Así lucirían algunas leyendas de la música hoy

Con IA, Alper Yesiltas trae a la vida a algunos íconos musicales.

Kurt Cobain, John Lennon, Janis Joplin, Tupac y Freddie Mercury, son algunos de los íconos musicales que Alper Yesiltas, tomó como inspiración para su exposición donde resuelve la duda de ¿Cómo se verían actualmente las celebridades si aún siguieran con vida?

Con ayuda de inteligencia artificial, el fotógrafo y abogado recreó algunos retratos de los íconos de la música y de la pantalla grande, donde muestra a los artistas, con edades avanzadas y cabello cano. Con ello, presentó su primera colección titulada “As If Nothing Happened.” (“Como si nada hubiera pasado”), en donde se valió de diferentes softwares como AI Remini, Adobe Lightroom y VSCO. Otras de las personalidades que incluye su colección son Jimi Hendrix, Michael Jackson, Elvis Presley y Bruce Lee.

El propio Yesiltas explicó más sobre su proyecto que de alguna manera termina por ser emotivo de una respuesta que se resume en “¿Qué hubiera pasado si aún siguieran con nosotros?.

Con el desarrollo de la tecnología de IA, he estado emocionado por un tiempo, pensando que 'cualquier cosa imaginable se puede mostrar en la realidad'”, escribió Yesiltas sobre el proyecto. “Cuando comencé a jugar con la tecnología, vi lo que podía hacer y pensé en lo que me haría más feliz. Quería volver a ver a algunas de las personas que extrañaba frente a mí y así surgió este proyecto”.

El artista continuó: “La parte más difícil del proceso creativo para mí es hacer que la imagen me parezca 'real'. El momento que más me gusta es cuando creo que la imagen que tengo delante se ve muy realista, como si la hubiera tomado un fotógrafo”.

Checa las imágenes aquí:

AI-retrato-FreddyMercury

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Hipnosis e Indie Rocks! presentaron: Antibalas + Champetos del Jùjú en el Foro Indie Rocks!

Afrobeat para que la noche nos dure una vida.

Caminas por la acera sintiendo la brisa fresca de la lluvia intermitente, la entrada de la joya de la Roma Norte se ilumina en multicolores frente a ti, tus pies responden de instinto, tu cuerpo cae gravitacionalmente rendido al sonido en el interior. Saxofón, trompetas, sensación de batucada, guitarras frenéticas, grito eufórico de fiesta; la noche es toda de Antibalas.

Champetos del Jújú detonaría la primera ráfaga de ritmos afrolatinos a base de instrumentación varia y uno de los frontman más energéticos de la sónica contemporánea, quien nos guiaría por la multitud de texturas entre baile y progresivo de la agrupación capitalina.

La estridencia lumínica del venue, la musculatura del showman y los tocados originarios en la cabeza de los músicos, terminarían por sumergirnos en esta realidad alternativa donde todo lo que existe es fiesta, carcajada y la calidez de los presentes, siendo deliciosamente rebanada por los pasajes de silencios agresivos entre los compases de cada composición.

El sexteto nos deleitaría durante poco más de media hora para dejar la piel de los asistentes a punto de hervor, preparándonos espiritualmente para la salvajada de sonidos que el ensamble de afrobeat estelar nos tenía preparados.

Antibalas_Foro Indie Rocks_David Durán (9)

Tras el seteo de kits percutivos y microfonía monumental, el cambio en la densidad del aire hacía evidente la explosión de rítmica a flor de piel. Diez músicos distribuidos casi uniformemente en el templete exterior del Indie Rocks! coordinarían la fuerza de sus movimientos para arrancar contorsiones dancísticas de cada uno de los asistentes con "Dirt and Blood", dando casi ninguna tregua desde el inicio de su set hasta la última palmada del encore.

Antibalas haría pedazos el backline del lugar de la manera más nutrida posible, mezclando ritmos latinizados con la expresividad de lo africano, el non stop beat y guiños a sensaciones contemporáneas que de alguna manera parecían venir del pasado y futuro al mismo tiempo; lo históricamente correcto fundido al calor de la gozadera hipermusical en canciones como "Tattletale" "Battle of the Species".

Pasada la mayor parte del set entre impulsos dance y juegos de luces imparables llegaríamos al punto más intenso de la presentación con ambas agrupaciones sobre el escenario, dando un total de catorce almas inundando nuestros cuerpos de sonidos megadiversos, cascadas de instrumentación y ubicando el disfrute de la noche como único y gran propósito.

El concierto cerraría entre el clamor del público por un poco más de Antibalas, cumpliendo nuestros deseos de encore, no sin antes presentar a cada uno de los integrantes, difuminando el afrobeat al ritmo de aplausos y metales exhaustos.

 

A 20 años de 'Songs for the Deaf' de Queens of the Stone Age

Una obra eminente.

En verano de 2002 comenzaba a sonar en la radio y televisión lo que sería hasta ahora una de las piezas favoritas de los fans de Queens of the Stone Age, obra cumbre de Josh Homme que catapultó al proyecto a abrirse y posicionarse actualmente como una de las bandas más representativas del rock alternativo. Queens of the Stone Age ascendió en una época en la que el internet apenas iba despegando y no se tenía mucho acceso a “descubrir” nueva música, siendo MTV o estaciones alternas de la radio las únicas vías para escuchar todo lo que iba emergiendo en los dosmiles. Remontándonos a esos momentos, bien podemos recordar el momento en que veíamos el vídeo “Go with the flow” pasar por la madrugada o en los top de MTV, sin entender mucho lo que veían nuestros ojos, a los que nos tocó vivirlo, ese contenido audiovisual nos hizo adentrarnos a muchos pliegues del rock conocido hasta el momento.

Tal pareciera que el cambio de integrantes en las bandas les da lugar a crear trabajos distintivos. Songs for the deaf tiene adherido el talento de Dave Grohl quien se sumó a la batería ante el abandono repentino de Gene Trautmann justo antes de comenzar las grabaciones. Dave decidió hacer una pausa con su banda Foo Fighters para formar parte de este álbum y por consiguiente salir de gira promocional con ellos. Teniendo también como última participación en la banda a Nick Oliveri el cual dejó una huella enérgica en cada una de las canciones.

Josh Homme, quien ya contaba con mucha experiencia en sus anteriores proyectos con Kyuss y un proyecto llamado Desert Sessions en donde juntó colegas y se adentraron en Joshua Tree a crear contenido. Josh tomó ideas que grabó con este último proyecto y decidió trabajar sobre ese material para componer piezas totalmente nuevas que conformarían el tercer álbum de Queens of the Stone Age, quien lleva su debido reconocimiento al lograr obtener un platino por su alta cifra de ventas en Europa.

Entre tantos detalles que destacan, Songs for the deaf es un álbum (conscientemente) conceptual el cual Oliveri propuso, quien en su principio era denegado por Josh pero que al final accedió tomando una meditada decisión. Todo el álbum te lleva por un roadtrip en el desierto, yendo de Los Ángeles hasta Joshua Tree, en donde todo el camino te vas encontrando con estaciones de radio aleatorias tanto en español como en inglés, así como el ya emblemático pedazo de relato que escuchamos al final de “No one knows”: “esta es la radio Quetzalcóatl la estación donde el rock vive y no muere…”, esos pequeños pero significativos fragmentos de radio que nos hace sentirnos más parte del viaje y que encontramos en varias canciones.

QueensOftheStoneAge_SongsForTheDeaf

El álbum cuenta con un casero documental de 20 minutos que muestra escenas inéditas de la grabación del disco forjado en diferentes estudios y la gira promocional de este, dividido en cuatro piezas el cual la mayoría podemos encontrar en YouTube.

Sin duda podrán pasar más décadas y Songs for the deaf va a seguir sucumbiendo en nuestras emociones intensas cada vez que lo escuchemos, entre la intención de solidificar algo magno que claramente es un trabajo fortuito y sin errores.

Ponte Pilas — Old Enough To Know Better

La banda revive las vibras del rock clásico en su álbum debut.

Ponte Pilas, la “banda de la gente”, ha lanzado por fin su álbum debut Old Enough To Know Better, donde a través de melodías pegajosas y un estilo vintage nos comparte su travesía por la edad adulta, desde una anécdota después de una noche de fiesta hasta sus opiniones y puntos de vista políticos y sociales.

A través de 11 canciones, hace de Old Enough To Know Better, un álbum disfrutable que probablemente le guste al público general. Abriendo con un sonido de guitarras enérgicoBreakfast of Champions” es una melodía caótica que narra la experiencia del día después de una noche intensa de fiesta. Se siente algo de ferocidad en el ritmo de la batería que desde un principio deja claro el sonido de la banda y lo que pueden y tienen intención de hacer.

Tras arrancar con una canción divertida y rebelde, “I’ll Never Be A Cowboy” y “the Truthrider” siguen la pauta de canción journal, donde somos parte de una anécdota, una historia personal que nos transporta al momento e intenta dejar una moraleja. Ambas melodías tienen un toque vintage, apegándose al estilo del rock and roll de la vieja escuela de los años 70’s. Mientras que la primera es más reservada, la segunda invita a la pista de baile, en este tono continua “Be your girl”, una divertida canción sobre el juego de caza en la seducción desde una perspectiva que desafía lo roles que se han impuesto y el hombre es la “presa”. La melodía de la old school permanece presente al tiempo que el estilo de Gordon Raphael (productor de The Strokes en sus inicios) se hace más notorio al introducir toques de garage alternativo.

A este punto donde hemos oído de los infortunios del amor, las noches alocadas e historias divertidas, comienza una parte más madura del álbum y la banda en sí. “Vegetable Soup” llega para recordarnos que la idea del éxito y la percepción de la felicidad es subjetiva y no tiene que ser igual para todos. Para alguien, vivir tranquilamente, haciendo lo que te gusta, rodeado de quienes te aman puede ser suficiente. Eso implica cierta madurez, ya que cuando se es más joven puede no parecer así.

El punto medio del álbum es también el sencillo principal que, peculiarmente es también la canción más política de la banda hasta ahora. “Rue Britannia” explora el trago amargo de quien vive el Brexit y ve perder la nación inclusiva que lo acogió para volver un paso atrás en la historia, debido a gente retrograda y nacionalista todo esto con un estilo más alternativo que nos recuerda a bandas como Muse o Radiohead con ligeros toques de Oasis y The Strokes, logrando una emocional y fuerte melodía melancólica de reproche. Es sin duda una canción interesante musical y líricamente hablando que nos muestra otra faceta de la agrupación británica-ecuatoriana.

“Existential Cigarette” se mantiene en el tono melancólico con un piano que crea una balada rock que intenta aferrarse a la esperanza y reflexiona sobre la importancia de encontrar algo que nos mantenga vivos y haga de este camino algo significativo al tiempo que nos invita a no perdernos en esta búsqueda de algo más.

A partir de aquí la banda explora un sonido más heavy del rock con “San Ignacio” que captura la esencia del rock clásico con una influencia de los 2000 donde se puede sentir nuevamente el estilo de The Strokes y Muse.

“Better Off” e “Impatient” nos regresan a la vibra de los 70’s con bajos predominantes, baterías continuas y guitarras poderosas. Estos elementos junto a la voz áspera que va creciendo en intensidad, aportan cierta agresividad a ambos temas. Se puede sentir la energía y emoción del vocalista a través de su canto. Son dos subidones de energía y éxtasis que reflejan la postura de la letra y la identidad de la banda que a este punto nos ha demostrado que tiene mucho para dar y no está cerrada a mezclar y explorar los subgéneros del rock.

El álbum termina en una nota suave y melancólica con "Berlin Is Gonna Be The Death Of Me". Un epílogo que cuenta en retrospectiva este crecimiento personal; el andar entre lo que se espera y lo que es. Es una vista de la ciudad, que lleva por nombre Berlín pero podría ser cualquier parte del mundo, y sus colores, su gente y los sueños que vagan por ahí. Con un puente musical que imita los grandes himnos del rock y podría hacer de este otro tema para corear al final de un concierto, es sin duda un gran cierre para Old Enough To Know Better.

Las Áñez estrena “Como si fuera yo” junto a Lido Pimienta

Este es el tercer sencillo que lanza en este año Las Áñez.

Las Áñez, proyecto musical de las gemelas colombianas Juanita y Valentina Áñez Rothman, presentaron su último sencillo titulado “Como si fuera yo”, track que cuenta con la participación de la cantante colombo-canadiense Lido Pimienta.

“Como si fuera yo” es un himno de voces femeninas de la música colombiana actual, que cuenta con un emotivo y potente sonido tan característico de Las Áñez. Esta canción está compuesta por Juanita Áñez, producida por Andrés Leal y Miguel Rico en 2021, los elementos principales son las voces y el pedal de loops que recurrentemente utiliza este dueto en sus canciones.

Esta colaboración se logró gracias a la invitación que Lido Pimienta les hizo a Las Áñez para cantar su sencillo “Nada”, durante el Festival Equal de Spotify.

Cantamos esta canción con ella y nos dijo que se iba a quedar unos días, por lo que le pedimos que sumara su voz. Fue a grabarla al estudio de Miguel Rico sobre lo que ya teníamos y la canción empezó un viaje muy bonito. Estamos muy honradas con su invitación, porque nos gusta mucho su música y nos parece que tiene mucho estilo y concepto en lo que hace”, comenta Valentina en un comunicado de prensa.

“Como si fuera yo” es una canción que tiene relación a la figura de la mujer en la cultura contemporánea, empoderándola desde cada una de sus voces con mensajes de independencia, libertad y saberes ancestrales.

Mira el video realizado por Daniela Rojas:

Herb Alpert anuncia el álbum, ‘Sunny Side of the Street’

Ya puedes escuchar su primer sencillo titulado “Pata Pata”.

El trompetista californiano de Tijuana Brass, Herb Alpert, anunció el lanzamiento de su nuevo álbum Sunny Side of the Street programado para el 30 de septiembre, junto con el lanzamiento de su primer sencillo titulado “Pata Pata”.

El álbum contará con un total de 11 suaves baladas entre composiciones originales y covers de temas de algunos clásicos como "Childhood", "Time After Time", "I'll Remember You" y, por supuesto, "Sunny Side Of The Street" de Louis Armstrong. También, contará con las colaboraciones de Lani Hall, Jeff Lorber, Bill Cantos y otros.

Por su parte, el primer sencillo disponible, es “Pata Pata” con un ritmo optimista, es un tema de la cantante sudafricana Miriam Makeba, también conocida como Mamá África, quien se convirtió en la primera mujer de color, en ganar un Grammy. Respecto al tema, Alpert declaró:

'Pata Pata' era de Miriam Makeba y cuando lo escuché por primera vez pensé que era un disco muy interesante. Miriam estaba casada con Hugh Masekela, con quien hice un álbum. Me gustó mucho la melodía y siempre tuve en mente que un día me encantaría intentar hacer una versión de ella. No intento hacer música para otras personas. Si puedo grabar algo que me haga sentir bien y en este momento, entonces es una señal de que estoy haciendo algo bien. Esta grabación me da esa sensación".

Por otro lado, el músico ofrecerá más de 50 conciertos en lo que resta de este año y el próximo en un tour que recorrerá ciudades de Estados Unidos y Canadá.

SunnySideOfStreet-HerbAlpert

Checa el tracklist de Sunny Side of the Street de Herb Alpert:

  1. “Childhood”
  2. “Pata Pata”
  3. “Goo Goo Eyes”
  4. “I’ll Remember You”
  5. “Tickle Time”
  6. “Time After Time”
  7. “Sneaky Pete”
  8. “Going Out Of My Head”
  9. “Here She Comes”
  10. “Just A Dream Away”
  11. “Sunny Side of the Street”

 

 

Planeta No estrena “Mi Querida Tempestad” junto a Dromedarios Mágicos

Una triste balada transformada en una canción upbeat.

La música puede ser un excelente recurso para hablar sobre la tristeza desde la felicidad y hacernos más liviana la vida, esa fue la estrategia que Planeta No utilizó para su nuevo tema. La banda originaria del sur de Chile, acaba de compartir “Mi Querida Tempestad” (en un Vaso de Agua). La canción fue una colaboración con Dromedarios Mágicos, el proyecto musical del mexicano Diego Puerta.

Con el tiempo, los distintos intentos han ido encerrándome más/ a veces no, pero la mayoría del tiempo me siento así/ tan difícil es saludar, sonreír, cuando quiero evadir de todo/ ni me acuerdo cuando te prometí que el verano iba a ser mejor”, son los versos que dan inicio a “Mi Querida Tempestad” con los cuales la banda nos envuelve en un momento de confesiones tristes y reconocer problemas personales que a veces gobiernan nuestras acciones.

La ansiedad por llenar nuestros vacíos y lo que hacemos guiados por ella, son el eje que da sentido al nuevo sencillo que, durante casi 3 minutos, nos hace levitar en una amable melodía que de inmediato, nos aliviana el corazón. El video que alumbrará a esta canción saldrá hoy a las 19:00 H.

¡Sigue de cerca a Planeta No, a Dromedarios Mágicos y a Indie Rocks! y ve el video antes que nadie!

Pahua comparte un nuevo remix de “La Cura” por DIEGURU

Atrevido y perfecto para bailar. El nuevo remix de "La Cura" llega para sumergirnos en un trance.

La cantante, compositora y DJ mexicana, Pahua, lanzó a finales del año pasado “La Cura”, y trabajó originalmente con el compositor español Gizmo Varillas para lograr la primera versión del sencillo; con un estilo relajado y alegre esta melodía encierra los sabores latinos y de esta tierra, emanando una especie de armonía y paz.

Luego, a principios de año vino su primer remix con la DJ Andy Grey, quien resaltó los sabores tropicales y le dio un toque aún más divertido a la canción.

Ahora, por segunda vez, Pahua nos comparte otro remix de “La Cura”, esta vez a cargo del joven productor mexicano Dieguru, quien re-elabora la versión original e impregna su estilo en una nueva versión de 6 min.

A diferencia de las pasadas, este remix de Dieguru agrega más toques techno dándole una vibra menos caribeña y más alternativa. Perfecta para las pistas de baile y la temporada de fiestas.

Aunque mantiene su esencia original se puede sentir la influencia del mexicano, con beats ascendentes y de tipo trance que mezclados con el folklore característico de Pahua le da una estética muy peculiar.

 

Gepe estrena "Ansiedá" junto a Esteman

Una oda a la vida latinoamericana.

Gepe lanzó este viernes Realismo, su nuevo EP, del cual se desprenden algunas canciones liberadas anteriormente, como la melancólica “Las 4:40” y su más reciente sencillo, “Ansiedá”, un dueto junto a Esteman.

Además de esas dos, el material está conformado por dos piezas más: “Los 3s”, una suerte de himno a la banda de rock chilena; y “Coquimbo, Maztalán”, una colaboración con El David Aguilar, que se publicó por primera vez en julio de este año.

De acuerdo con Gepe, el título de este EP es una referencia al “manoseado” concepto del realismo mágico.

Es básicamente hablar de Latinoamérica de otra manera, donde al mismo tiempo que hay mucho misterio, también hay una realidad súper concreta que te golpea. Y de eso se tratan estas canciones, de cosas muy concretas que tienen un grado importante de oscuridad”.

La influencia de esta corriente literaria es más palpable en los tres videos musicales que se han desprendido de esta era, todos dirigidos por el chileno Bernardo Quesney, donde plasmó un aire de nostalgia desde un retrato puro de la cotidianidad latinoamericana.

Dale play:

Gepe tiene cita con sus seguidores mexicanos en octubre de este año. Primero, el 7 de octubre en el festival Coordenada, en Guadalajara. Después, en el Auditorio BB de la CDMX, el próximo 15 de octubre.

Escucha el EP completo a continuación:

 

¿Cómo dejar el LSD? Intenta el método Ozzy Osbourne

Ozzy Osbourne reveló en una entrevista la razón por la que dejó el ácido.

Ozzy Osbourne es una figura emblemática en la escena del heavy metal. En esta ocasión reveló  en una entrevista su relación con los psicodélicos durante los años 70 y contó una historia divertida, pero interesante, sobre la principal razón por la que renunció al LSD. Ozzy mencionó que después de una conversación con un caballo durante una hora ya no quiso consumir más esta sustancia.

La leyenda del rock habló en una nueva entrevista sobre la realización del cuarto álbum de su ex banda Black Sabbath, Vol. 4, cuyo nombre original sería Snowblind, una oda a la cocaína, cuyas letras provocaron que la compañía discográfica se negase a aceptar dicho título para evitar problemas legales.

Vivíamos juntos en una casa en Los Ángeles, ensayábamos allí, consumíamos muchas drogas e hicimos un álbum: simple. Eran buenos tiempos. En ese momento en Estados Unidos, a la gente le gustaba mucho agregar ácido a sus bebidas”, continuó Osbourne. “No me importaba. Solía ​​tragar puñados de tabletas a la vez. El final llegó cuando regresamos a Inglaterra."

Osbourne se mostró abierto para hablar sobre su pasado y su consumo excesivo de alcohol y drogas. La historia completa se cuenta en el nuevo número de Classic Rock. Además, Ozzy Osbourne también habló en detalle sobre la realización de su nuevo álbum Patient Number 9.

“Tomé 10 tabletas de ácido y luego salí a caminar por el campo. Terminé parado allí hablando con este caballo durante aproximadamente una hora. Al final, el caballo se dio la vuelta y me dijo que me fuera a la mierda. Eso fue todo para mí”, cuenta Osbourne para Classic Rock.