Gorillaz hace un comercial para Jaguar

Gorillaz ha formado equipo con la marca de autos Jaguar, convirtiendo a la integrante Noodle en la imagen del proyecto que tienen en la Formula E.

Ayer, a las 10 de la mañana, la banda Gorillaz subió en su Twitter un gif de un casco de piloto pintado con aerosol, esto prometía nuevos detalles de su próximo disco, y aunque no recibimos lo esperado, si nos dieron muy buenas noticias. Noodle, guitarrista de la agrupación, ha sido anunciada como la nueva embajadora del equipo Jaguar Racing en la Formula E.

Para los que no sepan de qué se trata esto, la Formula E es una competencia para autos de carrera eléctricos y un evento que promueve múltiples novedades tecnológicas para automóviles, como motores, llantas y sobre todo alternativas energéticas. Sobre esta competición, esto fue lo que dijo la integrante de Gorillaz: “Es un bebé, sólo dos años de edad. Sólo se utilizan coches eléctricos. Piensen en toda la investigación y desarrollo de motores eléctricos! Tendrá un beneficio para todo el mundo, así que quiero alimentar esto, apoyarlo y ayudarlo a crecer. Como un Tamagotchi ¿los recuerdan?”.

gorillaz_noodle jaguar

Algo de lo que también habló la joven creada por Jamie Hewlett, fue sobre las razones por las que la compañía de autos Jaguar decidió usarla como imagen de este proyecto. Más que nada el objetivo es atraer la atención de los jóvenes, en especial de las mujeres, para que se acerquen a la ingeniería automotriz y al desarrollo de autos eléctricos o energías ambientales. La interprete de “DARE” mencionó lo siguiente: “Las mentes jóvenes de hoy son los ingenieros del mañana. Estamos en el asiento y nuestra imaginación es el combustible. ¡Es hora de comenzar a construir un mundo mejor!”.

Entre otros detalles, Jamie Hewlett dirigió el spot de la empresa y además pudimos ver una animación de la imagen actual de Noodle, quien luce con más edad que en otros vídeos. Puedes ver el comercial justo aquí:

'Reign In Blood' de Slayer cumple 30 años

A 30 años del primer vuelo del ángel de la muerte.

Raining blood
from a lacerated sky
bleeding its horror
creating my structure
now I shall reign in blood

Nunca juzgues un libro por su portada, reza un viejo adagio, pero al observar detenidamente la imagen que simboliza el disco Reign In Blood sabemos que estamos condenados a viajar no en 9, sino en 10 círculos del infierno. Cual odisea de Dante, la bienvenida al viaje sangriento la da Josef Mengele en las puertas del campo de concentración de Auschwitz convertidas en cenizas. En su papel de “Angel of Death” nos describe sus cruentos experimentos con seres humanos y se autoproclama monarca del reino de la muerte.   

“Piece By Piece” para enmarcar la diferencia entre Slayer y demás bandas cuyo crisol se centró en el área de la bahía de San Francisco: velocidad, crueldad, mutilaciones, un tempo de 210 beats por minuto sin pausas, sin solos épicos, sin coros para cantar en un estadio repleto. Ante nuestros ojos se cierne un altar de sacrificios, Jesús puede salvarnos pero está ocupado atendiendo otros asuntos.

Bajo el mando de Rick Rubin en las consolas, la voz de Tom Araya parece más un rictus salvaje que solo gritos sin sentido. Dave Lombardo emulando una pesada artillería con la batería y maquilando un nuevo modo de ejecución que sería imitado pero jamás igualado por muchos bateristas. Kerry King y Jeff Hanneman predicando la difusa verdad entre filosos bends y riffs que terminarían inspirando a una nueva generación de bandas: “Escucha “Domination” de Pantera y está totalmente inspirada por Slayer”, refirió Phillip Anselmo al respecto del legado de los 4 jinetes del apocalipsis. Es bien sabido que Kerry King y Dimebag Darrell llevaban un lazo de mutuo respeto, amistad y shots de Jägermeister, misma bebida con la que brindó Kerry en honor al fallecido Hanneman en la entrega de los Revolver Golden Gods Awards del año 2013.

Con títulos de canciones como “Criminally Insane” era obvio que el material encontraría trabas para su distribución comercial, aun así, Reign In Blood es catalogado como uno de los discos más importantes de la historia del metal y artífice de varias de sus vertientes más brutales. Después de tantos círculos que nos envuelven en una espiral de ocultismo, el gran final llega en forma de lluvia de sangre para dejar de manifiesto el salvajismo instrumental que controla el movimiento de nuestros cuellos, la taquicardia cerebral, el reflejo de un mundo enfermo y la catarsis que resulta ser para aquellos ávidos de furia estos 28 minutos y 56 segundos de una travesía dantesca, como bien lo mencionó Scott Ian de Anthrax: “Slayer hace el soundtrack del infierno”.

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Entrevista con Allah-Las #CC16

Allah-Las a la mexicana.

La salida de su nuevo disco y la próxima visita a nuestro país, son pretextos perfectos para platicar con una de las bandas que estaremos escuchando en lo que resta del año, Allah-Las, por lo que Miles Michaud, vocalista del cuarteto angelino sostuvo una charla con Indie Rocks!

Se conocieron en la escuela, la mayoría trabajó en una importante tienda de discos, por lo que han estado ligados a la música desde muy jóvenes, y hoy buscan darle un golpe de consolidación a su carrera con su tercer álbum.

Calico Review es el nombre del nuevo disco, fue grabado en el legendario Valentine Recording Studio que después de 30 años reabrió sus puertas, y la banda aprovechó para trabajar en él, hecho que influyo mucho en el sonido del material.

“Este disco lo hicimos de diferente forma, durante el transcurso del año grabamos algunas canciones en el estudio de un amigo, después entramos en el Valentine Studio y juntamos todas las canciones, estuvo bueno grabar ahí porque es un lugar que tiene más de 30 años, y hay herramientas de trabajo que llevan el mismo tiempo; fue genial trabajar con eso”.

Allah-Las

Esta nueva placa ha sido trabajada a conciencia, síntoma de que Allah-Las ha madurado y se exige cada vez más: “en todas estas canciones nos llevamos mucho tiempo trabajándolas, a todos los discos les damos su espacio pero Calico Review es al que más tiempo le hemos dedicado, estamos contentos con el resultado”.

Un nuevo disco es sinónimo de una nueva gira y la agrupación ya tiene planeado pisar México para tocar en un par de festivales, Miles asegura que aunque no es la primera vez que toquen en la playa se mueren de ganas por hacerlo en el Festival Trópico, además mostró su emoción por poder tocar junto a Brian Wilson.

¿Y el Corona Capital?, “estamos muy entusiasmados, será la primera vez que toquemos en la CDMX, además los artistas que se presentarán son una gran influencia para nosotros y es un honor compartir escenario con ellos”, respondió el también guitarrista.

Miles declara que la banda está enamorada de México, por momentos se atrevió a hablar en español, mostró su gusto por bandas como La Revolución de Emiliano Zapata y The Cavernarios, además aseguró que Allah-Las viene a comer muchos tacos y a comprar muchos vinilos, por lo que la química con el público será casi inmediata.

Son casi diez años de shows, de giras y de mucha diversión, Allah-Las nos visita tal vez en su mejor momento, y a nosotros solo nos queda disfrutarlos.

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#LRReseña: Michael Kiwanuka – Love and Hate

Love and Hate: Cómo Michael Kiwanuka encontró el balance.

Escrita por Fernanda García Gómez

En el 2012 Michael Kiwanuka ganó el premio de la BBC 'Sound Of’ y fue nominado al UK Mercury Prize gracias a su álbum debut Home Again. Sin embargo, esto no creo un impulso creativo lo suficientemente fuerte como para sacar otro disco de manera inmediata en el 2013.

No fue hasta julio de este año que Kiwanuka decidió sacar su segundo material Love & Hate, el cual fue producido por Brian Burton, mejor conocido como Danger Mouse. Con la colaboración de Danger Mouse, Kiwanuka pudo por fin salir del bloqueo creativo gracias a que Burton lo animaba a componer y construir canciones desde cero en el estudio, creando así piezas que suenan tan largas como nostálgicas.

La canción con la que abre, "Cold Little Heart", es una pieza progresiva de 10 minutos –de los cuales 5 son meramente acústicos–. Aunque en un principio la canción tiene unas guitarras que bien nos podrían remitir al trabajo de David Gilmour en sus años en Pink Floyd, conforme avanza, esta pieza se va transformando hasta culminar en una canción que toma todos los elementos del principio para crear una especie de outro.

"Black Man In A White World", el primer single de esta producción, nos transporta completamente a las canciones de protesta de los años sesenta al incluir elementos tan simples como aplausos y una guitarra muy sutil que hace una mezcla de blues y soul para transmitir ese sentimiento de inconformidad mientras canta “I'm in love but I'm still sad, I’ve found peace but I’m not glad”.

A partir de "Falling", la tercera canción del disco, se puede notar no solo que el tempo de las  siete canciones restantes se vuelve más lento sino que, en general, el álbum comienza a sonar mucho más nostálgico que al principio. Para muestra de esto sólo basta escuchar "Rule The World" o "Father’s Child".

Definitivamente Love & Hate es un recorrido musical nostálgico, evocando sonidos del soul  de los sesentas y setentas. Con una voz muy al estilo de Otis Redding, Michael Kiwanuka expresa a lo largo de los 10 tracks que conforman el álbum que el amor y el odio son una constante batalla que vale la pena ser luchada si el resultado es encontrar un balance como lo hace él en esta producción.

Love and Sound ya está disponible en La Roma Records.

D.D Dumbo – Utopia Defeated

Mezclas maestras para el dancefloor en el álbum debut de D.D Dumbo.

Oliver Hugh Perry, a.k.a D.D (Dennis Donald) Dumbo es la nueva promesa australiana de artistas que llevan muy en alto el emblema DIY (do it yourself). Tocar una guitarra eléctrica de 12 cuerdas, utilizar un set de batería sencillo y ensamblar algunos pedales es todo lo que requiere D.D para sus creaciones eclécticas que lo llevaron a publicar el EPTropical Oceans en 2014 y por fin vislumbrar el 7 de octubre su álbum debut Utopia Defeated a través de 4AD.

Existen personas con talento nato para la música y D.D nos muestra eso en “Walrus”, un extracto del todo experimental con muchos tonos funk y voces en off que le dan esa sensación fresca y pop, además del jugueteo en reverb de su voz.

El sonido selvático surge en “Satan”, el track más duradero de Utopia Defeated, y en “Alihukwe”, en ellos localizamos inmediatamente una fuerte influencia de R&R, tanto que nos trasladan a los barrios alegres y underground de Estados Unidos.

El australiano D.D también sabe hacer baladas como “In the water” con guitarra acústica como único recurso primordial y una voz más genuina, natural; coros lejanos y un final desgarrador.

El dance pop se hace presente en “Cortisol”, aquí queda claro que D.D ha encontrado los ingredientes ideales para que su álbum debut sea elegido por los mejores clubes nocturnos.

Un gran deslave de magia surge en “King Franco Picasso”, cuando el dancefloor nos hipnotiza y eleva con un teclado misterioso y bombos agitados que harán mover los hombros y pies de cualquiera.

The Day I first found god” y “Toxic City” no están lejanas al mood ochentero que está regresando a la industria, tienen algunos leads de playa, esos chasquidos y esas desavenencias de cuerdas infalibles.

“Brother” ya nos acerca al trabajo de Unknown Mortal Orchestra; incluso es más admirable que solo una persona sea capaz de crear tanta magia, tantas ideas y sonidos experimentales. En este track hasta percibimos leads orientales que en combinación con el funk, convierten a D.D Dumbo en una especie de maestro de la mezcla.

“Oyster” es esa pieza al final de un juego de jenga; el momento preciso para las despedidas después de haberla pasado tan bien; una balada folk para hacer una pausa y esperar con ansias el segundo álbum de D.D Dumbo.

Entrevista con Allie X

Una estrella pop como ninguna otra.

Los engranajes del pop y el cómo manejarlos son uno de los grandes secretos de la industria musical. Podría parecer que Allie X, antes conocida como Alexandra Hughes, había develado el misterio al conseguir que Katy Perry tuiteara una canción suya, sin embargo el camino en esta esfera es un poco más complicado.

Sin embargo, ya era hora de dedicarse a su carrera y fue así que lanzó el sencillo “Catch”, que después estaría incluído en su EP CollXtion I del 2015, comenzando a demostrar que era una popstar en bruto con una sensibilidad especial en su synth pop con toques oscuros, afianzada por sus letras que reflejan exactamente lo que quiere decir.

Actualmente, Allie se encuentra trabajando en CollXtion II, trabajo que irá soltando poco a poco con la colaboración de sus seguidores. Motivo por el cual está buscando llegar a cada vez más personas. “No soy el sueño de cualquier disquera. No soy una elección obvia. Para que esta gran maquinaria me respalde, tienen que ver que la gente me sigue. Eso es lo que se necesita. No sólo van a escuchar mis canciones y decir: ’Esto está muy cool, hay que hacerla una estrella’. Esto no funciona así”, comenta riéndose. “Pero los que sí escuchan así son los chicos que están en internet y ellos son los verdaderos tastemakers al final del día. Una vez que esas personas están siguiéndote, tienes el poder que necesitas”, comenta.

Pero, ¿es posible entrar a la maquinaria pop sin perder tu propia voz? “Llegas a un cierto punto en el que tienes una profunda necesidad de que las cosas empiecen a funcionar. ¿Sonaría más cool si dijera que quiero mantenerme en el underground y ser el secreto mejor guardado del pop mundial? Sí. ¿Es eso realista? No”, reflexiona la cantante. “En vez de eso, creo que es una oportunidad mucho más grande el poder llegar al mainstream e influenciar la cultura pop. Que la gente alrededor del mundo escuche mi música y comparta mi mensaje”, concluye Allie.

Lee la entrevista completa con Allie X en nuestro número 94.

Grimes comparte 7 videos musicales

Grimes acaba de publicar siete videos musicales, cuatro de estos pertenecen a las canciones de su último disco Art Angels.

La cantante Grimes estrenó una cinta de 38 minutos, conformada por siete videos musicales grabados con su teléfono celular y contando solo con la ayuda de su hermano y su mejor amiga Hana Truly. Estos forman parte de la trama de The AC!D Reign Chronicles, un proyecto en conjunto con la artista HANA. De los siete videos cuatro son de la intérprete canadiense, en los cuales se encuentran“Butterfly”, “World Princess part II”, “SCREAM" que cuenta con una colaboración de Aristophanes y “Belly Of The Beat”. Mientras que la nueva sensación de la internet, HANA, aporta con los videos “Underwater”, “Chimera” y “Avalanche”.

Todos los videos fueron grabados durante la gira por Europa el verano pasado, gira promocional de su cuarto disco, Art Angels, lanzado de manera digital el 6 de noviembre de 2015 y en formato físico el 11 de noviembre a través de la compañía discográfica 4AD, quienes también trabajan con bandas como Camera Obscura y Deerhunter.

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Ya que el proceso de grabación de estos videos fue muy sencillo, la cantante Grimes explicó el proceso de estos a través de Twitter. Esto fue lo que dijo: “Este verano me fui de gira con mi hermano Mac y también me llevé a mi mejor amiga Hana. Juntos filmamos un montón de videos. Los siete videos se grabaron durante dos semanas a través de toda Europa, durante el tour de The AC!D REIGN. Son vídeos al estilo guerrilla, sin personal, maquillaje, buenas cámaras o iluminación. Solo nosotros y un teléfono móvil, así que no esperen nada increíble”.

Sin duda este ha sido un año excelente para Grimes, pues además de haberse presentado en el Glastonbury de este año, fue la imagen para la fragancia de la reconocida Stella McCartney, hija de Sir Paul McCartney y fue parte del soundtrack de Suicide Squad. Los videos de la cantante, que se presentará en nuestro país para el festival Corona Capital, se pueden ver justo aquí:

Nick Cave & The Bad Seeds estrenan video

Nick Cave and The Bad Seeds ha compartido el video de la canción “Girl In Amber” para darle seguimiento a la promoción del disco Skeleton Tree.

El decimosexto álbum de estudio del australiano Nick Cave fue publicado en plataformas digitales el 9 de septiembre a través de la compañía Bad Seed Ltd, a pesar de eso, la agrupación acaba de compartir el video para la canción “Girl In Amber”. Este tema es el tercero del álbum Skeleton Tree, el cual fue producido por el mismo Nick Cave y el guionista de cómics Warren Ellis.

Skeleton Tree

Durante la grabación del disco en el estudio Retreat Recording, localizado en Brighton, Inglaterra, la banda Nick Cave & The Bad Seeds le pidió al cineasta neozelandés Andrew Dominik, quien es conocido por la película Killing Them Softly, que tomara un video de las sesiones de grabación que iniciaron en 2014 y finalizaron en los primeros meses de este año. El director de Chopper aceptó, pero decidió convertir todo el material que tenía en un documental, el cual llevó el nombre de One More Time With Feeling, y que fue estrenado un día antes de que fuera lanzado el álbum.

nick cave

Del documental con una duración de 112 minutos salió suficiente material para el video de “Girl In Amber”, pero también de “Jesus Alone” y “I Need You”. Todos estos tan solo muestran a Nick trabajando en el estudio de grabación, y aunque los videos son muy sencillos, el blanco y negro y la forma en la que Nick Cave se muestra frente a la cámara hacen de los videoclips algo muy emotivo y muestran un lado muy personal del cantante.

Puedes ver el video justo aquí:

The 1975 en el PEPSI Center WTC

¿Por qué el pop es tan divertido?

Las filas afuera de los conciertos pueden ser engañosas. Algunas veces una fila inexistente puede ser el preámbulo para el mejor concierto de tu vida, o una espera de diez horas puede terminar decepcionándote y arruinando tu espíritu groupie. Sin embargo, la fila de ayer afuera del Pepsi Center previo al debut de The 1975 en suelo mexicano fue un claro reflejo de lo que estaba a punto de pasar.

La gente formada desde las 9 de la mañana podría parecer un espejismo de una banda cuya breve trayectoria no es suficiente para justificar tanto hype en torno a su presentación. El sold out ya era un indicio de que algo especial habría en este concierto y todo esto terminó cumpliéndose a la perfección. A menos que hayas sido de esas personas que se formaron precisamente a las 9 de la mañana para estar en primera fila y tuvieron que salir antes de que iniciara el show a causa de los múltiples desmayos que hubo, perdiéndose así el concierto de sus vidas; pero bueno, entienden el punto.

Para quien también fue el show de sus vidas fue para Rubytates, la banda telonera, que cuando subió al escenario en punto de las 20:00 horas recibió el aplauso de un auditorio extasiado que, los conocieran o no, los hizo sentir como si solo hubieran ido a verlos a ellos. La joven agrupación cumplió con creces su labor y dejó el ambiente más que listo para recibir a los originarios de Wilmslow.

La verdadera explosión llegó a las 21:00 horas, cuando Matthew Healy, Adam Hann, Ross MacDonald y George Daniel tomaron el escenario y lo hicieron suyo con las primeras notas de “Love Me”. O más bien el público lo hizo suyo, porque fue tanto el estruendo que se escuchó en el recinto de la Colonia Nápoles que la música dejó de escucharse por un momento y el grito de los asistentes fue el protagonista. Y esto pasó toda la noche. Canción tras canción. El impresionante escenario que combinaba iluminación, proyección digital y mapeo sobre cuatro estructuras físicas se fue adaptando para reflejar la emoción exacta de cada tema que interpretaron y el público se emocionó con cada cambio que hubo.

Definitivamente no podían faltar los sencillos favoritos de todos los asistentes, pero la presentación de ayer fue algo mucho más especial que cantar las canciones famosas. Con un setlist de 21 temas, los grandes éxitos de The 1975 y  I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it se hicieron presentes, pero también canciones incluidas únicamente en sus EP’s (o la versión deluxe de su álbum debut) encontraron en México el lugar ideal para ser interpretadas por la banda inglesa. Temas como “So Far (It's Alright)”, “Anobrain”, “Me” o “Fallingforyou” fueron coreados por cada uno de los presentes en un vacío en la variable tiempo/espacio en el que niñas, adolescentes, mirreyes, novios y mamás se volvieron uno mismo para externar su devoción por los liderados por Matthew Healy y demostrar que más que hype, The 1975 es una de las bandas actuales con una de las bases de fans más sólidas que he visto en mucho tiempo.

Tras una breve pausa, los ingleses regresaron al escenario para cerrar con broche de oro e interpretar “If I Believe You”, “Chocolate” y “The Sound”. Para ese momento el éxtasis de la gente por estar cerca de sus ídolos era tal que Matthew tuvo que parar unos segundos y hacerle una petición a la gente: Disculpen mi pésimo español pero, por favor, háganse dos pasos para atrás, dijo al tiempo que señalaba a algunas afortunadas de la primera fila que probablemente estaban al borde del desmayo. Esto preparó el terreno para despedirse con “Sex”, tema que desató la locura en el Pepsi Center después de que el vocalista pidiera a todo el público que saltara al ritmo de la canción, algo que ocasionó un micro temblor que seguramente quedará en la memoria de aquellos que pudieron estar ahí.

Si hay algo que define al pop es que nadie puede escapar de él. Te divierte, te entretiene y te hace mover irrefrenablemente hasta que tus pies no puedan más. O hasta que te desmayes. Y ayer, The 1975 logró todo eso y más con uno de los conciertos más divertidos que se han vivido y que todos los presentes seguramente estarán contando los días para repetir.

Garbage comparte el video "Magnetized"

Garbage ha compartido el video de la canción “Magnetized”, la cual se desprende de su más reciente álbum Strange Little Birds.

Hace un par de meses la banda liderada por Shirley Manson lanzó su sexto álbum de estudio, el segundo grabado bajo su propio sello discográfico, Stun Volume. Este disco que los llevó en una gira promocional por todo el mundo, incluso los integrantes de Garbage se presentaron hace poco aquí en nuestro país, en la Arena Monterrey y la Arena Ciudad de México.

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El video de “Magnetized” fue dirigido por Scott Stuckey y grabado en los estudios Pancake Mountain en Los Ángeles. Scott es reconocido por cineastas como JJ Abrahams por el programa de televisión que le da nombre a su estudio de grabación, además por su trabajo, ya sea como productor musical o director de videoclips, con bandas como R.E.M. y The White Stripes. En el video podemos ver una escenografía llena de complejos aparatos científicos, jeringas y frascos con extraños contenidos.

Sobre el video, esto fue lo que dijo su vocalista, la escocesa Shirley Manson: “Queríamos crear una oda a la magia de la ciencia y a los misterios del amor, 'Magnetized' es una de mis canciones favoritas del álbum”.

Pueden ver el nuevo video de Garbage justo aquí: