Zola Jesús — Arkhon

Después de la tormenta llega la calma.

Cinco años de cambios, cinco años de introspección, cinco años de búsqueda desbloquearon la creatividad de Zola Jesus (Nika Rosa Danilova) para gestar su nuevo álbum, Arkhon. El primer disco de la artista en el que se aventura a colaborar. De la mano de Randall Dunn (coproductor) y Matt Chamberlain (percusiones), muestra un espíritu más esperanzador.

A través del disco, notamos que Zola no es la misma que conocimos en Okovi (2017). Esta vez hay un balance entre la desolación y la fuerza de lucha, entre la pérdida del rumbo y la promesa de las oportunidades en el futuro, entre tocar fondo y dar un salto de fe. Mientras Okovi fue una sublime muestra de resonancia, oscuridad y complejidad en el mejor sentido, Arkhon es observación y aceptación.

En 10 canciones, subimos y bajamos en energía, encontramos varios lugares. “Lost” y “The Fall” caminan en la delicada línea de sonidos ambientales que transportan a un bosque frondoso y solitario, escenario familiar en la música de Zola Jesus. Más adelante ese bosque se oscurece con “Sewn”, “Fault” y “Efemra”, las tres piezas más destacadas sin duda.  Audazmente incorporan acordes y composiciones más complejas. Un dejo de dance yace entre el ritmo general. Las percusiones son inmersivas, ascendentes y catárticas, lo que acompaña a la perfección la intensa voz de Zola. Estamos en presencia de una especie de ritual.

Por otro lado tropezamos con “Dead and Gone” yDesire”, sencillas composiciones en piano que dejan esperando una especie de punch line, tanto en lírica como en arreglos. Sin embargo, algo se redime con “Into the Wild", en la que transmite un sentido de entrega total y el descubrimiento de que al dejar ir también se puede encontrar un aspecto de control. “Let the walls fall, cause every step is yours into the wild”. Y lo mismo pasa con “Undertow”, que con un bellísimo intro transporta a un mindset de calma y redención.

Arkhon decae en complejidad en ciertos momentos, pero nunca en emotividad. Nos muestra una artista en balance interno, abierta a la recreación y a la co-creación. Después de la tormenta en Okovi, llegó la calma de Arkhon.

Entrevista con Inhaler

Inhaler dejó atrás las sesiones de zoom para enfrentarse a un nuevo mundo con las bandas de sus sueños. 

Si miramos un año atrás, el panorama de la industria musical y muchos otros aspectos del mundo apenas comenzaban a retomarse, sin embargo, la incertidumbre continuaba. También, hace exactamente 1 año Inhaler presentó su álbum debut It Won’t Always Be Like This. 

Cuando la banda comenzaba a despegar con pequeñas presentaciones al rededor del mundo así como siendo la cara del nuevo rock alternativo, todo frenó, pero eso no los detuvo. Hoy la banda comparte su nuevo single: “These Are The Days” un tema inesperado, pero que construye un nuevo camino para la banda irlandesa. 

“Pienso que aún tenemos la energía de nuestro primer álbum, pero es más introspectiva. Se trata de estar en una banda y la relación entre nosotros. Es una canción acerca del momento que era lo que necesitábamos aprender, así como de las personas que nos rodearon durante este tiempo”, comenta Elijah, vocalista de la banda. 

Regresamos a lo básico; improvisamos en el estudio, y no tenemos preocupaciones sobre el Covid, así que somos más felices y eso ayuda a nuestra música”. 

Una vez que Inhaler salió al ruedo, no hubo marcha atrás, incluso una fiesta de celebración por su primer álbum sirvió para adentrarse de nuevo al estudio. “Teníamos la grabación de una idea y se la mostramos a nuestro productor y nos dijo ‘muy bien chicos, mañana grabamos en el estudio’. Por eso no hemos dejado de escribir, así que creo que es bueno para mantener activas las ideas”, comentan. 

Al ser una nueva generación, quisiéramos pensar que están preparados para enfrentarse a la nueva ola de demandas que requieren las plataformas streaming y redes sociales, incluso que es tan sencillo como subir una canción y esperar que, de la noche a la mañana, por arte de magia esté en el radar de todos.

“Creo que si le plantearas la idea del streaming a una persona hace 40 años, simplemente no te creería. El hecho de que la música se vuelva más accesible, dobla su valor. Sería una gran época para la música si la gente pagara por ella”, aseguran.

Aún y con todas sus intervenciones, la música sigue siendo ese escape para ser escuchado o sentirse identificado, no obstante, las bandas tiene que buscar la manera de llegar a las personas, y entrar en el juego de la industria.

“Tenemos que estar al día, es un problema y a veces resulta molesto. Hay veces que pensamos en los puntos con los que debe tener una canción como durar menos de 3:30 minutos para sonar en el radio o hacer que el coro sea más rápido para que pegue. Solo que no aplica para todas las canciones, si queremos hacer un single debe ser lo más pop posible y lo aceptamos, pero si es una canción más del álbum la dejamos como a nosotros nos gusta”. 

Se siente como una nueva era. Seguimos creciendo y tenemos un lienzo en blanco para escribir nuevas canciones. Hemos tocado para nosotros tanto tiempo que ya necesitamos salir”. 

Entre nuevos sencillos, Inhaler se está preparando para el regreso a los escenarios entre ellos en México para el Corona Capital el próximo noviembre, como lo hicieron en el 2019. “Estamos tratando de no comer comida mexicana antes de ir. Es deliciosa. Josh comió unos tacos y desde que regresamos no ha sido el mismo”, comentan entre risas. “Fue una gran experiencia porque vimos a The Strokes, The B-52’s, estuvimos lejos de casa, pero eso no importó porque vimos caras familiares y nos sentimos muy afortunados de vivir ese momento”. 

Antes de regresar a México, los irlandeses comenzarán un pequeño tour por Europa en donde serán teloneros de Arctic Monkeys. Así emocionados, como el sueño de cualquier niño, no pudieron ocultar la emoción y los nervios. 

“Fantástico y ridículo. Tenemos el síndrome del impostor porque simplemente no se siente real. Somos grandes fans de la banda y no nos sentimos merecedores de esa oportunidad”. comentan. ¿Y si no fueran los Arctic Monkeys, quiénes serían? “Nos gustaría mucho The Strokes, The Killers, Harry Styles, Billie Eilish o Kendrick Lamar: todas las grandes bandas”. 

Ellos se la creen. 

Un segundo álbum está en camino. La fecha aún es impredecible, pues a pesar de que ya tienen material con qué trabajar están ajustando sus tiempos de estudio y giras. Para el resto del año podremos esperar algunos sencillos más y sin duda, escucharlos en su próxima visita al país. 

Mientras, puedes escuchar “These Are The Days”, aprendértela y esperar a cantarla. 

Bomba Estéreo participa en el cortometraje 'Tierra' de Fana Adjani

Tierra es un cortometraje innovador en Latinoamérica y Bomba Estéreo colaboró en su realización.

Fana Adjani dirige este el cortomatraje Tierra, con una duración de 15 minutos que habla sobre la reivindicación de las feminidades en América Latina, con la participación actoral de Lukas Avendaño y Li Saumet (Bomba Estéreo).

El artista y antropólogo muxe Lukas Avendaño interpreta el papel de Lukas “nahual”, un ser sobrenatural que se convierte en animal y es parido en la casa “Madre Tierra”, ahí encuentra su mirada en la de otra mujer interpretada por Li Saumet.

Este cortometraje muestra la feminidad ancestral latina que siempre ha existido, pues la comunidad muxe es vista como un tercer género, único en la sociedad Bernanke Za’a (Zapoteca).

Tierra es una propuesta performática que muestra el  reconocimiento de la deconstrucción, transformación, pérdida y defensa del territorio, el cuidado de la semilla (metáfora del cuidado del cuerpo), la muxeidad, la tierra, la memoria ancestral, identidad de género, ecofeminismo y su relación con la lucha feminista, y el reconocimiento del "yo" en las geografías de Latinoamérica.

Dentro del cortometraje también participa Simón Mejía, fundador de Bomba Estéreo, como compositor de la banda sonora de este material, dando un resultado impactante. Tierra fue producido por Jorge Perelló, Daniel Galván León y Max Cetto; con la dirección de fotografía a cargo de Emilio Váldes y la dirección de arte con Emilio Villegas; además de la colaboración con el músico Carlos Cortés, el colorista Ernie Schaeffer, la coreógrafa Aimé Irasema Sánchez, el diseñador y estilista Pompi García y el diseñador de vestuario Elit Rueda.

Mira aquí en tráiler de Tierra:

TIERRA - Trailer from Peregeorge Mgmt on Vimeo.

tierra cortometraje

Diamante Eléctrico estrena el sencillo, “Colibrí”

Una canción que compara las historias de amor con un colibrí.

Juan Galeano y Daniel Álvarez estrenaron la canción “Colibrí” como parte de los sencillos de su próximo álbum Leche de Tigre, una canción de amor que hace una referencia completa a esta ave mexicana.

Diamante Eléctrico tomó como referencia la leyenda de que el colibrí está relacionado con los guerreros caídos y la resurrección de estos mismos, por lo que el dúo cuenta la historia de dos personas que se aman sabiendo que cada quien tiene su propia libertad, y que gracias a esto, no se puede encerrar a nadie en jaulas sentimentales.

Colibrí” viene acompañada de un video musical dirigido por Adrián Pastrana, en donde la banda y el director crearon un concepto alrededor de las características de esta ave. La paleta de colores de las imágenes y las tomas hechas con drones hacen referencia total al colibrí, además, también decidieron incorporar elementos de la cultura mexicana como el juego de lotería y el sonido de los organilleros.

El video es protagonizado por una chica que lleva por nombre Huitzilin, mismo que en náhuatl tiene un significado muy cercano a colibrí, ella es la que lleva la historia con toques de sensualidad y pasión.

Dale play a "Colibrí":

José González estrena 'Swing EP'

El músico colaboró con los DJs Roosevelt y Solomun para su nuevo material.

El cantautor y guitarrista José González estrena un EP con diferentes versiones de su canción “Swing”, dentro de este proyecto participaron Roosevelt y Solomun con remixes que convierten este track en un nuevo mundo.

Swing” es parte del disco Local Valley, álbum que fue premiado como Mejor Disco Folk/Bluegrass 2022 por Libera Award. Convertir esta canción en remixes diversos de dos colaboradores totalmente diferentes, convierte esta pieza en cosas totalmente diferentes y muestran el claro ejemplo de lo que cada artista es capaz de crear.

Solomun estuvo a punto de pedirle a José González que cambiara la canción, pues no encontraba forma de crear el remix para “Swing”, sin embargo, el DJ cuenta cómo llegó su inspiración:

Me deleitó que José me pidiera hacer un remix de su canción, pero al principio no fue algo fácil encontrar una vía para hacer el remix de ‘Swing.’ Estuve a punto de pedirlo una canción distinta pero luego, por fortuna, escuché 'Half a Minute' de Matt Bianco de 1984 en la radio. Esto me dio la inspiración necesaria para volver a empezar. Al final estoy muy contento, no me di por vencido”.

José González también hizo su propia versión de “Ants in the Pants”, un track que para el cantante significó dejar atrás las reglas y dedicarse a la diversión de crear música. El artista menciona que durante su búsqueda de samples encontró un instrumento brasileño llamado cuica y cuenta que “suena como un chango con hormigas en los pantalones”.

Dale play a Swing EP:

Snail Mail versiona “Feeling Like I Do” de Superdrag y comparte “Headlock”

La artista estadounidense comparte dos nuevas piezas para Spotify Singles.

Después del éxito obtenido con su segundo LP Valentine, la cantante de 23 años Lindsey Jordan, compartió una nueva versión de “Headlock”, una de las canciones más destacadas de Valentine. A la par, Jordan versionó el tema de Superdrag,Feeling Like I Do”.

Pienso que la versión de Spotify para ‘Headlock’ es diferente a la original en el sentido de que la original fue grabada casi hace dos años y entre más toco la canción más pienso en ideas que deseo haber incluido en la original. Esta versión me dio la oportunidad para implementar algunas de estas ideas. Ha sido muy cool hacer un cover para ‘Feeling Like I Do’ de Superdrag porque me encanta y me ha encantado por un rato y fui capaz de hacerla mía al cantarla", comentó la cantante.

Snail Mail se encuentra de gira por Reino Unido en promoción de Valentine. Su álbum de 2021 tuvo un gran recibimiento tanto por parte del público como de la crítica. El álbum fue escrito y producido por la misma Lindsey y co producido por el productor y multi instrumentalista Brad Cook, quien ha trabajado con artistas como Bon Iver, Kevin Morby y Waxahatchee.

Danny Elfman estrena “Kick Me” con Iggy Pop

El Big Mess del músico llegará más grande y más desordenado el próximo 12 de agosto.

“Kick Me” es el punto de partida de lo que será el nuevo álbum Bigger. Messier, de remixes que verá la luz el 12 de agosto y que va más allá de sólo un remix, pues contiene versiones totalmente reimaginadas de su anterior disco.

El compositor estadounidense, Danny Elfman, conocido por hacer la música de distintas producciones cinematográficas, hizo una nueva versión de “Kick Me” con la participación de Iggy Pop, donde la base de la canción sigue siendo la misma, pero hace de otros elementos como, violines y trompetas, sus protagonistas, donde termina por sumergirte en una historia oscura, llena de acción, dejando como resultado una versión totalmente nueva de la que ya conocemos. 

danny-elfman-bigger-messier-album

Con un total de 21 pistas y dos canciones extra, Danny Elfman recreó su álbum Big Mess, compuesto durante la pandemia, en colaboración de artistas como Trent Reznor, HEALTH, Zach Hill of Death Grips, Xiu Xiu,  Kaitlyn Aurelia Smith, Squarepusher y Ghostemane, a quienes les dio total libertad de interpretar a su manera las canciones, así lo declaró Elfman:

Al comienzo de lo Más Grande. Más desordenado. Le pedí lo mismo a todos los artistas: 'exprésame a través de tus propios ojos'”.

El álbum ya está disponible para pedidos anticipados.

Escucha la nueva versión de “Kick Me” aquí:

Broken Bells anuncia nuevo álbum y estrena “We’re Not in Orbit Yet...”

La banda anuncia nuevo álbum luego de ocho años.

Broken Bells está de regreso con nueva música. El dúo integrado por James Mercer y Danger Mouse compartieron la noticia de su nuevo material discográfico con el primer sencillo “We’re Not in Orbit Yet…”. Este es el primer adelanto de INTO THE BLUE, su próximo álbum, luego de su último lanzamiento After The Disco en el 2014, por lo que la noticia llegó como bomba.

“We’re Not in Orbit Yet…” es una canción con un estilo casi acústico, su ritmo lento y la melodía de los teclados más los sintetizadores crean un ambiente suave, nostálgico que se siente como la escena final de una película sci fi; es una odisea al espacio con un sentimiento romántico gracias a la voz de James Mercer.

El vídeo, que fue dirigido por Johnny Chrew, encaja perfecto con el concepto espacial-futurista-nostálgico, pese a ser una combinación peculiar es extrañamente perfecta.

Aunque aun no sabemos mucho de este nuevo proyecto, como fechas de lanzamiento o próximos sencillos, esperamos que AWAL (su sello) o la banda misma pronto nos dé más noticias al respecto. Así que mantente al tanto de Indie Rocks! y las redes de Broken Bells para futuros detalles.

PJ Harvey confirma su nuevo álbum

La artista inglesa está muy emocionada por compartir su nuevo material.

Con canciones como “This Mess We’re In” y “Down By The WaterPJ Harvey ha demostrado tener un gran talento no solo para la música, también para la composición y la escritura. El pasado 28 de abril la también poeta y compositora, publicó Orlam, un hermoso y profundo poema narrativo.

Harvey declaró que mientras trabajaba en Orlam, también comenzaba a darle vida a un nuevo álbum que espera compartir el verano de 2023. Sobre las inspiraciones para su nuevo LP la cantante comentó:

Muy a menudo escucho música instrumental de películas, pero por lo demás creo que es música contemporánea. Realmente me encantan los proyectos en solitario de Thom Yorke, pero también su trabajo con The Smile. Las bandas de Mica Levi, su trabajo con Tirzah, su trabajo con Micachu and the Shapes, Good Sad Happy Bad, Gosh, y recientemente me encontré con All Thoughts Fly de Anna von Hausswolff, que me dejó pasmada. Pensé que era increíble. Bob Dylan, me refiero a 'Murder Most Foul' fue absolutamente asombroso. Y no encuentro mayor placer que cuando veo a un artista que he admirado toda mi vida, haciendo su mejor trabajo como su trabajo más reciente.”

Su nuevo álbum será el primero desde The Hope Six Demolition Project de 2016. Después de 6 años, PJ Harvey está lista para deleitarnos con su nuevo material:

Estoy muy contenta con él. Me tomó mucho tiempo escribirlo para hacerlo bien, pero al final me siento muy feliz", declaró la artista.

Automatic — Excess

El exceso humano que apagó la ficción futurista. 

Los viajes espaciales en la industria del entretenimiento del siglo pasado, culturalmente inspirados en la carrera espacial, dejaron de ser vistos como progreso y aparentemente fueron solo un síntoma más de la ambición humana. La ilusión de la expansión hacia otros planetas quedó en promesas y ficción. 

El también sencillo “New Begining” abre Excess, segundo álbum de Automatic, cuya letra ironiza con esta idea de poder vivir en el algún rincón del espacio exterior como salvación ante la eventual destrucción de nuestro planeta, sin dejar el hedonismo tan característico del capitalismo tardío. Este drama queda plasmado en su video, cuyo estribillo repite "al servicio del deseo, viajaremos muy lejos".

Está misma vibra subyace orgánicamente en todo el disco, cuyo enfoque lírico no deja la crítica hacia problemáticas de la sociedad contemporánea, por ejemplo, “Skyscraper, critica la frivolidad del trabajo posfordista y “Venus Hour nos recuerda que "no quedan héroes para seguir". 

"Automaton", track que pudo figurar como sencillo, es quizá la pista más bailable y vuelve a la ficción, pues parece retomar el argumento de la película Metrópolis

Excess es una producción que por su concepto mantiene sintetizadores evocativamente futuristas, una mezcla del robótico sonido de Kraftwerk y la síntesis experimental de Suicide, que se hace acompañar de complejos y bien elaborados bajos, además de baterías enérgicas mejor construidas que en su disco predecesor Signal

En esta ocasión Automatic juega con diferentes ritmos, principalmente en las percusiones, la armonía dejó de limitarse entre bajo y sintetizador, además, las melodiosas voces son por demás pegajosas. Sin lugar a dudas este álbum propone algo más robusto y divertido que el anterior, el cual, podría catapultarlas aun más entre el gusto de la audiencia.

Atadas al post punk, aunado a energía techno-pop y pinceladas de krautrock, el trío femenino de Los Ángeles entrega una producción redonda en cuanto a sonido y temática. En ambos sentidos, refiere puntualmente a la visión que se tuvo del futuro en el cine de ciencia ficción, pero de forma crítica y ajustada las desazones de la sociedad actual.