“Noches Perdidas”, lo nuevo de Pedropiedra feat. Cancamusa

Una invitación del artista para escapar de un mundo que se volvió loco.

El músico chileno, Pedropiedra, estrena su nueva canción “Noches Perdidas” junto a la compositora, Cancamusa reconocida por ser baterista de Mon Laferte, en una canción con tintes urbanos pop, trabajada en colaboración con el reconocido productor Cristián Heyne.

Un coro que dice “Vayamos donde está el amor” inunda la canción con la que los cantantes chilenos, nos invitan a escapar de un mundo que se volvió loco. Este sencillo, muestra los ritmos que ya se habían trabajado en ALÓ!, de 2020, en la que mezcla un sonido muy parecido al rap, añadiendo guitarras que se sienten como una canción ochentera, mezclando sonidos nuevos con los de la vieja escuela, dejando como resultado la confirmación de la ambición de Pedropiedra de hacer una canción moderna y clásica.

Pedropiedra-Cancamusa

Esta colaboración se da como producto de la amistad de años que tienen los dos músicos, además de la mutua admiración que hay entre ellos, mostrando a al santiaguino y la artista radicada en México, elevando sus plegarias a los dioses de la música para volvernos a encontrar y recuperar cada noche perdida.

Este tema es el nuevo sencillo que lanza el compositor luego de “Era Sólo un Chiquillo”, “Estado Vegetal” y “Sonámbulo” de 2021. Además, está por comenzar su gira, Buena Suerte, el 17 de agosto, donde recorrerá ciudades de Chillán, Osorno, Puerto Montt, Valdivia, Los Ángeles, Temuco, Concepción, Quilpué y Santiago.

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The Offspring sufre accidente automovilístico en Canadá

Afortunadamente, los integrantes salieron ilesos.

El pasado 6 de agosto, The Offspring anunció, a través de sus redes sociales, el accidente que sufrió una de sus SUVs en Canadá, detallando que, un objeto salió volando del vehículo que viajaba frente a ellos, mismo que provocó que su transporte se incendiara y destruyera casi todo su equipaje incluyendo pasaportes y computadoras portátiles.

Todo esto sucedió en un viaje por carretera, mientras se dirigían al Festival Les Grandes Fetes TELUS en Roumiski, Quebec, para presentar su show, luego de que el 4 de agosto ofrecieran un show para 3,000 fans en Sherbrooke.

La publicación mencionaba lo siguiente:

Mientras viajaba por Canadá ayer, algo salió volando del vehículo frente a nosotros y se atascó debajo de uno de nuestros SUV y se incendió. Todos salieron sanos y salvos, pero el equipaje, los pasaportes, las computadoras portátiles y casi todo lo demás fue destruido. Estamos felices de informar que todos están bien y que hemos llegado a salvo a Rimouski y estaremos actuando esta noche en Les Grandes Fetes TELUS. ¡Espero verlos a todos allí!”

A pesar del accidente, la banda logró presentarse en el festival, según lo acordado.

Respecto a esta situación, el guitarrista de la banda, Kevin «Noodles» Wasserman, detalló más sobre el incidente en una publicación a través de su Instagram personal:

Ninguno fue herido. Todos salieron ilesos del vehículo. Desafortunadamente, aproximadamente la mitad de nuestra tripulación perdió todas sus pertenencias en el incendio, incluido el equipaje, las computadoras y los pasaportes. Pero podría haber sido mucho peor. La banda y yo estamos muy agradecidos y aliviados de que todos los involucrados estén bien. Nadie está seguro de qué inició el incendio todavía, pero el SUV golpeó algo grande y pesado, posiblemente un enganche de remolque perdido, y en cuestión de segundos el vehículo estaba en llamas. En el video se puede ver que ni siquiera salieron de la autopista antes de que todos tuvieran que salir bajo fianza. No hay tiempo para guardar ninguna pertenencia. Mierda de miedo!

Nuestro equipo hace todo el trabajo pesado para que nos veamos y suenemos lo mejor posible cuando subamos al escenario. [Sus] días de viaje y trabajo son siempre más largos y arduos que los nuestros, y no podemos agradecerles lo suficiente por todo lo que hacen. Verlos tener que pasar por algo como esto es desgarrador y aterrador. ¡Estoy tan contenta de que todos estén bien!”

 

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Entrevista con Built To Spill

El comienzo de una nueva época y cambios con un solo propósito: encontrar y hacer la música que le gusta. 

La banda Built To Spill, liderado por Doug Martsch, se prepara para el estreno de su nuevo álbum When The Wind Forgets Your Name, del que ya conocemos algunas canciones como "Spiderweb",  "Fool's Gold" y "Understood". En Indie Rocks! Platicamos con Doug sobre lo que está por venir después de casi 3 décadas de carrera y cómo ha vivido el cambio de la industria durante este tiempo. 

Built To Spill vuelve al estudio después de haber escrito algunas canciones durante los últimos años, y antes de salir de gira, encontraron la oportunidad de grabar y presentar When The Wind Forgets Your Name. “Cuando era joven, escribía canciones todo el tiempo”, cuenta Doug, “cuando comienzo a crecer, me tomó más tiempo escribir, llegaron más cosas a mi vida como la familia y otras responsabilidades. A veces paso semanas sin trabajar, pero al final logro retomar el ritmo para continuar en la música. ”.

Siempre comienzo por la música; las melodías, el ritmo… al final llegan las letras”.

El nombre del álbum podría escucharse melancólico, incluso las canciones parecen abordar temas sobre el paso del tiempo, los sueños y lo que nos preocupa día con día, sea que lo leamos en un libro o lo veamos en la televisión. Sin embargo, Doug nos cuenta todo lo contrario, “no tengo un mensaje o algo por el estilo. A veces es solo una buena idea que llegó a mi por alguna razón, pero mucho de eso es solo decir algo que vaya ad hoc con la música”

“Crear música es como armar un rompecabezas. Cualquier arreglo puede funcionar, cualquier letra funciona pero tienes que encontrar la indicada o no se sentirá bien. Quiero ser cuidadoso, quiero que sea algo que me sorprenda y me interese”, argumenta sobre el proceso creativo de sus letras. Sin embargo, enfrentarse a esto ha ocasionado que varias canciones se queden rezagadas guardadas en un baúl (ahora un disco duro o la nube), esperando a encontrar las letras indicadas para ver la luz. 

A pesar de su disgusto con la escritura, las canciones siempre deben tener letras: “Es solo mi estética en la música. Lo instrumental está bien, pero cuando le añades la letra, la llevas a otro nivel y quiero que Built To Spill tenga eso. He colaborado con mi ex esposa y he tomado algunas frases de mis amigos para escribir, pero sería ideal que todo saliera de mi”. 

Si escribes las letras como un poema, tal vez no sea tan bueno, pero las música tiene mucho poder para poder resaltarlas”.

En esta ocasión nos encontramos con una portada llena de color tomada de un cuento fantástico, contrastando con el arte de álbumes anteriores. Esto se debe a la participación de la artista Alex Graham, pero esta colaboración no fue al azar y Doug nos cuenta el porqué.

“Tengo una conexión emocional con Dog Biscuits un libro de Alex que vi en Instagram. Pensé que su trabajo podría encajar con el álbum porque el título es un poco pretencioso y en conjunto con el arte colorido podría crear una yuxtaposición”. Cabe destacar que si nos enfocamos en sus portadas, siempre habrá detalles que nos ayuden a darnos una idea de la música o simplemente cómo es que Doug vive su cotidianeidad y la plasma en estos. 

Desde la salida de su primer álbum, han pasado 30 años. Los cambios tanto en la industria, la banda o en la vida personas son inminentes, pero tenemos que aprender a surfear las olas para sobrevivir a los tiempos. “Con la tecnología, es mucho más fácil hacer música, ahora tienes un estudio en tu computadora así es como hice este álbum” comenta. 

“Lo único que pierdes cuando algo se vuelve más fácil y más personas lo pueden hacer es que las cosas son menos especiales porque antes tenías que trabajar muy duro y resolver cosas; ahora las oportunidades y cómo las cosas llegan a las personas es tan inesperada, pero también representa mayor competencia”, nos cuenta Doug, no como una queja, simplemente como consecuencia de los tiempos. 

Actualmente, tenemos el mundo en nuestras manos, con solo una app podemos encontrar artistas que nunca imaginamos, incluso que en otros tiempo no hubiéramos conocido. Al hablar de este tema, Doug se escucha más entusiasmado, “las personas están más interesadas en la música. Hay más géneros y es mucho más fácil alcanzar tu audiencia, pero te pones pensar que antes no se podía y eso lo hacía especial; si encontrabas un álbum que amaras era como ‘wow, esto realmente me llega’, ahora no lo sé… creo que aún así me cuesta encontrar algo que ame”, confiesa de forma burlona.

Ninguno de los algoritmos entiende lo que me gusta de la música, así que no pueden guiarme en la dirección correcta”.

Poniendo sobre la mesa el panorama de los servicios de streaming, Doug tiene un concepto muy diferente sobre lo que le preocupa a bandas actuales sobre la industria. “Las plataformas de música podrían hacer un mejor trabajo, siento que son amigables con el usuario, pero no funciona del todo. Cuando estas explorando o aprendiendo sobre una nueva banda quieres saber el año en el que un álbum fue estrenado, no el año de su remasterización o del remix; además de lo obvio como pagar mejor al artista”. 

Finalmente, Built To Spill comenzó su gira en abril, y cada vez se van sumando más fechas para escuchar When The Wind Forgets Your Name. “Todos estamos nerviosos, pero no tanto como pensamos; nos sentimos cómodos y como si nada hubiera pasado en los últimos 2 años”, asegura. 

Prepárate para escuchar el nuevo álbum de la banda estadounidense y esperar que México se encuentre dentro del tour. 

Playlist: Vibraciones Amorosas

Alimenta el amor con esta playlist.

La relación que la música tiene con distintas áreas de nuestra vida no es un misterio. Es bien sabido que al reproducir una playlist mientras realizamos determinadas acciones como ejercitarnos, dormir o estudiar, se producen diversas reacciones neurológicas en nuestro cerebro que alteran nuestros sentidos y potencializan nuestras emociones al momento de ejecutarlas.

Los encuentros sexuales no son una excepción, es por esta razón que el día de hoy en IndieRocks! hemos decidido aunar un poco más sobre los datos curiosos que se obtienen de esta excelente combinación.

Distintos estudios han analizado la relación entre estas dos acciones tan placenteras y entre los beneficios y conexiones que existen descubrieron que existen los siguientes puntos:

  1. La atracción de la mayoría de las mujeres es mayor hacia individuos que cuentan con habilidades musicales.
  2. Escuchar nuestra canción favorita provoca la misma sensación placentera que la que se produce cuando tenemos relaciones sexuales
  3. Y por último, no podemos dejar de lado la evidente mejora del rendimiento sexual debido a que la música reduce la fatiga física.

Los resultados que han descubierto gracias estas investigaciones han hecho posible la creación de interesantes e innovadores instrumentos que nos ayudan a explotar estas sensaciones al máximo.

Una de estas maravillosas invenciones ha sido la creación de diversos vibradores que sincronizan tu placer al ritmo de la música que más te acomoda.

Así es, estos juguetillos tienen un sistema que es sensible a las ondas sonoras, adaptando sus vibraciones al ritmo de tus bandas favoritas. Ya sea lento, intenso, o de todo un poco, este nuevo amigo hará lo que tu playlist le ordene. De este modo tu solo tendrás que relajarte y dejarte llevar por estos grandes placeres.

Si no sabes con qué podrías empezar no te preocupes, nosotros te armamos una playlist con distintas recomendaciones para que puedas disfrutar al máximo de estas sensaciones hoy o cualquier otro día que se te antoje; contigo o con la persona que tu elijas. Lo único que nos importa es que sigas disfrutando y sobre todo que jamás dejes de alimentar al amor con la música.

Isla de Caras en el Foro Indie Rocks!

Con melancolía y sonrisas, Isla de Caras le regala una caricia a la Ciudad de México.

Hay un valor agregado en los conciertos de las bandas independientes que vienen de lejos. Sabemos que el encuentro entre los fans y los proyectos que trabajan en autogestión se dan pocas veces, por eso, cuando ocurre dicho encuentro pasa a ser un ritual más allá de un concierto. Dicho ritual fue encabezado por Isla de Caras la noche de este 5 de agosto en el Foro Indie Rocks!

La agrupación volvió a México 18 semanas después de su primera visita, ambas con el reto que implica tener dos materiales discográficos en el bolsillo y dar un show largo. Afortunadamente el proyecto se midió bien ante la exigencia del público mexicano, el encierro del salón principal en el Foro Indie Rocks! y la altura de la Ciudad de México.

Alrededor de las 20:30 horas comenzó la noche con Disco Bahía, agrupación de León, Guanajuato, que con gran soltura y baile sacaron sonrisas de todos asistentes. La agrupación se dio tiempo de 'jammear' entre canciones, de jugar con el saxofón y de interactuar con el público de manera bastante fluida, lo que dejó con un gran sabor de boca a los asistentes.

Ya de paso, además de tocar su colección de sencillos que van desde "Necedad" hasta "Acuario", la agrupación se dio tiempo para chutarse un cover de "Las Mil Y Una Noches", de la legendaria agrupación Flans.

Disco Bahía_Foro Indie Rocks_David Durán (3)

Más tarde apareció a escena Monte Carlo con un show orgánico, motivado por poderosas baterías e incesantes guitarras. Un aspecto que me pareció curioso de esta banda fue su alineación, que por momentos tenía a tres guitarristas funcionando en paralelo, aunque quizás el sonido no les hizo mucha justicia.

Monte Carlo viene de Guadalajara, y este show formó parte de su primera visita a la capital del país. El proyecto sí que era esperado por su base de fans, que fue responsable de una fracción de los visitantes al Foro Indie Rocks!.

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La presencia de Isla de Caras

Pasadas las 22:00 horas, Isla de Caras apareció en el escenario con una versión modificada de "Nada Acá", proveniente de su primer disco llamado Chango. La agrupación se plantó fuerte desde los primeros minutos, con un vocalista que tenía un look memorable impulsado por unos lentes oscuros y una playera indefinible.

Los demás integrantes de la agrupación hicieron lo suyo, generaron un vínculo con la gente desde el minuto uno con miradas cómplices mientras interpretaban cada tema con mucha precisión.

A lo largo del show se hicieron presentes canciones que todos cantaron: "Chica de Verano", "Tu Forma de decir Adiós" y "Chicas como vos" como principales ejemplos.

La presentación estuvo llena de colores, de baile y se sentimientos. Parecía que la mayoría de asistentes eran abrazados por los sentimientos de las canciones de Isla de Caras, que además de las poderosas letras, lograron sumergir al Foro Indie Rocks! en una atmósfera llena de melancolía.

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También se deben destacar las intervenciones de un invitado que dio color a la sección de vientos en algunas canciones, así como la participación de la cantante María Centeno.

Probablemente el momento cumbre de la noche ocurrió con "Todo el Universo", tema de la banda que originalmente cantan con Rosario Ortega, cantante de gran trayectoria en Argentina, hija de Palito Ortega y que también forma parte de la banda de Charly García.

En esta canción se desbordaron un montón de sentimientos, de celulares con la linterna encendida que se movían de lado a lado, y de alguno que otro rostro llorando.

Otro momento particularmente especial fue cuando la agrupación tocó "Despacio", uno de sus temas más importantes. Isla de Caras se dio el tiempo para que la gente pidiera a gritos este tema y el performance fue la recompensa a la petición de la audiencia.

Rumbo al final, la agrupación argentina se dio tiempo de tocar un cover de "Demoliendo Hoteles" de Charly García para cerrar la noche con el beat alto.

La oportunidad de ver a Isla de Caras

Pienso en el show de Isla de Caras como las veces que ha venido Usted Señalemelo, Carolina Durante o El Kuelgue, y próximamente El Zar: es poco usual que a estas bandas de Argentina y España se les abra la ventana para que visiten el país debido a distancias y demás, por lo que hay mucho entusiasmo en los asistentes a estos conciertos.

El Foro Indie Rocks! se convierte en una trinchera para dar lugar a estas bandas que llegan a tocar el corazón de quienes las encuentren ya sea por una playlist, por los algoritmos que a veces son medio desgraciados, y por alguna recomendación de algún amigo de gustos extravagantes.

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El ritual de poder ver a Isla de Caras para muchos, incluyéndome, comenzó probablemente desde 2016. Escuchas sus primeras canciones, les sigues en redes, pides que vengan y es seis años después que finalmente se da la chance.

Por esta razón, como consejo te digo: No desaproveches la oportunidad de ver a los proyectos independientes que visitan el país, son experiencias muy pasionales.

Isla de Caras le dejó al Foro Indie Rocks! 'una raya más al tigre' sobre la grandeza que implica ser escenario de proyectos independientes y también le dejó mucho ánimo a los asistentes, que se fueron con un cúmulo genial de emociones.

A 15 años del álbum debut de A Place To Bury Strangers 

El único camino es hacia adelante.

Primer álbum e inicio global son, para la mayoría de los proyectos, un sinónimo convertido en verdad universal. Porque sentir el peso de diez canciones sobre la mirada es un ritual de identidad mucho más profundo y desafiante que cualquier EP previo, porque el acto ceremonioso de encontrar una identidad para entregársela al oído público es duro como nada ni nadie, porque cada amateur, en el sentido más benévolo de la palabra, sueña con ese momento de rompimiento iluminado en el que deja de ser algún sujeto reventando amplificadores en su habitación para volverse el ícono punk del underground que apuñala bocinas frente al rostro de la multitud con quien resuena. Luego llega Oliver Ackermann y despedaza todo lo anterior, arrojando los conceptos de venue, compañía de pedales, sala de ensayos, estancia artística, grabación y producción junto a su jazzmaster blanca partida en dos por los terrenos aéreos del escenario.

A Place To Bury Strangers_2022

Oriundo de Allentown, Pennsylvania, el músico se desarrollaría en un entorno de libertad y melomanía temprana, siendo la explosión de los parlantes en al auto familiar su primer contacto con los sonidos abrasivos, Ackermann seguiría un camino plagado de flashazos al espíritu DIY y altos decibeles que marcarían su carrera hasta el día de hoy. De faltar a clases en favor de una Tascam 4 tracks, a instrumentista en múltiples bandas durante su juventud, a iniciado autodidacta en la modificación y construcción de efectos de guitarra para pagar un viaje Europa con su, en aquel entonces, novia, el estadounidense parecía naturalmente atraído por el ruido más intenso y expresivo que pudiera encontrar. 

Este impulso de sónica latente le llevó a mudarse a Nueva York a inicios del nuevo milenio, cruzando caminos con David Goffan y Tim Gregorio para dar vida a la primera alineación conocida de APTBS en algún punto de 2002. Influenciados por grupos como The Jesus and Mary Chain prendidos fuego al más puro estilo Sonic Youth, el triplete continuaría su carrera con una primera presentación al interior del club Luxx durante 2003, show tras el cual el lineup pasaría a componerse de Jason “Jay Space” Weilmeister y Jonathan "Jono Mofo" Smith, manteniendo a Ackerman como principal compositor y piedra angular de la futura banda más ruidosa de NY.

2006 colocaría el foco de atención sobre los chispazos avant-garde de la nueva oleada indie, recibiendo de brazos abiertos discos como el Return To Cookie Mountain de TV On The Radio o el I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass de Yo La Tengo, abriendo un nuevo nicho para las bandas underground del circuito e interesando al público por los sonidos salidos de ese gran punto rojo dentro de la costa Oeste. Paralelamente, Ackermann y compañía lanzarían tres EPs independientes a lo largo de ese mismo año; Breathe, Missing You y Never Going Down, materiales exploratorios que servirían para dar aire a las inquietudes musicales y comunales del proyecto, quienes se las habían arreglado para manejar un pequeño venue/sala de ensayos/posada dedicado a la partición más incendiaria de la escena neoyorquina, todo bajo el mismo nombre de la (ya instaurada) compañía de pedales del frontman; Death By Audio.

Dando tantas salidas como era posible a cada intención creativa, los shows de la banda crecían en fanáticos e intensidad, difuminando los límites entre concierto DIY y revuelta a pequeña escala, siendo nombrados por el Washington Post como “[...] el acto de shoegaze/garage más ruidoso y audio-pulverizante que escucharás jamás”. Así y tras ganar notoriedad como abridores de The Brian Jonestown Masscre y The Jesus and Mary Chain, el contrato para un primer larga duración caería de las manos de Jon Whitney en representación de Killer Pimp Records, escrito en una servilleta y añadiendo propulsores al proyectil meteórico en el que que se había convertido la agrupación.

El debut homónimo sería bien recibido por la crítica especializada durante 2007, describiéndole como una mezcla única de melodías pop y shoegaze desgarrado como no se había visto en mucho tiempo, celebrando los guiños al sonido drone de los 80’s y la reivindicación del anti-mainstream con muros de sonido, equipo construido en casa y experiencias en vivo cercanas a la adrenalina como únicas armas.

A Place To Bury Strangers A Place To Bury Strangers

A Place To Bury Strangers se uniría a Black Rebel Motorcycle Club para el llamado Holy Fuck Tour, abriendo fechas para los shows en territorio estadounidense de Nine Inch Nails y manufacturando equipo para las bandas más relevantes del momento, viviendo una época dorada como la promesa cumplida del underground norteamericano e instaurando una nueva filosofía en el strum de los acordes cayéndose a pedazos. El punk había mutado para convertirse en un relámpago teledirigido de inventiva y sentido comunal, experimentación como única guía, éxito solo en el propósito del arte apasionado; la revolución encarnada al espíritu de todo músico, inherente a su estado como creador y accesible a todos quienes tuvieran el coraje necesario para seguirle.

“Highlight”, es lo nuevo de Omar Apollo

Un nuevo hit de verano por la promesa del urbano Omar Apollo.

A tan sólo unos meses de haber lanzado su álbum debut y tras el éxito cosechado, Omar Apollo regresa con su nuevo sencillo “Highlight”, coproducido por Manuel Lara, ganador del Grammy (Bad Bunny, Kali Uchis, Rauw Alejandro) y parte de Lara Project, el cual formará parte de la edición de lujo de Ivory (Marfil), disponible el 12 de agosto vía Warner Records.

“Highlight” es una perfecta canción veraniega para bailar y disfrutar en compañía. Con una introducción a cargo de las cuerdas acústicas, le inyecta una vibra romántica y sensual a la canción al mismo tiempo que la interpretación vocal de Omar se destaca con claridad, además de dejarnos ver su habilidad de transitar suavemente entre versos en inglés y español.

Este sencillo, que mezcla ritmos latinos y urbanos, cruza las barreras del idioma y los géneros musicales para probar porque Omar Apollo se va posicionando como uno de los artistas urbanos emergentes con mayor influencia en la actualidad, pues con sólo un álbum ha logrado ser nominado a los Grammys y a los MTV VMA’s por Push Performance of the Year, además de tener un tour por Norte América en puerta.

“Highlight” es una de los 5 canciones inéditas que presentará Omar en su nueva edición de Ivory, además de  "Archetype", “Endlessly”, “Saving all my Love” y “Pretty Boy”. Pre-guarda el álbum y disfruta mientras tanto del nuevo sencillo que pinta para ser otro hit y que seguro te pondrá a bailar.

Escucha “Yen”, la nueva canción de Slipknot

Una canción que explota entre sentimientos y oscuridad.

Slipknot muestra otro adelanto del próximo disco de la banda titulado The End, So Far, que se estrenará el 30 de septiembre a través de Roadrunner Records.

"Yen" es descrita por diversos medios como un espectáculo excepcional del potencial de la banda. Este single sigue con la vibra y el tema del sencillo anterior "The Dying Song (Time To Sing)", un poco de oscuridad y la muerte en ambos temas.

A pesar del parentesco en la lírica, "Yen" presenta voces más puras y limpias, así como un ritmo más lento, al estilo de una balada llena de oscuridad.

Comienza con instrumentación lenta y sencilla que se va construyendo con poco a poco con la voz de Corey Taylor, hasta que llega un punto en el que explota en el coro y todo se hace más potente.

Es una canción con una letra desgarradora y llena de sentimientos que en cualquier momento nos puede hacer llorar, preguntarnos por qué el amor a veces duele tanto y querer explotar de sentimientos al escucharla.

"Yen" es el segundo adelanto del disco The End, So Far. Hasta ahora solo conocemos dos canciones de las 12 que contendrá el álbum.

Dale play a "Yen":

Álvaro Díaz estrena su canción, “Ramona Flowers”

Sí, sí está inspirada en el personaje interpretado por Mary Elizabeth Winstead de la película Scott Pilgrim vs The World.

Aún sin una fecha prevista para el lanzamiento de su nuevo álbum, Álvaro Díaz decidió sacar "Ramona Flowers", su nueva canción para la cual el rapero tomó inspiración de la trama de la película Scott Pilgrim vs The WorldEste nuevo tema es mas cercano al pop que a los ritmos urbanos que maneja a la perfección Álvaro Díaz, podemos escuchar elementos sonoros que parecen sacados de las arcades o "maquinitas" de los 80 combinados con sintetizadores que otorgan una atmósfera peculiar a la canción.

Álvaro-Díaz-RamonaFlowers_2022

La letra es bastante clara y hace referencias a cosas de la cultura popular como la relación de Tommy Lee con Pamela Anderson, la canción "Como La Flor" de SelenaCruella De Vil y más símiles que fácilmente podrás identificar. Respecto a la letra, Álvaro Díaz explica lo siguiente en un comunicado.

La canción trata sobre una chica que te está mintiendo y ella jura que no lo sabes, pero estas consciente…se lo sacas en cara, pero tu corazón está envuelto. Es una pista divertida. Quería hacer algo diferente dentro de los sonidos monótonos que hacen los demás porque eso es lo que hace que mi proyecto sea único. La canción definitivamente establece el tono de mi próximo álbum".

Por acá te dejamos el video oficial que estuvo a cargo de Juanchi González en el que, al igual que Scott PilgrimDíaz se mete en problemas por una chica y termina siendo golpeado por varios sujetos.

“Wage Slave”, lo nuevo de Kakkmaddafakka

En este nuevo tema, su tecladista se apodera del micrófono sin miedo a expresarse.

Kakkmaddafakka estrena “Wage Slave”, el cuarto adelanto de su nuevo álbum Revelation, en el que tras siete años como tecladista, Sebastian Emin Kittelsen, sorprende a sus fans y apodera del micrófono para cantar a lo alto sin escatimar en expresar sus sentimientos, añadiendo algunas palabras altisonantes a lo largo del tema.

Un tema de indie alternativo de poco más de 3 minutos, con toques optimistas, cuyo ritmo pegajoso te atrapará desde el primer momento en que le des play, el sonido de un pandero a lo lejos, las guitarras eléctricas en conjunto con el sonido de las acústicas y demás instrumentos, crean una atmósfera liberadora para sus escuchas.

Y es que, además de su sonido, “Wage Slave” ronda un tema del que mucha gente podría llegar a sentirse identificada, contando la historia de un trabajador harto de las malas condiciones laborales y bajos salarios.

WageSlave-Kakkmaddafakka

El estreno de Revelation, está previsto para este septiembre. Previo a su lanzamiento, la banda originaria de Bergen, Noruega, estará ofreciendo algunos shows en festivales. 

Su nuevo álbum es la continuación de Diplomacy de 2019, donde ya se incluía un sonido mucho más electrónico que Hus de 2017.

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