Tim Burgess — Typical Music

La fiesta de sonidos de Tim Burgess.

El prolífico cantautor y también vocalista de The Charlatans, Tim Burgess, nos presenta su sexto álbum como solista, Typical Music, a través del sello Bella Union. Luego de que su material anterior, I Love the New Sky (2020), tuviera un lanzamiento atípico y una promoción interrumpida abruptamente por el cierre mundial causado por la pandemia, el oriundo de Northwich decide regresar con lo que, al momento, puede ser su disco más ambicioso.

Con 22 canciones y casi 90 minutos de duración, este álbum doble es el retrato musical de Burgess. Al cerrarse el mundo, este autor decide volcar su mirada a la música, trayéndonos una oleada de ritmos, sonidos y géneros que chocan entre sí pero que saben convivir, sabiendo que esta es una experiencia colectiva en la que todo y todos podemos participar. Dejándolo claro desde el primer tema, “Here Comes the Weekend, que nos recibe con una mezcla de country, punk y acid pop, con arreglos psicodélicos y una letra sencilla.

Seguido por “Curiosity” canción que lleva el concepto del disco al límite y en la cual, las barreras musicales que utilizamos para describir cualquier pieza, simplemente dejan de existir. “Flamingo”, es la contraparte de la anterior, con un ritmo más tranquilo, podemos distinguir las múltiples capas que la componen y las que conforman todo el disco; percusiones latinas, soft rock en una melodía dreampop, nos muestran la riqueza del material y el vasto conocimiento con el que Burgess cuenta. La épica de más de 7 minutos “L.O.S.T Lost/ Will You Take a Look At My Hand Please” marca el punto medio del álbum, y el más ambicioso y mejor ejecutado del mismo, en donde no sólo brilla la habilidad de conjuntar múltiples elementos, dejándose oír una propuesta propia.

Por último, destacar “What's Meant For You Won't Pass By You”, parada final de esta travesía por los gustos e influencias de su autor, siendo la menos ornamentada pero probablemente la más contundente, dejando la parafernalia de lado y concentrándose más en la ejecución. En conclusión, es un disco complejo, pero no inentendible, la complicación radica en saber, de cuál hilo debemos de tirar para guiarnos en este mundo construido por Tim Burgess.

Cada escucha es distinta porque nos podemos acercar desde diferentes ángulos, siendo esa su mayor fortaleza, pero también, su gran debilidad. En esta vasta tierra es fácil perderse, por momentos el disco es confuso dada la gran cantidad de elementos que lo componen. No quiero decir que es un disco para eruditos, simplemente hay que saber que se nos pedirá lo mínimo indispensable al acercarnos a cualquier obra, y eso es, disposición.

Entrevista con The Mars Volta

“Yo me encuentro súper bien cabrón”, son las primeras palabras de Omar Rodríguez-Lopez vía Zoom.

Aunque sin mostrar su rostro, percibo el entusiasmo de Omar Rodríguez-Lopez por esta nueva etapa en su vida que trae de regreso a The Mars Volta, tan esperado como un metafórico despertar de Cerpin Taxt, tan premonitorio como algún mensaje desde otra dimensión de Goliath, pero ciertamente, una realidad que entusiasma a los fans tanto como a Omar:

Toda la energía se está moviendo hacia allá, hacia los ensayos y el lanzamiento del disco, con cosas que aún no podemos decidir o que están en el aire, después de tanto tiempo de no girar estoy super confiado”.

Curiosamente el álbum homónimo que implica el regreso de la agrupación comenzó a gestarse antes del encierro obligado por la pandemia. Mientras estaba por terminar el tour de reunión de At The Drive-In a los escenarios, Omar comenzó a maquilar nueva música para The Mars Volta, pero llegó el virus a interrumpir los planes de grabación: “Todo comenzó con el proceso de pasar de las maquetas a la grabación actual, de repente tuve que hacer otro plan para yo mismo setear mi estudio en una de estas guaguas (camioneta) así enormes y pues me fui por todos los Estados Unidos grabando a los músicos, los sonidos, lo que sea, el proceso fue un poco diferente en ese aspecto, pero a la misma vez siempre he hecho discos por aquí, por allá, moviéndome mucho, pero fue super divertido, tengo que decirlo”.

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Las cosas fluyen, no siento que…no siento mano, uno se mete en un trip que está trabajando con la música y recibiendo imágenes, todo es como recibir, todo existe con o sin uno, y de repente estás en ese flow meditativo y las cosas están llegando y estás apuntando, y están pasando por el filtro personal, la experiencia, lo que estás viviendo, tus relaciones íntimas, con tu familia, lo que sea, eso está ahí también, para mi es una cosa es super natural, para mi tiene que ser así”.

Es tal como describe Omar la inspiración y técnica detrás de su proceso creativo, el cual no necesariamente se basa en influencias musicales que se reflejan en cada tema, porque por más que escuches o estés metido en ciertas bandas, tendencias o géneros, la vida personal es la que más influye al momento de crear.

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Tengo 45 años escuchando música, hay gente a la que le gusta un género, y hay gente a la que le gusta la música, a mi me encanta la música, y a Cedric también, por eso lo que hacemos te puede sonar a los Bee Gees, puede salir CAN, Rachmaninoff, La Lupe…”, y es que si en algo radica la genialidad de este dueto de artistas a modo de secuaces, es en las diferentes texturas y matices que dan forma a su obra, siempre mutantes, alegóricas, intensas y profundas.

Posiblemente para aquellos doctos en The Mars Volta, este nuevo disco sea una decepción o simplemente no acepten el cambio de aquel caos de tirarse a las arañas, a estos calmos devaneos entre ritmos afro-boricuas, ante la pregunta de su sentir al respecto de que algunos fans lo colocan en un pedestal de genio irrefutable, y después de una tenue risa, atina a decir: “¡Ah pues no sé!, mi vida es tan actual, estoy tan presente y como tengo ciertas reglas en mi vida, yo no veo reseñas, no veo nada mano, no pongo mi nombre en la compu, cómo es que nos perciben es realmente como muy real, si estamos haciendo una entrevista este es un momento real, eso es lo que estoy viviendo”. Lo tangible antes que lo efímero, el aquí y el ahora, los pies sobre el suelo antes que en un altar de falsa idolatría: “soy un ser humano y no pertenezco en toda la farándula que pueda suceder en la industria”.

Omar no duda en mencionar que este nuevo disco es el mejor de Mars Volta, de nueva cuenta abogando y dejando de manifiesto en que vive en el presente: “Tengo el vibe de que estoy en mi momento, estoy en el presente, así que es imposible que me guste otro momento, sería faltarle el respeto a la vida, a la gente que me rodea, a lo que estoy viviendo, la música es la fotografía de lo que estoy viviendo, estoy super contento en el presente y quiero honrar eso”. Y es que atrás quedaron los días de las primeras glorias y las tragedias, de lo conceptual y caótico, y aunque cada quién saque sus propias conclusiones.

El discurso de 'ya no suena como antes' es como obvio, encontrarme conmigo mismo a los 23 años cuando De-Loused y luego a los 47 años y decirle cabrón ya no te ves como antes. Es curioso como la gente utiliza ese filtro con el arte en general, pues si cabrón tengo 47 años me veo muy diferente voy a pensar cosas diferentes, la gente no puede divorciar un sentimiento de otro, una realidad de otra, no me estoy quejando pero solo digo que está interesante verlo desde afuera”.

Uno de los requisitos fundamentales para ser miembro de The Mars Volta es que exista química, que la vibra al momento de tocar sea la ideal, que exista una conexión casi espiritual al momento de ejecutar los instrumentos, “casi casi como dicen ustedes: que haya buena onda”. A Omar no le importa buscar a los mejores ejecutantes, sino a las mejores personas para que hagan click con sus ideas, gente que lo haga sentir cómodo y como en casa, cosas en común, y que literalmente, estén en la misma vibra: “el mismo punto visualizado de lo que es esto, disfrutar el presente, amo la música no el género, respeto el punto de vista del otro”.

El 5 de noviembre el Festival Hipnosis enmarca el regreso de la banda a nuestro país, mismo en el que The Mars Volta ha ofrecido shows memorables, extraños, o una combinación de ambos, pero el entusiasmo de Omar por saberse de vuelta en México es evidente: “Pues imagínate muchacho papi estoy muy contento, cuando nos llegó esa noticia de que vamos a cerrar el año en México, como que no hay break, que se va armar una fiesta ahí, tengo una conexión super profunda, me criaron en Puebla, acabo de estar allá 2 meses cabrón, trabajando en DF, Chetumal, Bacalar, y me vine para acá para los ensayos y mis mejores amigos están allá. Para mí es un gran orgullo cerrar el año en México y en este festival que se me hace super chévere y diferente e importante y poder convivir con otras bandas eso está super lindo, obviamente me voy a quedar por allá después del show”.

Y es que desde la primera visita de la banda en aquella casi mítica presentación en el Circo Volador  se fraguó una conexión irrompible: “De los mejores momentos de mi vida, no lo estoy diciendo porque estoy hablando con prensa, creo que entiendes como es mi carácter dar ese tipo de respuestas, deja tú mi conexión y el orgullo, después de todo lo que superamos para crear la banda. Ese fue el momento, todo está fucking bien y ahora sí vamos a arrancar, llevé a toda la banda a Teotihuacán, a Narvarte, Roma Norte, al Templo Mayor, esos días con ese grupo de gente me voló el cerebro cabrón, eso se va a quedar conmigo para siempre, no hay forma de ponerle palabras a esa primera vez”.

Personalmente me sentí un poco intimidado al saber que hablaría con un ídolo personal y músico que admiro demasiado, pero ante el candor de sus respuestas y el entusiasmo por relatar todo su sentir al respecto de reformar a la agrupación, me atreví a preguntarle a Omar por qué cree que The Mars Volta intimida al mundo de la música, después de una sorpresiva risa atina a decir: “¡Pues no sé!, está raro, pero te contaré una anécdota, me ha pasado mucho en la vida en general. Cuando Cedric y yo vinimos a Los Angeles por primera vez no conocíamos a nadie, y veníamos ya con nuestro trip de la banda y lo que habíamos hecho, y de repente íbamos a las fiestas o shows y nos parábamos en una esquina porque somos super shy, muy introvertidos y esperábamos a que alguien se nos acercara, y nadie nos hablaba. Años después cuando ya conocimos gente de la escena y la industria, nos decían que recordaban habernos visto pero que les parecía super mamón muy to cool for school y por eso no nos hablaban, creo que tiene algo que ver con eso, uno siente una cosa por dentro y otra persona está proyectando un montón de cosas. Nosotros lo que más queríamos en el mundo era que nos hablaran”.

Y creo que esto habla mucho de nosotros como fans, relatores, o personas en sí, que creemos que aquellos entes que admiramos son inalcanzables, y resultan ser tan auténticos, amigables, directos y sin pretensiones, porque como bien dijo Omar antes de despedirse, tanto él como The Mars Volta, nunca han pretendido ser algo que no son, ni ser parte del mainstream, o ser catalogados como genios que todo lo deben hacer perfectos o a un modo que complazca por completo a sus seguidores. El aquí y el ahora como modo de vida y recordatorio constante de que lo pasado ya no importa y el futuro será prominente mientras nos mantengamos en el presente, vibrando, sintiendo, y sobre todo creando.

La Santa Cecilia comparte “Dos Botellas de Mezcal” junto a Dueto Dos Rosas

El nuevo sencillo es una nostálgica declaración de amor.

México se distingue por ser un país rico en muchos sentidos, la cultura, los paisajes, el territorio, son ampliamente reconocidos por otorgarnos experiencias inigualables. La música es una de sus riquezas, bandas como La Santa Cecilia, de origen mexico-estadounidense, se esmeran continuamente por traernos su propia perspectiva del folklor mexicano. La agrupación fluye en un sonido orgánico que destapa varias capas de la música mexicana y las reinventa en discos como Quiero Verte Feliz o Amar y Vivir.

En esta ocasión La Santa Cecilia decidió impregnar la atmósfera de compañerismo y nostalgia con su nuevo sencillo, “Dos Botellas de Mezcal”. En él, la banda canta al lado de la agrupación mixteca Dueto Dos Rosas un nostálgico y amable tema guiado por una dinámica guitarra acústica al pie de una fogata. Durante el sencillo es posible escuchar los sonidos del campo nocturno de fondo; los grillos y el viento encontrándose con el fuego de una fogata. Así ambas bandas se entregan a la canción que nos transporta de inmediato a la melancolía de la música ranchera de nuestro país.

Este 1 de octubre la banda se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, donde interpretó su sencillo que, además, es el primer adelanto de su nuevo álbum próximo a ser estrenado.

Camilo Séptimo en el Palacio de los Deportes

Una fiesta cósmica que solo podríamos imaginar en nuestros sueños.

Eran en punto de las 20:30 H cuando las luces del Palacio de los Deportes se apagaron y los gritos de los fans se hicieron presentes para recibir en escena a Camilo Séptimo, que logró transformar el recinto en un solo universo de sonidos frescos y vibrantes con la esencia de su nuevo material discográfico ECOS, así como sus pasadas colaboraciones Navegantes y Óleos.

Fue así como la velada dio inicio con el tema Contacto, donde el pop y rock alternativo dominaron el ambiente para dar paso a Manuel Mendoza “Coe” con su delicada voz,  a Jonathan Meléndez con su melodías suaves en el teclado y, por supuesto, con los electrizantes solos de Erick Vázquez en la guitarra. Un viaje de texturas emotivas que, si bien, se convirtió en una fiesta cósmica y onírica de un profundo sueño.

De forma continua y con una elegancia sutil, “Eres” fue la segunda canción que se posicionó en primer plano por su sutil composición del teclado. Un tema que calentó los motores y que dio paso al éxito “Ser Humano”, misma que hizo bailar a todo aquel que estuviese bajo los destellos rojos que envolvieron el evento.

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Sin pausas y con un fondo de franjas de colores rojo, azul y morado, “Eco” fue el cuarto tema en ser interpretado y que hizo  cantar en coro a la audiencia. Tal fue la energía en el recinto, que dichas luces de colores, las cuales estuvieron presentes en toda la velada,  tomaron protagonismo y dieron la bienvenida a “Telepatía”, “Hipnosis” y “Efímera”.

En cambio “Fusión” y “Veneno” fueron las siguientes canciones que dieron una energía en su máximo esplendor, después de estas, le siguió “Sintergia” con la participación estelar de David Velasco, vocalista de Porter. Y que, posteriormente, continuó los sonidos delicados de “Aura” y el electrizante ritmo de “Galáctica”, la cual Coe dedicó a sus papás junto a la voz de Francisca Valenzuela.

Entre sonrisas complacientes y gritos alocados de fondo, los miembros de Camilo Séptimo siguieron tocando en una absoluta satisfacción joyas como “Miénteme”, “Me Dejas Caer” y “Resplandor”, las cuales integraron el combo de la noche al ser composiciones emblemáticas de sus primeros años en la industria musical.

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Solo así la euforia del público dio paso al destacado hit “Neón”, donde decenas de fanáticos cantaron como si la vida les fuera en ello, mientras que las luces del escenario envolvían el recinto.  Luego vino “Vicio”, un tema que encarnó la esencia pura de la agrupación e hizo que los espectadores fluyeran con la melodía, pues dio paso a “Te veo en el 27”, tema que envolvió a lo oyentes en una espiral negro y blanco de lo alternativo.

Como parte final y entre un ambiente electrizante surgieron los acordes de “No te puedo Olvidar”; una canción musicalmente dulce y líricamente melancólica que abrió el camino a “No confíes en mí”, ya que nos arrebató a la banda del escenarios una vez que terminó.

En el final, Camilo Séptimo agradeció al público por asistir a cada uno de sus presentaciones en vivo, en especial el de aquella noche del primero de octubre. Una despedida que estuvo acompañada del tema “Inevitable” y que despertó aquel sueño profundo del cual estábamos hipnotizados y que parecía una ilusión.

La Santa Cecilia en el Teatro de la Ciudad

Una noche de folklor, baile y añoranza con La Santa Cecilia en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

En el Centro Histórico de la Ciudad de México, en la antigua calle de Donceles (junto al edificio de la Asamblea Legislativa de la capital) aconteció una noche repleta de folklor y sonidos en celebración a la vida; las personas comenzaron a llegar desde las 18:00 H al Teatro de la Ciudad Esperanza Iris​, inmueble que desde la fachada incita alegría y comodidad, todo listo para que una velada llena de sabor sucediera con La Santa Cecilia como protagonista.

Transcurrían los minutos y poco a poco este recinto cultural (que destaca por su propuesta arquitectónica edificada a comienzos del siglo XX por la entonces famosa actriz y cantante mexicana Esperanza Iris) se llenaba cada vez más de gente, quienes ingresaron al inmueble con energía y expectativa ante la idea de presenciar un recital que evocaría tradición y amplias emociones.

De esta forma, octubre arrancó lleno de baile, colores y cultura; al interior del teatro las luces se desmayaron y brindaron paso al Dueto Dos Rosas, grupo formado por las hermanas Sheyla y Emily Rosas hijas de inmigrantes originarios de San Martín Sabinillo, Oaxaca quienes terminaron con la espera del público y en punto de las 19:00 H inauguraron el concierto con los temas “Llorona”, “Sabor a mí”, “Luz de luna”.

Luego de entonar clásicos temas del regional, el grupo conformado en su mayoría por mujeres, se dispuso a interpretar canciones más rancheras, así mismo hicieron presentes temas de otros países, tal es el caso de “Alingo lingo”, canción chilena con la cual pusieron a bailar a los presentes.

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Con casi una hora sobre el escenario, este dueto logró impregnar al público con su energía vibrante y llena de amor por México, atmósfera adecuada para recibir lo que venía a continuación, pues la banda mexico-estadounidense La Santa Cecilia haría su regreso a territorio nacional.

Flores, baile y folklor con La Santa Cecilia

La noche transcurría sin contratiempos y luego de 15 minutos tras la partida del Dueto Dos Rosas por fin el momento más esperado se llegó, La Santa Cecilia apareció en escena y como si se tratara de una electrizante obra de teatro, Marisol “La Marisoul” Hernández paralizó a los presentes con la potencia de su voz, considerada por muchos como una de las más destacadas de la música latina.

De inmediato su estancia en el escenario recordó a los presentes los motivos por los cuales el grupo ganó el Premio Grammy a Mejor Álbum de Rock Latino, Urbano o Alternativo en 2014, pues su presencia llena de tesón y ánimo era contagiosa aún para los más escépticos de la noche.

Además de Marisoul, el arte del percusionista Miguel “Oso” Ramírez, el bajo Alex Baldaña y el acordeonista Jose “Pepe” Carlos hicieron manifiesto de la potencia en su música; los temas con los que arrancaron el concierto fueron “Estrellita” y “Vámonos”, con los cuales impregnaron a los presentes de felicidad y sentimientos.

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Posteriormente siguieron deleitando al ávido público con canciones como “Ódiame”, “Cómo dios manda”, “Amar y vivir”, “Ingrata”, “Nuestro juramento” y “Monedita”, temas con los cuales pusieron a bailar y cantar a sus fans.

Transcurrió la noche llena de emociones, tradición y folklor, al mismo tiempo Marisoul aprovechó la potencia de su voz frente al micrófono para compartir diversas reflexiones sobre el valor de la vida, con las cuales el público empatizó y así lo reflejó con minutos enteros de aplausos ante el regreso a México de La Santa Cecilia.

Indie Rocks! presentó: Hollie Cook en Frontón México

Más de una hora feliz con Hollie Cook en Frontón México.

Las puertas del Frontón México, en la Ciudad de México, se abrieron cerca de las 19:00 H, afortunados los que entramos primero porque tuvimos la oportunidad de estar un poco más cerca del escenario. Ya para las 19:20 H todo el staff del recinto estaba listo para recibir a los fans de Hollie Cook, quienes estaban formados con anticipación para tener la mejor vista y contemplar a la bella cantante y tecladista británica.

Todos nos emocionamos cuando apagaron las luces blancas y dieron paso a las de colores, falsa alarma, aún faltaba para que en el escenario apareciera la artista abridora del concierto de Hollie: Olinka, cantante y compositora mexicana. Pero la espera no fue tanta, el equipo de sonido del Frontón México se encargó de ponernos en sintonía con el ambiente que esa noche se viviría.

A las 20:26 H sale al escenario Olinka, quien conecta desde el primer momento con el público, pues su energía llena de positivismo y alegría contagia a los presentes al ritmo de reggae y cumbia con un par de artistas invitadas más. Olinka pone a bailar y a cantar al recinto completo, sin duda, un gran opening para la gran fiesta que estaba por vivirse…

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Hollie Cook sale a escena a las 21:31 H, bella, reluciente y con esa sonrisa que solo ella puede tener; entra como dando pequeños brincos por el costado del escenario, vestida con una camisa holgada bicolor satinada con rosa arriba y amarillo abajo, que cubría un lindo y discreto vestido negro.

Con la rola “Happy Hour”, Hollie abre esta maravillosa presentación, canción primera de su nuevo álbum que lleva por título el mismo nombre. Sensual, con una voz cálida y suave, el coro “All my tears break down on me, til happy hour. My heart Will beat so silently, til happy hour…” estalla en el recinto, y es como Hollie desde el primer instante logra esa conexión con el público mexicano que tanto le gusta y ama.

Cuando creímos que seguiría con algo de su nuevo álbum, “Tiger Balm” de su disco Twice, comenzó a sonar, nada pudo haber comenzado mejor, de regreso al 2014 y con esa letra que llega directo al corazón, Hollie lograba entrar poco a poco en los espacios más sensibles de los ahí presentes, y eso que era apenas el comienzo.

Era el punto exacto para entrar en la onda romántica y el público no reparó en corear “I'm shadow kissing you, on my balcony, boy it makes me blue, I need your company” de la canción “Shadow Kissing” del álbum Hollie Cook. Hollie no dejaba de bailar, además de su voz, su cuerpo completo hablaba, sobre todo sus brazos y manos, era como si en ellos llevara una melodía aparte, simplemente parecía cual hoja dejándose llevar por el viento. Después de este momento todo el público se rindió a los pies de Hollie y fue cuando alguien tuvo la idea de aventar al escenario la bandera de México que Cook no tardó en envolverla en su cuerpo y bailar con ella.

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Hollie ya se había apoderado de la bandera nacional al mismo tiempo que brindaba con un vaso (que después nos hizo saber que era tequila). “Together” del álbum Vessel of Love no podía dejar de sonar así que con el público ya a tono, Cook se dejó fluir más: sabía que ya se había apoderado del recinto por completo y no tenía más que seguir dejándose llevar por las notas que cada instrumento sutil, pero enérgicamente, le marcaba. Aquella mezcla de sintetizadores, metales, teclado y bajo, lograron hacer la composición perfecta que llevó al punto máximo esta tarde noche otoñal.

Hollie Cook, ya en su máximo esplendor, continúa bailando y disfrutando, luciendo ese peinado alto y largas arracadas que prenden de sus orejas. Al parecer una de las rolas más esperadas de la noche era “99”, nuevamente del álbum Twice, y Cook, la cantó, sensual y mágica como solo ella puede ser; los versos “Remember 99 on the beach, Where we lay together, Together yeah, Together together yeah”, iban al ritmo de las luces que todo el tiempo jugaban entre los sensual, tropical y el romanticismo.  Aquí la batería fue la encargada de encender aún más los ánimos de los asistentes, y Hollie, ya fresca luciendo su radiante figura, motiva al público a aplaudir.

Regresando de pronto al álbum Hollie Cook, “Milk & Honey” suena de tal forma que el público se enciende y Hollie se envuelve de nueva cuenta la bandera de México y con el ya clásico Dr. Simi, comienza a bailar sensualmente. La gente corea su nombre, quiere más y Hollie los complace, ahora es el turno de que suene “Kush Kween” que forma parte también de su nuevo álbum Happy Hour.

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Guapa, cadenciosa y con una gran voz, Hollie Cook nos demostró una vez más porque es una de las más grandes artistas de los últimos tiempos. Su amor por México lo dio a notar en cada momento, sobre todo ya casi al final, cuando levanto de nueva cuenta la bandera tricolor en “Postman”, rolita que integra su álbum Twice.

Por un momento y a punto de concluir este majestuoso recital, Hollie corre tras bambalinas y va por su celular para dejar guardado en un click, un bonito y bello recuerdo de este país que la recibió, como la última vez hace cuatro años, con los brazos abiertos.

A 15 años de 'Oracular Spectacular' de MGMT

Sonidos surrealistas y alucinantes en reproducción constante.

Hoy se celebran los 15 años del Oracular Spectacular sin duda un material discográfico que llegó para revolucionar una era, es decir pueden pasar los años y cada tema de este álbum sigue sonando en nuestros reproductores y por supuesto transcendiendo generación tras generación.

Oracular-Spectacular-MGMT

Desde la primera canción que escuchamos sabemos que el álbum tocará temas que principalmente se refieren a la adolescencia y como no, estoy segura de que a más de uno el Oracular Spectacular les recuerda a sus mejores días en la prepa en compañía de sus amigos.

Para esta ocasión la producción se encontró a cargo de Dave Fridmann quien es conocido por trabajar con bandas como The Flaming Lips y Mercury Rev. Este trabajo ocasionó un revuelo para el dúo estadounidense MGMT, ya que capturó de manera adecuada los sonidos psicodélicos que esperaban.

Nos damos cuenta desde el inicio que el Oracular Spectacular no solo hace referencia a la etapa adolescente, sino que se adentra de una manera muy lucida a los problemas y frustraciones juveniles, lo podemos notar desde que escuchamos “Time to Pretend” que habla sobre drogas, alucinaciones y falso amor.

De igual manera MGMT nos regala temas que hablan sobre la superación o inclusive las sensaciones que tenemos al ver a nuestro primer amor, todo esto lo transmiten en “Electric Feel” y “The Youth” a través de sonidos iluminativos y fugaces.

Asimismo, uno de los temas más populares y surrealistas fue “Kids” el cual creó gran controversia entre los escuchas y la prensa debido a que en su video aparece un bebé que es espantado por monstruos, lo que generó críticas nada favorables a la banda. Por lo que, la banda tuvo que salir a informar que ningún bebé había sido lastimado durante la filmación del video.

Tan bien recibido fue que la banda pudo recorrer Norteamérica y Europa presentando su nuevo material, la popularidad generó que incluso el dúo pudiera abrir los conciertos de bandas como Paul McCartney, Radiohead y Jane’s Adicction. Lo que ocasionó que en 2008 la revista Rolling Stone pusiera al Oracular Spectacular en el lugar 18 de lista de los mejores trabajos de la década.

Sin duda, MGMT entregó un álbum que hasta la fecha es el favorito de muchos e incluso si lo escuchamos en la etapa adecuada, el Oracular Spectacular se siente como un apapacho y abrazo para nuestro ser interior.

A 30 años de 'Dynamo' de Soda Stereo

¿Se acuerdan cuando las bicicletas tenían Dynamo?

Después de giras intensas, una década de éxitos y ser considerada la mejor banda de rock de América Latina, Soda Stereo decidió tomarse una pausa de sus actividades y darle vuelo a los deseos individuales de cada uno de sus miembros. La idea era descansar y ver qué pasaba cuando volvieran y cuando se juntaron todo fue química musical. En octubre de 1992, hace tres décadas Soda Stereo lanzó Dynamo marcando así un antes y un después en su sonido, llevando la experimentación musical a niveles que hasta ese momento no habían explorado.

En este disco Soda pudo experimentar con su sonido en palabras de Cerati: “...está más cerca de la libertad que otros discos, porque es como una apertura grande y bastante ecléctica que hicimos, siempre buscamos el contraste. Siempre Soda Stereo fue así: contrastado. La combinación de cosas siempre nos encantó. Y en este disco probablemente hayamos llegado al mayor contraste de lo que yo pueda decir de la música de Soda”.

Fue el último material discográfico lanzado con Sony Music, después del hitazo que significó un par de años antes el aclamado Canción Animal , la disquera esperaba algo similar que fuera a triunfar de manera contundente en el mercado a lo cual Soda respondió con Dynamo que ciertamente no significó un gran número de ventas pero sí un paso enorme hacia un sonido auténtico en el que el shoegaze, el dream pop, la psicodelia con texturas densas oníricas y llenas de caos y pasión hicieron que la distorsión y la saturación se adueñaran del álbum sin dejar de lado la idiosincrasia pop argentina que los identificaba.

El arte del disco nos muestra un corazón que es el centro de la constelación formada por bisutería y un alambre orbital, todo está distorsionado y eso se refleja en el sonido del disco, también es una representación de que el amor es el latido que mueve todo, el corazón está arropado por el caos. La contraportada tuvo dos versiones (incluidas en los archivos adjuntos) en la primera vemos a Zeta, Charly y a Gus componiendo una tríada musical perfecta; en la segunda tenemos a los planetas representados por pelotas y juguetes que la hacen de planetas del sistema solar porque todo es parte del juego cósmico.

El disco abre con "Secuencia Inicial" donde nos introducen en este universo y que nos aconsejan tener más curiosidad que miedo, dejarnos caer, mojarnos los labios y soñar. En "Toma la Ruta" se hace el llamado a tomar las riendas del camino, es una declaración de cambio la llegada de un Soda más salvaje, el llamado a tomar los instrumentos y seguir con ese afán de hacer música y pasarla bien de salir de tu prisión y no quedarse en el mismo lugar.

Con vertiginosidad y ternura somos conducidos "En Remolinos" que nos hacen sentir una energía misteriosa, un resplandor, nos insta a soltar nuestro cuerpo y dejarnos llevar al paraíso, a una zona pura para poder florecer en la "Primavera 0" que es el tiempo y espacio en que todo lo que se cosecha da frutos, en donde todo empieza a ser real con nuevas chances y una vuelta mas por que si hay algo que es verdad es que nadie vive sin amor y eso es posible sentirlo solo mirando unos ojos. La metamorfosis dinámica continua y nos convertimos en "Camaleón",  la lección es que nos podemos mimetizar con el color y que podemos mentir pero jamás lograremos engañar aún así no importa saber el final solo amar y cruzar el fuego.

"Luna Roja"  habla del VIH, Cerati declaró que todas las regalías de la canción fueron donadas para una fundación que trabaja el tema. Esta canción nos evoca un paisaje imaginario como un desierto de Túnez , es una advertencia del peligro, una declaración de cuidado mutuo por que primero podemos ser león y convertirnos en cordero pagando placeres ciegos.

"Sweet Sahumerio"  es una oda de música hindú que nos acarician el subconsciente y el oído con  tablas y sitar. Un trance meditativo a tal grado que durante la grabación hubo sesiones de Yoga para elevar la conciencia como el humo del sahumerio, multiplicando nuestras capacidades como  una "Ameba" sin anverso ni reverso, viviendo la ilusión. Todo esto con el afán de no perder "Nuestra Fe" y que aunque mudemos de piel nunca dejemos de crecer desde el corazón.

Llegamos al punto de redención del disco: "Fue". Que después de un viaje intenso llegamos con los brazos cansados intentando simular un olvido. Nos embriagamos hasta el vacío con la voz dulcemente venenosa de Gus acompañada del épico aliento de la trompeta de Flavio Etcheto . Al escuchar esta canción no podemos evitar sentirnos resbaladizos y creernos sin memoria, porque no queremos solo una parte de la euforia, la queremos toda, queremos a Cerati de vuelta con todas sus "Texturas".

Después de un par de años de no hacer un disco, para Soda fue regresar con una química más natural y no impuesta por la intensidad de producir y girar con la banda. El dinamismo de la energía fue lo que los colocó de nuevo en el estudio. Fue como quitarse de la mirada masiva para ser ellos mismos y hacer un disco atemporal, que más que un recorrido  narrativo es un recorrido sonoro con texturas indefinidas y suaves contrastes vocales donde escuchamos a Gus muy cómodo cantando sin exasperarse ni gritar, formando un todo homogéneo que cada vez que escuchamos podemos encontrar nuevas y gratificantes sutilezas inmersas en los temas.

El disco también es el inicio de una nueva etapa para Gustavo Cerati que ese mismo año ya había lanzado junto a Daniel Melero el sideral y legendario Colores Santos y el siguiente año lanzaría Amor Amarillo.

Salvando las distancias, sabíamos que Dynamo iba a ser para nosotros lo que para Los Beatles fue Let It Be, es decir, el álbum que hicieron antes de separarse, o bien Revolver, el disco que hicieron para abrir su cabeza a una pila de influencias nuevas. Creo que Dynamo es mágico. Nunca Hicimos nada con mayor apertura musical, con mejores letras”.

Según un testimonio, recopilado en el libro Cerati en primera persona  de la periodista Maitena Aboitiz, cuentan que durante la grabación y mientras estaban buscando un título para el disco, Daniel Melero en una conversación casual dijo “¿Se acuerdan de cuando las bicicletas tenían dinamo?”  Todos se voltearon a ver y en ese momento supieron que lo tenían.

Los dinamos son artefactos muy curiosos que convierten energía mecánica en energía eléctrica y viceversa, de esta manera cuando teníamos uno de estos en nuestra bici podíamos generar la energía suficiente para iluminar el camino mientras rodábamos. De manera análoga, Soda Stereo iluminó el panorama musical con este álbum experimental que vio la luz hace 30 años y que aún continúa energizando, como los buenos dinamos, nuestros oídos con ese sonido que en su momento resultaba novedoso y arriesgado para una banda consagrada como ellos pero que eligieron florecer mirando a los ojos a la vanguardia musical.

Presentan tornamesa que graba tus propios discos

Adiós fábrica de raspados y micro hornito, hola fábrica de acetatos. 

La compañía Teenage Engineering, fabricante de juguetes musicales, accesorios y otras tantas curiosidades, presentó un llamativo producto: una tornamesa portátil que graba acetatos de 5”. 

En colaboración con Yuri Suzuki y Gakken, estrenaron la PO-80 Record Factory, que puede reproducir discos de 7” y que tiene una cortadora para crear EPs de 5” en tu casa, escuela o en el parque. 

La idea es sencilla, conectas un dispositivo de audio en su entrada de 3.5 mm y listo, puedes crear tu primera discográfica con sonido lo-fi ultra análogo. La grabadora se alimenta de luz cargándola por USB. 

Se recomienda trabajar bien tu audio antes de cortarlo, puedes comprar también su herramienta de pre masterizado de vinilos, se venden por separado. 

Ya se puede ordenar en su sitio oficial la fábrica de acetatos a tan solo $149 dólares, más envío. También puedes encargar tu paquete 10 discos de 5” por $20 dólares, para que tengas con qué trabajar. 

Anteriormente, Yuri Suzuki y Gakken habían presentado un producto similar que solo se podía conseguir en Japón. Esta alianza con Teenage Engineering le da a la Record Factory un diseño más amigable y una mayor distribución a otras partes del mundo, a tiempo para navidad. 

Chancha Vía Circuito nos invita a conocer “El Pavo Real”

Una canción rica en elementos que sirve como preámbulo para su nuevo material discográfico. 

Construyendo capa sobre capa y coloreando con diversos matices, Chancha Vía Circuito nos regala “El Pavo Real”, primer sencillo de su próxima producción La Estrella, que saldrá este 11 de noviembre con Wonderwheel Recordings. 

El proyecto dirigido por el productor argentino Pedro Canale llegará a su quinta larga duración, en donde se esperan 11 temas que se moverán entre la cumbia psicodélica, folk instrumental y vocales emotivas. 

“El Pavo Real” comienza con instrumentos de cuerdas y beats electrónicos, a los que poco a poco se le suman varios arreglos que le otorgan profundidad a la construcción musical de Canale junto a Eblis Álvarez de Meridian Brothers, que le apoya en esta melodía. 

Fabriqué en madera una figura inicial, le di toques y surcos, le di un toque inmortal". 

Versa sabiamente, pues parece que nos narra la forma en la que fue adornando esta canción, con sonidos orgánicos, aromas de roble que nos transportan a un ambiente selvático, quizás playero, paradisiaco. 

Desde 2006, Chancha Vía Circuito ha experimentado con sonidos adictivos que invitan al baile y evocan al canto. Se ha presentado en reconocidos festivales como MUTEK y Vive Latino, su música ha formado parte de series de televisión, entre ellas Breaking Bad.