco, o sea en total serenidad. La voz de Carolina Oliveros eriza la piel desde esta primera canción, pero no será la última vez que lo haga en los 45 minutos que dura IRE"Babalawo" continua con la "ceremonia" del Combo Chimbita, misma que se mantiene en un mismo nivel de frenesí en la siguiente canción, "Me Fui", aunque la principal diferencia son los temas que tratan cada una de las canciones.

"Memoria" es una canción que combina géneros como el R&B con la cumbia creando así una amalgama bastante particular ¿Te imaginabas que esto pudiera ser posible y que sonara tan bien? Continuando con la integración de instrumentos y sonidos, en "La Perla" podemos escuchar una guitarra eléctrica en un primer plano durante toda la canción, mientras que los sintetizadores mantienen alerta al escucha que queda a merced de la voz de Carolina.

Después de un inicio algo movido, viene "Sin Tiempo" y sus percusiones excelsas, mismas que son protagonistas de este álbum. En muchas canciones de IRE, las percusiones creadas, ya sea con drum pad, con batería o con otros instrumentos, son parte fundamental, son el sostén de los demás instrumentos. Lo anterior lo podrás comprobar en "Yo Me Lo Merezco", canción que tiene un ritmo más tropical cuya base rítmica recae en el elemento ya mencionado.

"Indiferencia" marca el regreso de los sintetizadores acoplados con el poder de un bajeo impecable cercano al que típicamente se escucha en una canción reggae. Al final IRE se vuelve una total locura con los cambios de ritmos y composición: "De Frente" es frenética, "Lo Que Es Mío, Es Mío" es sensualidad pura y "Mujer Jaguar" es un cierre místico con cantos de voz profunda, acompañada de sintetizadores espesos y la mejor línea de bajo del álbum. El disco culmina con "Todos Santos" y en esta pieza, como si no fuera suficiente, Carolina Oliveros vuelve a penetrar las emociones más profundas con notas y texturas en su voz que provoca un escalofrío que recorre la espina dorsal.

IRE es la manera en que Combo Chimbita ha refrescado la música latinoamericana con mezclas y letras de altísima calidad, pero es que tiene todos los elementos para serlo: percusiones excelentes, bajeos exquisitos, guitarras precisas, sintetizadores envolventes, voz imponente. Nadie podía pensar que con la combinación de estos elementos un disco podría ser un fiasco, IRE para nada lo es. De hecho es absolutamente todo lo contrario, es una combinación destinada al triunfo y la posteridad.

A 45 años del ‘Marquee Moon’ de Television

Entre el punk progresivo y el rock intelectual que convierte lo sencillo en complejos rompecabezas musicales.

Pensar que el punk puede ser artístico y grandilocuente parece una contradicción. Aunque si escuchas a Television descubres que sí es posible. Así de trascendente es el legado de uno de los conjuntos más subvaluados que ha tenido la música. Su historia es tan corta como un orgasmo pero tan importante como el aire. Los integrantes jamás lograron posicionarse en el gusto de las masas pero dejaron como testimonio un álbum que se vuelve más famoso cada año que transcurre.

El origen de todo es la ciudad de Nueva York a la que le cantó Frank Sinatra. Sus calles frías y lluviosas fueron el punto de encuentro entre Tom Verlaine y Richard Hell. El segundo abandonó el barco al poco tiempo pero su estrafalaria forma de vestir inspiró a Malcolm McLaren para darle identidad visual a Sex Pistols y crear la primera boy band del punk.

Una vez reformado, el conjunto se enfocó en ensayar y tocar en cualquier lugar que estuviera disponible. Una de sus máximas victorias fue ser el primer grupo de rock en presentarse en el CBGB, un bar recién inaugurado antes solo admitía a bandas de bluegrass y hillbilly. Algunos años después se convertiría en la pasarela por la que absolutamente todos pasaron.

Cuando Nueva York era el epicentro musical del mundo

Por lo anterior, los integrantes de Television vieron en primera fila el surgimiento de agrupaciones locales como los Ramones, Blondie y Talking Heads. Con cada una compartieron escenario y tal vez algo más. Fue el momento de la historia en el que la música más propositiva del mundo se creó en un mismo espacio.

Una vez con la formación clásica de Richard Lloyd (guitarra, voz), Billy Ficca (batería), Fred Smith (bajo) y Verlaine en la otra guitarra y voz se alinearon todos los elementos. La intención de los cuatro era algo demasiado contradictorio que nadie había intentado antes: crear un rock simple pero al mismo tiempo complejo.

El resultado se materializó en ocho canciones que fueron publicadas el 8 de febrero de 1977. Por una parte, el impacto del punk es evidente al menos en la actitud “valemadrista” del grupo. Poco les importaba la opinión de los demás y jamás les interesó encajar en algún círculo social. Al mismo tiempo, también existían fuertes pretensiones musicales para crear algo más allá de la típica estructura de verso-coro-verso reunida en tres minutos.

Poesía, improvisación y actitud

Desde la abridora “See No Evil” es claro que se trata de música que se aleja por completo de todo lo que se hacía en esa época. Lo más cercano era Patti Smith quien convertía los poemas en canciones aunque aquí es distinto. La voz imperfecta de Tom se ha convertido en un sello personal que ha sido replicado desde entonces.

En ese sentido, el trabajo se alimenta del rock psicodélico de finales de los sesenta pero lo actualiza lo que ocurría en ese momento en el mundo. Mientras que los propios integrantes han señalado que uno de sus objetivos fue replicar con las guitarras lo que John Coltrane hacía con el saxofón.

De igual forma, el material es una continuación espiritual de lo hecho por The Stooges al combinar el protopunk con el free jazz. Aquí también se aprecian largos pasajes instrumentales que recuerdan los jams infinitos de Grateful Dead y el ejemplo más claro es “Marquee Moon” con sus 10 minutos de duración. El juego de dos guitarras que tocan las mismas notas pero con afinaciones distintas ha sido replicado desde entonces por agrupaciones de todo el mundo. ¿Acaso alguien dijo The Strokes?

Aunque en su momento el álbum fue un éxito con la crítica, el público le dio la espalda y las ventas fueron mínimas. Desde el primer LP de Velvet Underground no se había visto un fenómeno similar aunque al final los dos se han colocado dentro de los más importantes en la historia de la música. Tal vez el culpable sea el aire de Nueva York que genera músicos adelantados a su época.