Editors — EBM

Ritmos que se vuelven tonalidades color neón.

Después de tres años de ausencia, la banda británica Editors se encuentra de estreno con su séptimo material discográfico EBM que además de contener nueve temas electrificantes, podremos apreciar una serie de sonidos de Benjamin Power, el nuevo integrante de la agrupación.

EBM comienza con “Heart Attack” un tema de peculiar de amor, enamoramiento y obsesión que transmite bastante energía a través de sonidos eléctricos que se distorsionan por momentos con la voz lucida de fondo. Continuando con “Picturesque” la electrónica sigue presente en compañía de ecos significativamente superficiales.

Sonidos llenos de éxtasis en “Karma Climb” una canción que nos hace sentir eufóricos en un mundo donde la fiesta jamás termina y las luces color rojo predominan cada minuto. Llegamos al tema más largo del álbum, que en alrededor de casi ocho minutos “Kiss” combina el ritmo electrónico de la década de los ochenta con los sonidos actuales, sin duda parece un buen resultado de un experimento musical.

Las agitaciones eufóricas cambian por completo en “Silence” de manera que hace que las palpitaciones bajen y nos transporten a la densidad fría de un día nublado. Sin embargo, los sonidos tranquilos se esfuman para “Strawberry Lemonade” compartiendo sonidos pegajosos y coloridos.

Como en la mayoría de los temas del disco “Vibe” nos hace sentir de fiesta en compañía de nuestros mejores amigos, el ritmo se vuelve hipnótico y claramente el estelar de cualquier lugar donde suene. Para finalizar, “Educate” y “Strange Intimacy” muestran dos tipos diferentes de electrónica, en uno escuchamos ligeros tonos con toques electrónicos y, por otra parte, escuchamos ritmos bastante apegados al género, perfectos para ambientar cualquier tipo de fiesta o rave.

Editors acaba de entregar un material bastante interesante, el cual trasmite mucho amor, ganas de bailar y momentos lucidos color neón.

A 30 años de 'Core' de Stone Temple Pilots

Donde el río nos sigue llevando.

Fue en un restaurante de comida mexicana en Beverly Hills, ante un plato de enchiladas y margaritas de un dólar, donde el baterista Erick Kretz, escuchó por primera vez la idea que Scott Weiland tenía en mente para una canción, la frase que dio vida al primer tema de Core, el álbum debut de Stone Temple Pilots, a modo de manifiesto o profecía de lo que vendría: “I am smellin' like the rose that somebody gave me on my birthday deathbed. I am smellin' like the rose that somebody gave me ’cause I'm dead and bloated”. El ya mítico intro de este tema fue grabado a través de la pastilla de la guitarra de Dean DeLeo, por eso tiene ese dejo de haber emanado de una vieja radio.

Y después la debacle que imponía una frontera infranqueable entre Stone Temple Pilots y demás bandas de la época con la cual eran comparados, porqué “Sex Type Thing” bien pudo haber sido asociada a la crudeza de Nirvana, pero en su esencia contiene más rock and roll energético que ganas de morir, porque en “Wicked Garden” la voz podía sonar parecida a la de Eddie Vedder, pero Scott Weiland nunca fue tan extrovertido o metafórico al momento de escupir sus letras, porque hay un abismo de diferencia entre decir “I’m still alive” que: “'Cause I'm alive, so alive now. I know the darkness blinds you”.

A la par de los riffs furiosos de la guitarra de Dean, su hermano Robert DeLeo daría un estilo muy específico a su accionar en el bajo, y tal y como había espacio para un sonido meramente combativo y energético, la oscuridad también abrazaba al cuarteto, “No Memory” como interludio al estilo Black Sabbath, lo que Metallica supo capitalizar a su modo y beneficio, lo que Alice In Chains nos haría sufrir y apreciar, y de nueva cuenta el devaneo rasposo de la guitarra con “Sin”, más rock que grunge, con más en común con Deep Purple, pero tampoco tan alejado de la esencia de TAD.

Y luego “Naked Sunday” a modo de canción funky emanada del purgatorio, como si George Clinton y los Red Hot Chili Peppers hubieran perdido un juego de basketball donde lucifer era el referee. La letra de “Creep” fue escrita por Scott en el asiento trasero del auto de Robert, quien menciona al respecto de la música, que fue influenciada por esas ciertas notas “de cowboy” muy adecuadas para un estilo country, y que encajaron bien en este himno que adecuara de una forma aún más oscura aquella frase acuñada por Paul McCartney: “I’m half the man i used to be”. 23 años tenía Scott cuando escribió este tema, el cual fue grabado después de una cena en Cheesecake Factory, y donde la banda a modo de ritual encendió veladoras y se reunió en un círculo para concentrar su energía creativa.

Antes de ser parte fundamental del génesis del sonido de Rage Against the Machine con Evil Empire y el desarrollo del nu-metal con Significant Other de Limp Bizkit e Issues de Korn, Brendan O’Brien fue el encargado de producción de Core y los subsecuentes trabajos de la banda hasta Shangri-La Dee Da poco después de anunciar un hiatus. El claro ejemplo de esta elocuente y proĺifica colaboración queda en evidencia con “Plush”, quizá uno de los temas más conocidos del cuarteto. “Una hermosa pieza musical” es como se refiere Robert DeLeo a esta opus magna, que de nueva cuenta, ante las obtusas comparaciones con Pearl Jam, fue el manifiesto que impondría la gran diferencia entre Stone Temple Pilots y el sonido de sus contemporáneos. Cabe destacar que esta canción como la gran mayoría de Core fueron grabados en sesiones de la banda tocando directamente en vivo y en conjunto, sin cortes ni ediciones, tan solo algunos arreglos posteriores.

“Wet My Bed” y de nueva cuenta ese hilo narrativo y sonoro que coloca más a Scott Weiland como una especie de renovado Jim Morrison antes que un tipo más que quería ser Kurt Cobain. Ese ímpetu de improvisación con la poesía maldita queda a bien como recuerdo de su última presentación en México en el Plaza Condesa el mes de noviembre del año 2011. La banda había visitado Teotihuacán, un conocido chamán de la zona arqueológica les dio la bienvenida con un ritual de limpia con humo de copal, aquella ceremonia caló tanto en Scott Weiland que invitaron a dicho personaje al concierto, en el cual repitió el acto ante la improvisación sonora de la banda y frases difusas del vocalista a través de un megáfono, un momento bastante mágico, significativo e inolvidable para aquellos que lo presenciamos.

“Crackerman” cual manifiesto final e imposición de un modo de vida: Stone Temple Pilots como entidades completamente diferentes a lo que estaba sonando en aquellos días, aunque los programen en las mismas playlist en la actualidad, grunge o no, es más ganas de arder que solo extinguirse.

“Where the River Goes” siempre me recordará a “When the Leeve Breaks”, porque hay algo de Led Zeppelin en todos nosotros aquellos que amamos el rock and roll. Y a pesar de que el río de la vida de Scott Weiland desbordó de una forma trágica el 3 de diciembre de 2015, esa agua repleta de pureza que limpió nuestra mente y karma, desde hace 30 años y hasta la fecha, sigue fluyendo en la memoria, convirtiéndose en una tempestad que nos arrasa cada vez que escuchamos Core: “I wanna be as big as a mountain, I wanna fly as high as the sun, I wanna know what the rent's like in heaven, I wanna know where the river goes”.

El Búho — Tributaries Vol. 2

Un homenaje a los ecos de la naturaleza. La vida misma a través del sonido.

La segunda parte de Tributaries llegó este 16 de septiembre, El Búho continúa esta historia con un álbum de 13 canciones que corre bajo el sello de Wonderwheel Recordings, luego de que su primera edición en 2018 trajera consigo un éxito como el remix de “Cumbia Sobre el Mar” de Quantic acumulando 8.5 millones de plays en Spotify. 

A veces místico, a veces relajante, pero la sensación final, es esa cercanía con la naturaleza, con la raíz latina, rindiendo tributo a su riqueza cultural y la música que la propia tierra nos ofrece. 

TributariesVol.2-El-Búho

Tributaries Vol. 2, es belleza, es elegancia y es misterio. Robin Perkins, el productor inglés mejor conocido como El Búho, nos invita a explorar los rincones del mundo donde fusiona ritmos electrónicos con el género andino y la cumbia. 

Sumergiéndonos por completo en el álbum, el productor presenta un total de tres canciones de tipo completamente instrumental. La primera de ellas es “La Muerte”, un tema que logra capturar el misticismo que remonta a las creencias mexicanas; se siente muy cercano a nuestro país, siendo una flauta de pan, la que se roba la atención del oyente.

Por otro lado, está “Fathom”, de Brian Finnegan, en el que, unos versos en inglés se vuelven parte primordial del tema que se asemeja a una canción de corte alternativo, acompañándolo del sonido de violines. En el tercer tema, el bajo es sin duda uno de los sonidos principales que podemos escuchar en “Dabadji AM Alcorama” de Pulo NDJ, agregando fuerza a una canción que se cubre de sonidos andinos y que en momentos se mimetiza entre tonos orientales.

Perkins se acerca a su público de habla hispana a través de cuatro canciones, la primera de ellas es la introducción a su disco, titulada “3”, que posiblemente es el tema con más protagonismo en la voz que corre a cargo de LA CHICA. Luego nos encontramos con “No Más Velorio” de Plu con Pla, ocupando la voz de su grupo originario de Tumaco, (una región de Colombia) retomando uno de sus sonidos originales para convertirlo en el beat principal del tema. 

“Pura Flor” habla del amor apoyándose de la metáfora de la belleza de una flor, en donde ocupa algunas voces distorsionadas como parte del sonido principal del tema, el último tema es “Trail of Awo” un tema de Penya de poco más de cinco minutos cuyos ritmos suaves se vuelven casi contemplativos. 

El Búho nos presenta dos temas en francés; el primero de ellos “Bleu de lune” de Zoufris Maracas, la voz de su cantante es solo la apertura a un tema que termina por explotar a un ritmo sensual y elegante, es suave, con una melodía bastante pegadiza. El segundo tema es “Dann Ton Zié” de Eat My Butterfly, en el que el productor se apoya de algunos versos de la canción original para crear un beat que tarda unos segundos en llegar, para ofrecer un tema un tanto oscuro.

“Fisterra” un tema de Carlangas con la colaboración de Baiuca, mantienen el sonido del tema original con un toque selvático. “Moreno”, es una canción muy dulce gracias a la voz de su cantante Dom la Nena, quien de poco ya se ha ido ganando un lugar en el corazón del público.

Los últimos temas son “Ideruni (Help)” es un llamado a ser comprendido y ayudado, llevando sus melodías a un estilo mucho más afrocaribeño; lo mismo sucede con “Kuud Kuulama” muy parecido al estilo de Enya, la canción se vale de los ecos de una voz y la suavidad del sonido que despide a un álbum que nos llevó a un viaje por la cultura musical del mundo.

Entrevista con Franc Moody

Una versión de La Odisea impulsada por el funk.

“Álbumes nacientes de la pandemia” se llamará una página completa de Wikipedia algún día y en la lista veremos no una, sino dos entregas de Franc Moody. El año pasado lanzó House of FM, un EP que surgió de una dinámica a distancia con envío de audios y solo un par de visitas al estudio para concretar la producción. Este año, este mes de hecho, vuelven a nuestros oídos con su segundo álbum de larga duración: Into the Ether, lo que dio la excusa para una charla por ZOOM. 

Ha sido increíble estar de gira de nuevo. Lo esperábamos desde hace mucho, con la pandemia y todo. Desde marzo de 2020 hasta septiembre de 2021, no habíamos pisado un escenario. Incluso hubo un festival en Glasgow a finales de 2021 en el que dijimos ‘ok, esto es un poco extraño’. Sin embargo, ya nos sentimos plenos de nuevo. Oficialmente estamos de vuelta. Y este álbum muestra muy bien ese cambio (confinamiento y libertad)”.

Mientras que House of FM fue un set de canciones creado sin presiones ni un rumbo fijo, Into the Ether tiene más formato y concepto. El dúo inglés siempre se ha movido entre lunas, cohetes y estrellas. Sin embargo, esta vez, los parajes espaciales no se ajustaban a su visión, por lo que los transformaron en algo más árido y terrenal.

Es una progresión de Dream in Color. Quisimos hacer algo mucho más completo y bajo una sola idea: funk del desierto. Imaginamos guitarras galopantes y largas secciones de cuerdas que provocaran lo mismo que Ennio Morricone hace tan bien en sus scores”. 

El desierto se convierte un poco en una metáfora. No poder convivir con tu gente, no poder hacer lo que sueles hacer o tener demasiado espacio alrededor. “Como todo era tan diferente, tuvimos que escapar en nuestras mentes, recordar las aventuras que tuvimos e imaginar las aventuras que tendríamos. Es como una crónica de ficción con tintes autobiográficos. Una versión de La Odisea impulsada por el funk”. 

Todo fue pensado para abonar a este viaje de aventura. Desde la portada, realizada por Rachel Bugey, que pretende ser una especie de portal a este escenario surreal. “El estilo ultra digitalizado contradice lo análogo de la música y el concepto del desierto. Te lleva de lo mundano a lo surreal”; hasta la transición de las canciones. “'Into the ether' abre el disco para colocarte en el mood de explorar, de aventarte a lo desconocido. Después, los 11 temas se pasan fluidos. Lo armamos para no tener pesos muertos, todas las canciones son excelentes y conectan con la siguiente”. 

Actualmente Franc Moody está concentrado en tocar en vivo. Tienen presentaciones programadas hasta mitades del siguiente año. “Honramos cada escenario que pisamos. Nos sentimos tremendamente afortunados de hacer lo que hacemos y por eso le tenemos tanto respeto a cada presentación”. Sin embargo, “por supuesto que habrá un nuevo álbum en algún momento. Tenemos algunas ideas, pero estamos en un punto en el que somos un lienzo en blanco aún”.

Se anuncia el box set 'Divine Symmetry' de David Bowie

Inspirado en la época del disco Hunky Dory, se anuncia el box set Divine Symmetry.

Sin temor a equivocarnos David Bowie es una de las más grandes estrellas que nos ha regalado la industria musical, y que ha servido de gran inspiración para cientos de músicos alrededor del mundo, además de haber dejado un gran legado para la cultura en todo el mundo.

Como sabemos, esta gran estrella se apagó en el año 2016, pero a pesar de esto Bowie nos sigue regalando cosas y sigue expandiendo su magia. Por ello el día de hoy se anuncia un box set inspirado en el álbum de 1971 titulado Hunky Dory, y llevará por nombre Divine Symmetry, el cual contendrá 48 pistas inéditas distribuidas entre demos, versiones alternativas, presentaciones en vivo, entre otros materiales, las cuales estarán repartidas en cuatro CD, además, este paquete de colección también contendrá la remasterización de 2015 de Hunky Dory en audio Blu-Ray, un libro de fotos de tapa dura de 100 páginas, y una réplica de 60 páginas de los cuadernos de apuntes de Bowie de la época. Eso sí, si quieres ser acreedor a este box set, debes de estar atento, ya que se liberará en el próximo black friday.

David Bowie_Box set_2022

 

En dado caso que por azares del destino no puedes conseguir este gran paquete, no todo está perdido, ya que en febrero del próximo año se lanzará un vinil que contendrá distintas mezclas y versiones de canciones de Hunky Dory, más una canción extra.

Para aumentar las expectativas, también se compartió una grabación de la Radio BBC desenterrada, titulada, "Kooks”.

Denise Gutiérrez estrena “Una Mañana”

Como forma de reinventar la canción “Una Mañana”, Denise Gutiérrez utiliza todas sus habilidades musicales y nos trae esta nueva versión.

La cantante mexicana, Denise Gutiérrez, es reconocida en toda Latinoamérica, así como en el panorama internacional, pues ya lleva una trayectoria de más de 17 años en la industria musical, principalmente en el proyecto alternativo Hello Seahorse!, con el que nos ha hecho experimentar un sinfín de emociones y sensaciones.

El día de hoy, Denise toma la creación del compositor Douglas Clare Fischer, titulada “Una Mañana”, la cual fue escrita en el año 1970 y que fue inmortalizada por el príncipe de la canción José José, y en un arduo trabajo de producción e interpretación nos regala esta nueva versión.

En una fijación entre la belleza y la melodía de la canción, Denise nos regala una interpretación con su ya distintiva voz, con la que trata de plasmar la luminosidad del tema, y poniendo elementos muy básicos, como una batería y teclado que, al juntarse con la voz, dan la mezcla perfecta y conviven en armonía.

Esta versión es parte de una campaña de la marca de productos de descanso Lunna, misma que opto por esta gran compositora y voz mexicana para plasmar sus ideales.

Así que te invitamos a que escuches esta nueva versión, con una de las voces más importantes de la música alternativa de la actualidad.

Álvaro Díaz nos pone a bailar más “Lentito”

El puertorriqueño presenta el segundo adelanto de su próximo disco, Sayonara. 

Hora de ponerse a bailar más “Lentito”, esta semana el multifacético Álvaro Díaz la está rompiendo en México y aprovechó para presentar el segundo sencillo de su próximo disco Sayonara, que saldrá con Universal Music Latino.

La canción cuenta con un video grabado por Gallery Sessions, un estudio que literalmente sirve de escaparate para los artistas emergentes al promover encuentros en vivo alrededor del mundo, instalando aparadores donde los músicos cantan para sus afortunados fans, han colaborado con Julieta Venegas, Bratty y Mala Rodríguez.

El tema es producido por Orteez, Manuel Lara del sello NEON16 y Caleb Calloway, que ha trabajado con Bad Bunny, J Balvin y Rauw Alejandro, juntos suman varias nominaciones a los Latin Grammys.

Se separó abismalmente de Ramona Flowers, el anterior sencillo con que “Lentito” comparte álbum, demostrando la versatilidad de Alvarito y la gama de sonidos que podremos encontrar en Sayonara. Aquí también nos regala diversos rangos vocales, desde su clásico rap hasta falsetes.

“Lentito” ya debutó en vivo, se estrenó el 24 de septiembre durante su concierto en el Pabellón M de Monterrey, parte de su tour Adiós a Felicilandia, gira que sirve para despedir a su disco del 2021 y con la que logró un sold out en Pepsi Center WTC de la Ciudad de México. Aún le queda una fecha en el país para éste 01 de octubre en Guanamor de Guadalajara.

Lucy Dacus comparte dos covers en homenaje a Carole King

"Home Again" y "It's Too Late" en una versión indie rock gracias a Lucy Dacus.

El tercer álbum de estudio de Lucy Dacus, Home Video, fue uno de los discos más celebrados de 2021 y la consolidó como "una de las mejores compositoras de su generación", así la calificó Rolling Stone. Hoy, Dacus vuelve para homenajear a una de las mejores compositoras de generaciones pasadas: Carole King.

El legado de Carole King sigue repercutiendo en la música actual. Los dos covers interpretados por Lucy Dacus se encuentran disponibles en formato físico en vinilo de 7" como parte del paquete de Home Again  de Carole King de Third Man Records, lanzado a principios de este año. "Home Again" y "It's Too Late", además, ya están disponibles en todas las plataformas.

Cuando escuché Tapestry en la colección de CDs de mi madre, era lo suficientemente joven como para considerarlo bueno o malo; simplemente definió cómo sonaba la música para mí, y sigue siendo la base de mi forma de entender la composición. Es inteligente, me encanta cómo sus melodías refuerzan el tono de las letras. Lo mantiene simple, pero eso es lo que lo hace universal". Cuando me pidieron que hiciera covers de un par de sus canciones, no lo dudé. Su trabajo se siente como una parte de mi ADN y estoy agradecida por ello", mencionó Dacus en una entrevista para The Guardian.

"Home Again" y "It's Too Late" son dos de las canciones más queridas de King, incluidas en su álbum Tapestry. El primero es un sencillo que contiene algunas de las emociones más crudas presentes en el álbum. Este último, por supuesto, fue el primer y único sencillo número uno de King como solista.

Lucy Dacus actualmente está de gira, presentándose en muchas ciudades de Norteamérica. El show en vivo en la CDMX tendrá lugar el próximo 5 de diciembre en el Auditorio BB. Esperemos que en su presentación por tierras mexicanas nos presente en vivo alguno de estos increíbles covers:

La oscuridad de Phil Spector tendrá docuserie

La cadena Showtime nos traerá toda la polémica alrededor del productor de The Beatles hasta Ramones.

En 2009, el productor Phil Spector fue condenado a prisión por el asesinato de la actriz Lana Clarkson, situación que manchó su historial como maestro del sonido y una de las mentes que hicieron al pop-rock tan impactante a finales de los 60.

Este será el hilo conductor de la serie documental de cuatro partes que será emitida por Showtime a partir del 4 de noviembre, bajo el simple título de Spector. En donde seremos testigos de las actitudes tóxicas, manías psicópatas y malos tratos que tuvo con conocidos, amigos y clientes, hasta terminar con la vida de Clarkson en 2003. 

Escucharemos testigos grabados durante toda la carrera de Spector, entrevistas hechas en el pasado y nuevos testimonios de la madre de Lana, abogados, personal especializado y hasta el mismo Leonard Cohen, a quien le llegó a apuntar con un arma. 

Entre los más clavados en la producción musical, recordarán a Phil Spector como creador del muro del sonido (wall of sound o Spector sound). Una técnica que potenciaba el sonido al grabar a varios músicos tocando el mismo instrumento en armonía, usando la reverberación en un sótano acústico y usando esos ecos para la cinta que acompañaría la pista principal, una mezcla que sonaba perfecta en las radios AM y grabadoras que reproducían en mono. 

Spector trabajó con grandes como The Beatles, tanto en conjunto como los proyectos de Lennon y Harrison por separado, The Crystals, The Ronettes, Tina Turner, Ramones y más. Falleció en enero del 2021 de COVID-19 mientras cumplía su condena en la cárcel. 

La polémica fue parte de su vida y opacó lo que pudo ser una carrera perfecta, se registran altercados con famosos como Cohen, Debbie Harry de Blondie y Dee Dee Ramone, por enunciar los más famosos. Se sabe que amenazaba a la gente a punta de pistola o la encerraba en su casa con las luces apagadas. 

Estos datos y más escabrosas confesiones serán las que veremos en la docuserie Spector, dirigida por Sheena M. Joyce y Don Argott, quienes trabajan también en el documental de Ronnie James Dio. El score está compuesto por Dan Reynolds y Daniel Wayne Sermon de Imagine Dragons junto a Aja Valkman de Nico Vega.

Puedes disfrutar el avance de la serie a continuación, recuerda que llegará a partir del 4 de noviembre a Showtime de Estados Unidos, estaremos en espera del servicio que la suba en México y Latinoamérica. Aquí algunos documentales que te pueden interesar.

'27', la nueva cerveza de Charly Alberti

27 es un proyecto que hizo realidad sus dos utopías: Cerveza y sustentabilidad.

El músico argentino, Charly Alberti dio a conocer su nuevo proyecto y esta vez no tiene que ver con música. 27 es el nombre de su nueva cerveza en la que ha trabajado desde hace tiempo. De acuerdo a la publicación donde anuncia finalmente el producto, el baterista de Soda Stereo ha estado trabajando en este sueño por 10 años.

Todo empezó en Bariloche, Argentina, donde conoció la producción de la cerveza artesanal, así nació su curiosidad por el producto y sus ganas de involucrarse en el negocio, pero más allá de sólo crear otro producto de este tipo quería hacer algo que tuviera un impacto ambiental positivo.

Siempre tuve como utopía desarrollar una cerveza de muy buena calidad con un alto impacto social y ambiental”, aseguró Alberti en el evento de la presentación de 27.

Asociado con Quilmes, empresa líder en el sector cervecero en Argentina, creó 27 Eazy, una cerveza, como él la describe “riquísima, moderna, dorada y fresca. Con opacidad y aroma único y con un poco menos de alcohol”; lupulada hecha con malta de agricultura regenerativa, un método de producción agropecuario que restablece la salud del suelo que favorece la captura de carbono. "No se trata de greenwashing, sino de un trabajo a largo plazo” añadió el músico.

Por ahora la cerveza se encuentra disponible solo en Argentina pero se espera su importación a otras regiones como Colombia y México muy pronto.

 

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por Charly Alberti (@charlyalberti)