A 20 años de 'Light & Magic' de Ladytron

Posted on septiembre 17, 2022 by -

Cuando el pasado y el futuro se encontraron.

El 17 de septiembre de 2002 vio la luz Light & Magic, el segundo álbum de estudio de Ladytron, la banda originaria de Liverpool que, con tan solo tres años de haberse formado, se situaba como una de las revelaciones de la música pop global, con un sonido fuertemente influenciado por el synth pop y el new wave ochentero de bandas como Kraftwerk, Depeche Mode, Human League, Stereolab, entre otras.

Apenas un año antes, en 2001, había sido lanzado su álbum debut, 604, bajo el sello Emperor Norton Records, del cual se desprendieron singles como “Playgirl” y “He took her to a movie”, un disco que dejó ver la importancia que tendría en sus futuros trabajos el uso de los sintetizadores, los cuales llevarían al siguiente nivel en Light & Magic, en una avalancha sónica de melodías, atmosferas y texturas oscuras, frías y mecánicas.

Si bien, en Reino Unido el techno, el house y el jungle eran tendencia a principios de la década de los dos miles, la banda conformada por Helen Marnie, Mira Aroyo, Daniel Hunt y Reuben Wu se mantuvieron fieles en los límites del rock y la electrónica, formato que hoy en día es utilizado por cientos de agrupaciones en todo el mundo.

El éxito de Light & Magic fue inmediato, el popular sitio web Drowned in Sound lo situó en el lugar 14 de su top 41 de los mejores álbumes del año. Por su parte, Rolling Stone lo incluyó en su lista de los 50 mejores discos de 2002. La extinta revista Muzik, especializada en electrónica, lo consideró el mejor álbum de electropop de ese año. NME le otorgó el puesto número 41 de su lista de los mejores álbumes de 2002. Del álbum se desprendieron los sencillos “Blue Jeans”, “Evil” y el que sin duda es hasta el día de hoy su más grande hit: “Seventeen”.

Light & Magic fue grabado en Los Ángeles y en Liverpool, producido por Daniel Hunt y mezclado por Mickey Fitzpatrick, la dirección de arte corrió a cargo de Big Active y de los propios Ladytron.

PortadaLadytron

La discografía de la banda está conformada por un total de seis álbumes de estudio, sin embargo, Light & Magic es un disco que desde su lanzamiento ha seguido presente de una u otra forma en estos 20 años: siendo reeditado en dos ocasiones (en 2004 y 2011); se han lanzado versiones remix de productores como Soulwax, Josh Wink, Darren Emerson y Justin Robertson; recientemente, “Seventeen” se volvió tendencia en TikTok; y a manera de conmemoración por el 20 aniversario del álbum, el próximo 17 de septiembre será lanzada una reedición especial de Light & Magic con material inédito incluido.

Con su exitoso segundo LP, Ladytron no descubrió el hilo negro de nada, pero tampoco fue que se montaran en tendencia alguna porque al comienzo del segundo milenio las bandas que utilizaban sintetizadores como base de su propuesta, eran contadas. El cuarteto de Liverpool desde un principio se ha mantenido fiel a un sonido que retoma lo mejor de la década de los 80s, y que, irónicamente hoy, se ha vuelto común incluir instrumentación electrónica en gran cantidad de géneros musicales, sobre todo en el rock, desde su vertiente más pop, hasta la más oscura, algo que Ladytron ya había hecho dos décadas atrás, con temas atemporales que igual suenan a 1984 o a 2022.

Entrevista con Jessie Reyez

Posted on septiembre 16, 2022 by -

La poderosa fuerza del amor propio.

En el videoclip de “Mutual Friends”, la expresión de Jessie Reyez al mirar a la cámara y cantar "If you die tomorrow, I don’t think I’d cry…” transmite seguridad y libertad. La interpretación es desgarradora y los versos son una vía de expresión para el dolor. En el metraje no solo conviven ambos sentimientos, sino también la fuerza imparable del amor propio. 

"Las letras de Jessie son muy honestas y fáciles de entender para cualquiera que ha estado con alguien y sufrido algún tipo de abuso", escribe una de las fans de la artista en los comentarios del video. 

Y es precisamente dicha cualidad la que ha guiado la carrera profesional de Reyez. "Yo siempre he sido muy honesta en mis canciones y cuando escribo la lírica estoy hablando de mi vida", comenta la cantautora en entrevista para Indie Rocks!. 

Jessie Reyez nació en Canadá, pero lleva a Colombia hasta la raíz. En 2017 publicó Kiddo, un EP que destaca su capacidad vocal y poética. Un año después, su disco Being Human In Public fue nominado al premio Grammy en la categoría de "Mejor álbum urbano contemporáneo". De ahí en adelante: colaboraciones, conciertos, giras, sueños hechos realidad.  

He crecido como persona y quería seguir en ese proceso de ser honesta con lo que estoy pasando y ser honesta cuando estoy hablando de la vida mía. También quería, por ejemplo, llegar a un lugar más íntimo. Estoy sanando unas cosas del pasado, working on trauma, working on self feeling", asegura. 

Su nuevo disco se llama YESSIE y es publicado a través de lo sellos FMLY / Island Records. La compositora comenta que el objetivo es captar el momento de autorreflexión en el que se encuentra. Además, señala que originalmente el título era SELF.

"Estaba buscando desarrollarme más como persona y sanarme yo misma, así que pensé: '¿cómo puedo hacerlo para que sea nomás pa’ mí y no tan general?', porque la verdad es que yo no hago canciones pa’ otra gente, yo lo hago porque es algo que me nace a mí. 

[El álbum] es algo que yo quería hacer más por myself y en vez de ese título quedó mejor Yessie, porque así me dice mi familia, así me decía mi ex, así me dicen my best friends, es algo más íntimo, you know…". 

Inmerso en tal intimidad, el disco está conformado por once canciones que incluyen R&B, pop, hip hop y, por supuesto, vallenato colombiano. Los temas abarcan sus memorias de vida, estados de ánimo, rupturas amorosas, desapegos emocionales y sensualidad. De acuerdo con la cantante, su proceso de composición no ha cambiado, pero sí su forma de ver la vida. 

"Hice una entrevista más temprano y me dijeron que se oye que he crecido mucho porque antes yo me identificaba con la idea de 'tóxica', y aunque hay canciones que tienen esa energía de dolor, despecho y de trauma y todo eso, también yo sé que tengo otras que hablan más como de self love, you know, del amor para uno mismo, de crecer y de estar más presente", comenta.  

Jessie comparte que aún está sanando y trabajando en vivir su día a día sin aferrarse al pasado. Según cuenta, uno de los libros que más la han ayudado es El Poder del Ahora de Eckhart Tolle. Además, agrega que el encierro por la pandemia la motivó a enfrentar emociones intensas que en otra situación hubiera evadido. En marzo de 2020, ella se encontraba de gira y recuerda: "Todo paró en seco". 

En ese momento, si tenía muchas cosas que estaba pensando o muchos problemas o si tenía el corazón roto o algo así, yo me distraía con mi trabajo. Cuando todo paró, no tenía más que verme a mí misma, cuatro paredes y ya. No tenía el acelere de estar ocupada. That 's why the album is so reflective porque por primera vez en mi vida yo dije: 'Caramba, tengo que acomodar esto que tengo en el pecho porque no está bueno'". 

Jessie Reyez_2022

*Foto cortesía de la artista. Tomada por John Jay.

Los caminos de la vida.

Nunca son como uno espera. Son confusos, diversos, sorprendentes. Los caminos de la vida a veces son fascinantes y convergen para crear agradables encrucijadas. En el caso de la carrera profesional de Jessie Reyez, su caminar la ha llevado a colaborar con Eminem, escribir canciones para Calvin Harris y Dua Lipa, así como abrir la gira Happier Than Ever de Billie Eilish. Ella sabe que dar y pedir ayuda es fundamental y aún más en la industria musical. 

De tal forma, el sample del famoso vallenato "Los Caminos de la Vida", incluido en la pista que abre su álbum, es el ejemplo perfecto de cómo el apoyo mutuo puede superar barreras. De hecho, la artista comparte una anécdota sobre la creación de "Mood":  

La fecha de entrega del disco se aproximaba y la persona encargada de obtener los permisos legales para usar el sample creía que era imposible, sin embargo, Jessie no se dio por vencida. 

Ella estaba segura de que era esencial incluir el coro en su tema. "Esa canción, al igual que usted, me pone a llorar algunas veces porque me llega al corazón. Habla de la vida y de que no es lo que uno espera, pero uno tiene la opción de quedarse allí sufriendo o uno sigue pa’delante, habla de que uno tiene que seguir caminando”.  

La cosa más berraca era que teníamos que terminar el álbum el día que se suponía lo dábamos a la disquera. Me llamó mi empresario y el legal y nos dijo que no nos había podido conseguir la aprobación del sample.

Me decían: 'que no hemos podido, que nadie contesta, que no se qué, necesitamos hablar de la posibilidad de que el sample no podrá vivir en la canción o regrabar la canción o la tendrás que cantar vos' y un montón de cosas. Pero yo estaba como: 'No. Vamos a poder, va a pasar'. Y ellos: 'No, pero Jessie, la vas a volver a cantar'. Y yo de: 'No. La vamos a poder sacar, vamos a encontrar una solución'. 

Me puse a echarle cabeza y dije: '¿cómo vamos a hacer esto?'. Y un día… ¡yo no sé por qué esperamos tanto!, pero sería porque estábamos prendidos de las ánimas que algo iba a pasar o que alguien nos contestaría para poder acabar eso. Pero bueno, yo echándole cabeza, echándole cabeza y ver cómo íbamos a sacar eso. 

Y se me ocurrió que yo tengo un amigo, that fricken legend que es capaz de mover montañas. Entonces, le dije a mi equipo: '¿por qué no le preguntamos a Carlos Vives? A ver si por las moscas él puede hablar por ahí para ver si somos capaces'. Y fue por él que aprobaron el sample. Nos faltaban horas… 

"Yo estaba tan preocupada, pero no lo dejaba ver porque todo el mundo estaba como 'to pull it out, to pull it out', y yo así como de 'no, no, we're gonna figure it out, we're gonna figure it out’. El equipo de él nos ayudó mucho y ya en unas horitas movieron esa montaña y por eso sobrevivió la canción".  

"Mood" está ligada a la historia familiar de Jessie Reyez. Su madre y padre son colombianos, así que al preguntarle sobre su decisión de incluir este género musical autóctono, Reyez no titubea ni un momento y su respuesta es firme: "Es algo que llevo en la sangre, está conectado a mis raíces". 

[La canción] es un historic, un secreto en plena vista que le va a pegar a quién le tenga que pegar, porque hay mucha gente que no habla español, hay mucha gente que no conoce esa música y no le va a llegar así como al latino que ya conoce la canción, que tiene memoria, que tiene raíces". 

El amor es un tema recurrente en la música de Jessie. Sin embargo, esta vez ella describe el arco narrativo de su proyecto como un camino con dos polos opuestos: uno cercano al apego emocional por otras personas y otro al amor propio. "Viví mucho tiempo en este lado, en el lado del despecho, del dolor y de identificarme con la 'tóxica'. Estoy creciendo y tratando de analizar y mejorar cosas de mi carácter, de mi personalidad, de mi conciencia, de todo, pero como viví tanto tiempo en ese lado cuando ya caí en cuenta dije: 'me tengo que poner pilas, tengo que quererme yo misma porque si no me quiero yo, ¿quién me va a querer?'. Entonces pegué para este otro lado”. 

En ese ir y venir, Reyez se dio cuenta de que lo fundamental es tener un equilibrio con el cual pueda amarse a ella misma sin descuidar la relación con su familia, amigos o pareja. Es así como su viaje de autodescubrimiento está plasmado desde la primera hasta la última canción del álbum. Por ejemplo, "Mood" reafirma quién es y "Adios" despide experiencias del pasado con una sensación liberadora y de sanación. 

Uno la puede cagar mucho también si se pega para ese lado y se vuelve egoísta, to self center. En ninguno de ambos lados está la respuesta, uno tiene que estar en el medio, encontrando un  balance”.  

Yessie-JessieReyez

*Portada del álbum YESSIE. Cortesía de la artista.

La importancia de decir “no”.

"Uno aprende que es 'no' es una frase entera”, responde contundentemente la compositora al preguntarle sobre las decisiones que toma con sus equipos creativos y de producción. "Uno le enseña a la gente cómo tratarlo a uno. Si uno se deja, la gente lo va a tratar como quiera". En ese sentido, Jessie Reyez dice estar muy contenta de colaborar con productores como Ryan "Rykeyz" Williamson, que aportan un espacio seguro y de confianza. 

Mi verdad es mi verdad y si lo tengo que hacer 100 veces para que salga bien, lo vamos a hacer. Después, uno tiene la opción de por lo menos pedir uno, dos o tres o cientos de tomas y distinguir cuál es la mejor en lugar de estar aferrada al first take. 

También es decirle a los productores y a la gente que está colaborando conmigo que tienen que estar preparados para esa energía y para esa posibilidad, porque hay gente que se mete en el ego y se ofende si uno le dice 'yo sé que ya hicimos la canción, pero la música no me está pegando, qué pena, tenemos que empezar de nuevo, yo quiero mantener la lírica así'. 

'Hay gente que se ofende, pero si es así, ahí está como la red flag de que esa persona no es alguien con quien yo quiero colaborar, porque yo quiero a alguien que no le tenga miedo a volver a empezar y probar de todo. Vale la pena levantar todas las piedras para estar segura, y si eso tiene que ver con hacer five more sessions to make sure that’s the right thing eso es lo que voy a hacer".  

Finalmente, Jessie comparte un consejo para todas las mujeres que deseen dedicarse a la música: "Estar conscientes de que a nosotras nos juzgan con otras rules, entonces para nosotras en más difícil, pero uno le enseña a la gente cómo tratarlo a uno. En la forma en cómo caminas: con respeto, con seguridad. 

La gente lee la energía, eso se siente y mucha de la comunicación que uno tiene todos los días es physical y a veces tiene que ver con pararse derecho o encorvado. Uno tiene que estar seguro, eye contact, cositas chiquitas que cambian la interacción con alguien". 

En general, a artistas y a todas las personas les recomienda: 

No tengan miedo a cagarla, porque muchas veces uno no hace las cosas por miedo o porque se está diciendo 'no' uno mismo antes de la oportunidad. Hay un dicho que dice: ‘Deje que otra gente le diga a usted que 'no'; no la vocecita que está dentro de su cabeza porque if you tell yourself ‘no’, usted misma se está cagando todas las oportunidades que Diosito le ha dado".  

"Mantenerse positivo y no tener miedo. Una de las cosas que yo he notado y que es algo muy común en la gente que ha podido lograr metas y hacer lo que ellos han querido hacer toda la vida, es no perder el entusiasmo después de cada derrota porque por eso la gente no llega. Se cae una vez y no llegó lo que estaban tratando... dos veces, no le llegó, tres veces, no le llegó. 

Uno pierde cuando uno deja de tratar. You have to keep going porque algunas veces toca haberla cagado 99 veces para que llegue el día que por fin se logre. So don’t give up, and it’s just a cliché, pero es la verdad", concluye.  

YESSIE estará disponible en todas las plataformas de música a partir del 16 de septiembre. Recuerda seguir a Jessie Reyez en redes sociales y si te gusta su trabajo, compártelo con tus amistades. 

B. B. King: El rey que encontró belleza en la pena

Posted on septiembre 16, 2022 by -

“El blues es dolor, pero es un dolor que trae dicha”, B. B. King.

43 años y un sinnúmero de situaciones habían pasado en la vida de Riley King cuando descendió de su camión –santuario que desde 1951 lo llevó sin tregua a recorrer Estados Unidos batiendo la marca de las 300 presentaciones en un año– para presentarse en el Fillmore Auditorium de San Francisco el 6 de junio de 1968. Comenzó su carrera pronto y a los 23 años ya había logrado una primera grabación.

Esa noche no sería sorpresiva, había visitado el Fillmore antes, pero inusualmente en la entrada del lugar se advertía el rostro de un publico que no estaba acostumbrado a observar en sus conciertos: jóvenes de tez clara con cabello largo y dorado, hippies. El espacio estaba a su máxima capacidad y por un momento, antes de recorrer el conocido pasillo que lo llevaría a su camerino, King pensó: ¿Sería posible que el empresario (Bill Graham) los hubiese mandado al venue equivocado?

La realidad era que toda esa audiencia –para la que nunca había tocado–, estaba ahí en busca de su legendaria figura que sin saberlo se había convertido en el ideal de toda una generación de músicos que crecieron obsesionados con su manera de tocar la guitarra entre ellos Jagger, Clapton, Hendrix y Lennon, los nuevos ídolos del rock and roll que no paraban de nombrarlo.

Más nervioso que lo acostumbrado (porque a pesar de haber pisado tantos escenarios cada noche, la inquietud perfeccionista lo visitaba como parte del ritual de esa vida que había elegido), supo que necesitaría –como pocas veces– un trago de whisky. En ocasiones una acción aparentemente sencilla puede significar un vuelco inesperado, y en este caso bastaron las pocas palabras que Graham enunció para inaugurar velada: “Señoras y Señores, con ustedes el presidente de la mesa directiva, B. B. King”.

Acto seguido una multitud de palmas batientes se puso de pie, y en medio de una avasalladora ovación B. B. –el hombre que una vez fue un infante que pizcaba algodón en las plantaciones del Mississippi– rompió en llanto. Era real, tras más de dos décadas de consagrarse al blues –al fin– todo había comenzado.

Riley y la historia de cómo decidió embellecer su pena cantando.

El 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación situada cerca del poblado de Itta Bena, un joven de 18 años llamado Albert y su esposa Nora Ella King recibieron a su primer hijo (se dice que un vecino corrió al pueblo para tratar de conseguir una partera que llegó tarde al nacimiento).

El pequeño Riley B. King –llamado así en honor al hermano de su padre– nació en medio de La Gran Depresión y su legado de hambre y racismo. A los cuatro años de su llegada, Nora encontró el amor en otro hombre y ella y su único hijo abandonaron lo que una vez fue su hogar para construir una historia distinta, en cuya trama Riley pasaba sus días entre la casa materna y la de su abuela Eleanor Farr.

A los siete años ya le eran familiares las largas jornadas en las plantaciones en donde comenzó a escuchar y enamorarse del sonido de los obreros que entretenían al sol y a la pobreza cantando su pena. Algunos días su abuela lo llevaba a casa de la tía Mima, una amante de la música que tras besarlo fastidiosamente –como todos los niños entienden el cariño desmedido de los adultos– lo dejaba escuchar el blues de Blind Lemon Jefferson y Lonnie Johnson, su profunda emoción, el sentimiento mezclado de pena y esperanza. En ese punto King apenas era solo un espectador al que le aguardaba un camino que comenzó –como muchos– en la iglesia.

El ministro Archie Fair fue su primera gran inspiración, adoraba verlo en medio de la celebración religiosa con su guitarra eléctrica esparciendo la palabra divina, cantando gospel iluminando a su congregación. Fue él quien le enseñó sus primeros acordes.

Su madre murió antes de que cumpliera diez años y con su padre ausente, Eleanor se convirtió en el centro de su vida. En 1937, tras recibir un préstamo del capataz de la plantación en la que trabajaba compró su primera guitarra por menos de tres dólares. En poco tiempo se vio tocando la guitarra en las calles en su día libre, actividad que resultó más productiva que la pizca. Tres años más tarde su abuela también se despidió del mundo.

Sin nadie a quien recurrir, King decidió valerse por sí mismo y a su corta edad siguió trabajando en los campos de algodón, habitando la pequeña cabaña que compartía con Eleanor. Las cosas no fueron bien y a regañadientes tuvo que ir a vivir con la familia de su padre, situación que solo duró un par de años.

A finales de 1942 se mudó a Indianola, Mississippi y tan solo un mes después de haber llegado la balanza comenzó a inclinarse a su favor: un nuevo trabajo donde manejaba un tractor, una novia, y un grupo llamado The Famous St. John's Gospel Singers.

En 1944, a los 19 años desposó a su primera esposa Martha Denton, y una noche, tras chocar el tractor de su jefe, partió de Indianola hacía Memphis con dos dólares en su bolsillo atendiendo al llamado de aquello que hervía en su sangre: la llamada música del diablo. En 1946 su primo el famoso cantante de blues Bukka White lo tomó bajo su tutela durante 10 meses, enseñándole aquello que debía saber para iniciar su camino.

Podría decirse que ese fue el momento que formalizó su incansable romance con los escenarios, desarrollando su inigualable estilo para tocar la guitarra, suerte que alternaba con una voz que pasaba del croner al aullido. Su primer éxito fue cosechado en 1952 cuando lanzó un dramático arreglo del tema “Three O’Clock Blues”, mismo que encabezó las listas de popularidad durante quince semanas, y al que le siguió otra liste de éxitos como “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Ten Long Years”, y “Sweet Sixteen”.

Una vez echado a andar el mecanismo nunca se detuvo, y el rey se dedicó a recorrer los caminos, tocando en cada rincón fuera posible y desarrollando un estilo que además de ser innovador, se enraizaba profundamente en la historia del blues.

En 1956 tocaba alrededor de 342 conciertos por año. ¡342 conciertos! Evidentemente nunca estaba en casa y esa fue la razón de su primer divorcio. En 1958 con una carrera sólida y reconocida se casó de nuevo. Sue Hall, su segunda compañera tampoco pudo resistir la soledad y una vez más, la idea del amor convencional se volvió insostenible, se divorciaron en 1966.

En medio de la desilusión las cosas comenzaron a agarrar su curso, y el lanzamiento de Live at the Regal (1965) lo acercó a los oídos de la juventud, comenzando a erigir la icónica figura en la que se convertiría.

43 años y las puertas se abrían de golpe. Después de esa noche en San Francisco la vida del "Rey del Blues" no volvió a ser la misma –bueno, al menos en cuanto a lo que a la fama concierne–, tras esa noche su audiencia no tuvo un color definitivo, y todo mundo sin distinción pudo leer su tristeza en la suya.

La historia de Lucille.

Cuando la voz del rey calla, Lucille retoma el hilo y a través de sus dedos teje palabras/melodías que sin articular nada de forma concreta, logran decirlo todo. Lucille es su Gibson de cuerpo duro.

La historia de su nombre se remonta a esos años cuando B. B. King recién comenzaba: Una de tantas noches, una pelea entre dos hombres terminó incendiando el lugar donde daba su concierto. Todos salieron sin demora, sin embargo una vez fuera de todo peligro, B. B. se dio cuenta que había abandonado su guitarra a merced de las llamas, y sin dudarlo, entró por ella en una acción kamikaze que por poco le cuesta la vida. Días más tarde supo que la pelea entre los dos hombres había sido provocada por el amor de una mujer, Lucille.

Su propio lenguaje.

El "Rey del Blues" nunca tocó acordes, tampoco era bueno en el slide, así es que tuvo que esforzarse el doble, y en su terquedad dio con aquello que lo volvió único: Ese sonido aterciopelado que nota a nota construía solos impecables de ojos cerrados, vibrando las cuerdas con fuerza, haciendo que cada sonido contara.

Otra cosa que lo distinguió del resto de sus contemporáneos fue quizá la elección de incorporar metales en sus presentaciones en vivo (dándole al blues un toque de jazz) al contrario del estilo del blues de Chicago, cuyo sonido se hacía acompañar por el slide guitar o la armónica.

Los setenta iniciaron y a partir de ellos, la historia de King sumó cada vez más logros: Reconocimientos a nivel musical, recorridos por el mundo, colaboraciones con distintos músicos, mas de 65 años compartiendo su legado. Ni siquiera la diabetes pudo detenerlo, y a pesar de que tuvo que disminuir su intenso movimiento siguió actuando hasta el 2015.

En sus últimos años –con más de 80– tocaba sentado con Lucille en su regazo shows de dos horas que se prolongaban tras encender las luces con un rey que tenía tiempo para charlar con todo aquel que quisiera aproximarse, y es que siempre estuvo agradecido de aquellos que lo seguían.

Partió mientras dormía un 14 de mayo de 2015 y en el mundo quedó un hueco que pensamos que nunca existiría ya que nos gusta creer que nuestros héroes son inmortales. Si hacemos una pausa y vemos más allá de su grandiosa producción musical, su vida cruzó por algunos grandes altibajos de la historia.

Cuando era muy pequeño presenció cómo colgaban a un joven negro de un árbol bajo una justificación absurda; fue víctima de la segregación, pero también pudo verla desaparecer; dio uno de sus últimos conciertos para el primer presidente de color en la historia de su país; desafió su propio destino de pobreza; siguió aprendiendo implacable hasta el último momento... ¿Cuántas cosas no habrá visto en su andar por el mundo?

“Desde mi niñez, he tenido problemas tratando de abrirme.
Por favor, ábranme. ¡Miren adentro! Porque yo no puedo, no sé como”, B. B. King (1925-2015)

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Posted on septiembre 16, 2022 by -

Disfruta tu día libre con las mejores canciones que llegaron en la semana.

Seguramente ayer te aventaste todo el repertorio musical mexicano que existe desde tiempos inmemorables, así que hoy es un buen día para variarle un poquito y dejarte llevar por los sonidos distintos que invadieron esta semana. Desde el poderoso combo en el que METZ invitó a participar a Joe Talbot (IDLES), hasta el encanto y delicadeza de Weyes Blood, dale play a las recomendaciones que Indie Rocks! tiene para ti en este día libre de estrés.

Recuerda que estos y más estrenos están disponibles en una playlist que creamos única y exclusivamente para ti, así que síguela dando clic aquí y escúchala en aleatorio para que cada track sea una experiencia de otro mundo. ¿Ya nos sigues en nuestras redes sociales? Corre a hacerlo para que siempre tengas noticias frescas en tu feed.

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Kings of Leon presenta su colección de whisky, 'Kiamichi'

Posted on septiembre 15, 2022 by -

Se llevará a cabo durante el Festival Bourbon And Beyond.

La banda de rock alternativo, Kings of Leon está de estreno, pero esta vez no es un nuevo single, sino un whisky de edición limitada que será presentado durante el Festival Bourbon and Beyond que encabezará la propia agrupación. 

Bajo el nombre de Kiamichi, el whisky fue producido en colaboración con Willett Distillery, con sede en Bardstown. Estará dividido en tres productos donde incluirán bebidas de cinco y ocho años, también un bourbon de 19 años que además tiene una historia interesante para las familias Followill y Kulsveen (propietarios de la destilera) debido a que el álbum Youth and Young Manhood, cumplió 19 años este año, mientras que el maestro destilador de Willett, Drew Kulsveen, también se unió al negocio familiar en 2003.

El nombre del whisky, proviene de un río ubicado al sureste Oklahoma, donde los integrantes de Kings of Leon compartían en reuniones familiares anuales.

Después de su presentación en este festival, Kings of Leon, hará algunas presentaciones en Nueva Zelanda y Australia, también encabezará el Festival Wonderfront en noviembre.

ONErpm Academy: Una semana llena de conocimiento musical

Posted on septiembre 15, 2022 by -

Expertos de todos los rincones del mundo se reunirán para informar y empoderar a los artistas a través de varias actividades virtuales.

ONErpm es una empresa de música que ofrece un conjunto completo de servicios que incluye soporte de marketing, herramientas de cadena de suministro, inteligencia comercial, editorial, contabilidad y soluciones de pago global para ayudar a los creadores y propietarios de contenido a tener éxito.

Por cuarto año consecutivo, el evento producido por ONErpm, la Semana ONErpm, regresa bajo el concepto llamado ONErpm Academy: donde la educación, la música y los fans son el principal foco de las actividades virtuales.

ONErpm Academy es un espacio para todos los que son parte de la industria musical, para compartir y aprender sobre las nuevas tendencias dentro del ámbito musical y del entretenimiento de la mano de expertos. ONErpm Academy es un evento global en inglés, portugués y español.

En esta edición se brindarán alrededor de 27 sesiones, con 46 panelistas, showcases y más de 18 horas de contenido. La transmisión completa será del 14 al 29 de septiembre, donde participarán plataformas, aliados, artistas y músicos de todo el mundo, por ejemplo:Leila Cobo, Juliana (ganadora del Grammy Latino 2021 como ¨Mejor Nueva Artista¨), Charles Ans, por mencionar algunos.

El evento transmitirá de forma gratuita talleres y conversaciones sobre marketing, tecnología, todo enfocado a la industria musical. Las inscripciones y el calendario ya se encuentran disponibles.

Indy Yelich (hermana de Lorde) estrena “Threads”

Posted on septiembre 15, 2022 by -

El nuevo tema es una bomba de sentimentalismo.

Indy Yelich O'Connor es la hermana menor de la cantautora Lorde, y hace algunos días nos compartió un poco de lo que será su primer sencillo a través de su cuenta de Instagram, avisándonos que llegará pronto en su versión de estudio, titulando este material con el nombre de “Threads”.

En el video que se muestra, se puede ver a la joven de 23 años frente a un piano interpretando la canción, a lo que suena como si se tratara de una balada que líricamente expresa una el miedo a que alguien a quien quieres te deje.

 

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Pero hoy, 15 de septiembre, Indy liberó por completo el nuevo tema, y aunque ella misma menciona que el álbum aún no está próximo a llegar, sorprende con el resultado. Te amo igual, pero tengo miedo de que me dejes // Arrancar los hilos que tejimos juntos, y me asusta, es algo de lo que se puede escuchar a lo largo de los casi cuatro minutos de "Threads", así que no lo pienses más y dale play a la nueva canción:

 

Las rimas obscenas y provocativas de Boyfriend

Posted on septiembre 15, 2022 by -

Subversiva y radical, así ha sido descrita la propuesta musical del proyecto originario de Nueva Orleans.

El sexismo, el body positive y los roles género en el contexto actual, son algunos de los temas que Boyfriend abarca. Sus letras, extravagantes y vertiginosas, nos confrontan con la realidad de una manera radical. Desde su debut en 2012, el proyecto ha llamado la atención, no solo en su lírica, el sonido de Boyfriend deambula por géneros como el rap, el trap, el pop y la electrónica con una intensidad que de inmediato agita a quien lo escucha.

Su carrera musical se compone de una larga serie de sencillos y EPs en los cuales, ha contado con colaboraciones como Big Freedia, el colectivo artístico feminista Pussy Riot, Pyra, entre otros. Con el reciente estreno de su álbum, Sugar & Spice, Boyfriend ha logrado consolidar su sonido en colectivo y colocarlo en las manifestaciones musicales de la actualidad.

Su nuevo álbum no es solo una apuesta por su propio sonido, también por navegar entre la diversidad de la escena contemporánea. Sugar & Spice cuenta con la colaboración de artistas como Death Valley Girls, la TikTok star Bailey Flores, por mencionar a algunos.

Recientemente, Boyfriend estrenó el video de su tema “There’s a Place” junto a Death Valley Girls. En él, podemos atestiguar un día mágico en un parque temático que termina en un incendiario performance.

Mira:

Déjate llevar por los cielos con Friday Pilots Club

Posted on septiembre 15, 2022 by -

La agrupación Friday Pilots Club nos comparte su nuevo sencillo “Never Say No”.

La banda proveniente de Chicago, Friday Pilots Club, es un proyecto que inició su carrera desde 2017, lanzando sencillos como “End of it”, “Bad As Hell” y “Would You Mind”, con los cuales poco a poco fueron ganando reconocimiento entre el público amante de la música alternativa.

La agrupación está conformada por Caleb Hiltunen (cantante principal), Drew Polovick (bajista), Eric Doar (baterista), Sean Burke (guitarrista) y James Kourafas (guitarrista), y actualmente se encuentra en un año con mucha actividad, ya que han estrenado los sencillos “Hot Mess” y “Better With”, y el día de hoy se suma un nuevo sencillo titulado “Never Say No”, que cumple con momentos de calma y momentos fuertes, con guitarras cargadas y una batería con platillos crocantes.

 

Estos sencillos que se han presentado en lo que va del año, serán parte de su EP I LOVE YOU, ROBOT SUPERSTAR que esta tentativamente programado para salir a finales del mes de octubre, prometiendo ser una compilación de canciones que conectara con el público y que busca atraer a nuevos escuchas.

Además de liberar “Never Say No” en plataformas digitales, no comparten el Lyric Video producido por Ryan Portino, así que ve a checarlo y deja atraparte por este sonido, que no puede faltar en tus listas de reproducción.

Sila Lua, la noche como punto de encuentro

Posted on septiembre 15, 2022 by -

Sila Lua te magnetizará hasta el fin de las sombras nocturnas.

La oscuridad es un concepto alrededor del cual se han hecho mil y una abstracciones. Y es que el misterio, que se gesta entre sus ventrículos, el caminar a tientas, la incertidumbre y la intimidad: todo lo que emana resulta una amplia fuente de inspiración. Sila Lua, artista gallega radicada en Madrid, conoce muy bien lo que la noche puede ofrecer, y a través de su nuevo sencillo “Viaje Al Fin De La Noche”, ha decidido darle voz a la confidencialidad entre dos cuerpos que se encuentran en las entrañas de su propia oscuridad. 

Con un EP publicado bajo el nombre de Vía, sumado al lanzamiento de sus canciones “Nada”, “La Mano”, “The Black Door”, “Iris”, “Dímelo”, “Tanta Vida”, “Eres para Mí” (cover de Julieta Venegas) y “Patrón”, la artista y productora ha estado trabajando en la búsqueda de su propio sonido desde 2017, situándose en el limbo entre la música urbana de habla hispana y la electrónica experimental europea, aunque al mismo tiempo fluyendo y transitando entre diversos géneros, resultado de sus años viviendo y estudiando producción musical en Londres. 

“Viaje Al Fin De La Noche” da testimonio y seguimiento de su búsqueda artística, transportando la esencia sonora de Lua a una base de reggaeton fusionada con atmósferas vocales y arreglos musicales engendrados desde la oscuridad. No por nada es que la artista ha sido descrita por distintos medios como la “diva marciana del nuevo pop oscuro europeo”. Su propuesta musical está perfectamente calibrada con la elegancia de sus líricas contundentes y la producción caracterizada por la atención microscópica a cada detalle que compone cada uno de sus tracks. 

Esta más reciente pieza se desprende del álbum debut de la artista titulado ROMPE, el cual está vertebrado por las diversas abstracciones en torno al mar y la cultura marina, y se estrenará este 4 de noviembre a través de la distribuidora de Altafonte. Disfruta del proyecto de Sila Lua y conecta con ella por medio de su Instagram y Twitter.