Entrevista con Kinky

Posted on junio 13, 2022 by -

Platicamos con Gil y Omar acerca de Fierrro, el nuevo disco de la banda, su regreso a los escenarios y de su próxima producción que tendrá varias colaboraciones.

A través de más de 24 años de carrera, Kinky se ha caracterizado por no tener miedo de explorar nuevos sonidos en cada uno de sus discos, es una agrupación camaleónica que se adapta a los tiempos que corren cuando deciden meterse al estudio a grabar nuevos temas. En su más reciente producción, Fierrro,  Kinky explora sonidos con un corte urbano y eso mantiene más fresca que nunca esa premisa de experimentación constante. "Es un álbum que grabamos e hicimos durante la pandemia" comenta Gil Cerezo a la par que Omar Góngora menciona sentirse exhausto después de una gira por Estados Unidos que recién había terminado cuando se realizó esta entrevista, "Estamos muy contentos por este disco que salió el 27 de mayo y un poco cansados porque regresamos de gira, estuvimos en Aguascalientes, fuimos a Orange County en California, a San Francisco, Oakland, Napa Valley y terminamos en Chicago en unos festivales donde presentamos por primera vez las nuevas canciones de Fierrro.

Teniendo la reinvención como máximo estandarte, Kinky le da una lección a todas esas bandas que deciden irse a la segura con las fórmulas que les funcionan comercialmente. "Hay un coqueteo siempre con todos los géneros latinos, desde el el primer disco metimos samba, batucadas, cumbia, funk, hemos metido hasta raíces salseras y creo que el género urbano ha venido enseñándonos a todos que también se puede ampliar ese sonido y en Fierrro quisimos experimentar, literalmente experimentando llegamos a un par de temas que nos gustaron en ese ámbito" declaró Gil notablemente orgulloso de la creación que acaba de lanzar junto a su banda.

Los miembros de Kinky vieron pausados y mutados los objetivos que tenían a corto plazo antes de la pandemia, si eres fan de la banda, habrás notado que "Llena de Mentiras" salió en 2019 y aún así está dentro de Fierrro, pero para esto Gil nos da una explicación: "Al principio pensamos ir haciendo una canción y sacarla, luego otra y sacarla, pero nos dimos cuenta de lo mucho que nos sirvió estar de gira porque al momento de presentar las canciones hacen más ruido y hacen más coherencia escucharlas en vivo". Por su parte, Omar se remite al recuerdo de cómo ha vivido Kinky estos últimos dos años con formatos distintos para hacer música en vivo: "Nuestro último show fue el 14 de marzo del 2019 en el Cumbre Tajín en Veracruz y luego no hubo nada. Hicimos concierto en streaming, después en los palcos, también hicimos algo con puros carros, luego ya con 200 personas y hace unas semanas en el Festival Pulso GNP fue el trancazo mayor, ahí si fue donde sentimos el madrazo completo porque eran como 40 o 50 mil personas bailando y gritando con nosotros". 

Ya con la sociedad mundial volviendo a la antigua normalidad, los festivales y conciertos masivos no han dejado de ser anunciados durante este 2022, uno de los más llamativos es el Bésame Mucho, festival latino que se llevará a cabo el 3 de diciembre en Los Ángeles y del cual Kinky forma parte, al respecto Omar nos comenta que no podía creer el cartel de este festival: "Cuando nos mandaron el flyer de ese festival fue de ‘no creo, es puro pedo esto, no puede existir algo así’, pero luego nos dicen ‘ustedes ya están confirmados’ y nos quedamos de ‘a la madre’". Pero si comienzas a sentir que mucho Estados Unidos y poco México, Gil dejó más que claro que para nuestro país Kinky esta tramando algo espectacular: "Estaremos en más ferias en Tulancingo, Oaxaca, Chiapas, para Puebla todavía nos falta anunciar la fecha y estamos preparando algo muy especial para Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey".

Gil Cerezo cerró la entrevista dejando ver que el próximo año tendremos uno de los discos más ambiciosos de Kinky: "El tratar de refrescarnos hace interesante el proyecto, no repetirnos hace que haya un entusiasmo por la búsqueda, la experimentación, los nuevos plug ins, los nuevos sintetizadores y sonidos diferentes. Vamos a armar un nuevo disco invitando a varios amigos a colaborar porque creo que es algo que nos falta por hacer y sin duda el 2023 estaremos presentando ese nuevo material con esa premisa".

Angel Olsen — Big Time

Posted on junio 13, 2022 by -

Big Time, el arte de renacer entre las cenizas.

La belleza de la vida que surge entre las cenizas de nuestros incendios personales, la pureza que deja el fuego a su paso y la oportunidad de iniciar de cero, siempre.  Big Time es un álbum que trasciende los límites de la palabra y convierte el vértigo en canción.

Con la esperanza y el amor como emblema, el fulgor de un sol naciente y el gran momento que llega, al fin, Angel Olsen comparte reflexiones y sentires que nos tocan a todas y todos por igual. La soledad, el duelo, el vacío, el ímpetu y la resiliencia, están presentes en los temas que componen el potente álbum.

Tras una serie de eventos que cambiaron la vida de la artista para siempre, su salida del closet como queer y la muerte de sus padres semanas después, Angel no dudó en hacer de la música un refugio, lugar de descanso, de creación y despegue hacia su ser más auténtico.

Durante casi 47 minutos y a través de 10 temas diferentes, la cantante demuestra de qué está hecha. Utilizando una reinterpretación, muy a la Olsen, de géneros como el country, la balada y el folk, Angel impregna su álbum de atmósferas de ensueño creadas por reverberación, guitarras ondulantes, baterías potentes y minimalistas que empoderan la mística voz de Olsen que no pierde protagonismo durante todo el disco.

“All The Good Times” es el tema con el que Big Time rompe el silencio, durante 4 minutos y 36 segundos, la artista nos comparte una historia de cansancio y nostalgia, en la que habla sobre una ruptura amorosa en la que ya no queda nada por hacer. En seguida inicia “Big Time”, tema que le da nombre al álbum. Con una melodía destelleante y la vibrante voz de Olsen cantando “And I'm/ losing, I'm losing, I've left it behind/ Guess I had to be losing to get here on time/ And I'm living, I'm loving, I've loved long before/ And I'm loving you big time, I'm loving you more” encontramos a una Angel en su gran momento, después de la tormenta, con las manos vacías y el corazón desbordado, lista para amar.

Después de los melancólicos “Dream Thing” y “Ghost On”, temas en los que la artista le canta al amor y sus imposibilidades, al dolor y su inevitable llegada, llega “All The Flowers” como una de las indiscutibles joyas del álbum. Con la dulce voz de Olsen liderando la pieza, “All The Flowers” nos transporta a un campo celestial mientras oscilamos al ritmo del viento en un columpio a través de las flores, “I've been spending too much time/ Searching in vain, to find/ The only reason/ The only reason/ To be alive/ To be alive…”.

“Right Now”, “This Is How It Works” y “Go Home” se presentan como la triada del soltar, del dejar ir, renunciar a los viejos sueños para crear nuevos. “Go Home” es probablemente uno de los temas más potentes del álbum. En él la artista reflexiona sobre lo que su vida le exige, reconoce el poder que la habita para continuar, pero al mismo tiempo, expresa, en forma de un lamento formidable, su deseo de volver a casa y el miedo que siente al alejarse de lo que alguna vez fue, “I wanna go home/ Go back to small things/ I don't belong here/ Nobody knows me/ How can I go on?/ With all those old dreams/ I am the ghost now”.

Es así como llegamos al final del disco con “Through The Fires” y “Chasing The Sun”. Ambos se presentan como una oda a la condición humana, a la cualidad de continuar y caminar a través del fuego. Big Time queda como prueba de la vastedad que nos habita y el impulso por amar que alberga el espíritu de Angel Olsen y de cada una de nosotras, de nosotros, de perseguir al sol, siempre.

Kongos estrena el sencillo, “Broken”

Posted on junio 13, 2022 by -

Un tema sobre el conflicto interior.

Con una habilidad profunda para construir música que se adentra en el corazón de la existencia humana, el cuarteto sudafricano Kongos comparte “Broken”, primer adelanto de lo que será su séptimo trabajo discográfico, el cual presentará más adelante este año.

Con un groove percusivo y poderoso, “Broken”, lleva el sonido característico de la banda a un nuevo nivel, nutrido por su paso a través de distintas ciudades del mundo, donde Johnny, Jesse, Dylan y Danny Kongo han radicado.

Kongos Broken

De acuerdo con un comunicado de prensa, el nuevo sencillo de los hermanos Kongo, se enfoca en el conflicto interior:

’Broken’ es sobre el miedo invasivo y perpetuo de enfrentar la  a consciencia de uno", explicó Johnny, escritor principal del tema.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales vía Tokoloshe Records, dando continuidad al legado de letras misteriosas y voces furiosas que llevó a Kongos a ser una de las bandas de rock alternativo más representativas de su natal Sudáfrica.

¡Dale play y sigue conectado a Indie Rocks! para no perderte ninguna noticia de la banda!

The Gilmour Project en Pepsi Center WTC

Posted on junio 12, 2022 by -

La experiencia de la obra abierta.

Si no te gusta Pink Floyd, seguramente lo estás escuchando mal o no estás poniendo atención. Solo basta con echarle un vistazo a la cartelera del festival Hipnosis para encontrar una pizca de la amplia influencia del grupo sobre nuevas generaciones de melómanos psicodélicos. Entre covers, interpretaciones al pie de la letra (véase el tributo de The Flaming Lips a The Dark Side of the Moon) y cientos de análisis con rigor académico, el trabajo de Pink Floyd se ha mantenido como una obra abierta, un mito en constante reescritura de generación en generación como todos los que otrora sostuvieron al mundo moderno. The Gilmour Project, supergrupo estadounidense nacido en el seno del rock clásico y del progresivo, ha tomado la pluma para ser uno de sus más apasionados narradores.

The Gilmour Project es y no es una banda tributo. Es más bien un ensamble original, formado por cinco músicos con carrera en el rock desde los 70 y un interés por llevar a los terrenos del jazz y la improvisación clásicos del grupo británico por todos amados. Por ello, la noche del 11 de junio, las paredes del Pepsi Center WTC se llenaron de una carga psicodélica —y una que otra nube de humo flotando por ahí, lejos— acompasada por viejas y conocidas melodías. El prisma del Dark Side of the Moon, álbum cuyo aniversario 49 congregó en este lugar a varios centenares de apasionados de Floyd, proyectó nuevas refracciones de su música, como también lo hizo el legado de Animals (1977), Meddle (1971), Wish You Were Here (1975) y A Saucerful of Secrets (1968).

Desde el inicio, The Gilmour Project dejó claro que iba con todo en el tributo a las atmósferas de Floyd con los acordes de “Shine On You Crazy Diamond”. El primer set no se guardó nada; fue un recorrido por cada faceta de la historia del grupo de David Gilmour, comenzando por “Set the Controls for the Heart of the Sun”, tema de su segundo álbum, hasta piezas como “There’s No Way Out of Here”, popularizada por aquel músico en solitario. En el camino, se quedaron “Echoes”, “Dogs” —cuya interpretación nos voló la cabeza por la pulcritud de los solos de guitarra a cargo de Jeff Pevar— y la primera sorpresa de la noche: un cover de “Running Up That Hill”, original de Kate Bush, que al momento de escribir estas líneas suena hasta el cansancio entre una generación de tiktokers y amantes de las cosas extrañas, si bien no desencajó para nada en un set enfocado a conectar tanto con apasionados de la música de finales de siglo como con nuevos melómanos.

TheGilmourP_Indierocks_4

Fue en el segundo set donde Dark Side of the Moon revivió en todo su esplendor… con unas pequeñas añadiduras. El grupo interpretó la obra de inicio a fin y dejó claro que el álbum de 1973 ha llegado a nuestra época con el respeto de un Mahabharata o un Bhagavad Gita, es decir, de un texto que pasa la prueba del tiempo y, pese a haber sido traducido por un montón de plumas, conserva la esencia de una pieza histórica. Así se escucharon las reinterpretaciones de “Breathe”, “Brain Damage”, “Speak To Me”, “Money” —de las favoritas del público— y “Any Colour You Like” —la predilecta de quien escribe estas líneas, por supuesto—. En el medio, The Gilmour Project nos dejó con su muy personal reimaginación de “Black Magic Woman” de Fleetwood Mac, donde salieron a relucir más que nunca los órganos a la vieja usanza ácida a cargo de Scott Guberman.

Para ese entonces, los cinco integrantes de The Gilmour Project habían acallado toda duda de su versatilidad como músicos y su integración como banda —también, vale decirlo, de su destreza vocal—. Pero fue en el encore con “Comfortably Numb” donde de la misma forma dejaron claro su poder para revivir el espíritu de la escucha en vivo del Pink Floyd original. Fue en ese momento, con centenares de celulares alzados, coros a todo pulmón y un par de globos gigantes brincando de mano en mano, cuando se rescató por fin la energía más pura de un concierto de rock. 

Estoy muy tentado a afirmar que The Gilmour Project es lo más cercano a un concierto de Pink Floyd que viviremos aquellos quienes no tuvimos el privilegio de estar presentes en los legendarios shows de 1994 —y, para el caso, en ninguno de Roger Waters—. Eso, por supuesto, colocaría al grupo un paso más allá de las bandas tributo que inundan los bares del Centro Histórico, las cuales dividen con fervor a los fans de la música en vivo pero ayudan a mantener viva la memoria de la banda británica. Sin embargo, esta noche The Gilmour Project demostró tener su propio mérito como banda, como agrupación de rock progresivo, ensamble de improvisación y hasta portador de emociones singulares. Músicos geniales para una música que, ni con el paso de las décadas, deja de ser increíble.

Elsa y Elmar en el Teatro Metropólitan

Posted on junio 12, 2022 by -

Soltar, llorar y seguir adelante.

Fue hace tres años cuando Elsa y Elmar presentó su último álbum de estudio Eres Diamante (2019). Desde entonces, y por alguna extraña razón, la espera para su nuevo material se sintió demasiado eterna, no obstante, en todo este tiempo la artista colombiana se dedicó a canalizar sus sentimientos en melodías que te ayudan a sanar el corazón roto, a entender lo que se puede atravesar en una relación amorosa y por supuesto, a sanar; una acción que intentó volverse colectiva a lo largo de su segunda presentación el Teatro Metropólitan después de un sold out la noche del viernes.

La cita para este encuentro sucedió en punto de las 20:30 H, sin embargo el evento comenzó 10 minutos más tarde mientras los asistentes lograban encontrar su lugar para así disfrutar del concierto. La velada comenzó al ritmo de "hasta dónde se enamora", uno de los éxitos de ya no somos los mismos.

Elsa y Elmar portaba un atuendo fresco en tonos azules que contrastaba con su escenario de montañas rocosas plateadas. Su banda animó a la artista a interpretar de inmediato "corazones negros", "baby us", "Planeando el tiempo", "palabras y miradaz" y "haciendo discos". En cada una de sus interpretaciones se notaba la energía que su cuerpo había acumulado durante estos años fuera de los escenarios y en esta nueva etapa en donde se le encontraba lo más vulnerable y honesta posible.

Temas como "Mierda", "Nadie Va" resonaron antes de que la cantante recibiera sobre el escenario a un trío y al único invitado especial de la noche, Conociendo Rusia con quien interpretó "Grecia"; un momento cumbre en el que los ojos de los asistentes se nublaron para pronto proceder a correr lágrimas por sus mejillas. No obstante, este sentimiento duró poco pues la colombiana nos puso a bailar al ritmo de "atravesao".

ElsayElmar_OcesaIR (2)

En medio de la penumbra y acompañada de una guitarra acústica Elsa y Elmar interpretó un tema que solo vivía para ella, y para la persona a quien se lo había escrito; una canción especial dedicada al amor de una pareja del mismo sexo. De esta manera portó la bandera de la comunidad LGBTQ+.

Posteriormente y entre un juego de luces de colores llegó el combo más esperado de la noche al ritmo de "Forma antigua", "desamarte", "amantes y amigos", "cómo acaba" y "gracias"; logrando de esta manera, contar de principio a fin esa historia de amor que tanto dolió pero ahora mismo está sanando.

En la recta final, Elsa agradeció la presencia del público y el apoyo que le ha dado durante todo este tiempo, especificando que ese show era por y para ellos. El cierre fue espectacular entre gritos y bailes con "Millennials", "Eres Diamante", "La Ventana" y "Culpa Tengo". Los fanáticos se liberaron y dejaron ir aquello que tanto ruido les hacía en la cabeza y en el corazón.

Reyno en el Auditorio BB

Posted on junio 12, 2022 by -

“...para muchos años más”. 

Reyno es la prueba viviente de que con un golpe de tarola y un rasgueo reverberante, se puede generar un aura multicolor, etéreo y casi kinestésico. 

El dúo de rock alternativo regresa a los grandes escenarios para reafirmar que su viaje definitivamente es por lo eterno. La misma agrupación que en 2021 anunciaba su separación, hoy firma un contrato con la posteridad. “Hay Reyno para muchos años más”, menciona Christian Jean; el eco que extingue la nada y promete un “para siempre”.  

Entre la afluencia inaudita de una caótica ciudad y el súbito sold out de la banda, la euforia al exterior del recinto hace vibrar las ansias a metros de distancia. Sobre un mar de gente, algunos encapuchados susurran con discreción: “Boletos, quiere boletos…”, mientras los últimos fans llegan para agotar las pocas entradas en reventa. 

Son las 20:00 H y las primeras filas de la pista ya han sido ocupadas. En un dos por tres y con una prisa que catapulta al resto para tomar su lugar, los rezagados corren desde la entrada para apoderarse de su cachito de piso, mismo que termina por perderse, pues las localidades agotadas convierten al público en sardinas enlatadas. 

Desde las afueras del recinto, una ovación indica el comienzo del set. Con la presencia en tarima de Alejandra Moreno (Ruido Rosa) y Florencia Quinteros (Celest) en los coros, David G. Pablos en la guitarra, Santiago Carranza en los teclados y sintetizadores, Miguel Hernández en el bajo y Pablo Cantú en la batería, los sonidos que emanan de los altoparlantes comienzan un juego de armonías hipnotizantes que pretenden impregnarse en la memoria de sus fieles. Jean sale a cantar y el resto es para los fieles. 

Reyno_AuditorioBB (1)

Con la volatilidad de los secuenciadores y la reverberación de una guitarra en el auge de su propia saturación, la naciente luna se acompaña de las primeras piezas de esta velada sabatina: “Detonador”, “Dualidad” y “Fluye”. 

Los fieles seguidores de la copla, acuden al canto en señal de deseo y sed de más y más de sus canciones favoritas. El público toma el micrófono y el frontman dirige el mismo hacia su audiencia. Las almas reunidas aquí se convierten en el protagonista de una larga historia de éxitos y canciones memorables. 

“Hay tanta química, que es tan natural, vernos sin hablar”, corean cientos de asistentes en unísono y a todo pulmón. 

Niños, adultos y jóvenes disfrutan del concierto como uno mismo. Una familia completa eleva sus manos al aire en señal de disfrute, los menores cantan y saltan de alegría apenas resonado el primer bombo. El ciclo se repite una y otra vez, no hay descanso ni tiempo para el aliento, solo esto. Un gran momento. 

Pablo deja las percusiones y se une a la voz principal para interpretar “Musa”, la locura resalta. Subsecuente, todos retoman su posición para vibrar con el single “Amarrado” y nadie deja un verso sin ser coreado. Al terminar el tema y con un histrionismo musical explosivo, las luces de la tarima apuntan al vocalista: “Gracias por estos 10 años (...) Quién diría que con una sola publicación de Instagram esto se llenaría (...) Gracias”, termina el cantante. 

Reyno_AuditorioBB (2)

En el transcurso de este viaje, los asistentes continúan en trance y roban protagonismo a los monitores externos del escenario. La voz del público termina por sustituir  los versos de Christian de un solo golpe. Las almas reunidas allí son el personaje principal de la noche. 

“¡Yo sabía que regresarían!”, grita un fan empedernido con una pila de vasos de cerveza en su brazo derecho y un tatuaje en la muñeca con el logo de la banda. En contraparte, su acompañante coloca su mano en la frente y se ruboriza de inmediato. Al final la pena se esfuma y solo queda Reyno con su séquito incontrolable. 

Por si fuera poco, los asistentes corean el clásico “OLÉ, OLÉ” y está claro que aquí se viene a demostrar cariño. Los visuales psicodélicos acompañan la entrada de algunos temas como “Remi”, “El Eco de la Nada” y “Parte del Sol” en simultaneidad a los exuberantes outros, fills de batería y solos que catapultan a cualquiera hasta lo más alto del Auditorio BB.  

Las luces bajan y terminada una canción, la banda se dirige al backstage para tomarse unos minutos. El delay de la guitarra resuena junto a un secuenciador puntual, los estrobos de luz entre la penumbra dan pauta al principio del final. Llega el encore. 

Después de algunos gritos de entusiasmo y un cántico que pronunciaba el nombre de la banda una y otra vez, los músicos se reincorporan a sus lugares. El setlist continua y “Ay de Ti” resuena en la memoria de todos. 

Reyno_AuditorioBB (4)

El último respiro parece acercarse, pues la agrupación comienza a desenfundar su arsenal más pesado. Llega “Ahrimán” y detrás de este, “Purifícame” y “No Te Vayas” interpretado por Cantú, con esto las lágrimas escurren (literalmente) y la nostalgia llega sin avisar. 

Finalmente, “Fórmula”, “Control” y “Dos Mundos” cierran la noche con broche de oro, y el micrófono es testigo de las enmarcables palabras de la copla; “Nos vemos muy pronto. Hay Reyno para muchos años más”.  

A 15 años de 'Era Vulgaris' de Queens of the Stone Age

Posted on junio 12, 2022 by -

Sonidos de la ciudad.

Se cumplen 15 años del lanzamiento de Era Vulgaris, quinto álbum de la agrupación estadounidense Queens of the Stone Age.  Este material marcaba el regreso después de dos años y lo que sería una pausa de seis, con los discos Lullabies to Paralyze y …Like Clockwork respectivamente.

En esta ocasión, el proyecto/colectivo encabezado por Josh Homme estaba compuesto por; el guitarrista Troy Van Leeuwen (A Perfect Circle), el baterista Joey Castillo (Danzing) y el músico Alain Johannes, consolidando la alineación presentada en su trabajo anterior, encontrando estabilidad después de un periodo de constantes rotaciones.

QOSW Era Vulgaris

Además, fiel a su costumbre, se contaba con figuras invitadas, que como sabemos, la mayoría de las veces fungen como apariciones o “cameos” musicales, entre los nombres encontramos a: Mark Lanegan, Brody Dalle (The Distillers), Julian Casablancas (The Strokes) y Trent Reznor, en un track que se liberó más tarde en distintas reediciones.

Musicalmente hablando, este disco da un giro eléctrico al estilo de Queens of the Stone Age, su hard rock en constante búsqueda por ser más pesado y más rápido, encontraba su propio ritmo, con mayor cadencia y toques electrónicos. No quería ser el más duro, sino el de mejor ejecución.

era vulgaris

Homme comentó en su momento que los sonidos de Era Vulgaris no provenían de los inhóspitos parajes del desierto californiano, sino de la ciudad, rodeada de autopistas y atravesada por las grandes avenidas llenas de comercios y clubs nocturnos, como si una banda de motociclistas cruzara por Rodeo Drive camino a Sunset Strip.

Para su promoción, se eligieron tres sencillos; el primero “Sick, Sick, Sick” previo al lanzamiento del disco y en la cual participa Casablancas, al menos lo que se alcanza a distinguir en los distorsionados coros. Caótica, con estructura punk y muchos esteroides, sirvió de transición para el nuevo sonido.

Después se lanzó “3´s & 7´s” menos experimental, se apoya en los sonidos tradicionales de Queens of the Stone Age, guitarras rasgadas, baterías contundentes y la voz de Homme intercambiando ritmos, sirvió como gancho para atraer a los viejos fanáticos de la banda.

Por último, se eligió “Make It Wit Chu”, canción que provenía de The Desert Sessions, otro de los proyectos de Homme, y que se convirtió en uno de los temas clásicos de la banda, es lo que esperaríamos de una balada de QOTSA, sexy, obscura y sin muchas pretensiones.

Era Vulgaris fue recibido con críticas variadas, se extrañaba la pesadez y la fuerza de materiales anteriores, entendiendo poco el paso evolutivo que daba la banda.

Como todo material que trasciende su influencia se percibe tiempo después, tal vez su mayor logro fue dominar a la bestia británica que parecía destinada a guiar una nueva invasión de bandas, y así terminando con una escena que sería catalogada posteriormente con el termino desdeñoso de landfill indie.

Engominada y vestida con una chamarra de piel, gentilmente, la bestia aceptó a Josh Homme como su guía.

“Silla del Ikea”, lo nuevo de Monteperdido

Posted on junio 10, 2022 by -

La belleza necesaria de reventar cualquier objeto reemplazable.

La banda española Monteperdido, continúa haciendo pop explosivo y se encuentra a una semana de lanzar su disco debut el próximo 17 de junio, mismo que incluirá los singles “Si Me Mato” y “Silla del Ikea”. Su formato físico saldrá en formato vinilo de 7” y ya está disponible para reserva a través de Sonido Mucacho.

monteperdido-cosas-rotas

"Silla del Ikea" plasma sonidos mezclados de punk, rock y pop, añadiendo la voz de Teresa Iñesta en los coros. La explosividad de esta banda madrileña formada en 2019 se demuestra una vez más a través de este single, que en voz de los propios integrantes del grupo habla de:

Un ataque de ira explosivo e inevitable y de la belleza necesaria de reventar cualquier objeto reemplazable. Los desperfectos emocionales siempre pueden arreglarse con un picnic, pero habrá que volver a terapia sí o sí".

La canción está mezclada, producida y grabada por Borja Pérez en Metropol Estudios en Madrid y los dos singles están hechos para complementarse entre sí de una forma perfecta, pues cada uno representa el problema (de hacer dramas por cosas triviales) en “Si me Mato” y la solución (No ser el que llora esta vez) con “Silla del Ikea”.

Dale play:

Zahara & Alizzz comparten “berlin U5 (REPUTA)”

Posted on junio 10, 2022 by -

La nueva versión de “berlin U5” en compañía de Alizzz te volará la cabeza.

Con el apocalipsis a la vuelta de la esquina, el destino en contra, la nostalgia de un amor incompleto y un único y auténtico deseo antes del fin del mundo: bailar, llega “berlin U5 (REPUTA)” una nueva versión del insólito tema de Zahara, “berlin U5”. El músico y DJ Alizzz se encargó de darle un giro al aclamado tema.

“Llevamos sin dormir/ más de un día/ Colillas en dos vasos/ de vino/ Dame la mano/ que la tienes fría/ ¿Cuándo este amor/ nos va a dejar tranquilos?” Agregó Alizzz al principio de la canción inyectándole un toque aún más nostálgico.

La canción viene acompañada de un nuevo video dirigido por Jean Lafleur en el que podemos ver a Zahara y a Alizzz, que, en medio de una noche de baile apocalíptico, interpretan el tema intensamente, como si fuese la última noche de sus vidas. “berlin U5 (REPUTA)” se presenta como una versión “más humana y terrenal” de la salvaje historia de amor de Zahara creando el contrapunto perfecto.

La canción llega de la mano de G.O.Z.Z. RECORDS. Está producida por Alizzz y Martí Perarnau IV, la música fue desarrollada por Zahara, Martí Perarnau IV y Alizzz.

Noche Hipnosis: WEEED + ACTY + The Polar Dream

Posted on junio 10, 2022 by -

Sentir los tres rostros de la distorsión.

Con el blast del festival cada vez más cerca, la atmósfera de lisergia y distorsiones sobrehumanas empieza a permear la melomanía capitalina, entregando su más reciente incursión cortesía de Weeed, Amparo Carmen Teresa Yolanda y The Polar Dream al interior del Foro Indie Rocks!

La noche arrancaría entre sintetizadores, cuerdas niqueladas y la contundencia percutiva vía The Polar Dream, valiéndose únicamente de la fiereza instrumental para empezar a reverberar en la joya de la Roma Norte.

El wall of sound, sello del quinteto, mantendría la intensidad de saturación y sonidos drone a lo largo de todo el setlist, jugando continuamente con la coralidad de los instrumentos y dejando sumergirles entre las mieles de psicodelia indicada.

Tras varios temas de duración extendida y habiendo disfrutado los cortes presentados por la banda un su EP homónimo, sería la voz del tecladista, cubierto por una capucha negra, la que prepararía el escenario rumbo al segundo acto de la noche, no sin antes arrojarnos a las fauces del salvajismo melódico en un clímax de post rock puro y crudo.

El triplete de Tepeji del Río, Hidalgo, haría acto de presencia volando entre flamazos shoegaze y baterías krautrock a todos y cada uno de los asistentes, haciendo valer el sold out vía slam y energía compartida.

ACTY_Foro Indie Rocks_@giovaiden 3

Tras varios meses de actividad ininterrumpida, ACTY demostraba su evolución sobre el escenario dominando las dinámicas del reverb, delay y sonidos ultrasaturados, cortados únicamente por la luminosidad en las intervenciones del vocalista.

Habiendo volado en pedazos con "Intraterrenos" y "Obsesivos Días Circulares", la banda se despediría de palmas al aire vía "México Querétaro", dejando las paredes del venue evaporando el aliento del público al rojo vivo.

Batería doble, guitarra, bajo y simetría serían las armas presentadas por WEEED entrados a la recta final del concierto, evolucionando rápidamente a una vorágine de sonidos adornada con la expresividad de los integrantes y una flauta dulce entre pasajes hard psych.

El show caería sobre nosotros entre long suites retorcidas a voluntad de los oriundos de Oregon, arrastrándonos entre oleadas de psicodelia, ritmos progresivos y matices texturizados por el virtuosismo de los integrantes. Stoner, sludge, doom, space y demás géneros fundidos fuzz serían intercalados por el español agradecido de Gabriel Saever al bajo, dirigiéndose continuamente a la multitud y explotando a todo pulmón rendido a la sensación de cosmic sound.

La noche llegaría a su fin vía encore, saturados por el impacto de distorsión tripartita pero más que satisfechos por la curaduría de Hipnosis, manteniendo la mirada fija en lo que promete ser una fiesta de proyectos tan intensos como los de esta noche.