Entrevista con Faauna

Uno de los rostros de la cumbia digital: FAAUNA.

Cristian Del Negro y Arturo Gueglio son dos productores de música electrónica que hace más de un década formaron FAAUNA, una de las bandas pioneras de la cumbia electrónica. Al dúo le tocó  ensuciarse las manos, sembrar y defender algo en lo que nadie creía. En entrevista para Indie Rocks! Cristian nos cuenta los pormenores de cómo ha sido este camino y sobre su próxima visita a nuestro país.

“En el 2003, Argentina estaba en crisis y dividida, la electrónica y la cumbia eran sinónimo de clases sociales diferentes, por lo que se nos ocurrió juntar dos cosas que dividían, para incomodar al público y hacer que no necesariamente tuvieran sensaciones buenas”, comentó el productor al explicar cómo empezó todo.

Desde un principio FAAUNA comenzó a girar por todos lados, abrió las puertas de varios países para nunca cerrarlas.

“Cuando nosotros empezamos, el género no era conocido en ningún lado y era como ir a presentarlo, ahora eso ha cambiado. En Europa al principio tocábamos en lugares donde no sabían lo que estaban escuchando y al año siguiente el público nos pedía, terminábamos siendo los DJ's de cumbia de la ciudad”.

Con el paso del tiempo el proyecto ha ido evolucionado y eso incluye el acto en vivo, pasaron de las producciones hechas en casa y el play en vivo, a cantar y agregar instrumentos, esto incluye a un tercer elemento con un acordeón y claro, a bailarinas.

Show que pronto girará en México por cuarta vez: “Cuando supimos que éramos parte del Festival Gozadera, dijimos ‘toquemos en otros lugares’, y nos llamaron, vamos a estar en Puebla, en Querétaro,  Aguascalientes, Cuernavaca, Oaxaca y vamos a confirmar más, el plan es quedarnos más de un mes”.

Sobre el Festival Gozadera, Cristian se dijo emcocionado por ser parte de él y lo desmenuzó: “Me gusta mucho Sonido Gallo Negro, los chicos de Astros de Mendoza me parecen fantásticos, Chakruna, un gran exponente de Perú que está revolucionando el mercado de la cumbia, Agrupación Cariño es un clásico, busqué a Sotomayor y a Sonido Satanás y bastante bien, la verdad, está bueno el cartel”.

Sobre sus planes a futuro, el argentino aclaró que se dejan llevar por las circunstancias y no planean del todo, el cuarto disco está en la mira y buscan que sea el mejor de todos, y finalizó recordando que no hay nada más importante que creer en tu trabajo.

“En 2003 nos tomaban de risa, ‘cumbia electrónica ja ja qué gracioso´, y ahora es uno de los géneros que más prometen, entonces cuando la gente se ríe y se burla, sabes que estás en buen camino”.

Deerhoof – The Magic

Magia en siete días cortesía de Deerhoof.

Tras el lanzamiento hace unos meses de Baltier/Saunier, un disco orquestal en conjunto con Ensamble dal Niente y el compositor de música contemporánea Marcos Balter, Deerhoof saca al mercado The Magic, un álbum que retoma el sonido que la banda ha forjado durante más de dos décadas.

Deerhoof es un ejemplo de experimentación y espontaneidad. Este material fue escrito en tan solo tres semanas, incluyendo las tres canciones que forman parte de la serie Vinyl. Esto es impresionante si se tiene en cuenta la complejidad de cada una de las composiciones. Empezando por “The Devil and His Anarchic Retinue”, el primer track del disco, una canción al estilo rapsodia en el que exploran prácticamente todos los lados del grupo: el experimental, el alternativo, el punk rocker, todo esto adornado por la voz de Satomi Matsuzaki que hace que se recuerde a The Sparks. Mismo caso con “Kafe Manía!”.

El lado punk rocker se ve mejor reflejado en “This Ain’t No Life to Me”, en donde la voz es interpretada por el guitarrista Ed Rodriguez y que recuerda bastante al sonido garage de principios de los 70. Mientras que en “Life is Suffering”, las voces de Satomi y el baterista Sagnier logran un juego vocal que remonta a los años 60.

“Model Behavior” es la parte más experimental del disco. Con una base funk, la canción, que dura apenas dos minutos y medio, brinda un viaje musical gracias al juego de la guitarra y el caminado del bajo, sumados a la monótona voz de Satomi.

El poder regresa con “Dispossessor”, track que además es mucho más amigable que el resto, sin tanto experimento. La simpleza no dura ya que, en “I Don’t Want to Set the World on Fire” regresa a un sonido más progresivo.

El resto del disco es todo un viaje musical por distintas caras del rock. En “Debut” regresan al funk, mientras que en “Acceptance Speach”, exploran un lado más pop y en “Plastic Thrills” combinan el new wave con una guitarra al estilo blues. Lo increíble es que ninguno de estos estilos suenan contradictorios entre sí, todas las canciones hacen sentido entre sí.

The Magic cierra con “Nurse”, un final explosivo, donde de nuevo los integrantes se lucen en dos minutos de lo que parece ser una improvisación organizada.

Deerhoof existe desde 1994 y suena fresco, como si fueran unos adolescentes. En The Magic lograron precisamente eso, magia, porque un disco tan complejo, escrito en tan solo siete días, no puede ser explicado de otra manera.

The Avalanches — Wildflower

Desde que nos dejaron.

16 años es demasiado tiempo de espera, pero los intervalos extensos a veces sirven para replantear todo el concepto detrás de una banda —su identidad musical y su acoplamiento a los tiempos—, que muchas veces no pasa por terquedad. Miren lo que pasó con Portishead (Third, 2008), My Bloody Valentine (m b v, 2013) y hasta el infravaloradísimo retorno de Guns ’N Roses (Chinese Democracy, 2008). Justo estas pausas sirven para dejar hambre en sus acólitos más acérrimos y, a su vez, recaudar nuevos fans en el camino. The Avalanches no son la excepción, y Wildflower sin duda apelará a los paladines del CD y a los jóvenes melómanos cuya cultura musical gira alrededor de servicios de streaming.

En producción desde 2005, Wildflower es como si subieses la aguja del tornamesas mientras reproducía su disco debut para poner pausa y la hubieras vuelto a colocar… pero muchos años después. Toda la magia tropical, colorida y energética sigue ahí, pero ahora en vez de estar en medio de las olas y regocijándote en el panorama playero - como bien ilustran en dicha portada - ahora entras a una de las tiendas o bares que se encuentran en el muelle de la costa. La vibra es la misma, pero es definitivamente un disco de 2016.

Después de poner todo el caos en orden con los 15 segundos de “The Leaves Were Falling”, el disco despega de inmediato con “Because I’m Me”, con la voz invitada de Camp Lo. Es inevitable seguir haciendo comparaciones con su obra anterior, ya que a partir de aquí la mecánica es la misma: el resto del disco es como una canción gigante con varias paradas en medio de la psicodelia, la instrumentación orgánica y los beeps y bloops que son mandato del género. El tercer track (y primer sencillo), “Frankie Sinatra” es un torbellino caleidoscópico de hip-hop, travesuras y nostalgia, mientras las filosas rimas de MF Doom y Danny Brown coexisten en armonía con “My Favorite Things” de La Novicia Rebelde.

Casi podemos adivinar de qué va el resto del álbum, pero el trío nos agarra en curva cada vez que puede. Entre la acidez de “If I Was a Folkstar” con la participación de Toro y Moi hasta la hilaridad beatlesca de “The Noisy Eater” con el maestro del beatboxing, Biz Markie; pasando por el indie rock de “Stepkids” y “Harmony” y el demoledor krautrock nostálgico de “Saturday Night Inside Out”, donde sale por ahí Father John Misty. Este último track - el cierre del disco, de hecho - es uno de los puntos más fuertes de la obra; prácticamente engloba todo lo que The Chemical Brothers han intentado hacer por años para recuperar viejas glorias, pero sin éxito. O The Go! Team en toda su discografía.

La marea está alta, pero se sostienen, como bien diría Debbie Harry. Es un disco fuerte, sin temor, adictivo y que demanda ser digerido en una sola toma, mismo que podría propiciar a que los streamers que acostumbran a seleccionar bit por bit tengan la valentía (¡cómo se atreven!) de escuchar un disco completo. El viaje vale la pena para los viajeros de todas las edades y gustos. The Avalanches están de vuelta y esperemos que esta vez para quedarse y enseñarnos una cosa o dos de lo que le falta a la música hoy en día: el factor de temporalidad.

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Corona SunSets Festival 2016 en Acapulco

Corona SunSets: La mejor fiesta de verano, con la mejor buena vibra en Acapulco.

A lo lejos, desde la ventana del hotel, veía un tremendo espacio con muchos detalles de decoración y el aparente majestuoso escenario en forma sol resplandeciente que más noche se llenaría de muchos colores. Mi curiosidad por todo lo que íbamos a vivir en el festival de la cerveza mexicana 100% producida en México, era grande.

En punto de las 5, la música comenzó con el set de Holy Ghost!, que iniciaba la increíble tarde soleada, con el nuevo track de Justice y de ahí no paro con la excelente selección del dúo que continuó durante casi dos horas.

Al inicio había poca gente, pero ya se percibía con la mejor de las actitudes. Varios lucían sus playeras decoradas por ellas mismos con los emblemas del festival –el sol que vistió la noche, la palabra SUNSETS, el logo de Corona–, otros con los tatuajes dorados del solecito y pintura con palabras por todo el cuerpo. La alegría de la gente que iba llegando poco a poco para llenar el lugar por completo, era evidente.

La botella edición especial del festival era la cerveza a la venta en el lugar a la orilla de la playa del hotel Princess, siempre hubo y bien fría. Así que la fiesta siguió con Jack Novak, que no paro de saltar detrás de los decks con el público más abundante, que le regresaba la eterna y bella sonrisa que mostró durante todo su set. La gente no paró de bailar.

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Había una zona de foodtrucks y establecimientos, del lado derecho del escenario, para comer pizza, tacos de pastor, tostadas de mariscos, tacos gober, todo muy rico. Yo disfruté unas deliciosas tostadas de marisco, bien fresco. Las filas de la chela comenzaban a notarse largas pero la atención del personal del Princess siempre fue amable y ágil para servirlas.

Cuando de repente miré a mi alrededor, me di cuenta que el lugar estaba repleto de gente, el público era muchísimo. Decidí subirme a la selfie tower donde realmente vi el mar de gente que estabamos en el lugar. El escenario se seguía viendo espectacular desde lo alto y Capital Cities ya estaba en él. Con la energía que los caracteriza e interpretando sus éxitos como “Safe and Sound”, “Kangaroo Court”, “Origami” y haciendo interesantes covers a “Remember the Time” de Michael Jackson, y “September” de Earth Wind and Fire. Tenían al público entero bailando, aplaudiendo y muy atentos al show.

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El atardecer fue espectacular pues no había nube alguna que arruinara disfrutar el ocultamiento del sol, la noche cayó e inició un breve performance de una especie de ninfas que bailaron con música tribal. Aún faltaban más horas de baile con Route 94 y Bakermat.

Los actos siguieron la noche, mientras fui recorriendo el festival que lucía hermoso de noche, con los foquitos y la increíble decoración de telas, espejos, atrapa sueños y mucho más detalles. La mayoría de las personas estaban con una increíble actitud y aún con tanta que había, podías accesar hasta el frente del escenario.

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El joven inglés, Route 94, inició su set con temas más chillouteros para después irse a algo más house y dance, sin olvidar incluir su éxito “My Love” que todo el público ovacionó. Posterior a él, y para cerrar la noche con un poco más de dos horas de set, el holandés Bakermat apareció en el escenario, acompañado en algunos tracks con un saxofonista que acompañaba las canciones en vivo. “Teach Me”, “One Day” y muchas más se escucharon en aquel set que cerraba la noche.

Finalmente, en punto de las 23:45 H la última canción finalizó con el estallido de fuegos artificiales que realmente hacían que el escenario fuera la estrella de la noche. La gente poco a poco abandonó el lugar, cosa que era un poco complicada pues el tráfico de la salida se congestionó demasiado, sin embargo, la bailada y la buena vibra de toda esa tarde, había valido mucho la pena.

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M.I.A. estrena explosivo video para "Go Off"

Además del video para "Go Off", M.I.A. anunció su quinto material discográfico AIM.

El día de ayer, la rapera M.I.A. anunció su quinto y quizá último álbum de estudio AIM que tiene fecha de lanzamiento para el próximo 9 de septiembre. Anoche, la artista estrenó en BBC Radio 1 el primer sencillo extraído del sucesor de Matangi titulado “Go Off”. Pero hoy, M.I.A. ha compartido el video musical para esta canción coproducida por Skrillex y Blaqstarr.

El visual fue dirigido por la misma Maya Arulpragasam, pero decidió no aparecer en él, pues “no quería que saliera ningún ser vivo”. El clip para "Go Off" está conformado por una serie de explosiones subterráneas programadas. El video resulta un poco extraño ya que M.I.A. nos ha acostumbrado a sus polémicos y controversiales videoclips.

Parece ser que la rapera está tomando un rumbo distinto en AIM, pues como ella misma explicó en un entrevista para Annie Mac, este es su álbum más “limpio”, haciendo referencia a que no habrá quejas ni reclamos en él.

Aquí te dejamos la breve entrevista que tuvo Annie Mac con M.I.A. y más abajo podrás encontrar el arte de AIM.

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Grimes estrena mixtape en BBC Radio 3

Escucha aquí las canciones que reunió Grimes para el programa Late Junction.

La cantante y productora Claire Boucher, mejor conocida como Grimes, armó un mixtape de media hora que fue transmitido anoche durante el programa de BBC Radio 3 Late Junction. En este material, Boucher explora diversos géneros, desde el hip-hop, pasando por soundtracks directos desde Bollywood hasta llegar al J-pop.

Entre los artistas que incluye esta colección, podemos encontrar a Aphex Twin, Animal Collective, The Internet, Kali Uchis y más. “Intenté incluir una mezcla de cosas viejas que me gustan, algunas nuevas que me encantan y me inspiran y mis canciones favoritas de siempre”, comentó Grimes al principio del show.

Aquí te dejamos el mixtape completo y más abajo puedes checar la lista de canciones.

01 Aphex Twin - Xtal
02 Kelsey Lu - Morning After Coffee
03 Delerium - Aria (ft Mediæval Bæbes)
04 Shonen Knife - Ah, Singapore
05 Yamantaka//Sonic Titan - Hoshi Neko
06 The Internet - Special Affair
07 Kali Uchis - Ridin Round
08 Dil Se (Original Motion Picture Soundtrack) - Satarangi Re
09 Bajirao Mastani (Original Motion Picture Soundtrack) - Deewani Mastani
10 Tei Shi- Basically
11 HANA - Chimera
12 Now Now - Thread
13 Animal Collective - We Tigers

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Colder – The Rain

Este es uno de los discos que Colder ha publicado este año.

The Rain empieza con una introducción bastante tranquila que da nombre al disco. Después, “Mango Coconut” poco a poco va arrancando los motores de lo que nos espera. Al contrario de las expectativas, no remite a ningún ambiente tropical, sino que literalmente parecen motores arrancando, sonidos de autos con el efecto doppler que van de uno a otro lado de las bocinas.

“Market Day” tiene ese glitch de los antiguos LP’s, ese gis analógico que tanto genera añoranza en los nostálgicos empedernidos y es hasta “Pass and Go (Demo version)” que aparece la voz, un elemento constante en Goodbye, el disco que Colder sacó a la par que The Rain. La gran diferencia entre ambos es que este último es mucho más ambiental y experimental que su gemelo.

La lluvia es un elemento constante en los sampleos de todo el disco y los sonidos fluyen como el agua sin que haya una transición entre canción y canción, lo cual no nos permite diferenciar fácilmente el inicio y el final de cada una de ellas. Los loops empleados en “All along the way” se vuelven cada vez más adictivos por lo que funcionan de manera excepcional para amenizar una reunión en un roof garden pero habrá que detenerlo antes de que el disco siga su curso pues “RE 501 Friday Night”, resulta mucho más experimental y anticlimática (parecen campanas tubulares con demasiada reverberación y eco, y ningún sentido melódico).

Si de experimentar se trata, Colder lo lleva al extremo al final del disco en el que incluye el sampleo de “Holy Night” (o “Noche de paz” en español) en su canción con el mismo título. The Rain bien podría tratarse de un disco para relajarse y ver la lluvia nocturna desde la ventana pero hay que recordar que las sombras que produce también pueden generar temores y momentos de intenso desasosiego.

The Rain de Colder forma parte de nuestros 50 mejores discos de la primera mitad del año.

Entrevista con The Bulbs

The Bulbs: psicodelia y fuzz para viajar al pasado.

Un elemento que definió el rumbo del rock a mediados de la década de los sesenta y que ayudó a forjar el sonido que marcaría a una generación de músicos es sin lugar a dudas el amplificador de bulbos. Muchos añoran el pasado y buscan emular el viejo sonido del rock a través de equipo vintage. Entre ellos se encuentran The Bulbs, una banda de Tijuana conformada por Adam (voz), Ray (guitarra), Octavio (bajo) y Brandon (batería), quienes nos traen un sonido con la crudeza del garage con tintes de psicodelia en su más reciente EP titulado Odyssey Love.

“Adam y yo tenemos ya años tocando con amplificadores análogos de bulbos. De ahí nuestro nombre, era el sonido que traíamos desde antes y al momento de grabar transferimos ese sonido, aparte las influencias de cada quien tienen mucho que ver en la manera en como salió este disco”, comparte con entusiasmo Ramón “Ray” García para Indie Rocks!

Las influencias de bandas como The Stooges, David Bowie, The Black Angels, Peace and Love, así como el uso de amplificadores de bulbos, los llevó a formar este proyecto que se diferencia de la tendencia musical tijuanense—enfocada al shoegaze y lo electrónico— al centrarse en un sonido con distorsión fuzz, psicodelia y guitarrazos.

“Siento que quizás hay varias cosas que se han perdido. Ciertas raíces del rock que quizás ya no se escuchan tanto como se escuchaban antes, por el paso de los tiempos y las ideas nuevas, pero siempre he sentido que hay ciertas cosas del rock que no puedes abandonar. A nosotros nos encanta el fuzz, los sonidos análogos y los reverbs. Buscamos un sonido más puro y menos digitalizado”, asegura.

Desde su juventud se han desplazado entre México y EE. UU., demostrándonos que las fronteras en la música no existen, puesto que es capaz de traspasar todo tipo de barreras y su banda representa una amalgama cultural debido a que sus letras son tanto en inglés como en español.

“Estudiamos en San Diego. Todos los días íbamos y veníamos, por eso se nos facilita el inglés. Es como una segunda lengua. Nos han preguntado por qué las canciones están en inglés y solo una en español ('A Solas'). Cuando estamos componiendo, la música fluye solita, junto con las letras y no nos habíamos percatado de que estábamos pegándole al puro inglés. Si todo sale bien para el próximo EP, esperamos tener más canciones en español”, explica.

Su trabajo los ha hecho acreedores del título “el nuevo sonido de Tijuana”, distinción que los llena de alegría y orgullo y esperan que sea una oportunidad para que los oídos de México se dirijan al norte.

En los próximos meses se enfocarán en promocionar Odyssey Love y esperan visitar la capital a finales del año para ofrecernos un show lleno de emociones. “Subimos al escenario y damos todo. Que te olvides un rato de las broncas que traigas, las dejes afuera y salgas satisfecho de haber visto el show. Que te metas con nosotros en lo que sentimos en ese momento, que dejes fluir la música y que disfrutes tanto como nosotros lo disfrutamos”.

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Biffy Clyro – Elipsis

Biffy Clyro: explosivo, desafiante e inesperado.

Hace tres años, Biffy Clyro entregó un álbum doble de rock incisivo con un amplio rango que iba desde baladas hasta sus característicos riffs de guitarra que demuestran con audacia la razón por la que han llegado a ser lo que son: una de las bandas más representativas del Reino Unido. Este año regresan con Ellipsis, un álbum que sin vergüenza se arriesga a sorprender musicalmente y en el que un desinhibido Simon Niel –líder de la banda– refleja su camino contra la depresión que sufrió los últimos dos años.

El comienzo es potente con el primer sencillo. “Wolves of Winter” abre con fuerza y, de manera retadora, le habla a todos aquellos que creyeron que Biffy Clyro ya no tenía nada más que dar. Este sentimiento continúa en “Friends and Enemies” solo que en un tono más relajado y un pegajoso ritmo que hace sumamente accesible una letra cruda que dice: “With a friend as good as you, who needs enemies? Esta introducción termina con “Animal Style” y el tipo de rock que te lleva a imitar un solo de guitarra en el aire aunque nunca hayas tocado en tu vida.

Con la melancolía y profundidad de “Mountains” (Only Revolutions, 2009), el sentimentalismo que también caracteriza a Biffy se presenta en “Re-arrange”, “Herex”, “Medicine” y “People”. Estas canciones, con un estilo que tiende a la balada, son la clara representación de los pasos en la lucha de SImon contra una enfermedad mental en la que su esposa fue su aliada incondicional.

Este trío escocés también es conocido por arriesgarse con cosas inesperadas, el ejemplo más reciente es el mariachi que apareció en “Spanish Radio” (Opposites, 2013). Esta vez, la sorpresa viene como una canción country llamada “Small WIshes”. Se agradece la creatividad pero no necesitaremos otra como esta en el futuro.

“Flammable” resulta una de sus piezas más “fresas” sin dejar de lado un excelente display de guitarra, bajo y batería explosivas. Mientras tanto, “On a Bang” destaca al transmitir angustia y caos creados por synths y guitarras distorsionadas con una letra directa que ataca: “Now you know better, why can’t you fucking do better?”

Como un plus en la versión deluxe existen dos canciones más: “Don’t, Won’t, Can’t” y “In the Name of the Wee Man”. ¿Qué es lo memorable de ellas? El puente de bajo en la primera y un aire a Papa Roach en la segunda.

Ellipsis resulta un sólido esfuerzo bien producido y ejecutado con temas explosivos que se balancean con otros plenamente íntimos. Ambos aspectos han sido perfeccionados por la banda en sus más de diez años de carrera, por lo que si bien este álbum es completamente disfrutable, también se siente ligeramente predecible. Aunque algunos dirían que no es predecible, sino, justamente lo que se espera de ellos.

PREMIERE: Ramona comparte en exclusiva su nuevo video

Ve antes que nadie el video de "Tristes Ojos", el nuevo sencillo de Ramona.

El año pasado, con el apoyo de la casa productora de Carla MorrisonRamona, banda integrada por cinco amigos originarios de Tijuana (Jesús Guerrero –voz, guitarra y trompeta–, Mauricio Villicaña –guitarra–, Edgar Moreno –bajo–, Omar Córdoba –batería y percusiones–, y Mario D. Alvarado –teclados–), lanzó su álbum debut La Segunda Luz del Día. Material que a través de once canciones, entrega un viaje lleno de recuerdos y sentimientos que corren alrededor de las mejores historias de amor y sus derivados.

De este disco, el cuarteto tijuanenese entregó anteriormente los videoclips de sus sencillos "Vete con él" y "El Inalcanzable Amor por la Ruta", al que ahora se le suma "Tristes Ojos", video que en exclusiva traemos para ti aquí en Indie Rocks!

"Tristes Ojos" trata sobre aquél momento difícil por el que se pasa cuando ocurre una ruptura amorosa, que acompañada con una balada de pop rock retro, tiñe de nostalgia al corazón. Una letra digna de ser dedicada a esas personas que causan daño con su ausencia.

El video fue dirigido por Mariel Velázquez de León y Ángel Estrada Fuentes de la productora TESORO.

Finalmente, Ramona les tiene algo que decir:

"Damos gracias a todos los que participaron en esta producción, la cual se llevó a cabo en nuestra amada Tijuana. Gracias por todo el apoyo y amor que nos brindan, esperemos que lo disfruten tanto como nosotros disfrutamos esta experiencia.

Es un gusto poder compartir con ustedes lo que más nos apasiona, la música."

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