Entrevista con El Guincho

Una revancha con México: entrevista con El Guincho.

Puede ser que cualquier artista, como dice Mick Jagger en aquel icónico episodio de Los Simpson, siempre diga que el lugar en donde está es el más increíble del mundo. Puede ser que hayamos escuchado muchas veces que México es el mejor lugar en el que cualquiera haya tocado y, también, puede ser que no sea del todo cierto. Sin embargo, cuando Pablo Díaz (aka El Guincho) menciona a nuestro país en la entrevista que le hago se escucha auténtico y honesto.

“Estoy muy agradecido. Desde antes de que saliera Alegranza ya estábamos en México y ya había gente que me seguía. Siempre han sido un público respetuoso y exigente, también, cuando tienen que serlo. Y eso me gusta. Tengo muchos amigos que vivieron lo que acaba de pasar directamente y trato de aportar mi granito de arena yendo allá para cerrar este proyecto”.

No sorprende, de hecho. Díaz se ha presentado en nuestro país varias veces en los últimos años: alguna de ellas en el Teatro Fru Fru, otra en el Vive Latino y otra en la House of Vans de hace algunos años. En todas ellas ha sonado diferente y el público le ha hecho justicia. Ahora regresa una vez más y cuando le pregunto qué se puede esperar de este nuevo concierto, sin titubear responde:

“Este show es muy especial porque va a cerrar todo el proyecto de HiperAsia. Siempre pienso que cuando hemos ido no he podido –por una cosa u otra– dar todo lo que podría dar y quise retrasar la ida a México para cuando la banda sonara bien de verdad".

Es casi como si fuera una revancha, como si por fin hubiera encontrado el método ideal para sonar tan bien en vivo como en sus discos.

“Ahora es una nueva banda y para ellos también ha sido todo un proyecto con música difícil de tocar. Por eso ahora que todo suena muy bien sabía que tenía que ir a México a devolver todo ese cariño al público mexicano que siempre me ha seguido, haga lo que haga”.

Y resulta curioso que lo haya encontrado con un disco que tiene todo menos una directriz para interpretarse en vivo. Escuchar HiperAsia es adentrarse a un mundo enteramente digital que pareciera no tener cabida para la visceralidad de un concierto en forma. ¿Cómo fue llevar todo ese universo arriba de un escenario? Parece que no sencillo.

“De instrumentos convencionales solo llevamos una guitarra, vamos con máquinas. Pero nos hemos dado cuenta que la manera de hacer que cobren vida esas canciones es no loopeando cosas, no llevamos loops. Interpretamos todo en vivo, tocando los sonidos con sampler, un poco más old school”.

Suena a una labor que lleva tiempo, paciencia y dedicación y, en la vida de alguien como El Guincho, pareciera que eso es lo que menos tiene. Siempre se encuentra haciendo algo, si no es produciendo bajo su nombre de batalla, es haciéndolo para alguien más o experimentando con nuevas identidades. HiperAsia vio la luz a inicios de 2016 y, en menos de un año, las actividades de Pablo no han sido pocas.

“He estado escribiendo muchas canciones para otros artistas, produciendo mucho y especialmente trabajando en un álbum que va a salir el año que viene en el que estoy trabajando con un artista que no puedo decir cuál es, pero en 4 o 5 meses yo creo que ya lo verán. Ha sido un año muy importante para mí”.

Sobre las colaboraciones dice. “He estado involucrado en el último álbum de C. Tangana mezclando y produciendo para él y trabajo haciendo música para artistas pop de todo el mundo sin firmar como El Guincho. También he estado haciendo música mía y tal vez salga el año que viene, no sé si en formato de disco o singles porque he estado trabajando en el otro disco colaborativo que te mencioné. Pero es seguro que la gente podrá escuchar singles nuevos de aquí a poco tiempo”.

Díaz es un tipo inquieto y hace unos años lanzó a la luz un proyecto llamado Trances que pareciera haber olvidado con el tiempo. A la distancia luce como un tesoro que se puede desempolvar y como una de las tantas rutas que próximamente podría retomar.

“Música para pinchar, para el club siempre estoy haciendo y Trances fue una cosa que salió después de que me diera cuenta de 4 o 5 piezas que podían ir juntas y me gustó probar el formato web autodestructivo, lo probé por primera vez con Trances de hecho. Claro que vendrá algo después, tengo muchas piezas que podría firmar como Trances y que podría publicar en algún momento".

El futuro, entonces, luce brillante para El Guincho. Con mucha música lista para ver la luz, parece importante conocer más sobre los formatos que explorará en esta ocasión. Al parecer será algo mucho más convencional. El mundo de HiperAsia está a punto de cerrarse.

“En HiperAsia como proyecto entero (música, show formato visual) todo tenía que ir por ahí, porque era una reflexión entre el yo digital y el yo real y enfrentar eso en una pelea, en un ring de boxeo. Para lo que sigue yo creo que contrastaré con eso tal vez con videos o singles digitales. Después de que con HiperAsia recuperé el control de todo lo que quiero hacer, quizá lo que venga después vaya más por ahí”.

La fecha para que HiperAsia cierre sus puertas es el próximo 30 de noviembre en el Foro Indie Rocks!. Pablo asegura que habrá canciones de toda su discografía y que será un espectáculo que ningún fan podrá olvidar.

La NASA pondrá a la venta una colección musical

El box set lleva por nombre Voyager Golden Record, que será lanzado en formato vinilo y CD.

En 1977 se lanzó una compilación llamada The Sounds of Earth al espacio en las sondas Voyager. Dicho trabajo, fue manufacturado por la Administración Nacional de la Aeronáutica y del Espacio, mejor conocida como NASA por sus siglas en inglés. Conjunto a la institución, Carl Sagan fue parte del comité encargado de la misión y la curaduria. En su carrera profesional, Sagan impulsó el envío de mensajes a bordo de sondas espaciales, destinados a informar a posibles civilizaciones extraterrestres acerca de la cultura humana.

Hablando del contenido, el material incluía una visión auditiva de la vida en la Tierra para cualquier forma de vida inteligente que pudiera recibirla. La colección presentaba sonidos de la naturaleza, saludos en 55 idiomas y música de BachBeethoven, Mozart, Chuck Berry y más. Desde entonces, el LP no ha estado disponible para el público, sin embargo, después de una exitosa campaña de Kickstarter, todo está por cambiar. Light in the Attic anunció un box set denominado Voyager Golden Record, que marca el primer lanzamiento de Ozma Records, una nueva casa discográfica que se especializa en la "intersección de la ciencia, el arte y la conciencia".

El álbum estará disponible como un conjunto de dos CD, y un set de vinilos, que tienen por fecha en febrero. Ambas ediciones incluyen audio remasterizado y notas de trama de Timothy Ferris, quien produjo el LP original.

La sonda Voyager 1 acelera a lo largo de 17 kilómetros por segundo, donde pasarán otros 40,000 años antes de que la nave espacial pase a 1.6 años luz de una estrella en la constelación Camelopardalis, la más cercana a nuestro planeta.  Puede que nunca sepamos si una civilización extraterrestre alguna vez escuche el disco hecho de gramófono o siquiera lo reciban, mientras eso llega a suceder, la raza humana ya puede tener en su poder la edición especial para profundizar en los denominados sonidos de la Tierra.

Albert Hammond Jr. comparte su lado navideño

El invierno comienza a despertar y con el, los artistas que se aventuran a hacer versiones de los clásicos de temporada que servirán de soundtrack para las festividades navideñas.

Como cada año Amazon lanzará Indie for the Holidays, recopilación donde distintos artistas pop rock  de la escena independiente muestran su muy particular forma de interpretar la época decembrina. Anticipándose a la salida de dicho material programado para revelarse el 1 de diciembre, Albert Hammond Jr. –guitarrista de The Strokes– nos regaló su nostálgica versión de"The Little Boy That Santa Claus Forgot", clásico tema de 1937 que se hizo popular en la voz de artistas como la inglesa Vera Lynn o Nat King Cole.

Sobre una estructura sencilla y emotiva constituida por guitarra y cello, Hammond entona en un par de versos la historia de una navidad no tan perfecta; dando un giro inesperado al escabullir brevemente un fragmento de “My Sweet Lord” de George Harrison.

Escúchala a continuación.

Aquí el tracklist completo de Indie for Holidays.

“Blue Christmas,” Kevin Morby
“All I Want For Christmas (Is You),” Charly Bliss
“Coventry Carol,” Lemon Twigs
“Little Saint Nick,” Best Coast
“Oh Winter,” Eisley
“(There Won’t Be) One More Christmas,” Coco Hames
“Merry Christmas Baby,” Blond Ambition
“Brighid’s Flame,” Jeff The Brotherhood
“Anything Helps,” Matt Costa
“Christmas with Bandini,” Korey Dane
“Christmas (Baby Please Come Home),” Great Grandpa
“The Little Boy That Santa Claus Forgot,” Albert Hammond, Jr.
“Little Altar Boy,” Dean & Britta
“When The Snowflakes Fall,” Freedom Fry
“To Heck With Ole Santa Claus,” Jessica Lea Mayfield
“Feliz Navidad,” Susto
“Christmas in Latinoamerica,” Mexican Institute of Sound
“A Wonderful Christmastime,” Slow Dancer

 

Ty Segall estrena "The Main Pretender"

El multiinstrumentista californiano estrenó tema: "The Main Pretender".

Ty Segall ha estado imparable, siendo 2017 un año bastante fructífero para el oriundo de Laguna Beach, California. Con el estrenó de una placa de larga duración homónima seguida de dos EPs: Sentimental Goblin Fried Shallots, el músico nos regala un nuevo tema. "The Main Pretender", nombre del nuevo sencillo y sucesor de "Alta", "Meaning"“My Lady’s On Fire”, canciones que ha liberado en el transcurso de la segunda mitad del año en curso.

"The Main Pretender" se podría catalogar como un híbrido entre jazz, garage y rock, tema que acompaña el increíble Mikal Cronin en el saxofón. Cronin, es un asiduo en el bajo de los live shows de Ty Segall, además de colaborar en algunas producciones. El músico, también tiene tres LPs en solitario, y es miembro de diversos proyectos como Okie Dokie, Epsilons, Party Fowl y Moonhearts.

Dichos singles mencionados anteriormente, han estado separados exactamente por dos semanas entre cada lanzamiento. Uno de los vínculos que une a cada canción, es que el arte de cada tema está caracterizado por un color. Tal vez, todo este lanzamiento casi sistemático entre sencillos y la gama de colores brillantes en cada uno se trate de un nuevo material de estudio de Ty Segall, que unan en un todo estas singulares pistas. O tal vez, solo se trate de grandes sencillos de la extensa cosecha del interprete.

Ty Segall visitará la Ciudad de México el próximo 9 de diciembre en HIPNOSIS, festival que rinde culto a la distorsión y juntará a grandes exponentes de garage y psicodelia. A la celebración, se unirá Black Rebel Motorcycle Club y The Black Angeles creando un evento único lleno de grandes riffs y distorsión. Escuchas "The Main Pretender":

Frank Ocean lanza la versión física de 'Endless' ¡solo por hoy!

El cantante Frank Ocean se suma al Cyber Monday y pone este audiovisual a la venta en formatos únicos.

Frank Ocean se ha caracterizado por su forma de lanzar materiales y hoy se ha subido a la lista de cantantes que han dado a conocer merch con motivo del Cyber Monday, por lo que tendrá disponible hasta la media noche de hoy tres versiones físicas de su aclamado Endless. El audiovisual que fue lanzado de manera exclusiva para Apple Music el pasado 19 de agosto de 2016, podrá ser adquirido por sus fans en Vinilo, VHS y DVD.

Checa cómo lucen y si te interesa alguno da clic en la siguiente liga, recuerda, tienes hasta la media noche para hacer tu pedido.

Además de estos afiches de su placa también están disponibles pósters edición limitada. Sin duda una forma muy original de presentar y vender este peculiar material.

Este 2017 ha sido un año muy productivo para Frank Ocean —a pesar de que no ha anunciado un nuevo LP— ya que estuvo al pie del cañón con un programa de radio en Beats 1 al igual que lanzó algunos buzz singles. De igual manera dio a conocer un ensayo fotográfico para la revista i-D en donde refleja su creatividad e identidad en de 32 páginas. Las instantáneas fueron tomadas en la ciudad de Los Angeles y podemos ver algunos autorretratos, fotos de personajes en distintos escenarios y una del director de cine Spike Jonze.

Hello Seahorse! presenta "Dónde estabas (azul)"

Luego de dos años sin lanzar nada, Hello Seahorse! nos da una probada de sus próximos proyectos.

Desde que Hello Seahorse! anunció su regreso a los escenarios —y que ha sido una buena noticia para sus fans— estrenó un tema titulado "Dónde estabas (azul)", una poderosa balada electro pop que describe lo que ellos sintieron luego del sismo del 19 de septiembre y que marca una nueva etapa para los oriundos de Guadalajara.

Acompañada de sintetizadores, batería y un bajo escuchamos a Denisse Guerrero (Lo Blondo) cantando: "Ella me abrazó con tanta fuerza, que casi me parte, me parte en dos, él se agitó junto a mi, tanto silencio, me está quebrando, quebrando por dentro, quiero saber donde estabas tú".

"Lo que quisimos hacer es una estampa, la ciudad es una de nuestras influencias más importantes, dijimos inconscientemente somos una representación de la sociedad y es por eso que realizamos esta canción", declaró Denisse en entrevista con Indie Rocks!.

Dale play a continuación:

El viernes pasado tuvimos la visita de la agrupación en la casa Indie Rocks! donde nos revelaron sus planes después de su show en el Teatro Metropólitan, en los que se planean sacar nuevos temas para sus fans que los esperaron durante estos dos años de ausencia y también nos explican los motivos que los orillaron a tomar un descanso realizando otras actividades de manera independiente.

Checa la entrevista a continuación:

Converge — The Dusk In Us

La oscuridad es más profunda antes de que salga el sol.

Enciende la caja idiota, da scroll a tu timeline, un fav más, espera lindas palabras en un mensaje de Whatsapp que nunca llegará, otro mail de trabajo a las 23:00 H, las malas noticias que siguen brotando de tu red social favorita, “A Single Tear” para denotar que tu ánimo está decaído, que la soledad no apremia, que tenemos que sobrevivir al mercurio retrógrado, a los lapsus existenciales, a los lutos permanentes. Una canción de Converge para reactivar la psique y calmar la ansiedad al brutal compás de su perfecta métrica.

“Eye of the Quarrel” para comprender que el metalcore muta de extrañas formas pero nunca pierde su ímpetu destructivo, Jacob Bannon como la más alta causa de su desarrollo y cinco años de silencio rotos por este material que en “Under Duress” denota su forma siempre emocionante y dramática: gritos descarnados, golpes contusos a cada instrumento, el feedback como transporte perfecto para la brutal catarsis. “Arkhipov Calm” inspirada por el general ruso Vasili Arkhipov, aquel mismo que se negó a apretar el botón rojo y así impedir que la crisis de los misiles cubanos se convirtiera en un hecho maldito para la historia de la humanidad.

“I Can Tell You About Pain”, incesante método de salvación ante todo lo que nos abruma, la furia que nos hace más fuertes, el puño altivo contra todos nuestros enemigos. “The Dusk In Us” como una exaltación existencial entre la bruma instrumental y la voz que nos guía a través de las sombras para enfrentar nuestros fantasmas, “Murk & Marrow” para comprender la evolución de la banda desde Halo in a Haystack, el nacimiento de Jane Doe hasta All We Love We Leave Behind. “Broken By Light” y “Cannibals” como dos poderosos piquetes de abeja que inflamarán la ansiedad por más música explosiva, el deseo de vivir en carne viva una presentación de Converge.

“Thousands Of Miles Between Us” como una amarga despedida al amor que se desvanece entre nuestras manos como la arena blanca de aquella playa a la que no pudimos ir junto a la persona que nos mostró que podíamos ser queridos a pesar de nuestros defectos. “Reptilian” como gran final e invitación a seguir luchando a pesar de la inmundicia. Un disco clave para entender la vasta obra de Converge que corona años de esfuerzo y permanencia gracias a su lírica existencial y su tónica siniestra, flamable, poderosa. Riffs que emanan sudor y sangre, el bajo que marca un paso incesante a una lucha contra sí mismo, la batería que bajo control se golpea como las patas de una araña al suelo mientras huye de un ataque de insecticida, y la voz, creatividad y mantras de Jacob Bannon que nos enseñan que la obscuridad más profunda se presenta antes de que salga el sol a iluminar un nuevo camino.

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Entrevista con Cage The Elephant

La importancia de la veracidad: Cage The Elephant.

Entre grandes nombres, figuras emblemáticas, y leyendas musicales, la banda estadounidense, Cage The Elephant, se abrió paso en la séptima edición del Festival Corona Capital. Con su singular carisma y ritmos empapados de la nostalgia que remiten a los clásicos del rock, los vanguardistas hermanos Shultz y compañía no contuvieron su energía, y regalaron un espectáculo inolvidable.

Para Brad Shultz lo más importante es la espontaneidad en sus shows. “Tratamos de ser lo más espontáneos posible, y agregamos un valor teatral a través de las máscaras y nuestros outfits, pero generalmente es la energía de la gente la que te conecta”, dijo el guitarrista a Indie Rocks! en entrevista previa a su presentación.

Unpeeled es la producción más reciente de los originarios de Kentucky, el cual recopila los temas favoritos de la banda, además de algunos covers como “Instant Crush” de Daft Punk. Inspirados por el Bridge School Benefit Concert, en el que tuvieron la oportunidad de tocar con un cuarteto de cuerdas, los músicos se aventuraron a lanzar un disco acústico que los hiciera salir de su forma de confort. “El concierto benéfico despertó la idea de empezar a componer con guitarras acústicas, tener un poco más de nostalgia. Fue muy divertido, personalmente fue algo muy importante. Así que decidimos que queríamos grabar de esa manera”, confesó el artista.

Cage The Elephant es una banda que también desde 2006 ha entregado música de lírica y melodías poderosas, y el secreto, de acuerdo con Brad, es la honestidad. “No tenemos algún lema, pero quiero ser lo más honesto que se pueda, y mostrar lo que la experiencia nos ha dado hasta ahora. El aprender de las cosas por las que hemos atravesado y lo que hemos visto. Cada uno hemos experimentado cosas diferentes, pero esperamos que la música conecte y pueda ayudar de alguna manera”.

Uno de los músicos de nuestros días más admirados por la banda es el controversial Kanye West. En entrevista para Billboard, el vocalista Matt Shultz confesó querer componer un tema tan fuerte como “Black Skinhead”, a lo que Brad agregó. “A Matt le gusta la forma en que Kanye dice las cosas (musical y líricamente). Creo que lo que Matt quiere es bajar la guardia. Las cosas de la mente pueden querer salir, pero te da miedo estar demasiado expuesto, pero creo que lo que Matt, así como el resto de la banda buscamos es poder llegar a un nivel de veracidad en el que podamos componer conscientemente lo que existe en el subconsciente".

En 11 años de trayectoria la banda ha demostrado estar comprometida con la creación de música que cuente historias y haga sentir emociones. No queda la menor duda de que Cage The Elephant es una banda de artistas entregados, decididos a levantar la voz y disfrutar a lo grande en cada sitio que visitan.

Descartes a Kant en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

El Esperanza Iris como casa de muñecas: Descartes a Kant.

El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, llamado así por la famosa actriz mexicana del mismo nombre, se convirtió ayer en una casa de muñecas, pues albergó la presentación de Descartes a Kant, una agrupación jalisciense con tintes inciertos, pero con un talento innegable. Es difícil encasillar su sonido, pero los presentes avalaron el gran espectáculo que brindaron.

Los asistentes a la cita presenciaron los visuales, relatando las etapas bizarras del amor; con cautela, la banda saltó al escenario con “Sérotonine”, las artistas usaron vestidos de muñeca en rosa y azul; con “Lovely Lips” y “Motion Picture Dream Boy” el ambiente se prendía de a poco y fue notable que era casi un pecado tener a la gente en sus asientos, pues la música los rebasaba. Este primer capítulo de la presentación se destacó por la potencia vocal, lo bizarro y los bailes extraños, con un waltz muy peculiar, usando las típicas máscaras de gas que caracterizan al Victims of Love Propaganda.

Un pequeño respiro para dar paso al capítulo dos, la etapa del desencanto, donde aseguran que “la gente no se enamora, solo se apega”. El sonido predominante del violín en “Apricot Dream”, los vestidos en negro de las dolls y los movimientos acartonados con intención, dieron una representación completa que se coronó con “Until The Day We Die” y su la coreografía, seguida de “You Assfucked My Heart” y “Suppertime Rules”, con lo tóxico en las mismas máscaras de gas, como símbolo del amor nocivo moderno.

La expectativa que las Descartes generaba tras cada canción fue impresionante, los asistentes al recinto vieron como, tras el capítulo tres “El Final de los Tiempos”,  los desenlaces amorosos siempre son decepcionantes. El suspenso que se sintió en “Crime Scene”, con escenografía acorde, movimientos coordinados y la ruptura de las dualidades de género. La noche se terminaba con “The Science of Break-Up”, una burla a la parte narcisista de la música y sesiones de rock potente.

El encore vino tras un descanso, un respiro necesario para acomodar la escenografía para la representación de “Descartes”, una puesta con sonido local tétrico y las cantantes en vestidos de encaje bailando tap, un diván y los recuerdos de la belle époque, el dramatismo rústico de aquellos bailes de can-can y un final abrupto, que terminó con el concierto lleno de visuales bizarros y se dedicó a la temática de Victims of Love Propaganda, olvidándose de sus predecesores Paper Dolls (2006) y Il Visore Lunatique (2012).

La presentación de la agrupación post modernista fue todo un éxito; la gente que se dio cita en el lugar salió abrumada por la puesta tan buena, el sentir común era de satisfacción y se les reconoció al final del espectáculo, con la típica ovación de pie en reciprocidad; parece ser que cada vez se suman más víctimas a esta propaganda del amor.

Hello Seahorse! en el Teatro Metropólitan

Estuvimos en el Teatro Metropólitan para reencontrarnos con estos viejos amigos, quienes se tomaron un “descanso” de su descanso.

La noche fría de un sábado de noviembre (bueno, 11 grados, para no ser exagerados) nos dimos cita en el Teatro Metropólitan para ver uno de los contadísimos shows de Hello Seahorse! en este 2017; tuvo una presentación en Guadalajara este mismo mes, y estará haciendo algo en cabina para los 13 años de Reactor, fuera de eso, esta era la oportunidad de degustar formalmente a la banda en un buen tiempo (2016 tampoco estuvo muy movido, aunque los tuvimos con nosotros en Jammin’). Una vez dentro del recinto, Denise Gutierrez (a quién seguiremos llamando Lo Blondo, ya que no se debe tirar un apodo tan cool a la basura) celebró la ocasión haciendo una dedicatoria medio extraña, pero elegante:

  • “La siguiente canción va dedicada al 25 de noviembre del 2017, presentación de Hello Seahorse!".

Y acto seguido presentó a la banda: Bonnz! en la bataca, Reez en percusiones, Fernando Burgos "OroDeNeta" en teclados/bajo y Joe en guitarra; finalmente le entraron a una recortada versión de “Al Fuego”. El lleno total en el Metropólitan había disfrutado hasta aquel entonces una de las mejores presentaciones de una de las bandas mexicanas más finas de los últimos 10 años.

Había sonado “Bestia”, “Algún día (Alicia)” y “Oso polar”, así como otros favoritos del público. Los cuatro músicos, así como tres coristas (en algunas canciones), estuvieron esparcidos por ese grande escenario. Denise se escurría por el escenario durante “No es que no te quiera” al ritmo cadencioso, electrónico, de la rola; de fondo unas calientes luces rosas de neón y las coristas moviéndose en vaivén…un momento 100% electro pop, 100% Hello Seahorse!.

Para “Crimen”, Lo Blondo se bajó por el pasillo del Metropólitan, y se abrió paso entre sus fans, quiénes no podían creer que la cantante venía hacia ellos, hasta la chavita callada a mi lado se prendió y saltó para seguirla por los pasillos. Había mucha gente apasionada por el grupo, y creo que no hubo una sola canción que no fuera coreada.

El resto de la banda también se estaba divirtiendo, Bonnz! casi saltaba de su batería en canciones como “No te vayas al bosque”, y se coordinaba chido con la caja de ritmos cuando este aparato estaba sonando; Joe se barajeaba entre una Les Paul dorada para roquear y una Fender Strat más humilde para las partes de guitarra que requerían un sonido más surf rock, más película de James Bond. ¿Reez? creo que lo vi fumando durante un número, aunque pudo simplemente haber sido una ilusión óptica entre tanto humo y luces; sin embargo, es interesante como la banda, reconocida por sus texturas sonoras, se decidió por incorporar a un percusionista como miembro nuevo, en vez de un bajista formal que le haga el paro a Burgos.

La voz penetrante de Lo Blondo, entrenada formalmente para el canto, conectaba con el público en “Arunima”, y la cadenciosa “El Artista”, pero también sacudía el alma como cuando se hincó frente a la batería de Bonnz! para aventarse un grito desgarrador en “Velo de novia”, eso en El Plaza Condesa hubiera sido el final de mis tímpanos, pero la renombrada acústica del Metropólitan estuvo a la altura, especialmente en “Un año quebrado”, uno de los mejores momentos de la noche, durante el encore, cuando las tres coristas y Denise armonizaban, mientras que el bombo de la batería, en conjunto con el beat de la caja de ritmos, golpeaba nuestros pechos y revolvía las entrañas.

Ya está a la venta el disco Hello Seahorse! 10 Años, un conjunto de canciones en vivo que repasa la carrera de la banda, y es bueno para darse una idea de la potencia que tienen sobre el escenario, pero aprovechen la oportunidad de verlos en persona lo más pronto posible, entre poca actividad y tiempos de descanso, no será agradable andarse arrepintiendo más adelante.