Jupiter & Okwess anuncia gira en México

La banda llegará a México en una gira para llenar de ritmos y baile el corazón del público.  

La banda originaria de República Democrática del Congo dará una gira bajo el nombre México Is My Land Tour. La cual cuenta con un total de siete fechas que recorrerán la Ciudad de México, Aguascalientes, Los Cabos, Zacatecas y Guadalajara. 

El show de Jupiter & Okwess estará acompañado de sus mejores éxitos, además de temas del álbum Na Kozonga donde encontramos ritmos desde la música tradicional africana, jazz, samba, soul, entre otros. Convirtiendo la experiencia en una mezcla llena de ritmos contagiosos y energía.  

La gira comenzará este 20 de octubre en Café Paraíso, en la Ciudad de México y finalizará su recorrido el 12 de noviembre en el Festival Portamérica, en Guadalajara. 

Esta es una oportunidad para llenarte de baile y cultura, conectando con el sonido de Jupiter & Okwess. 

Jupiter&Okwess_TourMéxico

Los boletos ya están a la venta, te dejamos en link para que veas todas las fechas disponibles y adquieras tus boletos lo antes posible, da clic AQUÍ. 

Mientras tanto te dejamos una de las canciones incluidas en el álbum Na Kozonga, para que te des una idea del ritmo que te espera en sus shows.  

King Gizzard & The Lizard Wizard estrena video de “Hate Dancin'”

Alza esos brazos y mueve las caderas, King Gizz presentan un nuevo sencillo.

Es un buen mes para ser fanático de la banda, King Gizzard & The Lizard Wizard presenta el video para su canción "Hate Dancin'", primer corte de su próximo disco Changes, el cual cerrará la trilogía de álbumes editados para éste mes.

Ice, Death, Planet, Lungs, Mushrooms and Lava llegó el día 07, Laminated Denim el 12 y el cierre de la triada lo hará el 28. La grabación estaba prevista para ser la quinta de la carrera de la banda australiana, allá por 2017, pero no se completó en su momento y ahora está lista para salir a la luz.

Su vocalista, Stu Mackenzie, comentó al respecto: "Cada canción está construida a partir de la progresión de un acorde, cada track es como una variación de un tema". Continúa, "Cuando terminamos la sesión, sentía que no habíamos acabado. Era como ésta idea en nuestras cabezas, pero no la habíamos alcanzado. No sabíamos cómo hacer lo que queríamos hacer".

Empecé escribiendo una canción sobre cuánto odio bailar, pero después me di cuenta de que amo bailar.

Sobre el video, podemos ver a la banda compartiendo sus mejores pasos de baile, o al menos esforzándose. Toma un giro más pop rock, sin dejar de lado su base psicodélica, dejando notas suaves y melodiosas.

Beck deja la gira norteamericana de Arcade Fire

A pesar de que Beck no ofreció explicaciones sobre su retiro, la polémica en torno a las acusaciones contra Win Butler sigue en pie.

Hace poco, Arcade Fire, el grupo de indie rock canadiense, se embarcó en una extensa gira a lo largo de América del Norte, misma que estaría acompañada por las apariciones estelares de artistas como Feist y Beck, cosas que, sin embargo, no lograron concretarse, pues ambos decidieron retirarse del tour, siendo la decisión de Beck la más reciente de ellas. Mientras que Feist expresó abiertamente su incapacidad de continuar tras las acusaciones en contra de Win Butler por conductas sexuales inapropiadas, Beck no dio detalles públicos respecto a sus razones.

Lo que sí se sabe es que la banda con orígenes haitianos Boukman Eksperyans será quien reemplace al artista, esto de acuerdo al correo que recibieron las personas que adquirieron sus boletos. Por lo pronto, no se ha mencionado la posibilidad de un reembolso, ni se ha dado a entender que se dará más detalles en torno a ello.

Desde que tres personas declararon a través de redes sociales que su integridad sexual había sido vulnerada por Win Butler, co-fundador de Arcade Fire, la polémica se ha desatado entre sus seguidores, agregado a que el asunto no ha sido esclarecido aún por las autoridades pertinentes, por lo que todo el caso se mantiene entre la niebla aún. Sea cual sea la causa del desprendimiento de Beck de la gira, esperemos que muy pronto podamos presenciar alguna de sus presentaciones en vivo. Mantente al tanto y no te despegues de Indie Rocks!

 

Entrevista con Moon Duo

Ante la incertidumbre de la nada o el inicio de una nueva aventura.

Moon Duo tiene ya más de una década de carrera musical, con una propuesta de rock psicodélico que le ha valido el estatus de culto y alabanzas constantes de la crítica. Sin embargo, como muchos otros artistas y músicos independientes, la pandemia representó un punto de inflexión para el dúo, que ahora regresa para presentar un show que quedó pendiente. “The Lightship” es el punto medio entre viejos y nuevos tiempos, de una banda que no teme empezar desde cero, como lo comenta Sanae Yamada para Indie Rocks!

Definitivamente no es una manera fácil o segura de vivir (risas) siempre tomas riesgos y siempre está la posibilidad de que algo suceda. Creo que de alguna manera tienes que aceptar que en la vida debes tomar decisiones y ver a dónde estás te llevan, tratar de tener una idea clara de que puedes y no puedes hacer y sacar provecho de tu amor por el arte”.

Su última placa Stars are The Light (2019, Sacred Bones) era ya el inicio de una nueva era musical; el disco cuenta con el sonido característico de la banda, pero con una luminosidad e influencia disco que pondrán a más de uno a bailar. Y es precisamente eso lo que este nuevo acto pretende. Uno en dónde la banda se entrega a ser el elemento principal de su show pero acompañado con un espectáculo de luces que sin duda ofrece una nueva cara a su acto en vivo. Aunque este ya estaba planeado desde hace unos años (pospuesto por la emergencia sanitaria), la idea de retomarlo viene de una necesidad de volver al escenario y agradecer la oportunidad de retomar el contacto con la gente.

La idea de explorar música que la gente pueda bailar, creo que eso es algo muy atractivo. Tras la etapa de confinamiento, extraño la experiencia de reunirme con la gente, compartir el mismo espacio, compartir la música, sentir esa energía en tu cuerpo, creo que bailar en estos momentos se siente bien”.

https://youtu.be/_yeE57SBPxc

Este nuevo show que llegará a tierras mexicana a través del Festival Hipnosis 2022, contará con un repaso por algunos de los temas más emblemáticos de su carrera, así como de su última producción. A la par la banda espera usar este espacio de gira como un canvas en blanco para lo que venga en el futuro, pues a pesar de que se han reunido para ensayar de nueva cuenta, no hay material inédito de momento.

En el estudio, hay un sentido o necesidad de exploración sobre lo que estás haciendo, es muy diferente a tocar en vivo, cuando estás frente a una audiencia es algo muy del momento, tu puedes tocar la misma canción una y otra vez, pero será una experiencia diferente … por eso creo que me gusta tocar, es una experiencia única y nunca puede ser replicada”.

De momento la idea es clara: volver a tocar, recuperar el camino que ya tenían como banda y si en algún momento este se cruza con la musa, ambos están listos. Sanae considera que, si bien el esfuerzo ha valido la pena, también viene acompañado de mucha suerte en una industria que para los actos independientes es poco considerada y que simplemente no representa una forma segura de obtener una retribución económica.

Entre 2020 y 2021… hubo momentos en los que la industria de la música independiente simplemente estaba detenida y nadie tenía idea de que iba a pasar, aunque la verdad es que siempre ha sido una incertidumbre (risas). Así que es algo que da miedo y alegría al mismo tiempo, en la incertidumbre hay una probabilidad de que suceda algo catastrófico o algo maravilloso para nuevas ideas, crecer y compartir con los demás".

La banda espera ansiosa su regreso a México pues, aunque han estado pocas veces en nuestro país, algo que se ha quedado muy grabado en la mente de ambos. Ante la incertidumbre de que nos contara más planes, algún proyecto futuro (ambos tienen proyectos alternos) Sanae pide disculpas, pues para una banda que va como las manecillas del reloj, por primera vez no tiene idea que es lo que sigue.

No tengo idea, tanto ha cambiado personal y colectivamente que a estas alturas me gusta no saber, no tener ninguna expectativa, porque estoy emocionada por saber que pasara”.

Los clásicos de la psicodelia presentado por Vans

Déjate llevar y escucha 10 clásicos de la psicodelia que estimularán todos tus sentidos.

El término "psicodelia" fue propuesto en 1956 por el psiquiatra Humphry Osmond para nombrar a la experiencia que se generaba al consumir LSD. Se popularizó gracias al novelista Aldous Huxley quien escribió Las puertas de la percepción bajo los efectos de este alucinógeno. Sin embargo, la psicodelia no sólo alcanzó las fronteras de la literatura, permeó en diferentes ámbitos, entre ellos el musical.

La psicodelia musical se ha caracterizado por ser un género que apuesta más por lo experimental antes que lo comercial. Un género que se interesa en jugar con las posibilidades que brindan los instrumentos para llegar más allá, expandir no sólo los oídos del público sino también expandir su conciencia, alcanzar un estado trascendental y liberador.

Aquí los tracks que consideramos los más representativos y clásicos en la historia.

Cream "White Room"

Es sin duda un sencillo que muestra uno de los mejores solos de la banda, a través de un pedal wah-wah, Clapton cierra de manera psicodélica y con broche de oro esta gran canción.

The Beatles - "I’m The Walrus"

Esta canción tal vez sea la más absurda de The Beatles. Lennon escribió la letra, inspirado en el sonido de la sirena de una patrulla policial, dos viajes de ácido que tuvo en diferentes fines de semana y la historia de la morsa y el carpintero de Lewis Carroll.

The Beach Boys"Good Vibrations"

Este es el resultado de más de 90 horas de audio que se grabaron para ser potencialmente utilizadas en el sencillo que se obtuvo a partir de varias sesiones de grabación diferentes.

The Rolling Stones - “2000 light years from home”

Esta canción está llena de melodías de guitarras y sonidos futuristas y espaciales.  Mick Jagger escribió la letra, mientras se encontraba detenido en la cárcel de Brixton por tenencia de drogas.

Strawberry Alarm Clock - "Incense and Peppermints"

Un himno de la psicodelia que marcó el sonido de toda una época. Se grabó cuando la banda californiana aún se hacía llamar “Thee Sixpence”, surgió improvisadamente, los vocalistas originales hicieron las armonías y la voz estuvo a cargo de Greg Munford, quien aún no formaba parte de la banda.

Donovan -“Hurdy Gurdy Man”

Una especie de cuento cósmico, un viaje en donde predomina una gama amplia de guitarras distorsionadas y tambores agresivos. Donovan la escribió mientras estaba en la India, en un retiro de meditación trascendental al que también acudían los Beatles.

The Doors -"The End"

Con una letra espiritual, casi magnética, que crea una mezcla perfecta con el sonido envolvente de la guitarra, el teclado, la batería y la inigualable voz de Jim Morrison. Un viaje hipnótico que dura casi doce minutos.

Pink Floyd"Interstellar Overdrive"

Esta pieza es todo un evento psicodélico donde se demuestra el interés de estos músicos por improvisar y estar a la vanguardia con creaciones que se atrevían a durar más de diez minutos.

The Byrds"Eight Miles High"

Podría considerarse la primera canción de rock psicodélico, pues marca un quiebre en los sonidos tradicionales del rock al unir la música oriental con el free jazz, sin duda llevó a otro nivel el sonido de la época.

Iron Butterfly- “In-a-gadda-da-vida”

Un tema de larga duración donde se escucha la presencia del órgano y un reconocible riff de guitarra y bajo, un estilo singular que más adelante inspiraría a otros grupos que tomarían el camino hacia el hard rock progresivo.

Conoce los modelos clásicos Vans.

Sorry — Anywhere But Here

Sorry regresa con una paleta de sonidos diversa y un conjunto de letras agridulces.

Sorry es el proyecto musical de los londinenses Asha Lorenz, Louis O'Bryen, Lincoln Barrett, Campbell Baum y Marco Pini. Su álbum debut se titula 925 (2020), una presentación brillante, este primer álbum es una apuesta por la experimentación con sonidos discordantes y letras que retratan su ciudad de una manera positiva y agradable.

Como continuación de 925, Sorry regresa con su segundo álbum de estudio y presenta Anywhere But Here, disco producido por Adrian Utley (Portishead), que cuenta con un total de 13 canciones que demuestran que la banda no se queda en su zona de confort, pues las melodías tocan diferentes géneros, van desde lo indie hasta la mezcla de melodías noise rock, electrónica, lo-fi, grunge e incluso post punk.

Sorry dibuja en Anywhere But Here un paisaje donde hay callejones, antros subterráneos, luces parpadeantes, la vida ajetreada de la capital. Una colección de historias, de nuevo sobre su ciudad natal, pero ahora desde un punto de vista más oscuro, con un sabor agridulce que eleva a la banda a otro nivel de madurez en sus letras.

Sorry_2022

Iniciar con “Let The Lights On” es un movimiento inteligente, la canción habla sobre dejar el dolor atrás, propone un sentimiento positivo, una canción indie rock que mezcla una guitarra muy noventera y un bajo, una alegría que dura poco, pues al continuar con los demás tracks, los sentimientos esperanzadores y alegres se van disolviendo.

Los tonos minimalistas, que juegan con la experimentación se encuentran en “I Miss the Fool” y “Closer”, historias que destacan por mostrar un desánimo grande en sus personajes y que alertan sobre la importancia de la salud mental.

La voz resonante de O’Bryen en “Tell Me” sólo hace más profunda esa sensación de tristeza a la que no se le ve final, por esa misma línea va “Screaming in The Rain” donde se combina un indie muy suave y nostálgico que te contagia un sentimiento de desesperación y preocupación.

“Key To My City”, “There's So Many People That Want To Be Loved"  y “Step” son estampas con sonidos muy tranquilos, que contrastan con sus letras desgarradoras, donde se muestran imágenes urbanas desoladoras, donde persiste un sentimiento de anhelo en medio del deseo y la pérdida.

Cada canción es un mundo en sí mismo, un viaje donde estás en cualquier sitio, pero también aquí, en un escenario deprimente y abrumador, pero catártico y sanador al mismo tiempo.

 

Daphni — Cherry

Toda una experiencia de baile de inicio a fin.

Daniel Victor Snaith, es un compositor el cual hemos conocido con varios nombres artísticos, pero que en esta ocasión hablaremos de su faceta como Daphni, la cual nació como una necesidad de parte de Daniel, ya que, en sus ratos libres hacia sesiones de DJ, donde el mismo comenzaba a crear su repertorio, y con el cual nos comenzó a regalar compilados de su música.

Recientemente Daphni nos comparte un nuevo LP titulado Cherry a través del sello Jiaolong y hoy en Indie Rocks! te hablaremos sobre él.

Daphni_Cherry

Podemos decir que desde que nos recibe “Arrow”, encontramos el modelo de composición y creación del disco, el cual en un ambiente dance nos va hipnotizando. Esto mismo se siente en “Cherry” y con la canción “Always There”, ya que nos lleva de lo micro a lo macro, e incluso se siente esa vibra de la música electrónica de inicios de los 2000.

Con “Crimson” se nota la utilización de sintetizadores más dinámicos, con el uso de ruido blanco y cierto arpegio que te hace escuchar toda la pista.

“Arp Blocks” se siente como un descanso minimalista, como si se tratara incluso como de un descanso creativo, tanto es así que de pronto podemos escuchar el metrónomo de fondo. A continuación, Daphni nos muestra un jugueteo con un ecualizador, dejándonos escuchar frecuencias graves, de pronto cambiando a agudas o medias, y todo esto lleva por nombre “Falling”.

Con las canciones “Mania”, “Take Two” y “Mona”, nos adentramos de nuevo en un momento dinámico como el del inicio, que si, en momentos nos saca de nuestra zona de confort, pero regresaremos a ella y con un poco más de dulzura en “Clavicle”, la cual podría ser la canción más dulce de todo el material.

“Cloudy” nos lleva entre notas de piano y un sampleo de voz hacia la parte final del disco, brincando a “Karplus”, canción que nos da la sensación de estar viajando entre tubos de plástico o resortes, dándole un cierto toque industrial, convirtiéndose en la canción más agresiva de toda la compilación.

Las últimas dos canciones son “Amber” y “Fly Away”, pero a pesar de que sabes que esto es lo último, la sensación que te dan las canciones no es esa, se siente como si apenas empezara una fiesta, y es que este disco es así, jamás se siente lento, está en constante dinámica con todas las canciones.

Este disco de música electrónica no busca ser pretencioso o algo por él estilo, se siente que su única finalidad es hacer bailar a la gente, y sin duda lo hace a la perfección, aunque también se pueden encontrar algunas cosas que puede que corten este baile o que no todo comprendan la rítmica o el porqué de la pista. También se puede notar ese espíritu de la música electrónica de a principios de los 2000, pero se siente más limpia, se escucha el avance tecnológico, pero con rítmicas de hace unos cuantos años, lo cual siempre se agradece y que se presta a la nostalgia. Así que, si tu extrañabas este tipo de toque en los productores actuales, este disco es para ti, y estamos seguros de que te va a encantar.       

 

Tecate Live Out 2022

Un ritual dedicado al baile y a la liberación, abrigado por el cerro de la silla.

Dos años han pasado desde la última vez que nos reunimos en las inmediaciones del parque fundidora para celebrar un Tecate Live Out. Este es un festival que hace retumbar el corazón de la desértica ciudad norteña, elevando la serotonina a niveles que nos hacen disfrutar cada segundo de la vida, mientras dejamos que nuestro cuerpo sea dominado por un incesante deseo de bailar hasta el final.

Clima cálido, que en momentos nos puso a prueba a muchos que no acostumbramos el extremo clima de la ciudad neolonesa, pero con viento que daba tregua a cada ráfaga que se hacía presente para conocer que artista se encontraba sobre el escenario. Sin duda, una combinación perfecta para disfrutar de un festival hecho para bailar sin descanso.

Más de 57 mil personas llenaron el espacio cercado por tres escenarios que no diferían tanto en tamaño, haciendo cada una de las presentaciones igual de importante que los actos que encabezaron un cartel repleto de talento nacional e internacional. En tamaño, el festival parecía ser pequeño, pero demostró que un buen lay out es suficiente para hacer de un festival pequeño, mejor que cualquiera que se las da de gigante.

Después de un pequeño retraso y un chequeo de sonido con toda la gente lista para bailar, Noah Pino Palo tomó el escenario. Esta presentación fue un claro augurio de lo que nos esperaría el resto del festival, llenando nuestros oídos con una vibra vintage de electro pop dedicada a dominar nuestros pies y corazones. Noah Pino Palo no dejó nada reservado y expuso lo mejor de su repertorio con una vibra más upbeat que a la que nos tiene acostumbrados, interpretando temas como “Anillos”, la siempre bailable “Morena” y “Muero x ti”, canción con la que llegaron los miembros de Clubz para dar cierre a un gran inicio del festival.

Noah Pino Palo_Tecate Live Out -5

A paso veloz nos transportamos a la carpa del Tecate Room, para presenciar la presentación de Pahua. ¿Qué podemos decir de esta presentación? Nada, solamente que Paulina Sotomayor es una genio sobre el escenario. Con muy pocos elementos Paulina logró hacernos bailar y disfrutar, mientras interactuaba con nosotros en cada oportunidad que se le presentaba, siempre para recalcar que el clima de Monterrey no da tregua a alguien que no lo conoce. En lo personal, siento que no hay mejor clima para disfrutar de la propuesta electro latina de Pahua, que nos hizo bailar con la interpretación de sus mas recientes lanzamientos como “Amuleto” y todo un repertorio de sonidos cumbieros.

Después de una pequeña pausa para explorar la basta oferta culinaria del festival, volvimos a correr, ahora hacia el escenario Bacardí, donde Saint Motel le daría el boost de energía que le hacía falta al festival. Increíble sería la palabra con la que podríamos describir el set que nos presentaron los californianos, quienes no desaprovechaban ninguna oportunidad para recordar su primera presentación en la edición inaugural del Live Out, en el lejano año de 2015. A/J Jackson nos entregó una de sus eufóricas presentaciones, bajando del escenario desde las primeras canciones del set y dominando al público con la interpretación de temas como “Cold Cold Man”, “Sweet Talk” en la que todos los presentes se unieron en una sola voz para acompañar a los coros, y “My Type” canción con la que cada uno de los miembros pudo lucirse tomando el frente del escenario.

La siguiente presentación del escenario Bacardí quedaría marcada por multiplicar la energía entregada por Saint Motel, ya que Yungblud tomó el escenario y desde el segundo rompió en un frenesí energético, que dejó a una gran parte del festival anonadada. Corriendo de extremo a extremo, gritando “Te amo” cada que podía, el inglés hizo del escenario su casa y nosotros fuimos los invitados de honor. No hay lugar a dudas de que el interprete inglés es todo un showman con un carisma envidiable.

Regresamos al escenario principal, para presenciar el set que Polo & Pan tenían preparado para nosotros. Para este momento, la pila ya se había vaciado y recargado múltiples veces, pero era casi imposible sentir el cansancio con cada una de las presentaciones, las cuales se encargaban de dominar nuestro cuerpo haciéndonos parte del mismo ritual de baile sin fin. Los franceses se encargaron de hacer lo suyo con un set que presentaba visuales magníficos e interacciones del dúo que demostraron su gran química como proyecto, mientras nos dominaban a todos con la interpretación de sus mejores éxitos como “Canopée”, “Ani Kuni”, “Mexicali” y cerrando su set con “Nanã”.

Plo&Pan_Tecate Live Out_Manu Portillo-12

A pocos segundos del fin de la presentación de Polo & Pan, el público solo tuvo que voltear para transportarse al escenario Bacardí, en el que Purple Disco Machine tomó a un público extasiado y con ganas de seguir el rito de movimiento perpetuo, para romper lo que quedaba de la pista de baile. De esta manera llegamos a una de las presentaciones principales del festival, Jungle subió al escenario principal para inundarlo de una bruma naranja y todo el sonido que los caracteriza. Este fue uno de los actos que más público reunió y que de ninguna manera decepcionó a los presentes, al contrario, nos dejó a todos con ganas de un set mucho más largo, y claro, con la pila lista para seguir bailando después de escuchar “Keep Moving” y “All Of The Time” como una referencia directa al claro objetivo del festival.

Llegamos al cierre del festival con la presentación de Roosevelt, quien fue el encargado de clausurar la carpa del Tecate Room, con una presentación llena de color y calidad musical extrema. Presentando grandes temas como “Montreal” y “Night Moves” con puentes musicales muchos más largos para dar continuidad al baile del día. Roosevelt, subió al escenario para dejar su marca indeleble en la historia del festival y dejando en claro que ellos están para la clausura de un escenario mucho más grande.

Culminamos el festival con un descanso para los pies, pero con regocijo emocional provocado por la presentación de Lorde. La neozelandesa nos sorprendió con un elemento escenográfico dinámico que aprovechó durante toda su presentación, la cual nos llevó a través de un viaje emocional y nostálgico entre sus sencillos más antiguos, hasta los más recientes. Toda la presentación se caracterizó por la alta emocionalidad de Lorde y sus mensajes de auto aceptación y conciencia ambiental. Sin temor a equivocarme, muchos de los presentes nos transportamos a nuestra época de adolescencia en la que Lorde representaba una voz de apoyo y el hecho de cerrar un magnifico festival con su presentación, nos llenó el corazón a varios.

Tecate Live Out regresó con paso firme y seguro, dejando como manifiesto su gran calidad como evento dentro de la mente de todos los asistentes. Sin duda, un festival que merece estar en el calendario de todos los amantes de los conciertos de nuestro país.

Gepe en el Auditorio BB

Con magia andina y matices de amor a México.

Un energético, folclórico y emotivo recital aconteció la noche del 15 de octubre en el Auditorio BB, uno de los venues más innovadores, no solo en tierra Azteca, sino en toda América Latina, pues cuenta con una de las mejores propuestas arquitectónicas, una excelente isóptica y un diseño acústico relevante; el spot fue idílico para una noche llena de magia con uno de los artistas chilenos más queridos a nivel internacional: Gepe.

Desde las 19:00 H la gente comenzó a arribar al sitio, la mayoría con ticket en mano, quienes aprovecharon la oportunidad para adquirir algún recuerdo del evento, desde playeras y sudaderas hasta coloridas tazas, plumas y pulseras; por otro lado, los más despistados llegaron al recinto con la esperanza de encontrar aún boletos disponibles ante el visible sould out de la noche.

Ya con todo listo y el protocolo de revisión ejecutado, las personas comenzaron la travesía para encontrar el mejor lugar y ver al cantante que, en sus inicios, creó una agrupación llamada Taller Dejao y luego inició su proyecto  Gepe el cual subió de manera orgánica y creció como la espuma gracias a su destacada lírica que transmite alegría y nostalgia a la vez.

En punto de las 20:30 H Daniel Alejandro Riveros Sepúlveda​, conocido como Gepe, hizo su aparición entre gritos y euforia del respetable, era oficial, la energía estaba en punto de ebullición y con esas vibes arrancó el concierto. El tema de banderazo fue un híbrido entre las canciones “Qué sacarán con quererme” y “Prisionero”, para que después vinieran icónicos temas como “Confía” y “Flor de canelo” con la cual de inmediato puso a brincar a los presentes, como efecto secundario, la vibración del piso era agitadora.

Gepe_auditoriobb_edwinlopez_12

Una velada mágica con Gepe y su gira homónima

El formato que el compositor y multiinstrumentista trajo desde el sur fue acústico e íntimo, mismo que estuvo conformado por guitarra, saxofón, charango/acordeón más la voz y la batería del cantautor, al mismo tiempo que el show estuvo enriquecido por la presencia de artistas invitados especiales. 

El primero de ellos fue Esteban Mateus Williamson, conocido profesionalmente como Esteman, quien interpretaron el más reciente tema que acaban de lanzar juntos titulado “Ansiedá”, pero las sorpresas no terminaron con el arribo del colombiano al stage, sino que la segunda invitada fue la compositora e instrumentista argentina Daniela Spalla.

Por parte del público también hubo sorpresas, entre ellas dos muñecos simi arrojados al cantante, quien al recibirlos expresó “gracias, ahora puedo decir que lo logré”; el respetable además lanzó una diadema con orejas de conejo al cantante y posteriormente un ramo de flores.

Gepe mostró su capacidad de taumaturgia en cada uno de los temas interpretados durante casi dos horas de concierto, en donde hizo un recorrido por exitosas melodías de sus ocho álbumes, con un repertorio extenso con el que logró acercar más a su público mexicano, a través de una velada mucho más íntima sin dejar a un lado el baile y el folclor que le caracteriza; este finalizó con éxitos como “Las 4:40” y “Hablar de ti”, sin embargo, la cereza del pastel aconteció cuando el chileno sacó a relucir temas del LP de covers, entre ellos “Las flores” de Café Tacvba, “Lento” de Julieta Venegas y “Amor, amor de mis amores”, de Devendra Banhart y Natalia Lafourcade, con las cuales Gepe aseguró que expresaba su amor en forma de homenaje a México.

Roger Waters en el Palacio de los Deportes

Un cautivador espectáculo que emociona a diversas generaciones.

La música de Roger Waters es uno de los legados más entrañables para un ser humano, pues su mensaje sigue impactando contundentemente a lo largo de varias generaciones de fanáticos que una noche como anoche fueron congregadas bajo el domo de cobre de la CDMX.

Previo al inicio del show, la gente dentro de la pista se notaba confundida por la ubicación del escenario, ya que unas enormes pantallas en forma de “T” fueron dispuestas al centro de la pista, por lo que desconocíamos cuál sería la ubicación ideal para apreciar el espectáculo. Los 15 minutos previos se avisó a los asistentes que el show estaba por comenzar, encendiendo la energía y la emoción entre nosotros. Una vez dadas las 21:10 H, las luces bajan, las pantallas se encienden y los gritos enloquecidos retumban por doquier, al momento que las pantallas se separan de su base y revelan la ubicación de Roger y el resto de sus músicos que fueron posicionados estratégicamente en toda la superficie del escenario recién emergido.

Al comenzar, un mensaje pedía a los asistentes dos cosas: la primera, apaguen sus celulares; la segunda, si no están de acuerdo con la postura política de Roger, váyanse al carajo ahora mismo. Sin preámbulos, “Comfortably Numb” arrancaba el recital, uniendo las voces de todos los asistentes cantaban con gran sentimiento. Sin pausa alguna, el puente entre “Happiest Days of Our Lives” y “Another Brick in The Wall” consumió entre aplausos y vitoreo al público.

El material visual proyectado en las impresionantes pantallas se tenía de rojo, las diversas víctimas por el abuso de los ejércitos y el abuso policiaco se muestran como principales protagonistas en “The Powers that Be”. El discurso en contra del abuso en la guerra política no cesa, la imagen de Ronald Reagan aparece en pantalla, con una leyenda señalándolo como criminal de guerra, tras la muerte de 30 mil personas en Guatemala, para posteriormente culpar a Obama por aprobar el uso de drones en la milicia, a Trump por continuar aumentar las muertes causadas por drones y finalizando con la imagen de Biden, que recién comienza con su mandato, todo esto mientras “The Bravery of Being Out of Range” sonaba en todo lo alto.

Roger, aún pese a no hablar español, hace un esfuerzo por agradecer a todos aquellos que compraron su boleto desde 2020 y asistieron esta noche, significando mucho para él. Su nueva canción “The Bar”, misma que contiene pensamientos post pandémicos, es escuchada con atención al término de este bello mensaje, dándole paso a un nuevo bloque de canciones de Pink Floyd, siendo “Have a Cigar” la que, tras dar un breve recorrido por su trayectoria musical a lo largo de los años 60 y 70 haciendo un homenaje a sus ex colegas, continuaría con la locura dentro del Palacio de los Deportes.

Durante “Wish you Were Here”, se recordó el origen de Pink Floyd, tras una magnifica noche donde Gene Vincent y The Rolling Stones inspiraron a seguir sus pasos, recordando a su vez a aquellos seres amados que vamos perdiendo en este viaje de la vida. “Shine On You Crazy Diamond” resuena, siendo acompañada de una historia que vivió Roger dentro de su anterior matrimonio, donde la inestabilidad emocional dentro de la cantina del estudio de grabación en Abbey Road causó un gran conflicto. Finalmente, “Sheep” hace su aparición, a la par que un gran globo en forma de oveja dirigido por drones revuela sobre nosotros. 

Roger Waters en el Palacio de los Deportes (2)

Tras hacer ajustes en el posicionamiento de la batería y otros ajustes durante el intermedio de este espectáculo, la figura de un cerdo que sobrevolaba el interior del domo captura la atención de los espectadores, esto como entrada a la reanudación del concierto con “In The Flesh”, misma que desplegó largos banderines que dejaron al descubierto el famoso símbolo de los martillos cruzados, cuyo significado ha sido comúnmente relacionado al fascismo, enfatizando la lírica de este gran tema.

“Run Like Hell” continuaría enalteciendo el espíritu de lucha, donde el público dejó todo al cantar al unísono, mientras se nos mostraba un video filtrado por un exsoldado estadounidense, donde se observa un asesinato por parte del ejército, sin que hubiese ningún castigo de por medio para los asesinos, no así para el soldado que valientemente le hizo saber sobre este crimen al mundo.

Una ola de éxitos de Pink Floyd derretiría nuestro cerebro: “Money”, “Us & Them”, “Any Colour You Like” y “Eclipse” fueron coreados uno tras otro, causando baile, gritos y llanto entre los apasionados fanáticos.

Para concluir, Roger se reúne para brindar con todo su equipo de músicos y coristas, muy a la mexicana al degustar un mezcal espadín, agradeciendo no solo a ellos si no a todo el equipo de ingenieros que hicieron posible la ecualización y disposición de todo el equipo necesario para crear esta increíble experiencia audiovisual. “Two Suns in the Sunset”, un reprise de “The Bar” y “Outside The Wall” fueron las últimas canciones de este increíble concierto.

Pasan los años y Roger sigue brindando espectáculos difíciles de olvidar, superándose en cada uno de ellos. El pasar del enojo al júbilo, del llanto al baile, y de gritos de protesta a gritos de alegría hace que este concierto sea uno de los shows más emocionantes que uno pueda experimentar, aunado al increíble espectáculo audiovisual que acompañó esta magnífica experiencia que se ha colado en una de las mejores que haya vivido.