Entrevista con Black Midi

El momento de hacer música es aquí y ahora.

Black Midi no es cualquier banda, ellos van a toda velocidad cuando la misión consiste en crear arte. No se trata de ir al ritmo que actualmente exige la industria, pero el trío originario de Reino Unido tiene clara su visión y si esta no es la correcta, simplemente se da vuelta a la página y a lo que sigue. En esta ocasión la aventura viene en forma de disco conceptual y además con un elemento de terror incluido. Su tercer trabajo Hellfire (Rough Trade, 2022) sintetiza su sonido y ofrece nuevos caminos que la banda esta ansiosa por recorrer, platicamos con Morgan Simpson sobre esta nueva aventura musical.

Si hay algún mensaje que debamos dejar al mundo, es que la vida es muy corta y hay que tomar riesgos, eso es algo constante en este disco, tanto como personas y como agrupación, tenemos que empujarnos y empujar a los demás porque sino ¿Cuál es el punto?”.

Esta necesidad de avance los llevó a crear nuevo material que comenzó a gestarse a principios del año pasado, pero que tuvo cierto retraso debido al repunte de casos de Covid que obligó al mundo a permanecer encerrado. Meses más tarde, con un montón de correos enviados y recibidos, ideas descartadas, concretadas o a medio camino, la agrupación por fin pudo encerrarse y terminar el disco. Un proceso en comparación a sus anteriores trabajos, bastante directo y rápido.

Creo que Hellfire es una combinación de nuestros primeros dos discos, tiene un poco de caos y de claustrofobia del primero y ambientes muy pintorescos similares al segundo disco, así que parece que hemos sacado lo mejor de esos dos álbumes y los hemos perfeccionado así como trabajando a lo ancho”.

Producido por Marta Salogni, el disco es un golpe directo en el rostro del escucha,  con melodías que conservan la velocidad y la energía de entregas pasadas pero con un toque diferente. El trabajo maneja esta vez, un aire conceptual: Hellfire es un sitio o la definición de sus autores del mismo infierno, pero el baterista también afirma que puede ser un sentimiento, al final del día la banda ha creado un material que pretende ser una visión alterna, escapista y con la puerta abierta para que el público lo interprete a su manera.

Durante el proceso de escritura comenzamos a juntar una cantidad importante de canciones, nos dimos cuenta de que había un tema recurrente en el que nuestra expresión era ‘¡Yeah Hellfire!..'. Pero al mismo tiempo es justo decir que no fue una decisión consciente, simplemente sucedió y fue tras componer y ensayar demasiado que nos dimos cuenta que existía un tema recurrente”.

Así durante los 10 temas que lo componen, pasamos por una gama de historias que retratan la maldad desde distintas aristas, y es el sonido lo que podría considerarse como el paisaje o terreno dónde estos personajes convergen: asesinos, proxenetas, boxeadores, maltratadores, soldados afectados por la guerra que luego se vuelven adictos. Estas historias manejan un tono a veces realista que puede confundir al escucha, pero Morgan considera que tanto Geordie como Cameron intentaron reflejar el sentimiento de caos que veían a su alrededor y que se tradujo en historias en dónde el mal es la protagonista.

Esa es la idea de ser malo en las películas, muchos de estos personajes en este tipo de obras son personas interesantes. Lo curioso es que todas estas ideas iniciaron como si fueran bebés y conforme la historia se fue escribiendo se convirtieron en algo más. Luego la gente nos pregunta '¿De verdad Black Midi piensa esto?' Y la verdad es que no del todo (risas), pero estamos conscientes de que hay que ‘embellecer’ estas historias para darles el toque extra necesario”.

Para este material la banda tiene planeada una extensa gira, que los llevará por varias partes del mundo y de la que esperan poder incluir a nuestro país, del cual reciben constantes mensajes de parte de los fans, pidiendo su visita y agradeciendo por su música.  Cuando Morgan se le cuestiona sobre lo mucho que han avanzado y si recuerda como fueron esos primeros días, ni el puede creer el camino recorrido… y lo que falta:

La primera vez que toqué… bueno realmente primero nos conocimos en la escuela Geordie y yo, nos volvimos inseparables a las pocas semanas, todas las tardes nos dedicábamos a ensayar, luego Cameron se unió, lo recuerdo como si fuera ayer… no lo sé, la vida es muy extraña en el sentido de que miras atrás, hacia tus recuerdos y dices '¡Mierda, estamos aquí!'".

Conoce la convocatoria de OneBeat para el 2023

El programa de intercambio e incubación de proyectos musicales se realizará en abril, mayo, septiembre y octubre del próximo año.

Si eres un músico profesional, uno de ocasión o alguien a quien solo le interesa crear música para comunicar sus experiencias y vivencias personales, entonces deberías intentar aplicar para el programa OneBeat, un lugar donde podrás convivir con otras personas que al igual que tú sienten una gran pasión por la música. OneBeat invita a personas de 50 países a participar en su programa del 2023 que tendrá dos residencias, la primera será del entre abril y mayo y la segunda entre septiembre y octubre.

Algunas de las bases más importantes para poder aplicar para entrar a OneBeat son las siguientes:

  • Tener más de 19 años y menos de 35 años de edad durante los meses que dura el programa.
  • Residir en uno de los 50 países elegibles por OneBeat (México está incluído)
  • Mandar entre tres y cinco muestras de su creatividad musical y los formatos deben ser audio o video.
  • Tener un dominio conversacional del idioma ingles

Si quieres aplicar de eras entrar a la página de OneBeat y comenzar el proceso de selección donde serás guiado. La fecha límite para aplicar para OneBeat es el 2 de septiembre y los resultados serán enviados al correo electrónico registrado con la aprobación o el rechazo de la solicitud de aplicación en febrero del 2023. Si te quedaron algunas dudas, en este enlace encontrarás las respuestas a preguntas frecuentes que tienen los aplicantes.

¡Aplica para OneBeat 11 y 12 dando click aquí!

Aurora estrena “Potion for Love”

Acompañada de un live performance, la cantante presentó la canción este fin de semana.

Luego del estreno de “The Devil is Human”, AURORA, destapa otra de sus canciones titulada “Potion for Love” que, hasta el momento, sólo pertenecía al lado B del vinilo "Cure for Me" de The Gods We Can Touch.

La cantautora noruega acompañó el estreno de su sencillo con una presentación en vivo a través de Vevo Studio Performance que puedes disfrutar a través de su canal oficial de YouTube, además ya puedes encontrar la canción en tu plataforma de música favorita.

Aurora Aksnes (AURORA) declaró sobre la canción:

Escribí 'Exist For Love', como una celebración del amor que llevamos dentro de nosotros. También escribí 'Potion For Love' porque quería darle algo a las personas que habían perdido su amor. Me parece tan hermoso como todavía encontramos la valentía de dar y recibir amor, sabiendo que puede desaparecer en cualquier momento. Lo hace tontamente hermoso. Dolorosamente delicioso. Tan poco conectado a la mente y a la lógica que hace que mi pequeño corazón desee estallar".

La cantante está lista para encabezar el Festival Øya de Noruega, donde compartirá el escenario con artistas como Florence and The Machine y Gorillaz

Además del estreno de su álbum en enero, AURORA, no ha dejado de estar presente en la música, estrenando “The Woman I Am" y “The Devil is Human”, además de su colaboración con Qing-Feng en “Storm”.

Dale play:

DeerMX estrena “Animals”

Una fábula que deja una lección importante.

Deer MX es la primera banda mexicana en debutar en Hong Kong, al otro lado del mundo. Ahora lanzan su sencillo “Animals”, el cual muestra una fábula de la convivencia entre humanos y animales, dejando una lección a la humanidad.

La canción está basada en el anime La Guerra De Los Mapaches (PomPoko, 1994), en ella narran el conflicto que existe entre animales vs. humanos, donde un grupo de tanuki o perros mapache usan sus poderes mágicos para luchar contra los invasivos asentamientos humanos que amenazan su presente. Con gran dolor enfrentan la muerte, muestran solidaridad con los suyos y confrontan lo inevitable de su destino.

Animals” es una canción que musicalmente cuenta con un compás de quince octavos, un ritmo que rompe con lo que manejan los géneros musicales actuales. Contiene también una guitarra tensa que crea una atmósfera dramática que envuelve a una voz sollozante y quebrada.

Para este single, Deer MX contó con la colaboración de Enrique Nativitas en la batería. Adriana Falcón es responsable de guitarra, voz y letra, mientras que Miguel Bastida se hizo cargo de bajo, guitarra y synths. Creando así el tercer adelanto de su próximo álbum que se estrenará en 2023.

Dale play a "Animals":

Curaduría en el Foro Indie Rocks!

El proyecto gastronómico cerró con broche de oro el último domingo de julio salvándonos del bajón.

Qué mejor manera de cerrar el mes que disfrutando de una deliciosa quesabirria y una cerveza bien fría en las instalaciones de Foro Indie Rocks! Este domingo, Curaduría nos deleitó con su tercer brunch en el cual pudimos consentir a todos nuestros sentidos, ya que no solo disfrutamos de una exquisita variedad de platillos revitalizantes, también gozamos de una tarde llena de funk a cargo de DJs increíbles.

Desde nuestra llegada el Foro Indie Rocks! nos recibió con los brazos abiertos, Mezcal Unión nos dio la bienvenida con un fuerte y cálido shot de su elixir con el cual logramos resucitar. Para iniciar la tarde, Pedro Waiss compartió con el foro lo mejor de su colección musical dejando caer sobre los oídos de los comensales los vibrantes ritmos del world music, un suave r&b y por supuesto, una fina selección de funk.

Más tarde llegó Ritmonzón a encender la tarde, quien compartió con el público su psicodélica selección de cumbias y raw funk. Mientras tanto, nuestros paladares se deleitaban con un inigualable consomé que en compañía de la ya clásica quesabirria, nos dejaron sin palabras. Por si eso no fuera suficiente, los birriachiles se convirtieron en nuestro platillo favorito de la tarde.

Quesabirria_curaduria_edithalvarez

Ya rumbo al final de esta reconfortante tarde dominical, Febe le dio un toque disco a las eclécticas propuestas que nos acompañaron a lo largo del día. De la mano de su selección que incluyó música negra de los 70s y 80s, disco y funk, el productor de contenidos musicales de Aire Libre nos regaló el soundtrack perfecto para despedir la tarde.

Una vez más Curaduría superó las expectativas y nos recordó el porqué de su lema: #AquíNoHayDíasDeBajón, ya que nuevamente nos salvó del bajón gracias a su incomparable propuesta culinaria y a su gran selección de DJs.

King Princess dedica el video de “Let Us Die” a Taylor Hawkins

King Princess recuerda con gratitud y sencillez a Taylor Hawkins.

King Princess está de estreno con su nuevo álbum Hold On Baby, en el que colaboró con varios artistas, entre ellos Taylor Hawkins en el tema “Let Us Die” y luego de lo sucedido, la cantautora decidió hacer de esta colaboración un pequeño homenaje a través del video oficial del sencillo.

La artista recientemente compartió el videoclip oficial de su canción, donde podemos verla en una especia de hospital, donde va en busca de ayuda, para sanar su corazón roto. En esta sátira del asunto, la podemos ver jugar el papel de paciente, que sufre las consecuencias de tener mal de amores y busca desesperadamente que le reparen el corazón.

La canción lleva un ritmo totalmente dirigido por la batería acompañada del trabajo de guitarra que se complementan de manera equilibrada y hacen una melodía fácil de seguir, con una vibra fresca y contagiosa, que acompaña la dolorosa experiencia de dejar ir a alguien pero que no llega a ser devastadora sino urgente y ansiosa.

El video, termina con una dedicatoria especial al baterista de Foo Fighters, quien falleció el pasado marzo y había participado en la canción luego de que King Princess se lo pidiera. La batería de Taylor Hawkings sin duda le vino a dar el toque a este sencillo y aunque es una de sus favoritas del álbum, en algún punto (luego de la muerte de Hawkins) dudo sobre sacar la colaboración al público, sin embargo luego de hablar con la banda del baterista y tener su apoyo, decidió hacerlo para él.

Ellos fueron tan amables; estaba muy ansiosa, triste y nerviosa de siquiera preguntar algo así, pero ellos sintieron como que era un homenaje. Y es un homenaje. Es para Taylor”, dijo en una entrevista con Apple Music 1.

 

Blon, el nuevo campeón nacional de Red Bull Batalla 2022

La batalla de freestyle más grande de España se llevó a cabo este fin de semana.

El campeonato de rap improvisado más importante en habla hispana ha elegido a un nuevo campeón. Con el Marenostrum de Fuengirola en Málaga como escenario, las feroces rimas de MCs como Tirpa, Jesús LC, Sweet Pain y por supuesto, Blon, hicieron vibrar tierras españolas en busca del nuevo rostro del freestyle nacional.

El año pasado Madrid fue testigo de la edición número 15 de la batalla donde Gazir se llevó la victoria. Tras años de esfuerzo y de posicionarse como uno de los grandes favoritos, este año Blon abandonó el título de “Rey sin corona” para convertirse en el mejor freestyler español, lo cual también le otorgo el pase a la Final Internacional de México.

La batalla tuvo lugar el sábado 30 de julio, en medio de versos fulminantes y rimas imperdibles, Blon llegó a la semifinal del campeonato donde combatió contra Jesús LC, siendo Blon el triunfador. Del mismo modo, Tirpa dio lo mejor de sí contra Sweet Pain, logrando una final impactante donde Tirpa y Blon se disputaron la victoria, el resultado ya lo conocemos.

Tirpa se llevó el segundo lugar mientras que Jesús LC obtuvo el bronce después de una intensa batalla contra Sweet Pain. Blon no solo se llevó la ovación del público sino de un jurado de lujo compuesto por grandes nombres de la escena como Khan, Acru, Sara Socas, Babi BlackBull y Noult.

John Cale presenta su nuevo sencillo "Night Crawling"

Cale canta sobre Nueva York en los 70’s y los recuerdos de noches de fiesta a lado de Bowie.

John Cale presenta su nuevo sencillo, luego de dos años de no haber compartido música nueva. “Night Crawling” podría ser un adelanto de su próximo material discográfico y lo que se verá en su gira por el Reino Unido.

Después de su sencillo “Lazy Day” (2020), Cale llega con una melodía bastante retro inspirada por el Nueva York de los años 70, de acuerdo al cantante; una época que le evoca buenos recuerdos, específicamente sobre las noches que recorría la ciudad en compañía de amigos como David Bowie, descubriendo el sonido y los colores de la gran manzana.

Hubo un periodo a mediados de los 70 en el que David y yo nos topábamos en Nueva York…Cuando escribí 'Night Crawling', fue un momento de reflexión sobre un época particular. Ese tipo de ciudad de Nueva York que tenía el arte en sus garras, lo suficientemente fuerte como para mantenerlo a salvo y lo suficientemente peligroso como para mantenerlo interesante.” Comentó Cale al sobre la inspiración de “Night Crawling”

El video musical que viene a estrenar este sencillo, es una animación, precisamente, de estos recuerdos. Animada por de Mickey Miles, el clip muestra los tonos retro de la canción gracias a su peculiar estilo caricaturesco de aquellos años que acompañan y reflejan bien el ritmo inspirado en la música disco. La voz de John Cale resalta como siempre y es bien matizada por los coros de Dustin Boyer y los instrumentos de la canción, como las percusiones y las guitarras a penas perceptibles. Además del toque de los sintetizadores que le añaden a esa vibra retro.

¡Dale play y disfruta del nuevo sencillo de John Cale!

El nuevo disco de Muse tendrá una edición NFT

La banda se reencuentra con sus sonidos originales y muestra su lado más heavy y tecnológico.

Hace algunos días, Muse presentó por fin la versión estudio de “Kill or Be Killed”, una canción que se ha vuelto la favorita de muchos tras escuchar a la banda presentarla en festivales en vivo y es que se poderosa percusión y pesados riffs de guitarra hacen de esta, la canción perfecta para ser tocada en vivo por la banda.

“Kill or be Killed” es la faceta más metal de la banda inglesa, con sonidos progresivos y uno de los sonidos más pesados que han logrado en los últimos años, aunque habíamos escuchado más de este lado pesado de la banda en “Won’t Stand Down”, este nuevo sencillo es la versión más heavy del trío británico.

Tras la respuesta positiva de los fanáticos, y el constante bombardeo a sus redes sociales pidiendo el sencillo, Muse decidió lanzar la versión de estudio como próximo adelanto de su siguiente álbum Will Of The People, el cual estará disponible el 26 de agosto vía Warner Records y que ya puedes pre-ordenar.

Cabe mencionar que el nuevo álbum incluirá una edición NFT limitada a 1,000 copias en todo el mundo y tendrá un precio de 20 £ (aproximadamente $500). Aquellos que decidan adquirirla tendrán una versión descargable con carátula distinta a la ordinaria, archivos de alta resolución y la firma digital de la banda. ¿Qué te parece el nuevo formato de Muse?

Attawalpa, emocionalidad pura

Una propuesta que nos hará explorar nuestras emociones y existencia a través de la música.

Luis Attawalpa Felber es un músico británico, que ostenta sangre peruana y de artista por herencia de sus padres. Él es la mente detrás del proyecto musical Attawalpa, una propuesta musical que crece día con día y que puede presumir de distintas presentaciones importantes, como un acto telonero para The Rolling Stones en su sesenta aniversario, celebrado en Hyde Park el pasado 25 de junio.

 

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Luis, antes de Attawalpa, había pertenecido a diferentes proyectos musicales, pero que generalmente exploraban el concepto del punk. Ahora, él nos presenta una propuesta musical que nos permite explorar la emocionalidad y distintos conceptos sobre el existencialismo humano. Todo esto mientras sigue una línea experimental que fusiona distintos géneros y alude al estilo de leyendas musicales, como David Bowie y Prince.

Si queremos comenzar a describir el trabajo de Attawalpa, debemos hacer hincapié en la importancia de la melodía, el ritmo y las buenas historias, ya que podemos encontrar un amplio paisaje de texturas, que siempre siguen el mismo fin melódico que nos permita sentir las emociones ajenas como propias. El estilo musical lo podemos identificar dentro del apartado del indie experimental, ya que se atreve a mezclar distintas propuestas de tiempos ajenos a los nuestros, pero siempre desembocando en un horizonte postmodernista y contemporáneo.

El artista cuenta con dos EP y una larga serie de sencillos, y desde sus inicios en 2018 podemos apreciar el crecimiento, junto a la exploración a su propuesta personal. En su primer EP Spells (2020) encontramos una propuesta más upbeat de lo que muestra su trabajo en general. De este material destacamos el sencillo “Go to the Moon” que se establece como la base de lo que escucharemos en su trabajo posterior a este EP.

En su segundo EP Patterns (2021), Attawalpa orienta su propuesta musical hacia el objetivo de estimular la emocionalidad humana. Presentando canciones suaves y melódicas que nos evocan una sensación nostálgica, el proyecto consigue dar un paso enorme hacia adelante en su desarrollo, estableciendo una esencia única y que vale mucho la pena escuchar. De este material destacamos el sencillo “Tucked in Tight”, el cual nos guía a través de una experiencia cinematográfica que se siente como una caminata hacia un horizonte cálido.

El último sencillo del artista, “Ignore The Pollution”, nos sigue guiando a través de su visión sobre un mundo mejor, y en este caso, menos agobiado por la influencia del exceso de información. Anímate a descubrir esta nueva propuesta que te hará reflexionar sobre tu manera de ver distintos elementos de la vida. Recuerda seguir al artista en todas sus redes sociales (Facebook e Instagram) para no perderte ningún lanzamiento.