El cantante de Greta Van Fleet se rompió un tímpano durante un show

Tras la ruptura de tímpano de Josh Kiszka, la banda ha tenido que posponer sus próximos tres shows.

Greta Van Fleet, la banda de rock estadounidense, se encuentra inmersa en medio de una ambiciosa gira a través de Norteamérica, planeada originalmente para extenderse hasta el 12 de noviembre, añadida a los diversos shows que darán en diciembre. No obstante, se ha notificado que, durante el concierto que dieron el pasado ocho de octubre en Bangor, Maine, el vocalista del grupo Josh Kiszka sufrió de una ruptura de tímpano, lo que ha resultado en la posposición de sus próximas tres presentaciones que se llevarían a cabo en Raleigh, Greenville and Jacksonville.

 

 

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A través de la cuenta oficial de Instagram de la agrupación, Josh dio a conocer la noticia, explicando que la acción de reagendar los shows fue bajo la recomendación de sus médicos, quienes le indicaron que necesitará más tiempo del calculado para que su tímpano sane en su totalidad.

Estoy destrozado por tener que hacer esto y no puedo comenzar a expresar cuánto aprecio el amor y el apoyo que nos dan cada noche. Es devastador para mí hacer este anuncio, pero sé que es imperativo para seguir tocando", expresó el cantante.

Asimismo, Josh aseguró que anunciarán las nuevas fechas lo más pronto posible y que, si los fans pueden y quieren asistir a dichas presentaciones, los boletos originalmente adquiridos serán válidos como accesos. De lo contrario, los reembolsos estarán disponibles en los puntos de compra en cuanto las nuevas fechas sean dadas a conocer.

Chuck Berry ¿el padre del Rock & Roll?

Retomamos una de las grandes controversias en la carrera del cantante.

En el rock n’ roll cada artista que se destacó tuvo su mención en la historia de la música, debido a que este género produjo las raíces de un árbol que se mantiene hasta nuestros días. A Elvis lo llamaron "El Rey", Little Richard se adjudicó el título de reina, pero en el caso de Chuck Berry ha sido muy discutido su apodo de "El Padre del Rock & Roll", debido a que antes de que pudiera ser conocido llegaron músicos como Bill Haley y el mismo Richard, incluso algunos se remontan a artistas como Fats Domino.

El primer tema de Berry fue “Maybellene”, publicado en 1955 después de firmar con el mítico sello Chess Records, mientras que Haley llegaba a los primeros puestos de las listas con “Rock Around The Clock” meses antes y “Tutti Fruti” se escuchaba a lo largo del país. En ese tiempo hasta Elvis Presley ya tenía una carrera en ascenso.

Pero no se trata de quién fue primero, sino de lo que lograron cosechar para este género, eso es lo que deja al intérprete de “Johnny B. Goode” en lo más alto de la lista. Si por algo es conocido el rock n’ roll fue por romper las barreras raciales entre los jóvenes a través de la música. Chuck Berry fue el primer cantante negro en llegar al público blanco, mezclando los sonidos del blues y el country, con padres confundidos, pensando que sus hijos estaban escuchando a otro artista caucásico.

Por su parte, Bill Haley se fue del lado del twist, Little Richard se convirtió en sacerdote en el 57, cantando temas de góspel y aunque la mejor faceta de Elvis fue dentro de ese estilo, fue solo eso, una faceta. En palabras de John Lennon: “Si intentaras darle al rock and roll otro nombre, podrías llamarlo Chuck Berry".

Brian Eno — Foreverandevernomore

Temas instrumentales y otros más con voces en intermitente.

El reconocido artista Brian Eno se encuentra de estreno con su nuevo material discográfico llamado Foreverandevernomore que con 10 temas promete hacernos enfatizar sobre ciertos temas.

Lo primero que podemos escuchar es “Who Gives a Thought” que a través de sonidos minimalistas y voces intermitentes podemos disfrutar de la nueva música de Brian Eno. Continuamos con “We Let It In” que con melodías misteriosas y lentas nos muestra reflexiones del músico sobre la crisis climática que hay a nivel mundial en la actualidad.

Seguimos con “Icarus or Blériot” que transmite la lentitud con la que baja la arena de un reloj y muestra la serenidad que todos los seres humanos podemos tener con las situaciones de nuestro alrededor. Para “Garden of Stars” los sonidos experimentales y las voces con ecos creando un gran contraste en los recintos.

En “Inclusion” los sonidos se alargan cada vez más como si no tuvieran final alguno, esta canción se siente como estar en una sala oscura donde el eco es el principal enemigo. La naturaleza se ve reflejada en “There Were Bells” con ligeros sonidos que quedan perfecto para un documental.

Brian Eno es conocido por sus temas tan minimalistas y experimentales que en ocasiones pueden resultar difícil de entender, es el caso de “Sherry” que simplemente podemos decir es una pieza fenomenal. Para “I’m Hardly Me” se escuchan coros distantes y aleatorios a través de melodías bastante livianas.

Casi para finalizar podemos apreciar “These Small Noises” un tema que transporta a algunas épocas del año que son representativas, por ejemplo las melodías y coros nos hacen sentir que estamos en invierno. Finamente, llegamos a “Making Gardens Out of Silence” un tema instrumental que parece ser mezcla de cada track que componen al álbum.

 

A 35 años de 'Darklands' de The Jesus and Mary Chain

Vamos a Darklands.

En Reino Unido siempre están pasando cosas que repercuten en el mundo de la música, y en 1985 The Jesus and Mary Chain sacó a la luz su primer álbum Psychocandy, un estallido que llevó a la isla a la locura, tal vez su mejor álbum o el más querido, repito, tal vez; agresivo, punk,  directo, ruidoso, delicioso, como morder una trufa. 

El ruido fue tal que a la banda escocesa se le ponía en el mismo costal que a Sex Pistols, sus en vivos estaban llenos de caos, se había consolidado como un fenómeno, mismo que necesitaba dar el siguiente paso con un segundo álbum, y la vara estaba alta. 

Es cuando llega en 1987 Darklands, un LP que se crea bajo circunstancias importantes que terminan por darle una personalidad muy particular, primero la salida del baterista Bobby Gillespie (fundador de Primal Scream), que lleva a los hermanos William y Jim Reid a tomar la decisión de grabar con una caja de ritmos, además que deciden llevar el barco a otro rumbo y cambian su sonido. 

Darklands a diferencia de su antecesor resultó ser hipnótico, acogedor, oscuro, contemplativo, atmosférico, del punk al post punk, de la trufa a un postre completo. Dicha decisión no resultó bienvenida por la audiencia a la primera, pero el tiempo pone las cosas en su lugar y hoy acá estamos recordándolo 35 años después.

TheJesusandMaryChain_Darklands

Una vez que te montas en el play, no hay manera de bajarte, la canción homónima te recibe con un “I´m going to the Darklands, to talk in rhyme with my chaotic soul”, después pasas por canciones como  “Happy when it rains”, “April skies” o “Fall”  y te vas con “About you”, no hay desperdicio en esta peripecia de diez canciones . 

Sin duda un disco influyente, que le da un peso muy grande a las letras, no sé si encontramos un sonido más maduro respecto a su antecesor, lo que sí, es que fue una etapa en donde los escoceses hicieron una apuesta importante y ganaron, apuesta que se llevó al show en vivo en donde se presentaban sin baterista. 

En retrospectiva, Darklands viene a enseñarnos a hacer lo que queramos, lo necesaria que es la oscuridad, de mirarnos desde la noche, a abrazar lo que no brilla; en sus letras hay dolor, nostalgia y ganas de exponer las heridas. 

Diez canciones, una portada desenfocada, guitarras que te abrazan, melodías con filo y un extraño poder adolescente conforman esta fórmula que llegó para influenciar a su generación y las siguientes, hoy, varios artistas han admitido cómo The Jesus and Mary Chain y este segundo disco los marcó, y cómo se encuentran en su música. No hay mejor forma de recordar esta producción que escuchándola de nuevo.   

¡Play!

 

Entrevista con Jack White

Recuerdos de riffs tocados, escenarios recorridos y experiencias en vivo en CDMX.

¿Se acuerdan de 2005 cuando vino The White Stripes a México? ¿O cuándo The Dead Weather casi destroza el José Cuervo Salón? ¿O aquella vez que la lluvia casi cancela la presentación de Jack White en el Corona Capital?

Todos los conciertos que ha dado Jack White en México, con cada uno de sus proyectos, han sido memorables y ahora que vino por segunda vez como solista escarbamos con él algunos recuerdos de las veces que se ha presentado en la CDMX.

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Estaban promocionando el Get Behind Me Satan cuando The White Stripes se plantó sobre un escenario rojo y negro en el Palacio de los Deportes. The Greenhornes abrían la noche y eran ignorados o hasta abucheados por la mayoría de los asistentes, a pesar de ser un bandón de garage con muy buenas rolas y energía para aventar al aire.

Nunca habíamos tocado en México y fue asombroso. Llevábamos años y años y años pidiendo que nos llevaran a tocar a México, aunque solo fuera en la CDMX, ¿qué tan difícil podía ser?. Nadie podía lograr que pasara sin que perdiéramos mucho dinero llevando todo nuestro equipo en avión o lo que sea”.

¡Qué bueno que ese mítico concierto se logró! Todos los que estuvimos ahí disfrutamos un concierto corto, pero poderoso, con un setlist de 23 canciones llenas de poder, velocidad y energía. La primera y última vez que vinieran The White Stripes a México, al igual que The Greenhornes que poco después se disolverían.

Cuando por fin pudimos tocar en México en 2005, recuerdo que pensé: '¡Wow! Vaya triunfo', porque así lo sentí, ¿sabes?. Fue muy emocionante que finalmente sucediera ese primer concierto en México, pero al mismo tiempo fue triste porque pensé que muchas bandas que giran arriba de una van no lograrían nunca algo así y me gustaría que sí pudieran dar conciertos en México”.

JackWhite

Y es que es cierto, hay algo que de repente no nos damos cuenta como público. Nosotros queremos que vengan todos nuestros artistas favoritos e incluso nos enojamos con ellos porque no pelan nuestro país, pero hay una logística muy compleja para lograr que eso pase.

¿Sabes? La cosa es así, la gente piensa que por ser un artista reconocido puedes girar por el mundo fácilmente, pero en realidad no lo es. Es muy difícil conseguir conciertos en diferentes países y es muy costoso. ¿Sabes? Nunca he tocado en África, ni en el Medio Oeste. Este año voy a tocar en Asia y dar conciertos por primera vez en toda mi carrera, conciertos con los que seguramente no saquemos mucho dinero, pero lo hago porque quiero hacerlo”.

Tocando para un José Cuervo Salón completamente lleno, con un público gritando, saltando y sudando a borbotones por el tremendo calor que se acumulaba. The Dead Weather vino a México en 2009 presentando su disco debut, con Alison Mosshart apoderándose del escenario, cantando a dueto con Jack White en una interacción bastante seductora, Dean Fertita y Jack Lawrence, combinando el color de sus instrumentos de cuerdas tocados con precisión y poder.

Recuerdo ese concierto, tocar en un lugar más íntimo nos pareció apropiado en ese tiempo, fue muy emocionante liberar toda esa energía. Creo que en esa gira fuimos a Argentina y dimos un par de shows en Sudamérica, no recuerdo muy bien, pero sí recuerdo que el concierto que dimos en México con The Dead Weather fue muy rock & roll y fue grandioso, pudimos haber dado 100 de esos conciertos ahí”.

Y es curioso porque ese concierto también fue el primer y último que The Dead Weather dio en México, aun cuando las ventas fueron muy buenas, el recibimiento fue bastante bueno, incluyó una sesión con Alejandro Franco que también ayudó mucho, con todo y que posteriormente sacaran un segundo álbum igual o quizás hasta más poderoso que el primero, no volvieron.

Jack.White

Esto no es culpa de la banda, es que no hubo una promotora que se atreviera a traerlos aun con lo bien que le fue a su primera visita, a veces nadie se atreve a tomar el riesgo.

Corona Capital 2014, el público ya lleva 40 minutos esperando bajo una lluvia infernal y un montón de lodo en los zapatos, en otro escenario Massive Attack no terminó su set completo y todos comienzan a preguntarse si Jack White saldrá o no.

Cuando te enfrentas a la lluvia solo puedes pensar cosas negativas, pero al mismo tiempo es agradable pensar en la experiencia colectiva que puede dejar. Por ejemplo, cuando vives en Detroit y comienza a nevar… Eso apesta, pero también ves a la gente quitar la nieve de las entradas para poder sacar sus carros, este tipo de cosas nos convierte en comunidad y nos acerca los unos a los otros”.

El tempo de las canciones se acelera considerablemente en los en vivos, así como la energía y la potencia, por eso Jack White logró acomodar 19 canciones en su set para el Corona Capital del 2014. ¡Qué bueno que la lluvia no impidió que sucediera! ¡Qué chido que sus fans pudieron disfrutarlo con todo y su ropa mojada! ¡Qué bueno que no se canceló!

Estábamos preocupados de que se cancelara el show y eso no es bueno, especialmente cuando salimos de gira a otros países, porque sería muy difícil para nosotros regresar. Si fuera en Cleveland o en NY, sería muy fácil reprogramar esos shows y por un minuto creímos que no lograríamos concretar el concierto, pero qué bueno que lo logramos. Porque como dije hace un rato, ese tipo de experiencias nos une”.

JackWhite

Pasaron 5 álbumes para que por fin viéramos a The White Stripes en México, solo un disco tanto para The Dead Weather como Jack White solo, pero para que por fin viéramos en México a The Raconteurs tomaron tres álbumes.

Personalmente, me hubiera gustado ver a The Raconteurs con cada uno de sus lanzamientos porque uno no puede tener suficiente de Brendan Benson, Jack Lawrence, Patrick Keeler y Jack White tocando poderosos riffs, solos potentes y alocados alaridos arriba de un escenario. Para su concierto en El Plaza Condesa hubo una sorpresa inesperada, Julian Casablancas se unió a la banda para cantar “The Modern Age”.

Julian quería hacerlo, así que nos aprendimos esa canción en el soundcheck. Esas son las cosas lindas que pasan cuando los amigos están cerca y puedes lograr una colaboración rápidamente. No tuvimos mucho tiempo para aprendernos la versión perfecta para esa canción, pero fue agradable echar el jam. Julian es un cantante bastante cool. Además, creo que The White Stripes y The Strokes estamos ligados de alguna manera, lo mismo con The Hives, todos tenemos la misma base”.

Desde el punto de vista del público, con The White Stripes podías ver a Jack White orquestando todo y pasándose de un instrumento a otro, con The Dead Weather lo podías ver detrás de una batería Gretch blanca y con The Raconteurs dando amplio espacio para el jam.

Pero desde la perspectiva de Jack White hay otro tipo de diferencias entre los en vivos de cada uno de sus proyectos.

Mis shows solo los toco como lo hacía en The White Stripes, sin ningún setlist. Pero ahora tengo bajista y tecladista, no solo un baterista como lo éramos Meg y yo, que solo tenía que llamar su atención y decir qué canción seguía. Pero ahora tengo que ir hacia Garu, el baterista, y decir qué canción sigue, luego ir a decirle al bajista y acércame a toda esa gente para decir lo que sigue”.

Con The White Stripes, Jack White tocaba todos los armónicos, por eso… “Podía tener mi guitarra desafinada y no tenía problemas, ¿sabes?. Pero al tocar con muchos músicos, siempre tengo que estar afinado para tocar con ellos. Aprendí eso con The Raconteurs, porque necesitamos tener un poco más de estructura y saber qué hacer durante los en vivos, nos costó trabajo tocar sin setlist en The Raconteurs, pero cuando lo logramos fue muy satisfactorio y divertido”.

JackWhite

Hace poco Jack White se aventó un concierto igual de memorable que los anteriores, tocando varias de las canciones más poderosas y representativas de cada uno de sus proyectos, satisfaciendo y dejando con la boca abierta a todo su público. Esta vez fue un 2x1 de shows increíbles porque venía con el Cat Power como invitada especial, tendrías que estar mal del cerebro si no aprovechaste esta visita doble.

Si quieres saber más a detalle lo ocurrido el domingo 9 de octubre en el Pepsi Center WTC, aquí mismo puedes leer nuestra reseña.

Courtney Marie Andrews — Loose Future

El futuro incierto de Courtney Marie Andrews.

La cantautora norteamericana Courtney Marie Andrews, nos presenta su nuevo álbum de estudio Loose Future, a través del sello Fat Possum. Este material sigue al aclamado, tanto por la crítica como por el público, Old Flowers (2020), que le valió obtener su primer Grammy.

En esta nueva producción, Andrews pretende expandir los límites del estilo americana que ha caracterizado su discografía como solista. Siguen firmes sus tres pilares, el country, el folk y el pop, pero combinados en esta ocasión con toques eléctricos, twee y rock.

A lo largo de 10 tracks, Loose Future presenta estas pequeñas batallas entre la evolución y la permanencia, que se dan en tres niveles, el musical, el narrativo y el personal. Cada uno de estos aspectos tiene su lucha interna; el primero, está entre desbordarse en una plétora de ritmos y sonidos nuevos y el ensimismamiento del minimalismo folk. El segundo, por el delineamiento de personajes y situaciones o las confesiones propias. Y el tercero, es el conflicto de cualquier artista, renovarse o morir.

Esta disputa tiene algunos momentos que destacan como Loose Future, tema de apertura y que da nombre al disco, es el resultado de su búsqueda por ampliar los horizontes de su estilo, en esta canción, Andrews se muestra más desinhibida, experimentando con nuevos sonidos.

Older Now, transita este mismo camino, una confesión abierta acerca de los temores que conlleva el cambio, la necesidad de éste y lo imposible que puede parecer alcanzarlo. Por otro lado, On The Line nos regresa a los ritmos habituales de Courtney Marie Andrews, la guitarra, la voz y los arreglos nos remontan a sus materiales pasados, como si necesitara hacer pie antes de continuar este recorrido.

Por último, mencionarMe & Jerry” canción que da un cierre potente al álbum, reforzando todas las virtudes del mismo y de su autora, principalmente, la capacidad lírica de Andrews.

En conclusión, es un buen álbum, breve, conciso y que llega alcanzar puntos altos dentro de la carrera de Courtney

Aunque llega a vacilar por momentos, sobre todo cuando se trata de dejar sus bases y soltarse por completo, estos retornos constantes pueden llegar a sentirse represivos, dejando la sensación de que se pudo ir más lejos. Pero esto es natural, ya que tendemos a pensar que los cambios se hacen de forma inmediata, cuando la realidad nos indica lo contrario, son un proceso que se da de manera gradual y paulatina.

En este sentido, acudimos a los primeros pasos de lo que puede ser la nueva etapa del proyecto Courtney Marie Andrews. 

Elon Musk pensó que Grimes era una simulación creada por él

¿La cantante era demasiado perfecta para ser verdad?

El empresario Elon Musk, que encabeza la lista de los hombres más ricos del mundo y fundador de Tesla, sostuvo una relación con la cantante Grimes en un periodo comprendido de 2018 a 2022, en el que concibieron dos hijos.

La relación parecía una de las más sólidas entre las celebridades, y es que, Musk y Grimes parecían estar hechos el uno para el otro, se entendían perfectamente y compartían una serie de gustos similares, si las almas gemelas existen, ellos podían ser el ejemplo de ello. Pero, su separación fue anunciada a principios de este año. 

 

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Fue durante la transmisión de la nueva docuserie de la BBC, titulada The Elon Musk Show que el autor David Gordon declaró que el dueño de SpaceX, creía que la cantante era su compañera perfecta, pero que no era real, pues tenía la teoría de que fue una simulación creada por él.

Grimes me dijo repetidamente que Musk tiene esta teoría sobre ella de que no es real”, dijo Gordon al programa de televisión a través de Cosmopolitan. “Que ella es una simulación que fue creada por él y existe en su corteza cerebral como una especie de compañera perfecta para él. Lo que suena un poco loco y tal vez incluso un poco espeluznante, excepto que ella está de acuerdo con eso. Ella dijo que se siente como esta simulación que fue creada perfectamente para él”.

David Gordon platicó sobre los intereses de la pareja, sobre la música de Grimes que incluye tintes tecnológicos e incluso sobre una broma “nerd” que ella y Musk habían hecho sobre la inteligencia artificial.

La bioserie de Amy Winehouse ya está en marcha

El guion que dará vida a la serie de Amy Winehouse ya está en marcha.

La bioserie de Amy Winehouse, es quizá una de las producciones más esperadas por los fanáticos de la música y de la propia cantante y es que ver el reflejo de la historia de una estrella en ascenso que se apagó será verdaderamente conmovedor, esta vez, podemos asegurar que el guion ya se encuentra en proceso de desarrollo. 

 

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La producción ya es una realidad y será la escritora Mal Young quien adaptará del libro más vendido de Daphne Barak, titulado Saving Amy. Young plasmará su mirada con la ayuda del productor Erbil Gunasti de una forma más cercana debido al tiempo que pasaron junto a la cantante y la familia Winehouse.

La historia será narrada en ocho partes, donde se expondrá su vida familiar, las relaciones, su ascenso a la fama y su lucha contra las adicciones.

El director ejecutivo de Halcyon Studio, David Ellender, habló sobre la bioserie de Winehouse, "Aunque su carrera se redujo demasiado, Amy fue la voz de una generación y esperamos contar su historia de la manera más conmovedora posible".

Otras producciones fueron canceladas debido a problemas con derechos de autor, el padre de la cantante se ha mostrado muy firme con lo que medios exponen sobre su hija, pero al parecer esta historia ya cuenta con luz verde.

También se espera el estreno de la película Back to Black del director Sam Taylor-Johnson, aunque aún se desconoce su fecha de lanzamiento, eso sí, los dos proyectos que se están cocinando no tienen relación entre sí.

 

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Marineros anuncia gira por México

Una gira en espera a su nuevo álbum próximo a estrenarse.

Marineros anunció su gira Te escribo desde lejos, donde visitará México, recorriendo Monterrey, Tijuana, Guadalajara y la Ciudad de México. 

Sus fechas en México iniciarán el 13 de noviembre en Tijuana, para concluir el 4 de diciembre en la Ciudad de México. Presentaciones en las que interpretarán música de su nuevo material próximo a estrenarse. 

Marineros es una banda originaria de Santiago de Chile, compuesta por Soledad y Cer, quienes son encargadas de crear atmósferas y sonidos familiarmente nostálgicos, entre suaves guitarras y voces que llegan al alma para transportarnos a mundos oníricos. 

Camila Valdés

Camila Valdés

“Rosas”, “A toda velocidad” y “Loco”, son los tres adelantos de su nuevo álbum Al calor de un sol que acaba de morir que se estrenará dentro de poco.  

Sin duda estos avances estarán presentes en el setlist de sus presentaciones que nos llenarán de emociones y sorpresas.

La gira estará presente en Chile, Estados Unidos y México. Los boletos ya están disponibles, te dejamos el link para que consultes precios y fechas, da clic AQUÍ. 

Mientras decides a cuantas fechas quieres ir, escucha su sencillo “Loco”, déjate hipnotizar por el sonido melancólico, nostálgico y onírico de Marineros. 

Nuevos discos octubre 2022

La frescura del otoño, los momentos contemplativos y más; llegan a la selección musical de esta semana.

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Selva Nua – Momentani 

Por Ana Rodríguez 

En medio de la pandemia, el trío de Lleida tuvo ese chispazo de luz que le animó a trazar la línea de su seductor proyecto musical. Joana Jové, Adrià Garcia y Gerard Català conforman Selva Nua, un proyecto ameno que fusiona entre sus sonidos, matices y texturas del soul pop lo-fi. Su álbum debut Momentani ya está disponible a través de Bankrobber y sencillamente es una increíble carta de presentación en la que te dejarás llevar y permitirás envolverte en esa burbuja de melancolía y nostalgia que te cubrirá el rostro con su cálida brisa. Todo el disco es una fresca fantasía, pero puedes empezar por “En Secret”. ¡Dale play!

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Ashe – Rae 

El segundo álbum de la cantautora californiana, Ashe ya está disponible. Rae llega a través de Mom+Pop para marcar el inicio de una nueva era en la que ella se siente a la mitad del camino. “Cada día, estás en la mitad de tu vida, desde que naces hasta que mueres. Yo estoy en la mitad de mi vida. Rae marca la siguiente era", explica. El disco se compone por guitarras suaves y percusiones de carácter psicodélico; que en conjunto ayudan al escucha a reflexionar sobre los sucesos. El disco es una explosión de destellos increíbles, pero honestamente te recomendamos partir de temas como “Love You Need” o “Loose Ends”. ¡Disfruta!

Lucrecia Dalt - ¡AY!

Lucrecia Dalt - ¡Ay! 

Por Cynthia Flores 

La cantante colombiana, radicada en Berlín presenta su nuevo álbum de estudio ¡Ay!, a través de RVNG Intl. Es en esta producción donde Lucrecia Dalt sincroniza los sonidos con las vivencias, que al mismo tiempo te incita a conectar con el espacio y tiempo. Tremendas texturas bajo una impecable producción minimalista de 10 tracks, Lucrecia Dalt teje un proyecto de larga duración bastante provocativo y rico en exploración sonora. Una bohemia sombría que conjura feminismo y fuerza. ¡Dale play

​​​​PVA — BLUSH

PVA — BLUSH

Por Monserrat García

Lanzar un álbum debut es algo que te puede llevar a la gloria o te puede hundir en lo profundo del olvido, para fortuna del trío londinense, PVA, su primera producción discográfica está más cerca de la primera que de la segunda opción. Con 11 tracks y toda la energía posible, al darle play a BLUSH te vas a adentrar en un mundo techno, house y electrónico que te hará moverte sí o sí. No importa el orden en el que escuches las canciones porque todas y cada una de ellas son explosivas, pero si quieres iniciar por una en específico, sin duda debe ser “Hero Man”. Mejora el inicio de semana con este estreno.

Fazerdaze  — Break!

Fazerdaze  — Break!

Por Blues Araiza

Tras cinco años de ausencia, Amelia Murray (mejor conocida por su nombre escenario como Fazerdaze) vuelve con un desfibrilante corta duración bajo el cobijo de section1 records; retomando la paleta sonora de sus primeros materiales pero con un vuelco de -merecida- frontalidad lírica.

Break! nos planta frente a la cara más fresca del indiegaze contemporáneo, coqueteando con pasajes de dream sound, riffs prendidos groove y la sensación de haber sobrevivido a la introspección en overdrive.Si bien el EP funciona como un todo, “Thick of the Honey” contrastada con “Overthink It” se llevan las palmas auditivas dentro de este genial regreso.